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PINTURA ANTIGUA
 

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Cuadro Paisaje con Figura
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ARARPI0248228
Cuadro Paisaje con Figura

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Cuadro Paisaje con Figura

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran paisaje representa una extensión de paisaje boscoso, atravesado por un arroyo, cerca de colinas. En el camino más allá del arroyo, la pequeña figura de un viajero alejándose. El elemento naturalista también domina en los colores, con una amplia gama de verdes y marrones, que también se encuentran en el arroyo como reflejo de las plantas. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

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Cuadro Sacerdote en oración
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ARARPI0248780
Cuadro Sacerdote en oración

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Cuadro Sacerdote en oración

Pintura al óleo sobre lienzo. Gran retrato de un sacerdote que, ataviado con vestiduras, está arrodillado en oración contemplativa ante el Crucifijo, colocado sobre un altar. Detrás de él, a la derecha, se vislumbra la ciudad. La luz de la Cruz irradia sobre el rostro del hombre. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Cuadro Coronación de la Virgen
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ARARPI0247743
Cuadro Coronación de la Virgen

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Cuadro Coronación de la Virgen

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena representa a María, ya Asunta al cielo y sostenida sobre las nubes por angelitos, recibiendo la Corona de la Santísima Trinidad. Esta coronación expresa la apoteosis de María, que al convertirse en "Reina del Cielo" se convierte en intermediaria entre la tierra, la Humanidad, y el Cielo, la Divinidad: lo que no es dado al hombre ver, se hace posible a través de María que en esta glorificación es más que siempre el hilo tenaz que nos une al Todopoderoso, la verdadera "puerta del cielo", como la definen los Padres de la Iglesia. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

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Cuadro de San Francisco en oración
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ARARPI0247739
Cuadro de San Francisco en oración

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Cuadro de San Francisco en oración

Pintura al óleo sobre lienzo. El Santo, en primer plano, está representado de rodillas, adorando el Crucifijo que sostiene con una mano, mientras que con la otra apunta hacia la calavera, el tradicional "Memento mori". La figura está situada en el interior de una cueva, desde cuya apertura se vislumbra un paisaje árido y árido; la luz entra por un agujero en la roca y se irradia linealmente sobre la Cruz hasta llegar al rostro del Santo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera del siglo XIX.

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Cuadro de Magdalena Penitente
ARARPI0246902
Cuadro de Magdalena Penitente

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Cuadro de Magdalena Penitente

Pintura al óleo sobre lienzo. El tema, recurrente en la pintura de los siglos XVII y XVIII por el componente místico pero a la vez sensual de esta santa, presenta a Magdalena en el desierto, envuelta en su larga cabellera suelta y un drapeado, mientras de rodillas medita sobre la calavera. , el tradicional Memento mori, sosteniendo un cilicio; Sobre ella hay un ángel que sostiene en la mano el frasco de ungüento, otro atributo del santo, cuyo hombro se dispone a ungir, como signo de consagración a Dios. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco contemporáneo.

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Pintura atribuible a Antonio Travi
ARARPI0225889
Pintura atribuible a Antonio Travi

Paisaje con ruinas y figuras.

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Pintura atribuible a Antonio Travi

Paisaje con ruinas y figuras.

Pintura al óleo sobre lienzo. El paisaje desarrollado verticalmente ve una imponente estructura arquitectónica en ruinas en el centro, invadida por la maleza y presentada con colores y características matizadas, como para subrayar su decadencia. Delante, en primer plano y bien definidas, algunas figuras de pastores en reposo, mientras las vacas pastan: un pastor toca el silbato, el segundo, sentado apoyado en su bastón, observa al tercero, que, desnudo, se concentra en lavándose, tendido lánguidamente al borde del abrevadero. A la izquierda se vislumbran picos rocosos, grises bajo un cielo con atmósferas de amanecer. La tipología de la composición paisajística remite a la producción de Antonio Travi, conocido como el Sordo de Sestri: el artista que fue alumno de Strozzi cuando aún tenía veintitantos años, se convirtió más tarde, bajo la influencia de Waals, en un pintor de paisajes caracterizados por colores plomizos. Tonos naturales, con zonas claras en contraste, con edificios y ruinas, y animadas por figuras periféricas casi perdidas en la profundidad de la escena. El cuadro restaurado y revestido se presenta con marco de listones.

