PINTURA ANTIGUA

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. En un amplio paisaje de colinas, más bien árido, que se ensancha desvaneciéndose hacia la derecha, se encuentra una alta roca arqueada, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del santo, adecuada a la iconografía por sus ropajes y su actitud, se sitúa, sin embargo, en un paisaje poco apropiado, cercano a la realidad paisajística familiar del pintor. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco estilizado.

Óleo sobre lienzo. En la bella composición se ve, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, entremezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. En el asa de la cesta descansa un jilguero; enmarcan la composición un gran ramo de flores multicolores en un jarrón a la derecha, y una cortina roja a la izquierda. Los colores vivos de la fruta, las flores y la cortina destacan, mientras que el mueble de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarillo, que sólo se distingue del fondo oscuro por el plumaje blanco de sus alas y el contorno rojo de sus ojos. La obra forma parte de la extensa producción emilianense del siglo XVII de este tipo de tema tan decorativo. La pintura, restaurada y retocada, presenta una marcada grieta y caídas de color en los bordes.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el niño Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena se desarrolla a orillas de un río, pero en un paisaje que no es oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: hay numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro con el niño en la cesta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en un bastidor del siglo XIX.

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Europa del siglo XVII. La escena representa un episodio de la vida de Escipión narrado por Tito Livio y Valerio Máximo. Publio Cornelio Escipión, más tarde conocido como Escipión Africano, en el año 209 a.C., durante la campaña española tras la toma de Cartagena, recibió como tributo personal a una bella virgen, que se encontraba en el grupo de rehenes. Pero escuchó las súplicas de su familia y la respetó enviándola de vuelta con sus padres y su prometido, con la única recomendación de que su prometido trabajara por la paz entre Roma y Cartago. En la representación, Escipión está en el centro, sentado en su trono, dirigiéndose a los suplicantes padres de la doncella, a la izquierda, mientras, con un gesto indulgente, les dice que recuperen a su hija, de pie a la derecha, flanqueada por su prometido. Alrededor, soldados y seguidores del rey. La escena es rica en figuras, brillante y colorista, y pone de relieve la positividad del rey, figura central y poderosa, pero capaz de suavidad y clemencia. El cuadro, restaurado, se ha reforzado en la parte posterior con listones de madera. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición presenta un gran ramo de flores multicolores en un jarrón repujado, junto a un cuenco lleno de setas porcini y un racimo de uvas. Con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces y sombras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición presenta un gran ramo de flores multicolores en un jarrón repujado, junto a dos grandes calabazas y frutas variadas (uvas y melocotones). Con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces y sombras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura esmaltada sobre cobre de la renombrada manufactura de Limoges, que representa el episodio bíblico de la multiplicación de los panes y los peces. En el centro de la escena, Jesús está sentado, rodeado de sus discípulos, mientras recibe pan y pescado de un joven entre la multitud, para alimentar a quienes se han congregado para escucharlo. La obra está montada sobre una base de tela y enmarcada al estilo de la época.

Salomón adora a dioses falsos.

Óleo sobre lienzo que representa una escena bíblica del Primer Libro de los Reyes, mostrando al rey Salomón en un momento de idolatría dentro de un templo. El soberano, influenciado por sus numerosas esposas y concubinas, incluyendo extranjeras, aparece en su avanzada edad, depositando su corona y cetro, custodiado por dos mujeres, para arrodillarse ante una estatua pagana, caracterizada por un cuerpo humano y cabeza de asno, que evoca al dios egipcio Seth. La obra cobra vida gracias a las numerosas figuras femeninas que rodean a Salomón y a la vibrante paleta de colores que realza los ricos detalles de la vestimenta y las joyas, así como la pompa de la escena. En la parte inferior central, un pequeño perro (símbolo iconográfico de fidelidad y amistad) observa la escena con expresión melancólica, simbolizando la pérdida de la fidelidad divina. La pintura, ya restaurada y reentelada en el pasado, se encuentra enmarcada en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los modos pictóricos retoman los de modelos ampliamente reproducidos, empezando por Correggio, Barocci y las numerosas versiones de Gherardo delle notti, el pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de oscuridad y luz, claroscuros. También en esta obra, la luz que irradia el Niño Jesús ilumina a las figuras que le rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un numeroso grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos con ropajes orientales, rodean a Juan el Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con su bastón coronado por la Cruz y envuelto en un rollo, un cordero a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela por encima de las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX-principios del XX.

