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Pintura de la Crucifixión del siglo XVII.
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ARARPI0215965
Pintura de la Crucifixión del siglo XVII.

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Pintura de la Crucifixión del siglo XVII.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran escena representa el dramático acontecimiento de la muerte de Jesús en la Cruz, con todos los actores que aparecen en el Evangelio, emergiendo de un fondo oscuro y lúgubre en el que apenas se vislumbra un sol apagado a la izquierda. En el centro destaca casi en solitario la gran Cruz de Cristo, ocupando la parte superior del cuadro; a ambos lados las cruces de los dos ladrones crucificados con Jesús, el de la izquierda, el buen ladrón redimido, vuelto para mirar y hablar con Cristo, el de la derecha en posición frontal, con la mirada desviada del centro. Al pie de la Cruz, a la izquierda María y el grupo de mujeres piadosas detrás de ella, a la derecha San Juan Apóstol; alrededor, los sacerdotes, los acusadores de Jesús que aún discuten entre ellos, y al fondo todo el pueblo. Destaca en primer plano, abajo a la izquierda, la figura de medio cuerpo de un sacerdote actual mirando la Cruz con las manos juntas, y que probablemente corresponde a quien encargó el lienzo. El lienzo fue restaurado y reforrado, y aplicado a un bastidor nuevo. Se presenta en un marco elegante.

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Pintura de retrato femenino
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ARAROT0214054
Pintura de retrato femenino

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Pintura de retrato femenino

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. En el retrato de esta mujer ya no joven, vestida con un austero vestido negro que se funde con el fondo, el encaje blanco del cuello y las mangas y el peto desmontable, o más bien el babero ricamente bordado que simula una joya, inventado al final del '600 para cubrir los profundos escotes de los vestidos femeninos, siguiendo la influencia moralizadora católica de la corte francesa; Luego, la mujer exhibe un fino brazalete de oro en su muñeca. Restaurada y revestida en el siglo XIX, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

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Cuadro con Santiago el Menor
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Cuadro con Santiago el Menor

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Cuadro con Santiago el Menor

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Se dice que Santiago de Alfeo, uno de los Doce Apóstoles de Jesús, es el más joven para distinguirse claramente del otro apóstol llamado Santiago, cuyo padre era Zebedeo y al que tradicionalmente se le llama Santiago el Mayor. En este cuadro se le representa según la iconografía clásica, que lo describe con barba y cabello largo, vestido con túnica y palio, sosteniendo un largo palo ganchudo; su atributo, de hecho, es el instrumento con el que fue martirizado, es decir, el palo con el que se cardaba la lana y que tenía un extremo triangular en forma de gancho. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

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Cuadro de la Sagrada Familia con el niño San Juan
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ARARPI0214053
Cuadro de la Sagrada Familia con el niño San Juan

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Cuadro de la Sagrada Familia con el niño San Juan

Pintura al óleo sobre lienzo. Escena tomada al revés y con distintas variaciones en el fondo y en algunos detalles, de la obra de Pieter Van Avont (1600 -1652), probablemente difundida a través de grabados. Este tema sagrado fue ampliamente propuesto en la producción pictórica, como emblema de la Familia, modelo fundamental de los vínculos de afecto, amor y comprensión que toda familia humana está llamada a expresar. También en esta representación se traslucen la ternura paterna, los afectos de la familia extensa en la figura del primo pequeño Giovanni, las relaciones serenas entre los niños, vigilados por los adultos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco del siglo XIX.

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Gerrit Van Honthorst Alcance de
SELECTED
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ARTPIT0001596
Gerrit Van Honthorst Alcance de

Gesù davanti a Caifa

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Gerrit Van Honthorst Alcance de

