Esmaltes sobre cartón corrugado. Firmado y fechado al dorso. Incluye certificado de autenticidad de la Galleria Elite Trading (MI) y una foto autenticada por el artista. Paolo Masi, nacido en Florencia, participó desde la década de 1950 en el desarrollo experimental de nuevas tendencias artísticas que en su ciudad se caracterizarían, con una profunda e inconmovible ruptura con el pasado, como una liberación de los cánones del formalismo y de todas las formas de academicismo, practicada con intensidad y constancia. Masi evolucionó de sus experiencias iniciales con la pintura informal y la abstracción concreta a una práctica multifacética, compleja y diversificada a nivel técnico y lingüístico. Obra en vitrina de plexiglás.

Dinámica policromática fluorescente, 2019

Papel fluorescente sobre cartulina negra. En el reverso se encuentra una etiqueta del estudio del artista con el título, la descripción y la fecha de la obra. La obra está publicada en el catálogo del artista "Geometrie cromo-cinetiche", página 26 (adjunto a la obra). Licenciado en Diseño Industrial, la trayectoria artística de Dario Zaffaroni se remonta a la década de 1960. La percepción visual es la piedra angular de su obra. En la serie Cromodinamiche Fluorescenti, trabaja con formas, relieves geométricos y papel fluorescente recortado: la fluorescencia actúa como un potente estímulo visual, casi como un reclamo. Las formas geométricas, en su rigor matemático, parecen aprisionadas en franjas de colores que se entrecruzan como cordones, barras, restricciones. Pero en cuanto el observador cambia de perspectiva, las formas se liberan y adquieren dinamismo y energía, invitándolo a jugar con las variaciones de tono, luz, refracciones, sombras y formas resultantes del movimiento del observador en relación con la obra. La obra de arte se encuentra alojada en una vitrina.

Dragón Azul 2010

Acrílico sobre contrachapado. Firmado y titulado en la parte inferior izquierda y en el reverso. Walter Pozzato es un artista versátil: pintor, escultor e ilustrador. Con su arte figurativo, que crea mediante diversas técnicas, crea una "imagen de lo fantástico", donde pinceladas audaces de colores cautivadores transportan al espectador a una dimensión de cuentos de hadas y mitos. Enmarcado.

Cerámica vidriada y yeso. La etiqueta del artista se encuentra bajo la base. Esta obra forma parte de la producción de Walter Guidobaldi de las décadas de 1990 y 2000, conocida como Wal, y en concreto de su serie de putti, esculturas de bulto redondo de mármol, bronce, resina o terracota, tanto monumentales como de pequeño tamaño, que representan traviesos putti realizando proezas de habilidad. Wal, a partir de la década de 1980, se integró en el movimiento Nuovi-nuovi, artistas caracterizados por una ligereza lúdica, casi digna de Palazzeschi, y por un resurgimiento del color, la imaginería y la destreza manual, respondiendo así al clima excesivamente "frío" e intelectualista que se había desarrollado en la década de 1970 en torno a la poética del llamado arte "conceptual".

Jardín 1990

Técnica mixta sobre lienzo. Firmada abajo a la derecha. Etiqueta de galería italiana con título y fecha al dorso. Annabel Adler es una artista alemana que vive y trabaja en Italia. Crea obras abstractas de colores vivos. Enmarcada.

Pintura sobre lienzo. Firma y fecha en la esquina inferior derecha. Vista realista de la Via Dante en Milán, con un vistazo a Largo Cairoli con el monumento a Giuseppe Garibaldi y el Castillo Sforza al fondo; en primer plano, una familia feliz visitando la ciudad. El lienzo está montado sobre poliestireno en el reverso. Enmarcado.

El vendedor de hierbas

Óleo sobre lienzo. África Occidental. Esta pintura de estilo naíf representa a una mujer que vende hierbas medicinales, sosteniendo un cartel que indica las dolencias que cura. Este tipo de pinturas, a menudo utilizadas como anuncios en puestos de mercado, hacen referencia a valores africanos tradicionales como la maternidad, la fertilidad y la prosperidad, pero transpuestos a un contexto cultural contemporáneo.

