Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIe siècle. La vaste scène est animée par de nombreuses figures entrelacées : au centre, illuminée par un rayon de lumière venant d'en haut, Marie tenant l'Enfant Jésus dans ses bras, sous le regard de saint Joseph à droite ; à gauche, les trois Rois mages, portant leurs présents dans de riches coffrets, et toute leur suite, ainsi que les anges qui veillent sur la scène. Détail curieux : deux petits anges en bas, préparant la crèche pour accueillir l'Enfant Jésus. Le tableau a été restauré et rentoilé. Encadrement d'époque.

Huile sur toile. La scène représente une supplique de clémence adressée au roi : un homme implore sa grâce pour un jeune homme sur le point d'être décapité par deux serviteurs ; curieusement, une tête couronnée gît aux pieds du roi. La scène se déroule dans un camp près d'une ville, en présence de plusieurs soldats. Les deux prisonniers sont vêtus en civil, tout comme les serviteurs qui brandissent leurs épées au-dessus d'eux. Bien que la scène ne soit pas clairement liée à un épisode biblique précis, elle vise assurément à illustrer la miséricorde du roi, opposée à une justice implacable. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, redoré.

Huile sur toile. École d'Europe centrale, milieu du XIXe siècle. Au centre de la scène, devant un trône surmonté d'un dais de velours rouge et flanqué d'insignes royaux, un roi règle un différend entre deux groupes d'hommes, représentés par plusieurs dignitaires en civil. Derrière eux, deux drapeaux différents flottent au milieu de la foule ; il s'agit probablement de deux factions politiques de la même ville. La silhouette de la ville en arrière-plan situe la scène dans un contexte d'Europe centrale. La peinture a été appliquée sur un panneau de contreplaqué au début du XXe siècle. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École française, fin du XVIIe siècle. Ce tableau s'inspire d'une œuvre de Nicolas Poussin, réalisée vers 1635 et actuellement prêtée à la National Gallery d'Édimbourg. Cependant, comparée à cette dernière, la nôtre présente de nombreuses variations et est beaucoup plus petite (toute la partie droite de la scène de Poussin, riche en personnages au premier plan et à l'arrière-plan, a été supprimée). Le sujet relate un épisode biblique du Livre de l'Exode : le peuple d'Égypte errait dans le désert du Sinaï, assoiffé ; Dieu ordonna alors à Moïse de prendre son bâton, de rassembler les anciens et de frapper le rocher d'Horeb devant le peuple ; de là jaillit une source d'eau, où tout le peuple put se désaltérer. Le tableau présenté a été restauré et rentoilé. Il est encadré dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École vénitienne, XVIIIe siècle. Vaste paysage nordique, avec des sommets montagneux en arrière-plan et une rivière traversant la campagne, surplombée par des maisons et des ruines ; plusieurs voyageurs cheminent entre les rochers. Déjà restaurée et rentoilée au début du XXe siècle, la toile nécessite un nettoyage supplémentaire. Encadrée.

Huile sur panneau. Cette œuvre, d'une facture amateur, rappelle le style de Guido Reni, qui a réalisé de nombreux portraits du légendaire devin, traditionnellement coiffé d'un turban. Elle est présentée dans un magnifique cadre contemporain en bois doré.

Huile sur toile. Une jeune femme casquée et vêtue d'une cotte de mailles, tenant une hallebarde, est représentée. Au-dessus d'elle, son nom. L'épithète « Amazone » désigne essentiellement une guerrière, mais il n'est fait mention d'aucun personnage nommé Leandra. Par ailleurs, le mythe des guerrières, les Amazones, a connu un grand succès et a inspiré une abondante production artistique et littéraire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École émilienne, XVIIIe siècle. Cette grande toile représente la Vierge Marie en gloire, assise sur des nuages, tenant l'Enfant Jésus dans ses bras ; des anges et des chérubins ailés voltigent autour d'elle. La scène entière est caractérisée par la lumière et le mouvement, et une atmosphère de légèreté et de sérénité ; les petits chérubins, en particulier, sont représentés dans des poses joyeuses et enjouées, contrastant avec l'attitude sérieuse, mais souriante, des deux anges et de Marie et Jésus, engagés dans un geste symbolique important. En effet, l'ange de droite et les deux chérubins en dessous tiennent des scapulaires — deux pièces de tissu rectangulaires reliées par un cordon — et les tendent à Marie. Ces objets sont un symbole de dévotion lié à la Madonna del Carmine (ou Vierge du Mont-Carmel), l'une des plus anciennes et des plus répandues dévotions mariales, associée à l'Ordre des Carmes fondé sur le Mont-Carmel en Terre Sainte au XIIe siècle. Symbole de protection et de consécration, le port du scapulaire – geste accompli par divers ordres religieux et laïcs – équivaut à un engagement à vivre sa foi unie à Marie, en imitant ses vertus. Le tableau célèbre ainsi l'engagement de Marie à prendre sous sa protection ceux qui lui font confiance. Provenant d'une importante collection bolonaise, la toile a été restaurée et rentoilée.

