Óleo sobre lienzo. Escuela inglesa, siglo XIX. Retrato de medio cuerpo de una dama sentada en una ventana con vistas a un paisaje de la campiña inglesa. La dama viste un sobrio, casi severo, vestido negro, pero iluminado y adornado con delicados encajes y volantes. Se vislumbran algunas joyas, de gran valor, entre el encaje, llevadas sin ostentación. El velo de encaje sobre su cabeza está adornado con pequeñas flores blancas. Sobre su regazo, sostenido en sus manos, reposan las gafas de la dama y un pañuelo con borde de encaje. La pintura se conserva en su lienzo original. Se presenta en un marco de principios del siglo XX. Se vislumbran algunas joyas, de gran valor.

Óleo sobre cartón. Obra de gran calidad, sin firmar. Estudio del rostro de un hombre con una espesa barba blanca, con la mirada alzada en contemplación, que sugiere a un santo ermitaño o a un apóstol, como San Pedro. Presenta una pequeña pérdida de pintura en el lado derecho. El cuadro se presenta en un marco de época.

Paisaje alpino nevado

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. Leonardo Roda, paisajista turinés, era conocido como «el pintor del Matterhorn» por sus numerosas vistas de la cima alpina, pintadas en todas las estaciones y a todas horas del día. Aquí se presenta una vista de la Conca del Breuil, una gran cuenca alpina a los pies del Matterhorn, completamente cubierta de nieve: los tejados de varias casas con campanario emergen de la nieve, mientras que en primer plano un campesino pasa con un trineo tirado por dos caballos. Marco guilloché de principios del siglo XX.

Muelle de Lecco 1837

Óleo sobre lienzo. Firma, fecha y título en la parte inferior izquierda. Giuseppe Canella fue uno de los pintores de paisajes y vistas veroneses más importantes del siglo XIX. Realizó numerosos viajes por Europa, trayendo consigo imágenes y vistas de ciudades europeas, lo que le permitió estudiar la pintura flamenca en particular. En 1835, regresó a Italia, dedicándose a la pintura de paisaje italiana, especialmente a la de ciudades lombardas, que, bajo la influencia flamenca, se caracterizaban por una clara ruptura con el rígido vedutismo clásico y por el uso de efectos de luz y color particulares. La pintura que aquí se presenta, aunque firmada y coherente con la obra de Canella en temática y estilo pictórico, es estilísticamente menos efectiva en su ejecución, lo que genera dudas sobre su atribución al artista; sin embargo, sigue siendo una obra de considerable calidad. La pintura se presenta en un marco de época.

Paisaje rural de la campiña inglesa, 1871

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Holder se dedicó a la pintura de paisajes, especializándose en vistas de la campiña inglesa, en particular las onduladas colinas y la escarpada costa de su Yorkshire natal. Su enfoque pictórico era muy concreto, buscando representar fielmente el paisaje de Yorkshire tal como lo experimentaba. Retrató a campesinos trabajando en los campos, ovejas pastando en las colinas y pintorescos pueblos enclavados entre árboles centenarios. No creó retratos idealizados, sino representaciones honestas de la vida cotidiana en la región, impregnadas de una serena dignidad y respeto por la tierra.

Óleo sobre lienzo. Firmado G. Esposito en la parte inferior izquierda. Un clásico de la escuela napolitana que representa la esquina de una veranda florida de una casa en las laderas con vistas a la costa; una mujer cuida del gallo, mientras gallinas y polluelos picotean a su alrededor. Colorido, sereno y lleno de vida. Presentado en un marco de época.

