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Lombardía finales del siglo XIX

Aparador tallado con contrahuella en forma de urna, tapa de brecha antigua, frente con dos puertas, montantes a 45 grados. Toda la estructura del mueble está enchapada en nogal de la India, brezo thuya y está ricamente tallada en arce trabajado con motivos florales. Talla con medallones con querubines en la naturaleza rematados por una rama de helecho contenida en una bóveda de arco apuntado dentro de los cofres de las puertas decoradas con cuatro boquillas talladas. Tallas también presentes en los montantes y en las esquinas, llave con empuñadura con motivos de libertad. Ferdinando Pogliani era un fabricante de muebles cuya producción más frecuente se refería al uso de ébano y marfil, recientemente se ha puesto en el mercado un dormitorio firmado por él que corresponde a las características estructurales y decorativas de este aparador. Pogliani nació en Milán en 1832 y dirigió un taller en Porta Vittoria y una tienda en via Montenapoleone junto con sus hijos Carlo, Giuseppe y Paolo.

Lombardía finales del siglo XIX

Aparador tallado con contrahuella en forma de urna, tapa de brecha antigua, frente con dos puertas, montantes a 45 grados. Toda la estructura del mueble está enchapada en nogal de la India, brezo thuya y está ricamente tallada en arce trabajado con motivos florales. Talla con medallones con querubines en la naturaleza rematados por una rama de helecho contenida en una bóveda de arco apuntado dentro de los cofres de las puertas decoradas con cuatro boquillas talladas. Tallas también presentes en los montantes y en las esquinas, llave con empuñadura con motivos de libertad. Ferdinando Pogliani era un fabricante de muebles cuya producción más frecuente se refería al uso de ébano y marfil, recientemente se ha puesto en el mercado un dormitorio firmado por él que corresponde a las características estructurales y decorativas de este aparador. Pogliani nació en Milán en 1832 y dirigió un taller en Porta Vittoria y una tienda en via Montenapoleone junto con sus hijos Carlo, Giuseppe y Paolo.

Francia finales del siglo XIX

Mesa auxiliar Napoleón III en madera exótica marquetterie y chapa de palisandro, Francia, finales del siglo XIX. Superficie superior equipada con una bandeja de vidrio extraíble y conectada a la superficie inferior por montantes ondulados. Enteramente decorado con bronces dorados finamente cincelados, utilizados para realizar el borde de las tapas, las asas y las aplicaciones de estilo clásico que representan cuernos de la abundancia, elementos frondosos y florales, cintas y máscaras. Los zapatos con forma de cabra también son de bronce dorado. Restaurado.

Francia Napoleón III

Par de antorchas de bronce dorado y bruñido cincelado. Sobre una base triangular de bronce dorado y mármol amarillo de Siena descansa una antorcha de cinco llamas con patas salvajes.

Lombardía finales del siglo XVIII

Cajonera con incrustaciones. Tres cajones en el frente, pies troncopiramidales. Chapa de nogal y raíz de nogal con filetes de arce y palisandro. En la parte superior hay una taracea que representa una escena bucólica, en el frente medallones colocados en el centro de los cajones que representan un paisaje y en los costados una taracea que representa a un músico con pandereta e hilos de ciprés. Pies troncopiramidales decorados con ménsulas taraceadas y rosetones de conexión. Tiradores ornamentales en chapa contemporánea repujada para formar motivos vegetales, cerraduras de hierro, una de las cuales ha sido sustituida. Interior en abeto. Restauraciones.

