Copie d'Après Paul Delaroche

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie de la célèbre œuvre de Paul Delaroche (1797-1856), qui présente l'histoire du bébé Moïse non pas comme on le représente habituellement, sauvé des eaux, c'est-à-dire au moment où il est découvert par la fille du Pharaon, mais au moment dramatique où l'enfant est confié/abandonné pour échapper au décret pharaonique, sous le regard de sa sœur Myriam, chargée de cette mission, qui veille sur le panier caché parmi les roseaux sur le rivage. L'œuvre originale de Delaroche, datée d'environ 1853, est en réalité perdue, mais elle est connue grâce à des gravures et des études préparatoires. Quelques manques de peinture dus à une éraflure verticale en haut. Le tableau est présenté dans un cadre doré d'époque.

Portrait d'une Jeune Fille

Huile sur toile. Cette œuvre est une copie du tableau « Réflexion » (1893) d'Adolphe William Bouguereau, peintre français réputé pour son réalisme photographique et la perfection de ses détails. Bouguereau a réalisé plusieurs œuvres sous ce titre, caractérisées par des figures féminines, tantôt issues du peuple, comme celle présentée ici, tantôt appartenant à d'autres classes sociales, représentées dans une pose pensive et contemplative. Dans cette œuvre, la jeune femme, assise au bord d'une fontaine de pierre, tient à ses côtés une cruche à remplir. Elle tient une aiguille et du fil, absorbée par sa tâche de raccommodage, le regard perdu dans ses pensées. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Signée en bas à droite D'Elia Alfredo. Composition de dahlias roses et de branches fleuries blanches, évoquant l'aubépine, disposées dans un vase en verre sur fond sombre. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain en bois et stuc doré.

Portrait de Femme

Aquarelle sur papier. Signée en bas à gauche. Vincenzo Migliaro a toujours puisé son inspiration principale à Naples et à sa vie populaire vibrante. Il a représenté diverses figures de la vie quotidienne napolitaine, tantôt dans des décors spécifiques, tantôt en portraits à mi-corps, comme ici. Le papier présente quelques taches d'humidité. Encadrement d'époque.

Portrait Féminin

Aquarelle sur papier. Signée en bas à gauche. Vincenzo Migliaro a toujours puisé son inspiration principale à Naples et à sa vie populaire vibrante. Il a représenté diverses figures de la vie quotidienne napolitaine, tantôt dans des décors spécifiques, tantôt en portraits à mi-corps, comme ici. Le papier présente quelques taches d'humidité. Encadrement d'époque.

Aperçu de la Villa Ligure

Huile sur panneau. Signée en bas à gauche. Dès ses débuts, le peintre lombard Carlo Costantino Tagliabue, d'une grande finesse, manifesta une profonde fascination pour l'étude de la lumière et de la couleur. Fidèle aux préceptes du divisionnisme, il développa un style personnel plus intimiste et moins symboliste, axé sur la restitution pure de la transparence de l'air et de la solidité de la roche sous le soleil. Paysagiste, il représenta principalement des paysages de Lombardie et de la Ligurie voisine. L'œuvre est présentée dans un cadre du début du XXe siècle.

Autoportrait

Stylo sur papier. Signé et daté en bas à droite ; titre à gauche. Au verso, une dédicace signée par sa fillle Gian Maria Arata, datée de 2000. Francesco Arata, originaire de Crémone, était avant tout un peintre paysagiste à la frontière entre classicisme et innovation. Son œuvre comprend de nombreux portraits, notamment de sa période milanaise, mais ici, l’artiste s’exprime à travers un dessin à l’encre esquissé qui met l’accent sur les traits du visage, dominant le reste de la tête et du corps. Présenté sous cadre.

Aperçu d'un Village avec un Vendeur de Fruits

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Vue d'un quartier traversé par un petit pont enjambant un canal ; au centre de la rue, un vendeur de fruits et légumes attend tristement ses clients sur le seuil de sa boutique. Paolo Baroni a réalisé des paysages, des scènes naïves, ainsi que des dessins, des caricatures et des œuvres décoratives. Des traces de restaurations sont visibles au dos de la toile. Elle est présentée dans un cadre contemporain.