Pastel sobre papel montado sobre lienzo. Escuela inglesa, siglo XIX. Firmado abajo a la izquierda: DP Anker. En una posada oscura, con la figura femenina de la posadera a la izquierda, visible mientras sirve una copa, dos clientes juegan al ajedrez, mientras un tercero los observa atentamente. La luz se concentra en la mesa de los jugadores, el punto central de la escena. La pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea, siglo XIX. La escena se centra en un pequeño rebaño de vacas y ovejas pastando junto a la casa del granjero; una pareja vigila a los animales fuera de la granja: la mujer hila y el hombre teje una cesta de mimbre. Detrás de ellos se ven las demás viviendas del humilde pueblo, construidas de piedra y paja. La obra se inspira en ejemplos anteriores de paisajes pastorales idealizados, pero con un contexto muy obrero y pobre. El lienzo presenta un pequeño desgarro en el centro. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX o principios del XX.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda: «Baldasar». La escena representa un paisaje que evoca Egipto: en primer plano, un arroyo, un río ancho con pequeñas barcas amarradas, y a lo largo de la orilla, mujeres veladas con odres de agua sobre la cabeza caminan; palmeras dan sombra a las casas ribereñas, y al fondo, más allá de los campos cultivados, se alzan varias pirámides. El atardecer, con sus tonos rosados ​​en el cielo, crea un efecto sugerente al reflejarse en el agua. La pintura se presenta enmarcada con guilloché.

Óleo sobre lienzo. Firma y fecha no identificadas (1892) en la parte inferior derecha. Retrato de una señora de mediana edad, de semblante serio, vestida con un elegante traje de calle con lazo rosa y adornos. Presentado en un marco de principios del siglo XX. Procedente de la colección de la empresa Campari.

Niña con flor

Óleo sobre lienzo. Firmado en el centro (a lo largo del escote del vestido de la joven). Procedente de la colección de la compañía Campari. Figura central del movimiento escapigliatura lombardo, Conconi desarrolló un lenguaje refinado y experimental, llevando al extremo la investigación de Cremona y Ranzoni, para luego reinterpretarla en la línea simbolista-divisional. Realizó varios retratos en los que se aprecia la influencia de Tranquillo Cremona, a la vez que revela su originalidad en la pintura de género, los paisajes y las construcciones fantásticas e imaginativas. La obra se presenta enmarcada en la primera mitad del siglo XX.

Paisaje de montaña

Óleo sobre lienzo. Firma y fecha (apenas legibles, 18...) en la parte inferior derecha. Ernst Gustav Doerell se dedicó a la pintura de paisajes, con especial predilección por las vistas de las montañas de Bohemia, donde residía. Su obra se caracteriza por vistas detalladas y precisas, que capturan con realismo el juego de luces que suaviza los colores de la naturaleza. La obra se presenta en un marco de época.

Rostro femenino

Técnica mixta sobre cartón. Firmado abajo a la izquierda. Antonio Mancini fue un pintor de inspiración realista, formado en la escuela napolitana de Morelli y Palizzi y posteriormente en París. Se dedicó principalmente al retrato y a escenas de género de carácter popular o anecdótico. Si bien inicialmente se sintió atraído por el naturalismo del siglo XIX, que lo llevó a retratar figuras populares y melancólicas (sus niños de la calle), más tarde comenzó a experimentar con diferentes técnicas, empleando vívidos destellos de luz, aplicados al lienzo en manchas de color intenso y vibrantes goteos. También utilizó materiales no pictóricos, como vidrieras, y representó figuras agitadas, a veces con disfraces imaginativos, expresión de su profunda angustia psicológica. En este dibujo, probablemente un boceto preparatorio, el rostro femenino no se enfatiza en sus rasgos fisonómicos, sino en la explosiva personalidad del cuerpo de la mujer, cuyo medio busto parece elevarse en un giro lateral, emergiendo de los rasgos borrosos e indefinidos que lo rodean. Esta obra se presenta enmarcada.

Escena de Asedio

Óleo sobre lienzo. En el exterior de las fortificaciones de una ciudad, un comandante, rodeado de sus soldados, se dispone a encender la mecha de un cañón. El ejército defiende la ciudadela extramuros y los soldados otean el horizonte mirando hacia abajo, lo que induce a situar la escena en las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova, que se alzan sobre las montañas que hay detrás y desde las que los genoveses defendían la ciudad de los ataques procedentes del mar; la localización en Génova se apoya en el estandarte que ondea en las murallas, la Cruz de San Jorge (cruz roja sobre campo blanco), estandarte de la República de Génova. El estilo de las armaduras, armas y vestimentas haría referencia al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de una representación decimonónica de un episodio histórico, que se inscribe así en la producción pictórica generalizada en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesta por la literatura. En el reverso del marco figura el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera y, en particular, seguidor de Giuseppe Sogni, artista que fue uno de los primeros en favorecer la pintura de tema histórico en sus innovadoras declinaciones románticas. No se sabe mucho de Boni, ni biográficamente ni en cuanto a su producción. Sólo se sabe que se le atribuye el Nudo d'uomo (Academia pintada), con el que ganó el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra representa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; las figuras del primer plano están muy bien caracterizadas en sus poses, expresiones, detalles de vestimenta y armas, mientras que las otras figuras se difuminan en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. El cuadro, todavía en primer lienzo, presenta pequeños difuminados de color. Se presenta en un elegante marco.