El vendedor de naranjas

Óleo sobre lienzo. África Occidental. Esta pintura de estilo naíf representa a una vendedora de naranjas en un mercado urbano. Este tipo de pinturas, a menudo utilizadas como anuncios de puestos de mercado, hacen referencia a valores africanos tradicionales como la maternidad, la fertilidad y la prosperidad, transpuestos a un contexto cultural contemporáneo.

Gran fiesta de Nochevieja de 1960

Técnica mixta sobre papel. Firmada y fechada abajo a la derecha. Una presentación humorística e irónica del menú de la fiesta de Nochevieja de 1960, obra del reconocido escenógrafo, pintor e ilustrador ruso Nicola Benois, quien fuera el escenógrafo jefe del Teatro Alla Scala de Milán desde 1935. La obra incluye la foto de una nota de agradecimiento que acompañaba la pieza, dirigida al amigo con quien el artista compartió la fiesta. Obra enmarcada.

El hombre en la cocina

Técnica mixta sobre papel. Firmado en la parte inferior central. El renombrado escenógrafo, pintor e ilustrador ruso Nicola Benois, quien fuera el jefe de escenografía del Teatro Alla Scala de Milán desde 1935, contribuyó con algunos de sus dibujos en 1977 para ilustrar el libro de Francesco de' Rogati, "La cucina dell' uomo solo" (SM editore, 1977). El dibujo original, que posteriormente sirvió como ilustración de portada para el texto, impreso en un formato más pequeño, se muestra aquí. Enmarcado.

El hombre en la cocina

Técnica mixta sobre papel. Firmado en la parte inferior central. El reconocido escenógrafo, pintor e ilustrador ruso Nicola Benois, quien fuera el jefe de escenografía del Teatro alla Scala de Milán desde 1935, contribuyó con algunos de sus dibujos en 1977 para ilustrar el libro de Francesco de' Rogati, "La cucina dell' uomo solo" (SM editore, 1977). Se presenta aquí un dibujo original, que posteriormente se utilizó como ilustración del texto, impreso en un formato más pequeño. Enmarcado.

Boceto para el vestuario de "Aida" 1974

Carboncillo sobre papel. Firmada y fechada abajo a la derecha, con el nombre del retratado. Se acompaña de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Esta obra es del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en la grandiosa escenografía y vestuario de la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente notable, de la cual se presenta aquí un boceto. La obra se presenta enmarcada.

Diseño de vestuario para "Aida" 1974

Carboncillo sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha, con el nombre del modelo (para Amneris). Acompañado de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Esta obra es del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en los grandiosos decorados y vestuario para la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente notable; aquí se presenta un boceto para la Princesa Amneris. La obra se presenta enmarcada.

Boceto para el vestuario de "Aida", 1974

Carboncillo sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha, con el nombre del personaje (el Rey del Acto I). Acompañado de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Es obra del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en los grandiosos decorados y vestuario de la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente destacable; aquí se presenta un boceto del personaje del Rey. La obra se presenta enmarcada.

Boceto para el vestuario de "Aida", 1974

Carboncillo sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha, con el nombre del modelo (para Amneris). Acompañado de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Esta obra es del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en los grandiosos decorados y vestuario para la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente notable; aquí se presenta un boceto para la Princesa Amneris. La obra se presenta enmarcada.