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Retrato de mujer con manguito
ARARPI0132209
Retrato de mujer con manguito

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Retrato de mujer con manguito

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El retrato propone la figura de una mujer joven que viste un traje cotidiano, pero adornado con bordes de pieles manchadas; curiosamente, con el brazo levantado luce un manguito de piel metido sobre una mano, probablemente una costumbre para subrayar una moda de la época. El cuadro presenta signos de restauración, con conservación del lienzo original, aunque reensamblado sobre un nuevo marco. Se presenta en un marco ovalado coetáneo, pero rematado por un friso de madera añadido posteriormente.

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Cuadro Virgen con el Niño
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Cuadro Virgen con el Niño

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Cuadro Virgen con el Niño

Pintura al óleo sobre lienzo. La Virgen sostiene al Niño Jesús en brazos y ambos sostienen la corona del rosario, una invitación a la devoción mariana. Arriba, los ángeles aparecen desde el cielo abierto. La pintura ha sido previamente restaurada y revestida; algunas pequeñas gotas de color a lo largo de los bordes. Se presenta en un marco contemporáneo.

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Pintura La huida a Egipto
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Pintura La huida a Egipto

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Pintura La huida a Egipto

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena bíblica representa a la Sagrada Familia con María sentada en el asno, Jesús recién nacido en brazos y José tirando del animal, mientras huyen de Nazaret, rumbo a Egipto, para escapar de la persecución de Herodes. Unos angelitos se ciernen sobre ellos. Las miradas de los ángeles, José y María, convergen tiernamente en el Niño. Al fondo un paisaje nórdico. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Ángel de la guarda pintado en una guirnalda de flores.
ARARPI0245700
Ángel de la guarda pintado en una guirnalda de flores.

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Ángel de la guarda pintado en una guirnalda de flores.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), más que el de Mario Nuzzi, conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

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Composición floral pintada
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Composición floral pintada

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Composición floral pintada

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La abigarrada y polifacética composición floral, desarrollada verticalmente, se sitúa en el interior de un jarrón apoyado sobre una base sobre la que también reposan algunos frutos. El fondo es negro, para resaltar los colores brillantes de las flores. En el primer lienzo, el cuadro presenta pequeñas gotas de color generalizadas y una grieta bastante fuerte. Se presenta en un marco elegante.

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Cuadro de Paisaje con Figuras
ARARPI0245702
Cuadro de Paisaje con Figuras

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Cuadro de Paisaje con Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. Se propone un paisaje fluvial cercano a un pueblo, con el pequeño puente que salva el curso de agua en el centro, y poblado por numerosos personajes populares, con características típicamente noreuropeas por sus rasgos carnosos y sus expresiones astutas y curiosas. Se dedican a actividades cotidianas relacionadas con la pesca: en el centro un hombre expone su captura a una pareja, garantizando, mediante el gesto de su brazo, su procedencia fresca; delante de él, un niño volca una tina llena de peces y serpientes de agua mientras otro pescador, más atrás, también vende sus productos. Otros dos hombres, de pie en el agua, recogen sus redes; Una pastora cruza el puente con su niño y su cabra. Sentada en primer plano a la derecha, una mujer observa la escena. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Cuadro flamenco de paisaje con figuras
ARARPI0243352
Cuadro flamenco de paisaje con figuras

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Cuadro flamenco de paisaje con figuras

Óleo sobre tabla de nogal. Escuela flamenca del siglo XVI. El cuadro presenta un paisaje caracterizado por una planta alta y frondosa en el centro, que divide verticalmente la escena en dos partes, elevándose desde la tierra marrón y oscura en primer plano, hacia el horizonte de colinas boscosas azules, que luego se desvanecen en un continuo cromático. en el cielo, interrumpido por el espeso follaje del árbol. La escena en primer plano está animada por varias figuras de personajes andantes, repartidos por el campo. Son peculiares las elecciones cromáticas, los marrones y azules, que junto con el tipo de paisaje y las figuras remiten a la pintura flamenca; además, el uso de un panel de nogal atestigua la existencia de un artista flamenco trabajando en Italia, donde se utilizó este soporte pictórico, inusual en el norte de Europa. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