Gesù davanti a Caifa

Olio su tela. Il dipinto riprende l'opera del maestro olandese Gerrit Van Honthorst, realizzata nel 1617 e oggi conservata alla National Gallery di Londra. Olandese di nascita, van Honthorst giunse a Roma poco dopo la morte di Caravaggio, di cui assimilò lo stile, che gli valse il soprannome di “Gherardo delle Notti". A Roma l'artista fu ospitato dalla famiglia Giustiniani, che gli commissionò l'opera per la sua collezione privata, ove essa rimase sino al 1804. Portata dapprima a Parigi presso la collezione Bonaparte, dopo ulteriori passaggi di proprietà, giunse infine a Londra nel 1922. Il dipinto racconta l'episodio drammatico dell'incontro tra il sacerdote Caifa e Gesù, durante la sua Passione. Tutta la parte superiore è occupata dal buio: il vuoto, il nulla, fanno concentrare l'attenzione sui due protagonisti e sul dramma che si sta svolgendo. La scena è fortemente statica, quasi bloccata in un momento preciso, l'atto accusatorio del sacerdote nei confronti del Cristo, a sottolineare l'intensità del dramma interiore, profondamente doloroso. Nella scena, Caifa è a sinistra, seduto al tavolo su cui è posato il libro della Legge ebraica, e solleva il dito in tono accusatorio; Gesù è a destra, in piedi, le mani legate, in atteggiamento umile. Al centro una candela, unica fonte di luce, che fa da raccordo tra il volto di Caifa e quello di Gesù, che si incontrano in un gioco di sguardi lungo una linea diagonale, e di cui la luce artificiale sottolinea impietosamente il contrasto espressivo, grottesco e arrabbiato quello del sacerdote, sofferente, ma luminoso e composto quello del Cristo. Sullo sfondo, dietro i due protagonisti, sono presenti le figure di altri sommi sacerdoti. Sono solo ombre nel buio, attendono il giudizio e le loro facce sono avvolte nell'oscurità che aumenta la tensione. Ben si coglie, nel contrasto di luci e ombre, nell'intensità degli sguardi, l'impronta caravaggesca. La tela qui proposta, di dimensioni circa la metà dell'originale, ma fedele nei moduli stilistici e interpretativi, fu probabilmente commissionata in misure ridotta da chi aveva apprezzato l'originale a palazzo Giustiniani. Essa è stata restaurata e ritelata nel XIX secolo. Sul retro sono scritti alcuni nomi, indicazione di proprietà. Cornice in stile.

Catania Tercer Trimestre Siglo XIX

Pareja de grandes espejos eclécticos en madera tallada y dorada, que pertenecieron a la familia Reforgiato siciliana, Catania tercer cuarto del siglo XIX. Cimasa compuesta por espirales fitomorfas, en cuyo centro se alza el escudo heráldico de la familia Reforgiato: "gemelo rebajado en banda azul sobre plata, llama roja colocada sobre el gemelo rematado por una corona de oro y cola de cometa roja colocada sobre la derecha en banda."; el escudo de armas, colocado entre la "C" y los elementos de rizo, tiene una corona en el vértice que simboliza el título nobiliario de barón. Desde el cimacio hay festones florales que caen a los lados, mientras que el marco en forma está adornado con un patrón de calado de hojas de acanto insertadas entre las molduras. El aparato decorativo se completa con mechones foliáceos colocados en los extremos inferiores. Espejos biselados.

Francia mediados del siglo XIX

Reloj de bronce cincelado y dorado. La compleja decoración de este reloj sobre el aparente eclecticismo del conjunto hace prevalecer las tipologías estructurales y los detalles figurativos propios de la arquitectura del siglo XVI, proponiendo la fachada de un edificio con una escalera central y estatuas de vírgenes vestales a los lados. La exposición de metal esmaltado tiene la marca del fabricante en el centro pero poco legible. El reloj está coronado por amorcillos que sostienen una corona. Movimiento marcado Cailly Ainè 1839 en la parte posterior de la esfera.

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura está acompañada por la experiencia de dos historiadores del arte, el dr. Dario Succi y la Dra. Federica Spadotto. Ambos confirman la atribución del cuadro a Giuseppe Zais, "el maestro de Belluno reconocido unánimemente como uno de los más originales y genuinos intérpretes del gran paisaje veneciano del siglo XVII". En el paisaje, bajo las ramas de un árbol que enmarca la izquierda y con el fondo de montañas azules, una pastora y su pequeño hijo destacan en primer plano, haciendo que sus animales (ovejas y vacas) rieguen del río. El Zais, tras una formación inicial en su país natal en la escuela de su compatriota Marco Ricci, que se trasladó a Venecia en 1732, pronto pasó a formar parte de las filas de los arquitectos paisajistas de lagunas, apreciados y contratados para grandes obras decorativas en los palacios de la ciudad. En la década de 1970 el Zais abandonó esta producción y optó por dedicarse solo a obras pequeñas, que reflejaban una adhesión al mundo de los humildes y una dimensión contemplativa del pasado, raramente sujetos presentes en las pinturas de importantes clientes. El trabajo que aquí se presenta se puede considerar un ejemplo de esta última fase creativa, de acuerdo con los historiadores del arte en los años 70 del siglo XVIII: el Zais propone un paisaje faldas en lugar estéril, donde la pastora seguido por su pequeño hijo jugar el su asignación, sin cualquier concesión a una belleza ideal, sino más bien con un recordatorio de una vida real precisa, dura, sencilla, hecha de esfuerzo y cariño al mismo tiempo. Incluso los colores del lienzo realzan la empatía del artista por el mundo que representa: los cálidos tonos dorados del paisaje, iluminados por el azul de los picos distantes que reverberan el del cielo, envuelven las figuras humanas y animales en primer plano, que surgen gracias a las pinceladas de materiales y colores más brillantes, pero no brillantes, especialmente en la lana de los animales y con ropa de mujer. También son peculiares de los Zais los rostros, redondos y llenos, con rasgos que se repiten siempre idénticos en las figuras campesinas de sus obras, asociadas a cuerpos torneados, vestidos con ropas que parecen papel maché. La obra muestra signos de restauración, aunque todavía en el primer lienzo. En la parte posterior hay una inscripción en alemán con el nombre del propietario anterior y la fecha "Navidad de 1977". Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con pequeñas grietas y carencias.