Labour à Bugey

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Au dos figure un cartouche de la Société des Beaux-Arts de Lyon avec le titre « Le bourage en Bugey ». Terraire, qui vécut et travailla de nombreuses années à Lyon, se spécialisa dans les paysages de montagne du sud-est de la France, notamment le Bugey (région historique et naturelle de l'Ain, entre Lyon et Genève). Ses paysages mettent en scène des animaux, des troupeaux au pâturage et des paysans vaquant à leurs occupations. L'œuvre présente quelques anciennes restaurations au dos. Elle est présentée dans un cadre contemporain, dont plusieurs parties sont manquantes. Vaches paissant à Saint-Jean-de-Sixt, en Haute-Savoie, près de La Clusaz, un sujet de prédilection de l'artiste. Sa touche ample et colorée sied parfaitement aux somptueux paysages qu'il représente, privilégiant les motifs avec une ligne d'horizon légèrement haute pour mieux exprimer la majesté et la grandeur des panoramas alpins.

Padoue, le Bacchiglione, 1942

Huile sur toile. Signée en bas au centre. Au dos figurent une étiquette commémorant sa participation à la XXIIe Biennale de Venise en 1942, ainsi qu'une autre de l'exposition d'art contemporain de 1943, également à Venise, toutes deux portant le titre. Fioravante Seibezzi appartient au vaste groupe d'artistes post-impressionnistes de l'école de Burano. Il a principalement peint des vues de la ville lagunaire et d'autres villes de la région de Vénétie. Cette œuvre représente une vue du fleuve Bacchiglione, l'un des principaux cours d'eau de la région de Vénétie, qui traverse une grande partie de la plaine du Pô et passe par deux villes importantes : Vicence et Padoue. Présentée dans un cadre contemporain.

Sainte Marguerite Molina

Huile sur panneau. Signée en bas à droite G. Viviani. Vue de la petite église de Molina, surplombant le lac de Côme. Dans un cadre d'époque.

Aperçus de Milan

Trois peintures à l'huile, deux sur panneau recto verso et la troisième sur carton entoilé. Toutes sont signées en bas. Elles sont présentées dans des cadres à charnières, avec une vue de la cathédrale de Milan à l'extérieur du panneau et deux vues d'immeubles d'habitation à l'intérieur. Giuseppe Viviani, artiste pisan, s'est d'abord fait connaître comme graveur, un art qu'il a longtemps enseigné à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. Il s'est également consacré à la peinture, cherchant avant tout à exprimer les émotions par la couleur, au point de les appeler les « couleurs de l'âme ».

Paysage de Montagne

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Formé à l'école de Tallone, Moretti Foggia était avant tout un peintre paysagiste, créant des vues réalistes caractérisées par une palette de couleurs très vives et texturées, représentant principalement sa vallée natale d'Ossola ou les sommets alpins. Les cabanes de montagne et les figures de bergers avec leurs troupeaux sont également des éléments récurrents dans ses paysages.

L'Aveu Involontaire

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'un tableau de Benjamin Vautier datant de 1881, vendu aux enchères chez Sotheby's en 1998. Cet artiste suisse était spécialisé dans les scènes de genre populaires : dans cette toile, deux jeunes femmes, marchant sur le chemin qui mène à la petite église derrière elles, échangent des secrets, ignorant la présence du prêtre assis sur le banc, derrière l'arbre, en train de lire son bréviaire ! L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Bateaux de Pêche

Lithographies en couleurs. Signées au crayon. Le peintre et graveur français Guinegault a réalisé de nombreuses vues et paysages, tant de Paris que des côtes du nord de la France, représentant souvent des pêcheurs. Ces deux lithographies sont présentées dans des cadres en bambou des années 1960.

Paysage forestier

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Le peintre véronais Ise Lebrecht se consacra principalement aux paysages, et notamment à de nombreuses vues de sa ville, Vérone, inspirées par le réalisme du Sud, en particulier celui d'Antonio Mancini. On aperçoit ici une forêt à flanc de montagne, avec un pont enjambant un ruisseau. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Technique mixte sur papier. Initiales AS en bas à droite. Un bouquet de roses se détache sur un fond bleu. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain noirci, orné de sculptures dorées.

Le Christ Travailleur, 1950 ca.