El rostro de una mujer

Retrato femenino, óleo sobre tabla, inspirado en una obra de Anthony Van Dyck (1599-1641) vendida en subasta en Viena en 2020. La imagen probablemente representa a María Magdalena, figura frecuentemente retratada por Van Dyck, mirando al cielo con el cabello suelto. En esta pintura, su rostro aparece reflejado en comparación con el original. La obra ha sido sometida a un análisis microscópico científico de los pigmentos y el soporte de madera, que la sitúa a finales del siglo XVIII (informe adjunto). La intensidad expresiva y el hábil uso de los efectos cromáticos y lumínicos recuerdan el estilo característico de Van Dyck, lo que sugiere que fue creada por uno de sus seguidores. La obra se presenta en un marco que data de finales del siglo XIX o principios del XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana de los siglos XVII-XVIII. Se trata de una copia temprana de la célebre tabla de Correggio titulada La Madonna di San Girolamo o Il Giorno (La Virgen de San Jerónimo o El Día), fechada hacia 1528 y conservada en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra que el santo realizó a petición del papa Dámaso y que completó ocultándose en soledad en la cueva de Belén. En el cuadro, la centralidad de la escena la ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos. A su alrededor, varias figuras se disponen en semicírculo. A la izquierda, la poderosa figura del anciano Jerónimo, que mira al Niño con el rollo de la traducción en la mano, y el león, su compañero ermitaño, agazapado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia y se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. En el otro lado, Magdalena está semiacostada, abrazando cariñosamente el pie del niño, que a su vez le acaricia el pelo, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos de la santa penitente. La escena se desarrolla bajo una cortina roja, abierta a un amplio paisaje. El cuadro de Correggio tuvo tanto éxito que existen numerosas copias y réplicas antiguas, entre ellas la que aquí se presenta. La obra, restaurada y retocada, se presenta en un marco antiguo coetáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El sangriento episodio del sacrificio de Ifigenia, también narrado en la Ilíada, tiene su origen en la ira de Artemisa, la diosa de la caza, que, ofendida por la jactancia de cazador de Agamenón, impide que la flota griega zarpe hacia Troya. El adivino Calcis profetiza que la ira de la diosa sólo puede aplacarse sacrificando a Ifigenia, la hija menor del propio rey Agamenón. En el centro de la escena se representa a la joven postrada a los pies del altar del sacrificio, mientras es preparada por los sacerdotes según el ritual; en el ángulo izquierdo se vislumbra a su padre Agamenón (con la corona abandonada a sus pies) junto a su madre Clitemnestra que, desesperada, no se atreve a mirar. Arriba, la diosa Artemisa asiste a la escena, reconocible por la luna en su pelo, el arco que sostiene y un ciervo, su animal simbólico, al pie del dosel: según una versión menos violenta del mito, en el momento del sacrificio Ifigenia es sustituida por Artemisa por un ciervo, como podría indicar la presencia del animal en esta representación. La obra que aquí se presenta procede del cuadro de Pietro Testa, publicado entre 1640 y 1642 (actualmente en la Galería Spada de Roma) y de sus grabados: toda la composición de las figuras está tomada de él, aunque se han modificado los ropajes, los colores y diversos detalles. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX, coetáneo de la restauración.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Óleo sobre tabla. Escuela italiana central de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sacra de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas situadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa un libro de oraciones y un pequeño jarrón con florecillas; a sus pies, la cesta de costura. María tiene el cuerpo parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento contorsionado, casi un intento de huida, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, por encima de él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de una rendija de luz. Al fondo, altas columnas con cortinajes coronan la plataforma sobre la que descansa el lecho de María. La composición recuerda, por su estilo figurativo y sus elecciones cromáticas, la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini, conocido como Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia desde 1540 aproximadamente. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), presenta claras similitudes de forma y composición con la que aquí se presenta. Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, en cuyo fondo hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente adornados con cariátides de querubines o ángeles que parecen tallados en madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas «en friso» sobre la misma pose, y los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel también se corresponden. El suelo, en cambio, difiere: mientras que en nuestro panel es homogéneo, en el de Pistoiese presenta una alternancia de colores a cuadros. Sin embargo, parece que este diseño del suelo se añadió en un periodo posterior, cuando se reconstruyó el altar en 1637-1639, en consonancia con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Sacra Conversazione. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado mirando a la obra de Bastiano Veronese, probablemente a petición expresa del mecenas, y antes de la alteración del suelo, lo que lo sitúa en la segunda mitad del siglo XVI. El cuadro ha sido objeto de una restauración, con dos refuerzos aplicados en la parte posterior del panel. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo de bienes culturales https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Primer lienzo y montado sobre bastidor original. Ambientada en una prisión, la escena presenta a San Ambrosio obispo que dirige hacia el cielo al personaje de su derecha, un soldado con la Cruz al cuello, identificable como San Víctor, soldado romano originario de Mauritania, que sirvió en Milán en el época de Maximiano y que fue martirizado por su fe cristiana. Fue el obispo milanés quien relató la vida y el martirio del santo en uno de sus escritos y difundió su culto. A la izquierda, otro probable mártir de la fe, que presencia la proclamación de la bienaventuranza de su compañero de celda; A su alrededor, numerosas figuras más de condenados. La pintura octogonal probablemente pertenece a una serie dedicada al culto del Santo Obispo de Milán. El lienzo requiere restauración y limpieza, presentando varias manchas y cortes (un desgarro en el centro, otros menores en los laterales).