Gesù davanti a Caifa

Olio su tela. Il dipinto riprende l'opera del maestro olandese Gerrit Van Honthorst, realizzata nel 1617 e oggi conservata alla National Gallery di Londra. Olandese di nascita, van Honthorst giunse a Roma poco dopo la morte di Caravaggio, di cui assimilò lo stile, che gli valse il soprannome di “Gherardo delle Notti". A Roma l'artista fu ospitato dalla famiglia Giustiniani, che gli commissionò l'opera per la sua collezione privata, ove essa rimase sino al 1804. Portata dapprima a Parigi presso la collezione Bonaparte, dopo ulteriori passaggi di proprietà, giunse infine a Londra nel 1922. Il dipinto racconta l'episodio drammatico dell'incontro tra il sacerdote Caifa e Gesù, durante la sua Passione. Tutta la parte superiore è occupata dal buio: il vuoto, il nulla, fanno concentrare l'attenzione sui due protagonisti e sul dramma che si sta svolgendo. La scena è fortemente statica, quasi bloccata in un momento preciso, l'atto accusatorio del sacerdote nei confronti del Cristo, a sottolineare l'intensità del dramma interiore, profondamente doloroso. Nella scena, Caifa è a sinistra, seduto al tavolo su cui è posato il libro della Legge ebraica, e solleva il dito in tono accusatorio; Gesù è a destra, in piedi, le mani legate, in atteggiamento umile. Al centro una candela, unica fonte di luce, che fa da raccordo tra il volto di Caifa e quello di Gesù, che si incontrano in un gioco di sguardi lungo una linea diagonale, e di cui la luce artificiale sottolinea impietosamente il contrasto espressivo, grottesco e arrabbiato quello del sacerdote, sofferente, ma luminoso e composto quello del Cristo. Sullo sfondo, dietro i due protagonisti, sono presenti le figure di altri sommi sacerdoti. Sono solo ombre nel buio, attendono il giudizio e le loro facce sono avvolte nell'oscurità che aumenta la tensione. Ben si coglie, nel contrasto di luci e ombre, nell'intensità degli sguardi, l'impronta caravaggesca. La tela qui proposta, di dimensioni circa la metà dell'originale, ma fedele nei moduli stilistici e interpretativi, fu probabilmente commissionata in misure ridotta da chi aveva apprezzato l'originale a palazzo Giustiniani. Essa è stata restaurata e ritelata nel XIX secolo. Sul retro sono scritti alcuni nomi, indicazione di proprietà. Cornice in stile.

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Pintura del taller de Luca Giordano.
ARARPI0057105
Pintura del taller de Luca Giordano.

Alegoría del Fuego con Júpiter y Sémele

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Pintura del taller de Luca Giordano.

Alegoría del Fuego con Júpiter y Sémele

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena ve en el centro, volando sobre las rocas, un pájaro del que flotan llamas, representando alegóricamente el elemento natural; en el lado izquierdo de la escena se desarrolla la vida frenética de una fragua: en primer plano dos hombres con cestas llenas de leña, otros dos más apartados están concentrados en conversar con amorcillos, delante de un altar. Sin embargo, la parte principal del encuadre la ocupan Júpiter y Sémele: en la parte superior el rey de los dioses desciende del cielo, cubierto por un ondeante paño naranja, en sus manos sostiene un haz de relámpagos y lo acompaña los vientos; abajo a la derecha la princesa, reclinada sobre un cojín y rodeada de querubines. La pintura es atribuible al taller de Luca Giordano (1634-1705), probablemente creada en la década de 1680. De hecho, nuestro lienzo vuelve a proponer, aunque con algunas modificaciones, el mismo tema que Giordano ya había pintado para el Palacio de la Zarzuela de Madrid, a donde fue enviado en 1688 junto con otros cuadros de tema mitológico. Este tema debió ser especialmente apreciado, porque se conoce al menos otra copia del taller, realizada como réplica de la del palacio de Madrid, conservada en el Museo Casa Martelli de Florencia: esta versión pertenece a una serie de pinturas de Giordano. que representan los cuatro elementos, provenientes de las colecciones de don Gaspar de Haro y Guzmán, marqués del Carpio y virrey de Nápoles de 1683 a 1687. Comparada con la original, nuestra versión también presenta cambios: no en contraparte, pero con la misma ambientación de La escena, sin embargo, difiere en tamaño, ampliando ligeramente la altura de 114 cm del original a 125 cm de este lienzo, permitiendo así un encuadre más amplio. Esta astucia nos lleva plausiblemente a suponer que el cuadro en cuestión habría sido realizado para un cliente muy concreto, quizás italiano, y en las dimensiones adecuadas al lugar de colocación. Otro cambio importante también puede leerse como una petición directa del cliente, a saber, el hecho de que la princesa Sémele se presenta en una variante más casta, ya no casi desnuda y cubierta sólo con una ligera cortina, sino vestida con una túnica y un abrigo. Comparada con el autógrafo original de Luca Giordano, nuestra versión demuestra, a pesar de la alta calidad pictórica, un mayor ingenio y una interpretación menos meticulosa, lo que lleva a la atribución al taller. La pintura presenta signos de restauración y rebase.