Siglo XIX / 1801 - 1900

Reloj de sobremesa en bronce con pátina oscura y dorada. Dos querubines sentados y decididos a escribir flanquean el reloj. La pantalla de metal esmaltado con horas en números romanos está encerrada dentro de una corona de bronce dorado. En la parte superior hay una estatua de un emperador; la corona, el manto de armiño, el bastón con la mano bendita son una fuerte referencia a la figura del Emperador Napoleón. Cabe destacar el difundido procesamiento a buril.

Pintura al óleo sobre lienzo. La vista amplia de los foros imperiales de Roma es parte de la vasta producción del paisaje del período Grand Tour, destinada a aristócratas europeos ricos que viajan a Europa - y en particular en Italia, donde Roma se consideró una necesidad - que querían un recuerdo de la lugares visitados. Los Foros Imperiales Romanos son un conjunto arquitectónico formado por una serie de edificios monumentales y plazas, centro de la actividad política de la antigua Roma, construidos en un período de unos 150 años, entre el 46 a. y 113 d.C. A pesar de las ampliaciones, los incendios, las restauraciones y las reconstrucciones, durante la Antigüedad los Foros Imperiales mantuvieron intacta tanto su conformación arquitectónica como su función. Su destrucción casi definitiva se produjo durante el Renacimiento a manos del Papa Julio II (1503-1513), quien utilizó toda la zona como cantera de materiales para reutilizar en la edificación y renovación artística de la ciudad por él iniciada. De poco sirvieron las protestas de destacados artistas como Rafael y Miguel Ángel. En los siglos siguientes se llevaron a cabo varias campañas de excavación, con mayor vigor a partir del siglo XIX, pero el área fue excavada por completo a principios del siglo XX y la arquitectura antigua fue borrada casi por completo para dar cabida a la construcción de via dei Fori. Imperiali, que conecta la plaza Venecia, el Coliseo. El Foro fue redescubierto a partir del siglo XVI también gracias a los paisajistas romanos que en aquella época adoraban pintar las ruinas que aparecían en la zona de pastos. La vista que aquí se propone presenta los Foros Imperiales antes de las excavaciones iniciadas en el siglo XIX, cuando aún no se había construido el camino que aún los atraviesa: aún están rodeados de verde campiña y las colinas romanas destacan al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reformado del siglo XIX.

Italia Último Cuarto Siglo XVIII

Consola neoclásica genovesa en madera tallada, lacada en dos colores y dorada, Italia, último cuarto del siglo XVIII. Directamente de un balaustre con tres ménsulas para soportar la parte superior semicircular con mármol bardiglio. Ricamente tallado y decorado con grecas, elementos foliáceos, rosetones, campanillas, gotas y reservas con motivo de escamas.

Siglo XIX / 1801 - 1900

Patrón de armadura de estilo neorrenacentista de finales del siglo XIX. Todas las superficies están grabadas con motivos fitomórficos. Casco redondeado con cresta acanalada; Ventilador con pequeños orificios circulares para la vista. Goleta de cuello redondo presente solo en la pala delantera, formada en cinco lados. Cofre acanalado en el medio con decoración central que representa un escudo de scapezzato de tres puntas con una banda central oblicua, tres flores en la reserva superior y un pez en la inferior. Hombreras con tres palas con alas en el cuello, unir las pulseras, cubitiere, cañón anti-brazo. Tiradores con mangas abiertas. Una hoja panziera en la que se insertan los dos lados de una sola hoja. Perneras, rodilleras de tres palas (de las cuales la central es de canalé en el medio) y leggings cerrados. Zapatos de cuatro palas, de las cuales la última se alarga en forma cónica curvada hacia abajo. Escudo de scapezzato de tres puntas con cenefa retorcida, también grabado con motivos fitomórficos y decoración similar a la del pecho. La misma decoración también se utiliza en la hoja de la alabarda.