Huile sur toile. Signée en bas à droite F. Venzo SJ (Societas Jesu, devise des Jésuites). Il s'agit d'une œuvre du frère jésuite Mario Venzo, peintre vénitien qui, après avoir peint durant sa jeunesse bohème à Paris, se consacra à la vie monastique en 1940, tout en continuant à peindre. Cette œuvre représente un jeune ouvrier au premier plan, dans l'atelier d'un artisan moderne, la tête baignée de lumière : il s'agit probablement d'une projection moderne du jeune Jésus au travail dans l'atelier de son père. Le style de l'œuvre évoque la période picturale de Venzo avant 1953, année après laquelle son œuvre devint plus vibrante, avec des couleurs vives et une figure plus stylisée, tout en continuant souvent à se concentrer sur des sujets sacrés. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Marqueterie réalisée avec divers bois. Elle représente un violoncelliste en costume du XVIIIe siècle. Francesco Ferrario était un ébéniste accompli, influencé par les mouvements néoclassique et Art nouveau. Formé au dessin à l'Académie de Brera, après avoir collaboré avec les plus grands artistes de l'époque, il ouvrit un atelier à Milan, d'abord via Tenca, puis en 1927 corso Sempione. Une étiquette au dos de l'œuvre la situe parmi les ateliers de ce dernier. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque. Une version de cette œuvre figure dans la monographie de Bianca Tosatti, « I Ferrario maestri di tarsia », publiée en 2000.

Intérieur avec Personnages et Animaux, 1917

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Dans la vaste production de Giuseppe Solenghi, riche de lyrisme exprimé avec des tons et des traits délicats et raffinés, prédominent les paysages urbains de Milan ou les aperçus de la lagune vénitienne, mais il y a aussi plusieurs aperçus de la campagne, principalement de la Lombardie, ainsi que des intérieurs rustiques. Dans cette œuvre, l'artiste représente l'intérieur d'une maison paysanne, où cohabitent humains et animaux : la scène est imprégnée d'une atmosphère sereine de la vie quotidienne familiale, dans laquelle la chaude lumière du soleil filtrant à travers la porte ouverte crée des jeux d'ombre et de lumière sur les tons terreux de l'intérieur. Le tableau est présenté dans un cadre du milieu des années 1900.

Huile sur panneau. Signé en bas à droite R.lo Pellegrini. Il s'agit probablement de l'œuvre de Romolo Pellegrini, qui vécut entre le XIXe et le XXe siècle et fut un artiste de paysages et de natures mortes aux couleurs délicates. Ici se présente une campagne plate et lumineuse, avec un troupeau de moutons paissant dans les prés, surveillé par le berger. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain, avec des parties manquantes.

La Naissance de Vénus 1935

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche sur la toile gauche. La grande composition est constituée de trois toiles distinctes, la centrale développée verticalement (dimensions 220 x 128 cm) et arrondie sur la marge supérieure, les deux latérales développées horizontalement et façonnées aux angles (dimensions 150 x 328 cm). La toile centrale est dominée par la figure de Vénus, qui émerge nue de l'écume de la mer, un bras levé pour se couvrir les yeux afin de la protéger de la lumière de l'aube ; sur les deux toiles latérales, un groupe de tritons, sirènes, nymphes marines et monstres marins, conduits par le dieu Poséidon, reconnaissable à gauche au trident qu'il tient, assistent à l'événement avec étonnement et joyeuse exultation. Les personnages se détachent sur le fond de la mer et du ciel, fusionnés dans un continuum lumineux de nuances de bleu, dans lequel la lumière rose de l'aube s'infiltre, illuminant la scène. Formé à l'école de Cesare Tallone, Brignoli apprend de lui le naturalisme issu de la tradition vénitienne, l'observation de la nature, le coup de pinceau décisif, les forts contrastes de lumière. Par ailleurs, après plusieurs voyages en Afrique, à partir de 1922, Brignoli s'approche de la peinture orientaliste, mais évite les formes de rhétorique exotique, pour revivre plutôt le nouveau sujet par une recherche minutieuse des couleurs et des effets de la lumière sur le paysage. Cette œuvre, appartenant à la période déjà « africaine » de l'artiste, est influencée par cette empreinte, dans les choix chromatiques lumineux et clairs. De par sa taille et la composition des trois toiles, elle a un grand impact scénographique : provenant d'une grande villa de Brescia, où elle était exposée dans l'imposant escalier, elle a probablement été conçue et réalisée spécifiquement comme un élément décoratif sur mesure. Les toiles sont présentées dans des cadres dorés contemporains, manquant certaines parties.

Peinture sur toile. Contrairement à la plupart des bannières contemporaines, celle-ci est peinte à la main et non imprimée sur toile. La scène est divisée en trois parties, enfermées dans un cadre peint de motifs floraux et séparées par le dessin de colonnettes. Au centre sont représentés la Madone avec Jésus sur le trône, sur les côtés deux anges ayant l'apparence de jeunes filles. Le tableau est ensuite encadré de passementerie.