PINTURA ANTIGUA
 

Pintura de Giacomo Francesco Cipper conocida como Todeschini

Vendedor de cerezas cortejado y dos músicos 1720 ca.

Óleo sobre lienzo. La pintura va acompañada de los conocimientos del historiador del arte Dr. Giuseppe Sava. El protagonista de la escena del mercado al aire libre es un vendedor de cerezas, que luce un vistoso sombrero de paja y se sienta junto a una cesta de estas frutas colocada sobre un banco de madera, junto a una piedra sobre la que apoya la acería. Con su mirada sonriente, casi guiñando un ojo, dirigida al espectador, acepta las insinuaciones del hombre que, detrás de ella, le pone una mano en el hombro, con mirada lasciva, mientras dos intérpretes de la izquierda improvisan un concierto. El grupo compuesto y alegre hace referencia a la producción de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini (1664 -1736), pintor de origen austriaco pero lombardo por formación y estilo pictórico, que era un "cantante de campesinos, vendedores ambulantes concentrados en su día a día". ocupaciones o en el ocio", especialista en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas, escenas de la vida cotidiana humilde creadas con fuerza caricaturesca risueña y una búsqueda de efecto. cómico. Cipper tomó este estilo narrativo del pintor danés Monsù Bernardo, activo durante mucho tiempo en Italia, entre Bérgamo y Milán: de él, en particular, la predilección por las historias cotidianas y los personajes humildes, así como el carácter impertinente de estos personajes. que buscan la atención del observador a través de una mirada fija en él. También en este cuadro la mujer protagonista fija su mirada pícara en el observador, sonriendo con complicidad e ironía ante el juego de cortejo en el que los tres hombres la convierten en protagonista, implicando un "mercado" que ya no es sólo el de las cerezas. En su experiencia, el Dr. Sava subraya las relaciones estilísticas y tipológicas de esta pintura con otros personajes de Cipper, para respaldar la atribución; también se explica la evolución estilística en los aspectos formales y técnicos de sus obras -los colores que aclaran, con evidente predilección por el ocre, el avellana, el verde salvia, entre los que se insinúa el azul pálido; los fondos lechosos, los brillos más difusos y los claroscuros menos plásticos, evolución que permite situar la obra en su producción de principios del siglo XVIII. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo adaptado.

Pintura de retrato masculino

Óleo sobre lienzo. El hombre retratado está envuelto en una lujosa túnica de damasco de color rojo púrpura y sostiene un sobre en la mano, lo que indica su condición de noble literato. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo adaptado y redorado.

Cuadro Esperando la batalla

Óleo sobre lienzo. La gran escena se desarrolla en el exterior de una fortaleza rocosa y presenta una guarnición de soldados que se preparan para la batalla: en primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman los cañones en las gradas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas. Los colores son claros y apagados, con tonalidades de grises que van desde el cielo despejado con nubes hasta la fortaleza rocosa, para perderse en la tierra, tornándose en un beige arena; sólo destacan algunos de los uniformes de los oficiales, rompiendo la uniformidad cromática. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Retrato pintado de una mujer noble

Óleo sobre lienzo. La noble, una dama elegante y orgullosa con cabello plateado, está representada con un vestido de noche rosa, adornado con encaje y encaje, y completado con una capa de terciopelo azul, forrada con una tela arabesca plateada. La dama no luce ninguna joya, solo tiene un ramo de delicadas flores en su peinado. Restaurada y revestida, tiene una pequeña pérdida de color del fondo en la parte superior. Se presenta en un marco elegante.

Cuadro Capriccio Arquitectónico con Figuras

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. Una parte de una gran estructura arquitectónica en ruinas llena toda la escena: un pórtico coronado por una balaustrada, cubierto de plantas, rodea un patio donde se mueven varias figuras populares, ocupadas en sus actividades. Un cielo azul brillante corona la estructura y la luz se filtra a través de uno de los arcos para crear un juego de luces y sombras bajo el pórtico. En el reverso del marco hay una atribución a Gaetano Vetturali (1701-1783), aunque la calidad de las figuras parece aquí superior a las del artista de Lucca, que se estableció en su territorio por caprichos arquitectónicos de gran impacto escenográfico. El cuadro se presenta en un elegante marco dorado.