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Pintado con escena de género.
ARARPI0210822
Pintado con escena de género.

El regreso de la caza

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Pintado con escena de género.

El regreso de la caza

Óleo sobre lienzo aplicado a la mesa. Escuela del norte de Europa del siglo XVII-XVIII. En el reverso hay una antigua atribución a Peter Wouwerman (1623 -1682), justificada por la cercanía a los métodos pictóricos del artista flamenco, muy atento a la interpretación de los detalles minuciosos. Esta pintura representa el regreso de un caballero de la caza a su palacio en el lado izquierdo: mientras los caballos son llevados a descansar y los perros abrevan en la fuente, un sirviente ayuda al amo a quitarse las botas altas, mientras las mujeres abandonan el casa para alojar a los cazadores. El cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Grupo de cuatro cuadros con escenas pastoriles
ARARPI0206743
Grupo de cuatro cuadros con escenas pastoriles

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Grupo de cuatro cuadros con escenas pastoriles

Óleo sobre papel aplicado a lienzo. Las cuatro obras proponen temas pastoriles, animados por pastores con sus rebaños y sus perros fieles, a veces descansando al borde del camino, en dos escenas flanqueadas también por vendedores de frutas. Las obras se inspiran (así como en la cita al dorso de una de ellas) en la producción de Francesco Londonio, el artista milanés del siglo XVIII que se dio a conocer por sus escenas rurales y pastoriles, en un repertorio de sabrosas instantáneas de la vida campesina. Las cuatro pinturas se presentan en marcos dorados contemporáneos, con pequeños defectos.

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Pintado con Escena de Curación Siglo XVII
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Pintado con Escena de Curación Siglo XVII

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Pintado con Escena de Curación Siglo XVII

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. La pintura, atribuida por tradición oral a Frans Francken el joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras va con sus discípulos, se encuentra en el camino con un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que involucra aislamiento y destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que hace el milagro y lo sana. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan por sus vivos colores las figuras vestidas según el estilo típico de los tiempos de Cristo; además, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye en un campo lleno de vegetación, y una ciudad al fondo bajo los picos de las montañas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en los detalles: el tronco roto en primer plano, las frondas del gran árbol detrás de los personajes, los pájaros volando alto en el cielo, las pequeñas flores en la orilla , los matices del El agua en la que se reflejan las plantas y las nubes están pintados con un refinamiento pictórico propio de la pintura flamenca, de estilo similar al del gran artista de Amberes. La pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

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Pintura La entrada de Jesús en Jerusalén
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Pintura La entrada de Jesús en Jerusalén

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Pintura La entrada de Jesús en Jerusalén

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena, narrada en los Evangelios, presenta la entrada mesiánica de Jesús en Jerusalén, a lomos de un burro y aclamado por la multitud que lo vitorea y lo reconoce como el Mesías. La pintura, en el primer lienzo, tiene varias gotas de color y necesita restauración y limpieza. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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pintura de paisaje de lago
ARARPI0208637
pintura de paisaje de lago

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pintura de paisaje de lago

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran paisaje presenta un campo boscoso que da a un vistazo del lago, rodeado de montañas y dominado por pequeños pueblos; un arroyo emerge del lago y corre impetuoso entre las rocas de las orillas. En el primer lienzo, el cuadro necesita restauración debido a un pequeño desgarro y varias gotas de color. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Cuadro de Paisaje con Rebaños y Figuras
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Cuadro de Paisaje con Rebaños y Figuras

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Cuadro de Paisaje con Rebaños y Figuras

Óleo sobre cartón. Escuela italiana del siglo XIX. La escena pastoril ve a la izquierda un rebaño de ovejas y vacas bebiendo y refrescándose en el río; en la margen derecha, bajo un árbol, descansa la pastora con su pequeño hijo que, después de haber comido, juega con un telar de madera. La escena bucólica es serena y pacífica. El cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Retrato pintado de una novia joven
ARARPI0212469
Retrato pintado de una novia joven

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Retrato pintado de una novia joven

Pintura al óleo sobre lienzo. La joven, que ya aparece en el cuadro de las gemelas (código ARAROT0212468), aparece aquí retratada con un vestido de novia, ricamente adornado con encajes. Además, la mujer luce el mismo juego de joyas de perlas que en el otro retrato, además de exhibir el mismo peinado, con un flequillo en la frente en coletas. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Cuadro de la Virgen con el Niño
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Cuadro de la Virgen con el Niño

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Cuadro de la Virgen con el Niño

Óleo sobre lienzo con aplicación en relieve de color muy matérico, para definir las coronas e iniciales en la parte superior. La pintura retoma el estilo de los iconos antiguos, tanto en el tema como en la pintura dorada para definir algunos detalles, así como en el uso del cirílico para las iniciales de la parte superior. Además, la inscripción Roma aparece en caracteres latinos en la corona de María, probablemente para indicar el lugar de compra. Ya rebasada, la pintura muestra en la parte pintada algunos rastros de restauración anterior, bastante toscos, y algunas pequeñas gotas de color.