Óleo sobre tabla de álamo que representa a la Virgen entronizada, obra atribuida a la Escuela Central Italiana de finales del siglo XVI y principios del XVII. La composición está dominada por la figura de la Virgen sosteniendo al Niño Jesús, quien sostiene una manzana en sus manos, símbolo del "nuevo Adán", aquel que redimirá a la humanidad del pecado original. Dos ángeles se ciernen sobre la Virgen, sosteniendo una corona que simboliza su realeza y su papel en el plan de salvación. A pesar de restauraciones previas, la tabla presenta algunas pérdidas de pintura visibles, mientras que la estructura de madera ha sido reforzada en la parte posterior para garantizar su estabilidad.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, primera mitad del siglo XVIII. Este paisaje, de cuidada factura, recuerda al estilo pictórico de Bartolomeo Pedon (1665-1732), uno de los paisajistas más interesantes del Barroco veneciano. Abundante en vegetación, el paisaje se centra en un sendero que parte del bosque hacia el amplio valle, donde se divisan a lo lejos granjas dispersas y un río; el paisaje se difumina en tonos azules que se funden con el cielo. Varias figuras transitan por el sendero en primer plano: una mujer con una jarra sobre la cabeza (se vislumbra un pequeño recipiente con agua a la izquierda) conversa con una pastora sentada, mientras sus ovejas pastan cerca, y otros pastores pasan por el camino. Los detalles de la vegetación son precisos y están bien representados, al igual que los de los edificios. La pintura se presenta en un marco de madera de la época, redorado a principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo de la escuela veneciana de la primera mitad del siglo XVIII. El paisaje evoca el estilo pictórico de Bartolomeo Pedon, uno de los paisajistas barrocos venecianos más renombrados. La escena, rica en vegetación, enmarca un claro en el bosque cerca de un arroyo que desemboca en un río. Pastores, hombre y mujer, descansan y comen mientras su rebaño pasta cerca. Al fondo, se extiende un valle con edificios dispersos y picos de montañas que se funden con el cielo azul. Los detalles de la vegetación y los edificios son precisos y están bien representados. La pintura se presenta en un marco de madera de la época, redorado a principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. La distinguida dama, que luce un vestido adornado con lazos y encajes, está sentada ante su escritorio y sostiene una carta en la mano; en el ángulo inferior izquierdo, un sobre lleva trazos de un nombre, desgraciadamente poco legible, recurso para dar a conocer a la retratada. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Niño con gallinas

Óleo sobre lienzo. El estilo pictórico y la temática de la pintura recuerdan al círculo de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini, un artista de origen austriaco que se estableció en Milán. Se especializó en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas y escenas de la vida cotidiana humilde, representadas con una caricatura lúdica y una búsqueda del efecto cómico. Este es el caso de esta obra, que retrata a un joven plebeyo cuidando dos gallinas colocadas en una cesta sobre la mesa, ¡aunque el cuchillo que yace a su lado sugiere que está a punto de sacrificarlas! Los personajes de Cipper, aunque humildes, se caracterizan por una naturaleza impertinente, manifestada en sus miradas fijas al espectador, atrayendo su atención. Esto también se cumple en este caso: el niño mira al frente, riendo y guiñando un ojo, buscando la aprobación o incluso la complicidad del espectador. Por lo tanto, la obra puede atribuirse a un artista muy cercano a Cipper. Ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco guilloché de principios del siglo XX.

La gran escena narra el episodio bíblico del Libro del Éxodo, el milagro realizado por Dios para ayudar al pueblo de Israel a huir de Egipto. Dado que los israelitas no encontraban alimento en el desierto, Dios hizo llover maná del cielo cada mañana. Este cubría el suelo como rocío y podía recogerse y consumirse, aunque la voluntad divina dictaba que solo se recogiera la cantidad necesaria para ese día, como señal de confianza en Dios, quien renovaría el milagro. En la escena que aquí se presenta, varias mujeres, hombres y niños se encuentran en el centro, utilizando cualquier recipiente que encuentran para recoger el ligero polvo blanco que cae del cielo. Un rayo de luz que ilumina la escena indica la presencia divina. A la derecha, se puede ver a Moisés y Aarón observando con satisfacción; a la izquierda, al fondo, se encuentra el campamento israelita con otras figuras que se apresuran a recoger el alimento. Mientras que el profeta y el sacerdote visten ropa de época, las mujeres del centro llevan elegantes vestidos contemporáneos a la pintura. La obra muestra rastros de restauraciones anteriores; actualmente hay desgarros en el lienzo. Se presenta en un marco de estilo del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. El amplio paisaje enmarca una vista de una exuberante llanura verde al pie de afloramientos rocosos; un río navegable la atraviesa, con cascadas. A la izquierda, un sendero desciende desde el arco entre dos edificios en la colina de atrás; dos hombres con vestimenta oriental caminan por él, llevando una enorme rama de baya en un bastón. Esta escena evoca el episodio bíblico en el que dos exploradores enviados por Moisés a la tierra de Canaán cortaron un racimo de uvas tan grande y pesado que tuvieron que cargarlo en un palo sobre sus hombros. Este fruto excepcional se convirtió en símbolo de la abundancia de la Tierra Prometida (Números 13:23). La escena está representada al atardecer, con tonos rosados ​​del cielo que irradian sobre las cumbres de las montañas. La pintura ha sido restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.