Pintura de la Virgen Dolorosa

Óleo sobre lienzo. María está representada aquí en actitud de recogimiento interior sufriente, con la mirada vuelta hacia abajo, la cabeza apoyada en la mano y la expresión triste; aunque está aureolada, en este cuadro prevalece la dimensión humana, la madre sufriente. Detrás de él un paisaje desierto y árido, acentuando la soledad y el sufrimiento. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

paisaje con figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro, realizado en la primera mitad del siglo XX, retoma la obra paisajística en el tema y en la modalidad pictórica: en un paisaje rico en vegetación y con picos al fondo, un joven plebeyo pide caridad a unos viajeros que descansan. en el borde de la carretera, cerca de un arco de piedra. El lienzo ha sufrido un envejecimiento y se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Cuadro Diana y las ninfas sorprendidas por Acteón

Óleo sobre lienzo. Un gran y amplio paisaje verde, cerca de una cueva de la que mana una fuente que crea un espejo de agua clara, es el escenario donde se cuenta el mito de Acteón: el joven cazador, durante una partida de caza, encontró accidentalmente la cueva donde se encontraba la diosa Diana y sus acompañantes se bañaron. En cuanto notó su presencia, la diosa, sorprendida por Acteón en ese momento de gran intimidad, se enojó tanto que le arrojó agua a la cara, transformándolo en un ciervo. Sus perros, al no reconocerlo, se abalanzaron sobre él y lo despedazaron: de cazador, Acteón se había convertido en presa. La historia de Diana y Acteón inspiró la imaginación de numerosos artistas, que probaron este tema, obteniendo siempre interpretaciones originales y diferentes. El cuadro, rebasado, se presenta en un marco antiguo reutilizado.

Pintando el ángel de la guarda

Óleo sobre lienzo. Según la tradición iconográfica, el ángel de la guarda se presenta como un joven alto que acompaña a un niño y le señala el cielo, meta de la vida humana: en este cuadro el ángel ayuda al pequeño a subir a su nube, sosteniéndolo él con un brazo, precisamente para subrayar su papel de compañero, apoyo y guía en la vida terrena hacia la vida celestial. El cuadro, en el primer lienzo, presenta ligeras caídas de color. Se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura Antigua Escena Interior Óleo sobre Lienzo Siglo XIX

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de principios del siglo XIX. La escena, situada en el ambiente pobre y espartano de una taberna, presenta a dos jugadores de cartas que utilizan un barril como superficie de apoyo, observados por otros dos, mientras beben su copa de vino y fuman. El posadero, de espaldas a la derecha, sale de la habitación. La escena es animada y divertida, con personajes más bien ficticios. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Cuadro con Capriccio Arquitectónico y Figuras

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Capricho arquitectónico típico, es decir, paisajes con estructuras arquitectónicas insertadas, a menudo ruinas de estilo clásico pero en este caso más bien los pronaos de columnas de una estructura barroca, imponentes que ocupan la mayor parte de la escena y que contrastan con las figuras pequeñas y mal definidas de caminantes o populares. personajes. El cuadro, restaurado y revestido, se presenta en un marco de estilo de mediados del siglo XX.

Pintura Antigua Paisaje Ruinas Óleo sobre Lienzo '700-'800

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de finales del siglo XVIII y principios del XIX. En el vasto paisaje, que permite a la mirada recorrer una vasta llanura con colinas borrosas que se asoman en el horizonte, hay una ruina arquitectónica de piedra a la derecha, mientras que a la izquierda un puente igualmente viejo y ruinoso cruza el río. Numerosas figuras de viajeros, a pie o a caballo, llenan la escena. La pintura, todavía en el primer lienzo, se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Cuadro de paisaje con pastora y oveja.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XVIII. El cuadro de gran tamaño muestra un paisaje rural, con una casa campesina a la izquierda, la pastora en primer plano a la izquierda mirando su rebaño de ovejas abrevando en el arroyo cercano. El ambiente con colores apagados y luces suaves, con nubes rosadas en el cielo, recuerda un crepúsculo tranquilo y pacífico. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado contemporáneo.