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Joseph Zais
SELECTED
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ARARPI0131969
Joseph Zais

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

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Joseph Zais

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura está acompañada por la experiencia de dos historiadores del arte, el dr. Dario Succi y la Dra. Federica Spadotto. Ambos confirman la atribución del cuadro a Giuseppe Zais, "el maestro de Belluno reconocido unánimemente como uno de los más originales y genuinos intérpretes del gran paisaje veneciano del siglo XVII". En el paisaje, bajo las ramas de un árbol que enmarca la izquierda y con el fondo de montañas azules, una pastora y su pequeño hijo destacan en primer plano, haciendo que sus animales (ovejas y vacas) rieguen del río. El Zais, tras una formación inicial en su país natal en la escuela de su compatriota Marco Ricci, que se trasladó a Venecia en 1732, pronto pasó a formar parte de las filas de los arquitectos paisajistas de lagunas, apreciados y contratados para grandes obras decorativas en los palacios de la ciudad. En la década de 1970 el Zais abandonó esta producción y optó por dedicarse solo a obras pequeñas, que reflejaban una adhesión al mundo de los humildes y una dimensión contemplativa del pasado, raramente sujetos presentes en las pinturas de importantes clientes. El trabajo que aquí se presenta se puede considerar un ejemplo de esta última fase creativa, de acuerdo con los historiadores del arte en los años 70 del siglo XVIII: el Zais propone un paisaje faldas en lugar estéril, donde la pastora seguido por su pequeño hijo jugar el su asignación, sin cualquier concesión a una belleza ideal, sino más bien con un recordatorio de una vida real precisa, dura, sencilla, hecha de esfuerzo y cariño al mismo tiempo. Incluso los colores del lienzo realzan la empatía del artista por el mundo que representa: los cálidos tonos dorados del paisaje, iluminados por el azul de los picos distantes que reverberan el del cielo, envuelven las figuras humanas y animales en primer plano, que surgen gracias a las pinceladas de materiales y colores más brillantes, pero no brillantes, especialmente en la lana de los animales y con ropa de mujer. También son peculiares de los Zais los rostros, redondos y llenos, con rasgos que se repiten siempre idénticos en las figuras campesinas de sus obras, asociadas a cuerpos torneados, vestidos con ropas que parecen papel maché. La obra muestra signos de restauración, aunque todavía en el primer lienzo. En la parte posterior hay una inscripción en alemán con el nombre del propietario anterior y la fecha "Navidad de 1977". Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con pequeñas grietas y carencias.

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Escena de batalla
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Escena de batalla

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Escena de batalla

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

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Cuadro Retrato de las Tres Hermanas
ARARPI0210825
Cuadro Retrato de las Tres Hermanas

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Cuadro Retrato de las Tres Hermanas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XIX. Retrato de familia de tres niñas, cuyo marcado parecido en rasgos faciales, sonrisa y mirada ingeniosa y pícara, queda subrayado por la ropa casi idéntica que visten, cuyos vivos colores animan la escena y sobre la que destacan los encajes de los escotes, exquisitamente pintados; la más joven del centro, todavía una niña, tiene un vestido un poco menos trabajado y un peinado menos elaborado, acorde con su edad. El cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX que ha sido adaptado y redorado.