Paisaje con figuras en el río

Pintura al óleo sobre lienzo. El amplio paisaje se centra en el río que desemboca en un valle rico en vegetación. A lo largo de su recorrido, en primer plano, algunas mujeres están lavando ropa. Los rasgos pictóricos, rápidos y poco agregados, se refieren a la producción de Antonio Francesco Peruzzini, perteneciente a una familia de pintores originarios de Pesaro, entre ellos su padre Domenico y sus hijos Giovanni, Antonio Francesco y Paolo, activos en la región de Marche y en ciudades italianas como Roma. Bolonia, Turín y Milán, durante el siglo XVII y el primer cuarto del XVIII. La producción de Antonio Francesco se asocia a menudo con la de su hermano Giovanni, ya que los dos trabajaron juntos. Antonio Francesco se especializó en pintura de paisajes, bajo la influencia de Salvator Rosa y arquitectos paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias también vinieron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente de Pieter Mulier conocido como il Tempesta. En sus primeras obras ya se distingue la originalidad de su pintura dada una redacción rápida y un sello cromático intenso y brillante. A principios de los noventa se inició el largo vínculo artístico entre Antonio Francesco Peruzzini y Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde se había asentado Peruzzini; a partir de este período su pintura parece desmoronarse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una desintegración cada vez mayor de las formas de la naturaleza y su movimiento. Restaurada y revestida, la obra se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Toda la escena se reproduce en el claroscuro de negro y rojo, con las llamas de fuego que todavía está latente entre las torres y las torres de la ciudad: en el primer plano las figuras de Eneas con su padre Anchises en su hombro, y su pequeño hijo Ascanius a su lado mientras que huir de la ciudad; a la derecha, en el segundo piso, el caballo de Troya. A pesar de la cercanía a la misma materia de Alessio De Marqués (1684-1752), la pintura también se refiere como el estilo de la pintura flamenca. Restaurado y ritelato. Se presenta en el antiguo marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

Escena de asedio

Pintura al óleo sobre lienzo. Fuera de las fortificaciones de una ciudad, un líder, rodeado por sus soldados, está a punto de encender la mecha del cañón. El ejército defiende la ciudadela fuera de los muros y los soldados escanear hacia abajo el horizonte buscando: esto lleva con nosotros para realizar la escena sobre las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova que se alza sobre las montañas detrás y desde el cual el genovés defendió la ciudad de los ataques del mar; la ubicación en Génova está respaldada por la pancarta que ondea sobre las paredes, la bandera Croce di San Giorgio (cruz roja sobre fondo blanco) de la República de Génova. La forma de las armaduras, armas y vestimentas se referiría al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de la representación decimonónica de un episodio histórico, que por tanto forma parte de esa producción pictórica difundida en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesto por la literatura. En la parte posterior del marco está el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Brera, en particular seguidor de Giuseppe Sogni, un artista que entre los primeros favoreció la pintura histórica en sus innovadoras declinaciones románticas. De Boni no se sabe mucho, ni desde el punto de vista biográfico ni desde su producción. De su atribución segura sólo conocemos el Desnudo de hombre (Academia pintada) con el que obtuvo el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra expresa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; los personajes en primer plano están muy bien caracterizados en sus poses, expresiones, en los detalles de la ropa y las armas, mientras que las otras figuras se desvanecen en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. La pintura, todavía en el primer lienzo, muestra pequeñas gotas de color difusas. Se presenta en un marco elegante.

Italia siglo XX

Servicio de cubiertos de plata para doce personas compuesto por 15 cubiertos de servir, 24 cuchillos, 24 tenedores, 12 cucharas, 12 cuchillos para fruta, 12 tenedores para fruta, 12 cuchillos para pescado, 12 tenedores para pescado, 12 cucharillas de té, 12 cucharillas de café, 12 cuchillos de postre, 12 tenedores de postre. Punzón de plata y platería grabado en cada cubertería. 6665 gramos netos de cuchillos. El servicio se presenta en cuatro cajas.

Grupo de sillas plegables con respaldo y asiento en lamas curvadas de roble macizo, con acabado encerado.

Lombardía Primer Cuarto Siglo XVIII

Conjunto formado por trona y cuatro sillas en nogal tallado, lacado y parcialmente dorado, Lombardía, primer cuarto del siglo XVIII. Apoyabrazos y bajo apoyabrazos de la silla alta desplazados, patas y travesaño delantero tienen las típicas volutas de hojas de acanto entrelazadas de origen fantoniano, pies tallados en rizo. Respaldos y asientos tapizados y tapizados en piel finamente repujada con motivos decorativos parcialmente dorados. Pequeñas faltas en la talla; Deficiencias en el dorado y lacado. Un grupo de asientos similares se incluyen en la colección del Museo de Artes Aplicadas, en el complejo museístico del Castello Sforzesco de Milán.

Lombardía Mediados del siglo XVIII

Sofá de ala barroco en nogal, Lombardía de mediados del siglo XVIII. Reposabrazos enrollables, patas onduladas acabadas abiertas; tallas de hojas y conchas en las bandas y piernas. Respaldo, reposabrazos y asiento tapizados. Patas traseras con restauraciones.