PINTURA ANTIGUA

Óleo sobre lienzo montado sobre tabla (probablemente parte de una pintura mayor). En un vasto paisaje con un atisbo de aldea, una pastora lleva a sus vacas a pastar. Los tonos de los animales y la figura humana se funden con los del campo y las casas, bajo un cielo pálido por la luz del atardecer. La obra se presenta en un marco de época.

Copia de Guido Reni

Óleo sobre lienzo. Esta obra es una de las varias réplicas, con algunas variaciones, del famoso tema, creadas por el pintor boloñés Guido Reni (1574-1642) y su taller. La composición, que representa a la Virgen en oración, inclinada para adorar al Niño dormido, se considera una brillante invención del estilo de Reni. Tras su gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada posteriormente por otros artistas del siglo XVII, entre los que destaca Giovan Battista Salvi, conocido como «Il Sassoferrato». Las dos variaciones más famosas de esta fascinante escena muestran a la Virgen con las manos juntas en oración, como en esta versión, adoptada por Salvi, o con las manos sobre el pecho, una representación típica de Reni. Otras variaciones conciernen a la posición de la cabeza del Niño dormido, que aparece vuelta hacia arriba, como en esta versión, en lugar de reclinada hacia un lado; finalmente, las telas del fondo son diferentes. Aun en esta réplica, la intensidad de la escena resalta: el cuerpo del niño, en reposo, domina la escena, donde la naturaleza divina subyuga al ser humano en el sueño; sobre él, inclinada en un gesto protector y a la vez contemplativo, se encuentra el cuerpo de María, que expresa toda su ternura maternal, pero también, en los gestos de sus manos, la adoración del misterio encarnado representado por su pequeño hijo. Los vivos colores de las telas —el cojín sobre el que yace Jesús, la cortina tras él, las vestiduras de la Madre— realzan la luminosidad de los tonos de la piel. El lienzo fue reentelado a mediados del siglo XX.

Caín y Abel

Marquetería en madera. La escena transcurre en un campo con árboles que parecen olivos y una ciudad al fondo. En primer plano, a la izquierda, un hombre golpea furiosamente a otro en el suelo con un palo, ante la mirada alarmada de un campesino. La escena evoca el episodio bíblico de la muerte de Abel, un campesino, a manos de su hermano Caín, un cazador. La obra se presenta en un marco del siglo XVIII.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, finales del siglo XVII-principios del XVIII. María Magdalena aparece representada en primer plano, con su larga cabellera suelta, en actitud de oración y meditación en el desierto, que al fondo se presenta como un paisaje nórdico. La obra fue restaurada y reentelada, probablemente a principios del siglo XX. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX (con leves daños en la madera y dorado posterior).

Óleo sobre lienzo. El santo es reconocible como Judas Tadeo, uno de los Doce Apóstoles, por la alabarda que sostiene en sus manos, instrumento de su martirio. Otro símbolo recurrente en la iconografía del santo, presente también en esta representación, es el libro, que simboliza la Palabra de Dios, la cual Tadeo proclamó con fervor. La pintura muestra señales de restauración y reentelado previos. Se presenta en un marco antiguo de madera.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca, siglo XVIII. La obra fue atribuida al círculo de Hendrick Mommers (1623-1693) en una subasta de Christie's en 1991. Presenta un capricho arquitectónico clásico: un vasto paisaje con las ruinas de un majestuoso edificio clásico. La obra también muestra numerosas figuras caminando por el sendero frente a las ruinas: un pastor con su rebaño, una mujer con un niño y una pareja en un paseo romántico. La obra se conserva sobre su lienzo original y se encuentra en excelente estado. Está enmarcada en un marco dorado de época.

Grabados. Los nombres del grabador y del pintor aparecen en la parte inferior. La serie, basada en dibujos de Giovanni Battista Piazzetta (1682-1754), incluía quince grabados y se titulaba "Los Doce Apóstoles u Obra pintada por Giambattista Piazzetta (1683-1754) grabada por Marco Pitteri Veneto con Privilegio del Excelentísimo Senado". A los once apóstoles (excluyendo al traidor Judas) se unían el rostro de María, la imagen del Padre con el Espíritu Santo y San Pablo. Esta serie carece de la representación de Cristo. Los grabados presentan manchas y marcas de agua. Se presentan en marcos de madera lacada del siglo XVIII con cristal contemporáneo.

Pintura de paisaje antiguo con arquitectura y figuras, óleo sobre lienzo. Se trata de un capricho arquitectónico clásico, un paisaje que presenta estructuras arquitectónicas, a menudo ruinas, de imponentes edificios clásicos, junto con figuras populares de la época. La pintura se conserva en su lienzo original. Se presenta en un marco de época.

Adornos y jarrones antiguos

Grabados coloreados a mano. Creados por Michelangelo Pergolesi entre 1777 y 1778; la decoración coloreada es una obra póstuma, del siglo XIX. Pergolesi diseñó y creó muebles, chimeneas, techos, candelabros, puertas y ornamentos murales de estilo neoclásico, trabajando principalmente en Inglaterra. Los dibujos de estos grabados están numerados y probablemente pertenecen a la obra «Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti» (Diseños para diversos ornamentos para 70 láminas), publicada entre 1777 y 1801. Los dos grabados se presentan enmarcados.