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Vista de los Foros Imperiales de Roma
SELECTED
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ARARPI0132735
Vista de los Foros Imperiales de Roma

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Vista de los Foros Imperiales de Roma

Pintura al óleo sobre lienzo. La vista amplia de los foros imperiales de Roma es parte de la vasta producción del paisaje del período Grand Tour, destinada a aristócratas europeos ricos que viajan a Europa - y en particular en Italia, donde Roma se consideró una necesidad - que querían un recuerdo de la lugares visitados. Los Foros Imperiales Romanos son un conjunto arquitectónico formado por una serie de edificios monumentales y plazas, centro de la actividad política de la antigua Roma, construidos en un período de unos 150 años, entre el 46 a. y 113 d.C. A pesar de las ampliaciones, los incendios, las restauraciones y las reconstrucciones, durante la Antigüedad los Foros Imperiales mantuvieron intacta tanto su conformación arquitectónica como su función. Su destrucción casi definitiva se produjo durante el Renacimiento a manos del Papa Julio II (1503-1513), quien utilizó toda la zona como cantera de materiales para reutilizar en la edificación y renovación artística de la ciudad por él iniciada. De poco sirvieron las protestas de destacados artistas como Rafael y Miguel Ángel. En los siglos siguientes se llevaron a cabo varias campañas de excavación, con mayor vigor a partir del siglo XIX, pero el área fue excavada por completo a principios del siglo XX y la arquitectura antigua fue borrada casi por completo para dar cabida a la construcción de via dei Fori. Imperiali, que conecta la plaza Venecia, el Coliseo. El Foro fue redescubierto a partir del siglo XVI también gracias a los paisajistas romanos que en aquella época adoraban pintar las ruinas que aparecían en la zona de pastos. La vista que aquí se propone presenta los Foros Imperiales antes de las excavaciones iniciadas en el siglo XIX, cuando aún no se había construido el camino que aún los atraviesa: aún están rodeados de verde campiña y las colinas romanas destacan al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reformado del siglo XIX.

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Retrato de una mujer joven 1666
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Retrato de una mujer joven 1666

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Retrato de una mujer joven 1666

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Se retrata a una joven sonriente con un elegante vestido negro, adornado con encaje en el escote y un juego de cordones y lazos rojos y verdes en las mangas, a juego con la enagua roja bordada; lleva sus joyas al cuello, muñecas, orejas, en el peinado de su cabello, donde la austeridad de las perlas se aligera con cintas de colores; sostiene un ramo de flores en la mano, lo que enfatiza su gracia y gracia. Restaurada y revestida, en el segundo lienzo está escrito, probablemente una copia del original en el primer lienzo, que indica quién es la joven: "Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D'etta Anni XVIII ", seguido de un escudo de armas con las iniciales C FAS Este escrito, además de definir el nombre y la edad, destaca la pertenencia de la joven al Colegio de las Vírgenes de Jesús en Castiglione delle Stiviere, fundado en 1608 por la marquesa Guidonia Gonzaga junto con las dos hermanas Cinzia y Olimpia, todas sobrinas de San Luis Gonzaga. Este colegio tenía el propósito de impartir una educación a jóvenes nobles o jóvenes de buenas familias, quienes, con la dote donada al colegio, contribuían al sustento del mismo. El retrato tiene pequeños defectos. Se presenta en un marco antiguo, no coetáneo, con pequeñas deficiencias.

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Antonio Francesco Peruzzini atribuible a
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ARARPI0131571
Antonio Francesco Peruzzini atribuible a

Paisaje con figuras en el río

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Antonio Francesco Peruzzini atribuible a

Paisaje con figuras en el río

Pintura al óleo sobre lienzo. El amplio paisaje se centra en el río que desemboca en un valle rico en vegetación. A lo largo de su recorrido, en primer plano, algunas mujeres están lavando ropa. Los rasgos pictóricos, rápidos y poco agregados, se refieren a la producción de Antonio Francesco Peruzzini, perteneciente a una familia de pintores originarios de Pesaro, entre ellos su padre Domenico y sus hijos Giovanni, Antonio Francesco y Paolo, activos en la región de Marche y en ciudades italianas como Roma. Bolonia, Turín y Milán, durante el siglo XVII y el primer cuarto del XVIII. La producción de Antonio Francesco se asocia a menudo con la de su hermano Giovanni, ya que los dos trabajaron juntos. Antonio Francesco se especializó en pintura de paisajes, bajo la influencia de Salvator Rosa y arquitectos paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias también vinieron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente de Pieter Mulier conocido como il Tempesta. En sus primeras obras ya se distingue la originalidad de su pintura dada una redacción rápida y un sello cromático intenso y brillante. A principios de los noventa se inició el largo vínculo artístico entre Antonio Francesco Peruzzini y Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde se había asentado Peruzzini; a partir de este período su pintura parece desmoronarse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una desintegración cada vez mayor de las formas de la naturaleza y su movimiento. Restaurada y revestida, la obra se presenta en un marco de principios del siglo XX.

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