El Comber

Serigrafía texturizada sobre lienzo. Firmada en la parte inferior derecha. En el reverso, número de serie 21/99 y certificado de autenticidad de "Meeting Art Roma", aunque no es adecuado. Giuseppe Migneco, originario de Messina pero trasladado a Milán de joven, fue uno de los principales representantes, junto con Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari y Renato Guttuso, del grupo Corrente, abierto a la vanguardia artística europea. Defensor de una pintura socialmente comprometida, investiga la realidad con una mirada crítica, objetiva e histórica. Sus personajes, de rostros duros y cuadrados, marcados por el trabajo duro y representados en tonos brillantes y fuertes, evocan su Sicilia, con sus rasgos violentos y definidos, pero también el realismo social de los muralistas mexicanos. Esta obra presenta sus figuras características (¡que podrían pertenecer tanto a Sicilia como a México!) enfrascadas en una actividad muy prosaica y realista de la vida cotidiana: una madre peinando y limpiando el cabello de su hijo, ¡probablemente infestado de parásitos! La obra se presenta en un marco.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de materiales. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de material y planchas. En el reverso figura una etiqueta de un servicio parisino de transporte de obras de arte, con el nombre del artista: las obras de ORAZI participaron en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la capital francesa. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a las composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, sobre todo naturales, como diminutos granos de arena, semillas, filamentos vegetales y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. En estas obras suele haber una referencia a la actividad volcánica y a la materia que produce, a veces expresada en títulos como «Flujo de lava», «Arenas volcánicas», «Playas volcánicas». La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de textura. Firmado abajo a la derecha. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Cabecera 1970 ca.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de 1970 a 1977. En esta fase, el artista abandonó por completo la pintura abstracta y en relieve y volvió a la figuración, representada sin embargo con líneas simplificadas y distorsionadas. En particular, realizó la serie conocida como Lignes Circulaires y la serie, a la que pertenece esta obra, de pinturas denominadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representaban misteriosas cabezas humanas o faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus insectos compañeros): las líneas de estas pinturas se entrecruzan para formar composiciones simultáneas, entrelazando cuerpos o, como en esta obra, ocultando una cabeza o un rostro, a menudo «faunístico». La obra procede de la colección privada de la familia del artista.

Figuras de amantes 1975

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de los años 70. En esta fase el artista abandona por completo la pintura abstracta y en relieve y vuelve a la pintura figurativa, realizada pero con líneas simplificadas y distorsionadas. Creó en particular la serie llamada Líneas circulares y aquella a la que pertenece esta obra, las pinturas llamadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representan misteriosas cabezas humanas o de faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus compañeros insectos), a menudo parejas de amantes besándose: las líneas, en estas pinturas, se entrelazan para formar simultáneamente composiciones, entrelazando cuerpos, a menudo en pose erótica. La obra proviene de la colección privada de la familia del artista.

Figuras, alrededor de 1975

Óleo sobre lienzo. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de los años 70. En esta fase el artista abandona por completo la pintura abstracta y en relieve y vuelve a la pintura figurativa, realizada pero con líneas simplificadas y distorsionadas. Creó en particular la serie llamada Líneas circulares y aquella a la que pertenece esta obra, las pinturas llamadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representan misteriosas cabezas humanas o de faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus compañeros insectos), a menudo parejas de amantes besándose: las líneas, en estas pinturas, se entrelazan para formar simultáneamente composiciones, entrelazamientos de cuerpos. Aquí podemos vislumbrar algunas figuras, humanas y animales, probablemente mitológicas, inmersas en una trama erótica. La obra proviene de la colección privada de la familia del artista.

Composición 1933

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la parte posterior hay una etiqueta parcial de la Galería Pesaro de Milán. La obra pertenece al primer periodo del artista francés ORAZI (nombre que quiso escribir con mayúsculas), periodo todavía ligado a la pintura figurativa, influenciado por las vanguardias históricas, en particular por el postimpresionismo; Ya en esta primera fase, la investigación sobre el color tiene un lugar dominante en la representación de personajes y objetos. En esta composición, los colores rojo y azul de los libros, la etiqueta de la botella y la pluma resaltan sobre los colores suaves y homogéneos de los demás objetos, entre los que la máscara de piedra domina el hemicampo izquierdo. La obra proviene de la familia de origen del artista. Se presenta en un marco de época.

Escena con figuras ca. 1950

Óleo sobre lienzo. Pertenece a un grupo de obras llamadas Jeux de Symboles, realizadas entre 1945 y 1950 aproximadamente, en las que la pintura de ORAZI se orienta hacia la producción de la llamada Peinture du Mouvement, caracterizada por el trabajo sobre los efectos dinámicos del cuerpo humano (y de los animales) en movimiento, enfatizados por la fuerza del color. El color domina esta escena, un color fuerte, ácido, brillante, que perfila figuras humanas y animales casi geométricas, con contornos marcados y claros, en las que parecen reconocerse en comparación dos etnias diferentes. El lienzo presenta pequeñas pérdidas de color. PR proviene de la colección familiar del artista.