Óleo sobre lienzo. En esta obra, la Sagrada Familia se dirige a un joven fraile con hábito franciscano, probablemente en referencia al comitente: las manos extendidas del Niño se extienden para abrazarlo, bajo la mirada protectora de María y José. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII, redorado.

Óleo sobre lienzo. Paisaje campestre con un pequeño arroyo, cerca del cual se alza un conjunto de edificios rurales; varias figuras en el sendero. La obra presenta restos de restauración y revestimiento previos. Presenta manchas de suciedad. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Paisaje campestre con un pequeño arroyo, barcas que lo atraviesan y rodeado de pequeños grupos de casas rurales. En primer plano, una mujer y su hijo caminan por el sendero. La obra presenta restos de restauración y revestimiento previos. Presenta manchas de suciedad. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Pastel sobre papel. Escuela genovesa, siglo XVII. Anteriormente atribuido a Luca Cambiaso (1527-1585), el dibujo se considera ligeramente posterior. Representa a dos querubines recogiendo fruta de un árbol, una alegoría de la vida. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central, siglos XVII-XVIII. En un paisaje de laderas áridas y rocosas, se representa en primer plano un rebaño de bueyes y cabras, cuidado por una pareja de pastores montados en burros. La obra se presenta en un marco de época. Previamente reentelado, presenta ligeras pérdidas de pintura.

Óleo sobre lienzo montado sobre tabla. Las tres figuras se representan solo en la parte superior, resaltando sus rostros: en el centro, María con el Niño Jesús, sobre quien se centra la luz de la obra; ambas miran hacia el Niño Juan, reconocible por sus símbolos iconográficos (el báculo coronado por la cruz y la piel de animal que lo cubre), quien, más en sombra en la esquina inferior derecha, recibe la bendición de Cristo. La pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre tabla de nogal. La pintura sigue modelos toscanos de principios del siglo XVI (por ejemplo, el estilo pictórico de Domenico Puligo), pero es una producción ligeramente posterior y de una mano más débil, típica de la producción "periférica". El tema, absolutamente tradicional, presenta a la Virgen amamantando al Niño Jesús, enmarcada por una cortina; el niño, mamando del pecho de su madre, mira al espectador, mientras la madre contempla con ternura a su hijo. El monograma CP aparece en el reverso de la tabla, probablemente indicando al artista. La tabla presenta varias pequeñas pérdidas de pintura.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, principios del siglo XVIII. Un paisaje de colinas rocosas presenta un pueblo con edificios con torres, que se alza cerca de la orilla del mar, visible al fondo a la derecha. En primer plano, a lo largo de una pequeña ensenada costera, se aprecia un bullicio popular, con numerosas figuras dedicadas a diversas actividades. La pintura muestra signos de restauración y revestimiento previos; la grieta está bien definida, pero el color se conserva intacto. La pintura se presenta en un marco antiguo, con pequeñas pérdidas.

Óleo sobre tabla de castaño. Escuela centroeuropea, siglo XVI. La escena tradicional muestra al Niño Jesús, en brazos de su Madre, con quien intercambia una tierna mirada, preparándose para colocar el anillo de bodas en el dedo de Catalina de Alejandría, simbolizando el matrimonio místico que la joven santa deseaba contraer con el Divino Niño. La santa es representada, según su iconografía habitual, con corona, vestiduras y joyas reales, para enfatizar su origen principesco. La pintura es probablemente obra de un artista flamenco inspirado en modelos italianos de los siglos XV y XVI. La tabla presenta signos de restauración previa.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVIII. La gran escena narra la trágica historia de Apolo y Dafne, narrada en las Metamorfosis de Ovidio. Según el mito, el dios Apolo, tras burlarse de Cupido, es herido por él con una flecha de amor, lo que provoca que se enamore de la ninfa Dafne, quien, en cambio, es alcanzada por una flecha de plomo, capaz de poner fin a su amor. Apolo, alcanzado por la flecha, se enamora perdidamente de Dafne y corre hacia ella, pero la ninfa rechaza al dios y huye. Para evitar ser capturada, Dafne le pide a su padre Peneo, dios epónimo del río Peneo, que la transforme para no tener que someterse a Apolo. Peneo escucha su petición, y cuando Apolo está a punto de apoderarse de ella, Dafne se transforma en un laurel, una planta que a partir de ese momento se convierte en sagrada para el dios. La obra muestra algunas similitudes con el estilo pictórico de Giuseppe Zocchi (1711-1767), en quien el artista probablemente se inspiró especialmente para la representación de árboles y vegetación. El lienzo presenta varias pérdidas de pintura, especialmente en la esquina inferior izquierda, y una serie de agujeros (de diversos tamaños en los bordes y en el centro) causados por clavos de refuerzo previamente colocados. Enmarcado.

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Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.