Retrato al óleo sobre tabla de una joven del siglo XVI, realizado con una técnica pictórica inspirada en el retrato veneciano de la época. La figura femenina, con un vestido de escote pronunciado que deja al descubierto un hombro, está representada de espaldas, con el rostro vuelto hacia el espectador en una pose estudiada. Su tocado está adornado con perlas y plumas, elementos decorativos típicos del periodo. La composición equilibra las características típicas del retrato con la imagen ideal, en consonancia con la tradición artística de la época. La obra está enmarcada en un marco contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena representa un episodio histórico, no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven de armas tomar, acompañado de su madre, que apoya su petición. El escenario se sitúa en el salón de recepciones del alto prelado, presumiblemente en el palacio episcopal, que, desde la logia del fondo, domina la catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado por sus subordinados y guardias, mientras varias personas del pueblo observan. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera narrando. La atmósfera se juega en los contrastes entre luces y sombras, entre los colores vivos de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y suaves de las figuras del contorno, que tienden literalmente a desaparecer en las sombras al borde de la escena. La obra se inscribe en la amplia producción del siglo XIX que recurría a temas históricos o literarios, reproponiéndolos en clave romántica. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un importante marco de la segunda mitad del siglo XIX, con faltantes.

Marina

Óleo sobre tabla, firmado en la parte inferior derecha, del pintor aconense Carlo Viriglio, conocido por sus paisajes y vistas caracterizados por un naturalismo lírico. La obra representa una orilla del mar bajo un cielo nublado, a través del cual un rayo de luna se filtra y se refleja en el agua, creando evocadores efectos de luz. La escena ejemplifica la atención de Viriglio a los efectos de la luz y las variaciones temporales, elementos distintivos de su estilo pictórico. La pintura se presenta en un marco contemporáneo con dimensiones adaptadas.

Témpera sobre madera. Este icono, típico del culto ortodoxo etíope y copto, representa a María con el Niño Jesús en brazos en el centro, flanqueada por dos ángeles con espadas. A su alrededor, en nueve paneles separados, se encuentran figuras de santos (San Jorge en la parte inferior central) y otros ángeles; en la parte superior central está Dios Padre en tres figuras idénticas, la representación tradicional de la Santísima Trinidad, y en las esquinas del panel se encuentran las cuatro figuras simbólicas de los evangelistas. El panel presenta pequeñas pérdidas de pintura.

Retrato femenino

Óleo sobre lienzo, firmado en la parte inferior derecha por el artista milanés Roberto Fontana, conocido por haber iniciado su carrera en el Romanticismo histórico y haberse consolidado posteriormente en la pintura de género. El retrato de una joven muestra una figura elegante que emerge de un fondo oscuro, resaltando un rostro expresivo y luminoso. La luz se difunde a su alrededor, acentuada por la tez sonrosada que brilla a través del elegante encaje de su vestido negro, aportando mayor luminosidad al retrato. Fontana, influenciado por el movimiento Scapigliatura y el luminismo matizado de Tranquillo Cremona, logra capturar la delicadeza del detalle en una obra que combina técnica y sensibilidad. La obra está enmarcada al estilo de la época.