Pintura de escena bíblica

David tocando el arpa

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena representa el episodio bíblico tomado del Primer Libro de Samuel que cuenta así: "Cuando el espíritu malo permitido por Dios atacó a Saúl, David tomó el arpa y comenzó a tocar; Saúl se sintió aliviado, estaba mejor, y el espíritu malo se alejó de él." En el cuadro las figuras aparecen poderosas y vigorosas, tanto el rey Saúl como los guardias que lo retienen, representados en una maraña de figuras que ocupa todo el lado izquierdo de la escena; a la derecha está David, quien, aunque joven y sencillo pastor, se mantiene tranquilo frente al rey furioso, tocando su instrumento con dignidad y firmeza. Al fondo, a la derecha, en un pasillo del palacio, los sacerdotes y los consejeros del rey contemplan consternados la cena. En el marco del cuadro hay una placa que atribuye a Bernardo Strozzi. La pintura, restaurada y revestida a mediados del siglo XX, está colocada con estilo en un marco dorado.

Retrato masculino pintado

Óleo sobre lienzo. El hombre retratado es identificado como Giovan Battista Stampa di Gravedona, jurista, como lo indica el escrito arriba a la izquierda, que declara su cargo, y el encabezamiento de la carta que sostiene en la mano. La familia Stampa, originaria de Gravedona, en el lago de Como, pertenecía a la clase noble local y, en virtud de ello, también desempeñaba un cierto papel público. En el cuadro el hombre aparece sentado en su escritorio, entre sus papeles de trabajo, con un rostro severo como requería su posición. Restaurado (signos evidentes de restauración debido a viejos desgarros en el lienzo, grieta marcada) y reenfundado, el cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Cuadro El suicidio de Porcia

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, la noble romana esposa de Bruto, que vivió en el siglo I a.C.: según la leyenda se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este fatídico momento cuando es representado aquí. El cuadro se acerca mucho a los métodos pictóricos del cuadro homónimo de la escuela de Cignani, atribuido a su alumno Marcantonio Franceschini y conservado en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y se representa sentada frente al brasero ardiendo, en el acto de llevarse carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que hace, pero también su determinación, la mirada que mira a lo lejos ya la sitúa lejos de la vida que deja. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.

Pintura de Michiel Caree

Paisaje con pastores y rebaños.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En un espléndido paisaje clásico, con colinas verdes que dominan un curso de agua, un arroyo en primer plano que luego se convierte en un ancho río en la distancia, se encuentran las figuras de un pastor y una pastora que llevan su rebaño al agua. Las escenas pastorales de este tipo caracterizaron la producción del artista holandés Michiel Carree, quien fue pintor de la corte del rey de Prusia en las primeras décadas del siglo XVIII. El cuadro, sobre primer lienzo, se presenta en un marco dorado contemporáneo, en madera tallada y dorada.

Cuadro Cleopatra disuelve una perla en una copa de vinagre

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, organiza un suntuoso banquete, durante el cual ella elige una perla de inestimable valor y él la disuelve. en vinagre, para luego ofrecer la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro la reina se prepara para poner la perla en la copa: la cinta a la que está atada la perla es particular, que recuerda la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

Pintando la última cena

Óleo sobre lienzo. La representación sagrada sigue los cánones representativos tradicionales de este tema: la larga mesa dispuesta transversalmente está presidida en el centro por Cristo, quien anuncia a los apóstoles la inminente traición de uno de ellos; mientras todos los demás apóstoles se vuelven hacia el Maestro en el gesto de preguntar si la acusación les concierne ("¿Quizás soy yo?"), Judas, en primer plano a la izquierda, da la espalda a Jesús con un gesto de desesperación, mientras sostiene en su mano la bolsa de treinta denarios, el precio de la traición. En el centro inferior, delante de la mesa, un perrito mira al traidor: el animal símbolo de lealtad quizás pretende ser el último intento de detener a Judas, antes de llevar a cabo definitivamente la traición. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época. EL

Pintura Antigua Tema Sagrado Óleo sobre Lienzo Copia de Flandes

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de un cuadro de Antony Van Dick (1599 -1641), quien creó este tema en tres versiones durante su estancia en Italia, entre 1621 y 1625, que luego fueron ampliamente copiadas. La composición de las dos figuras es fiel al original, con el contraste de la mirada de María, que tristemente se vuelve hacia el cielo, pensando en el destino de su Hijo, contra la mirada decidida y segura del Niño, que mira fuera de la composición. En comparación con el original, falta la imponente columna del fondo, aquí monocromática. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.