Huile sur toile. Camilla est un personnage de l'Énéide de Virgile, reine des Volsques : dévouée à Diane, elle est à la fois chasseresse et guerrière. Intrépide et courageuse, elle déploie toute sa beauté extraordinaire. Elle était considérée comme la reine des Amazones, ces figures étant les guerrières par excellence. Le personnage de Virgile connut un long succès littéraire et artistique. Ici, la femme est représentée en armure du XVIIe siècle, prête à dégainer son épée, alors que dans la mythologie, Camilla combattait à l'arc. Son nom est inscrit en haut du tableau. La toile a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIIe siècle. La Sainte Famille traditionnelle représente Marie occupant toute la partie centrale de la scène. Son regard, illuminé par un sourire, est tourné vers l'Enfant Jésus couché sur ses genoux, attirant ainsi l'attention du spectateur. Le bon Joseph, comme toujours, est judicieusement placé à l'arrière-plan, veillant sur les deux figures sacrées qui lui sont confiées. Au dos de la toile figure une étiquette d'inventaire du début du XXe siècle. L'œuvre est présentée dans un cadre ancien doré.

Huile sur toile. École émilienne du XVIIe siècle. Marie et Jésus sont représentés dans une pose d'une grande intimité, dans un jeu d'étreintes et de regards. Le visage de Jésus, tourné vers le spectateur, exprime la joie d'un enfant dans les bras de sa mère, plutôt que la projection du Christ vers son destin. Seule la petite pomme que l'enfant tient dans sa main, presque dissimulée, évoque son rôle de rédempteur. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Disciple de Carlo Cignani

Huile sur toile. Cette œuvre est l'une des nombreuses versions et répliques contemporaines d'une œuvre de Carlo Cignani, témoignant du succès du sujet. Elle provient probablement de son atelier ou de l'un de ses disciples. L'allégorie de la Charité était l'un des thèmes de prédilection de Carlo Cignani, qu'il a peinte à plusieurs reprises. Elle est toujours représentée comme une femme allaitant, souvent entourée de nombreux enfants, symbole de l'amour inconditionnel qu'elle prodigue. Dans cette représentation, la femme allaite deux enfants plus âgés tout en recouvrant le nouveau-né emmailloté qui dort dans son berceau. La scène, à la fois vivante et sereine, est caractérisée par des gestes naturels, simples et pourtant empreints de tendresse ; l'un des enfants tient deux cerises, symbole d'amour et de douceur. Le tableau porte des traces de restauration et de rentoilage effectués à la fin du XIXe siècle. Le cadre doré, orné de frises, date également de cette époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIIe siècle. Un vase amphore renferme une composition de fleurs panachées, avec quelques fruits (une grenade et des raisins noirs) à sa surface. Composition décorative classique, souvent associée à d'autres tableaux. L'œuvre a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École hollandaise, XVIIIe siècle. Dans cette scène dramatique, trois voiliers sont à la merci d'une mer déchaînée ; deux d'entre eux arborent le pavillon néerlandais, tandis que le troisième, plus petit, presque une barque, arbore un autre pavillon. Le ciel et la mer gris et orageux forment un fond uniformément sombre, avec un mince rayon de lumière à droite, filtrant à travers une trouée dans les nuages. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord. Une jeune femme souhaite témoigner de sa passion, ou peut-être de son engagement, envers le monde de la musique en se faisant portraiturer avec une partition à la main. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré d'époque.

