Marco lacado, Véneto, último cuarto del siglo XVIII.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVIII. La gran escena narra la trágica historia de Apolo y Dafne, narrada en las Metamorfosis de Ovidio. Según el mito, el dios Apolo, tras burlarse de Cupido, es herido por él con una flecha de amor, lo que provoca que se enamore de la ninfa Dafne, quien, en cambio, es alcanzada por una flecha de plomo, capaz de poner fin a su amor. Apolo, alcanzado por la flecha, se enamora perdidamente de Dafne y corre hacia ella, pero la ninfa rechaza al dios y huye. Para evitar ser capturada, Dafne le pide a su padre Peneo, dios epónimo del río Peneo, que la transforme para no tener que someterse a Apolo. Peneo escucha su petición, y cuando Apolo está a punto de apoderarse de ella, Dafne se transforma en un laurel, una planta que a partir de ese momento se convierte en sagrada para el dios. La obra muestra algunas similitudes con el estilo pictórico de Giuseppe Zocchi (1711-1767), en quien el artista probablemente se inspiró especialmente para la representación de árboles y vegetación. El lienzo presenta varias pérdidas de pintura, especialmente en la esquina inferior izquierda, y una serie de agujeros (de diversos tamaños en los bordes y en el centro) causados por clavos de refuerzo previamente colocados. Enmarcado.

La Sagrada Familia

Grabado sobre papel. El tema se basa en un dibujo de Guercino (1591-1666), quien dedicó muchas de sus obras a este tema. Enmarcado.

Óleo sobre lienzo. De sabor bucólico y sereno, la escena ambientada en el campo a las afueras del pueblo que se vislumbra a la izquierda, muestra a una mujer y a su hijo que, cerca de un arroyo, esperan con su cesta del almuerzo al pastor con su rebaño. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. La vista de la costa, cerca de una ensenada rocosa por la que corren aguas torrenciales, muestra figuras en el desembarco de los barcos, listas para recibir a las embarcaciones que se acercan; a lo lejos, el perfil de la ciudad. Restaurado y retocado, el cuadro presenta manchas de suciedad generalizadas, especialmente en el cielo. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. El paisaje, ambientado a orillas de un ancho río, ve en el centro unas figuras de campesinos empeñados en recoger frutos de un árbol: una niña sostiene la escalera mientras el niño corta un racimo, a la izquierda otra pareja coloca los frutos recogidos en una tina Todo alrededor de una extensa campiña verde y algunas masías. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. La escena corresponde a un Vía Crucis, durante el cual Jesús cae bajo el peso de la pesada cruz que carga sobre sus hombros mientras asciende hacia el Gólgota. Cristo, encorvado, con la mirada abatida y triste, es acosado por guardias que lo aguijonean con lanzas, y uno de ellos tira de él con la cuerda atada a su cintura; un plebeyo observa con tristeza a Jesús mientras sostiene la pesada madera. La pintura presenta restos de restauración previa y ha sido reencuadernada. Se presenta en un marco de época.

Jesús en el camino al Calvario

Óleo sobre lienzo. La obra es una réplica de la realizada por Pierre Mignard y donada a Luis XIV, actualmente conservada en el Museo del Louvre de París. La dramática escena transcurre a las afueras de Jerusalén; una procesión acompaña a Jesús en su ascenso al Calvario, que se vislumbra al fondo a la derecha, con las cruces de los dos ladrones ya erigidas. En cambio, la cruz de Cristo la porta Simón de Cirene, obligado por los guardias tras la enésima caída de Jesús, a quien se le insta bruscamente con un látigo a levantarse. Delante de Cristo caminan los dos ladrones atados, acompañados de algunos sirvientes; a la izquierda, un grupo de mujeres piadosas acompaña y sostiene a María, desconsolada por el dolor. En contraste con este grupo, a la derecha, otro grupo de mujeres del pueblo observa con piadosa compasión, apartando la mirada de sus hijos del terrible espectáculo. El paisaje al fondo es árido y desolado, bajo un cielo gris y nuboso. La obra fue restaurada y reencuadernada a mediados del siglo XX, y montada en un nuevo marco. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglos XVII-XVIII. La conocida escena bíblica de la disputa entre los dos hermanos, hijos de Adán y Eva, que desemboca en el fratricidio de Abel a manos de Caín, se representa aquí en un paisaje italiano, rico en vegetación, con el complemento de dos fuegos particulares. De hecho, a los lados de las dos figuras, que ocupan el centro de la escena, hay dos piras de sacrificio con un fuego ardiente. Sin embargo, mientras que de la de Abel, a la izquierda, se eleva una gran humareda que es absorbida por las nubes, indicando que Dios ha aceptado este sacrificio, el fuego de Caín, en cambio, es bajo, casi aplastado por las brasas, y no se eleva humo, señal de que Dios lo rechaza. Incluso el color rojo de la túnica de Abel pretende enfatizar su valor sacrificial, su martirio. La pintura necesita limpieza. Enmarcada en época.

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. En el reverso se encuentra una cartela manuscrita, fechada en mayo de 1835, que identifica a varias familias prominentes del norte de Italia (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani), probablemente propietarias de la obra. La pintura representa un paisaje nórdico, una campiña bastante árida atravesada por un arroyo; un sendero, por el que pasan varios viajeros, conduce al pueblo al pie de la colina. La pintura se presenta en un marco de época, con varias partes faltantes.

Óleo sobre lienzo. Representa un paisaje rico en vegetación, con árboles de frondoso follaje y atravesado por un torrentoso curso de agua. Al fondo, se vislumbran casas de campo y rebaños en el campo. En el reverso, una antigua cartela con la indicación "Flamenco" y un precio en liras. Restaurado y reentelado, se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Cerca de un pequeño grupo de edificios, junto a un camino de tierra, se desarrolla una escena de vida popular, animada por diversas figuras: en primer plano, a la derecha, dos cazadores ofrecen su presa y algo de fruta a una mujer embarazada, que viaja a caballo acompañada de su compañero; al fondo, una pareja de mujeres descansa sentadas en el suelo con sus hijos, una de las dos amamantando; y de nuevo, grupos de personas conversan, mientras que otros suben a los almiares cubiertos bajo el granero. Las figuras destacan por los brillantes colores de sus ropas contra el fondo casi monocromático de tonos tierra, con los edificios mimetizándose con el paisaje llano y árido. La pintura, aún en el primer lienzo, muestra signos de un pequeño desgarro en el reverso. Se presenta en un marco de época.