Baco Borracho

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El dios está representado de pie en la escena, vestido sólo con un paño alrededor de los lomos y hojas de hiedra colocadas en las caderas y la cabeza, mientras sostiene un cáliz en una mano; su mirada está vacía y aturdida. Detrás de él, un putto semirreclinado juega con la hiedra. Alrededor, nubes blancas, al igual que el suelo, con destellos de cielo azul y un arbusto verde como únicos contrastes. En el reverso de la obra figura la etiqueta «Mario Galli Collezione d'Arte», con el número de catálogo 64 y la inscripción autógrafa del artista. La obra representa bien la pintura de este artista, nacido en Módena pero formado artísticamente primero en Roma y luego en Florencia, donde pasó la mayor parte de su vida. Su rica producción propuso al principio principalmente temas históricos, pero más tarde se orientó también hacia el retrato y finalmente hacia el paisaje. Su singularidad se reconoce en su capacidad para pasar de los temas históricos, a menudo ambientados en escenarios tomados de la antigua Pompeya, al naturalismo de estilo macchiaioli de su segunda época, en la que Muzzioli buscó una importante percepción de la atmósfera y de la luz en temas inspirados en el entorno rural toscano, a menudo ambientados en la Antigüedad. En esta obra, retrato de un personaje mitológico, transpira con fuerza la intención luminista del artista, la búsqueda del efecto de la luz jugando sobre los cuerpos desnudos del dios y del putto, para luego desvanecerse en el fondo. La etiqueta de la pinacoteca remite al florentino Mario Galli (1877 -1946), escultor que fue también un importante coleccionista de obras, especialmente de Macchiaioli. La obra presenta una importante grieta y ha sido retocada. Se presenta en un elegante marco.

La visión de Ezequiel, 1825

Grabado de Paolo Caronni que representa la "Visión de Ezequiel", basado en la pintura homónima de Rafael, ejecutada entre 1516 y 1518. La obra muestra la aparición de Dios en el cielo, tal como se narra en el Libro bíblico de Ezequiel, rodeado por dos querubines y sostenido por las cuatro figuras del tetramorfo, que representan los símbolos de los cuatro evangelistas: el ángel de San Mateo, el león de San Marcos, el buey alado de San Lucas y el águila de San Juan. En la parte inferior, una figura bañada por un rayo de luz simboliza a Ezequiel. El grabado lleva la firma del grabador Paolo Caronni en la parte inferior derecha. En el centro figura el nombre de Vincenzo Raggio, un dibujante conocido por su maestría en el claroscuro y la reproducción detallada de la iconografía renacentista. El grabado se presenta en un marco de madera contemporáneo del siglo XIX, que muestra una ligera pérdida del dorado.

Retrato Femenino

Óleo sobre lienzo. Firmado a la derecha, en el centro del lienzo. Se trata del retrato de una mujer de luto, una joven viuda, como se desprende no sólo del vestido negro, sino del tocado y sobre todo del camafeo con un retrato masculino, que lleva colgado del cuello. Achille Zo fue un artista francés (origen de Bayona, localidad del Pirineo que sufrió la influencia cultural del País Vasco), que, a pesar de haber permanecido repetidas veces en París y Burdeos, donde se formó artísticamente, luego realizó varios viajes a España, ambos a Madrid (en 1856) y a Andalucía (1860), produciendo durante varios años obras sobre temas históricos o escenas de género españolas. A finales de la década de 1960, recurrió al orientalismo. También hay varios retratos en su producción. La pintura que aquí se propone, en el primer lienzo, se presenta en un bello marco contemporáneo de la segunda mitad del siglo XIX.

Vistazo de Corfú con una Pequeña Iglesia y Mónaco

Acuarela sobre papel. Firmada abajo a la izquierda. Angelos Giallinas, nacido en Corfú, se distinguió por sus numerosas vistas de su isla natal, aunque su producción paisajística incluye vistas de Grecia, otras islas griegas, ciudades italianas y orientales. Sus vistas en acuarela están impregnadas de una atmósfera suspendida y velada. El cuadro presenta ligeros arañazos. Enmarcado.

Vistazo de Corfú con Mónaco

Acuarela sobre papel. Firmada abajo a la izquierda. Angelos Giallinas, nacido en Corfú, se distinguió por sus numerosas vistas de su isla natal, aunque su producción paisajística incluye vistas de Grecia, otras islas griegas, ciudades italianas y orientales. Sus vistas en acuarela están impregnadas de una atmósfera suspendida y velada. El cuadro presenta ligeros arañazos. Enmarcado.