Huile sur toile. École napolitaine, XVIIe siècle. Ce tableau, autrefois attribué à Scipione Compagno (1624-1680), s'inscrit dans son style pictural (caractéristique de l'imagerie narrative propre à la culture napolitaine du XVIIe siècle). Il représente des scènes et des événements foisonnant de personnages, de paysages et de vues, dans une palette de bruns et de beiges, rehaussée de touches de couleur qui mettent en valeur les personnages principaux. La scène, foisonnante de figures, montre au premier plan l'armée égyptienne submergée par les eaux de la mer Rouge, tandis qu'à l'arrière-plan, sur le rivage, les Israélites, désormais sains et saufs, observent la scène et célèbrent l'événement par des chants et des danses. Au centre, plus loin, Moïse se tient debout, levant le bras avec son bâton, dans le geste qui évoque le miracle de la séparation des eaux. Le tableau a été restauré. Il présente actuellement une légère perte de couleur sur la gauche. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École française du XVIIIe siècle. Le noble, représenté en armure par-dessus un costume civil orné de dentelles et de galons, arbore la prestigieuse distinction de la Croix de l'Ordre de Malte. Le tableau est encore sur sa toile d'origine, mais porte des traces de restaurations anciennes et récentes. Au dos figure un cartouche descriptif illisible. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Copie par Jacopo Palma il Vecchio

Huile sur toile. Le tableau original, fidèle à l'original jusque dans ses dimensions et appartenant à une collection privée, a été exposé en 2022 lors de l'exposition organisée par le Musée Santa Caterina de Trévise. L'œuvre représente la Vierge à l'Enfant au centre, avec deux saints à droite, presque isolés dans une conversation spirituelle. La figure la plus à droite est sainte Catherine, reconnaissable à son symbole de la roue dentée ; à gauche se trouve saint Joseph, représenté avec un visage juvénile, probablement parce qu'il reprend les traits du saint patron. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre doré, de style d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIe siècle. Le tableau représente la Vierge à l'Enfant, tous deux couronnés, tenant une fleur dans sa main, bénissant le spectateur. L'iconographie de la Vierge à l'Enfant couronnée ne s'est répandue qu'à partir du XVIe siècle, bien que le thème de la Vierge en majesté et de son couronnement fût déjà courant auparavant. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre en bois du XVIIIe siècle.

Paysage avec des Ruines Classiques

Huile sur toile. Le tableau est accompagné d'un rapport photographique du Dr Giovanni Gentile, expert en art et témoin expert auprès du tribunal de Milan, qui attribue sa paternité à Pieter De Witte, fils illégitime de Pieter Ier et son élève. Pieter II, peintre néerlandais ayant beaucoup voyagé et travaillé en Italie, s'est illustré par ses paysages classiques, baignés de lumière et mettant souvent en scène des vestiges architecturaux antiques. Cette œuvre souligne également la lumière qui inonde la forêt et les fantaisies architecturales en contrebas. L'atmosphère est silencieuse et déserte, créant une impression d'Arcadie mourante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIIe siècle. Un vase amphore renferme une composition de fleurs panachées, avec quelques fruits (figues et raisins) à sa surface. Composition décorative classique, souvent associée à d'autres tableaux. L'œuvre a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Provenant d'une importante villa émilienne, ce grand tableau ornant une porte présente un cadre octogonal à frises enroulées et décor floral. À l'intérieur de ce cadre, un chérubin ailé, tenant une torche allumée, plane au-dessus d'une coupe. Cette figure revêt une signification allégorique, incarnant des concepts liés à la passion, à la lumière ou à la vie. La toile présente de légères lacunes picturales dans sa partie inférieure. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. La scène est entièrement peuplée de personnages, représentés à mi-corps au premier plan : les trois Rois mages, occupant toute la partie droite, présentent leurs présents à l’Enfant Jésus dans les bras de Marie, à gauche, tandis que la figure de Joseph apparaît à l’arrière-plan, telle une ombre veillant sur la famille et la soutenant. Le tableau porte des traces de restaurations antérieures. Il est présenté dans un cadre d’époque du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie, légèrement modifiée, du tableau de Salvator Rosa (1615-1673), conservé dans la Galerie Palatine du Palais Pitti à Florence. Également connu sous le nom de « Marina au coucher du soleil » en raison du large coucher de soleil qui illumine l'arrière-plan à droite, le tableau représente l'activité intense du port. Divers personnages animent la scène : des ouvriers s';affairent à la construction du galion, posé à même le sol et recouvert d'une bâche blanche sous les ruines d'une forteresse dominée par une tour ; un groupe de baigneurs profite des derniers rayons du soleil. L'œuvre présente de nombreuses zones rouillées et nécessite une restauration. Toujours sur sa toile d'origine, elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.