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Par de cuadros sobre pizarra
SELECTED
SELECTED
ARARPI0233382
Par de cuadros sobre pizarra

La Magdalena penitente y San Juan Bautista

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Par de cuadros sobre pizarra

La Magdalena penitente y San Juan Bautista

Óleo sobre pizarra. Se proponen aquí dos ejemplos de pintura al óleo sobre piedra, un género pictórico especialmente popular en la República de Venecia entre los siglos XVI y XVII, en su forma de pintura al óleo sobre pizarra o piedra de toque. La elección de una piedra tan oscura como fondo no sólo está ligada a razones prácticas (la proximidad de las minas de Brescia y Val Brembana), sino que, como demuestran claramente nuestras dos obras, la aparición de las figuras del fondo oscuro responde a la luz también colmó las nuevas necesidades de la pintura de la época, que en el clima de la Contrarreforma, tendía a expresar no sólo las certezas existenciales idealizadas del pleno Renacimiento, sino también las inquietudes y la apertura a nuevas fases. , tendiendo ya con Tintoretto hacia una mayor atención a la realidad y a los contrastes luminísticos, para luego desembocar de manera abrumadora en investigaciones del siglo XVII fuertemente centradas en la combinación contrastante de luces y sombras. Las dos obras aquí presentadas, muy dentro de la producción del área veneciana de las primeras décadas del siglo XVII, proponen dos figuras de santos, ambos ermitaños, colocadas sobre un fondo naturalista oscuro y apenas visible. La figura de Magdalena emerge de la oscuridad, inclinándose para seguir la curva del soporte de piedra; se la representa mirando inquisitivamente hacia la oscuridad, como si estuviera escuchando, con la mano izquierda levantada y la otra apoyada en el notablemente acortado "memento mori". Frente a ella un látigo y el frasco de ungüento. Pintado en colgante, San Juan Bautista está representado de joven, con un cordero a sus pies, en su mano la cruz procesional con el estandarte "ecce agnus dei", mientras que con su mano derecha saca agua de la fuente, recordando el episodio que verá a Jesucristo bautizado. En ambos cuadros las figuras destacan de forma contundente e incisiva gracias al negro que caracteriza la placa de pizarra sobre la que están representadas. Los dos cuadros, de formato ovalado, se presentan en marcos de madera negra, de finales del siglo XIX.

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Pintando La Visitación
ARARPI0242931
Pintando La Visitación

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Pintando La Visitación

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana de finales del siglo XVIII. El gran cuadro narra el episodio evangélico del encuentro entre Santa Isabel, embarazada de Juan Bautista, y María, esperando a Jesús, pero insertado en una escena coral más amplia: está colocado sobre una gran escalera, probablemente la del templo en el que Zacarías, marido de Isabel, era sacerdote, y multitud de figuras, y está animado por una multitud de figuras, entre las que destacan varias mujeres con niños y familias. Detalle en primer plano a la izquierda, la figura con un niño atado a sus piernas, que mira hacia el espectador, indicando con un amplio gesto de su brazo el acontecimiento central, el encuentro entre las dos santas mujeres. Destacan los colores, que según la tradición pictórica veneciana, son elementos fundacionales de las escenas, que subrayan las figuras y se funden en los diferentes planos tridimensionales. Reforrado y restaurado, el lienzo tiene una ligera grieta en el lado izquierdo. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

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Betsabé bañándose pintura
ARARPI0240154
Betsabé bañándose pintura

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Betsabé bañándose pintura

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura de gran tamaño recuerda los métodos pictóricos del siglo XVII, pero es de una época posterior y fue creada sobre un lienzo aplicado a otro más antiguo. La escena narra el episodio bíblico (tomado del Libro de los Reyes) ampliamente narrado pictóricamente, que representa el baño de Betsabé, esposa del general Urías, al servicio del rey David. Según el relato bíblico, David se encuentra en la terraza de su palacio cuando ve a la mujer bañándose en el jardín de su casa, rodeada de sus sirvientas. Davide se enamora de ella y la seduce, dejándola embarazada. Para ocultar el crimen, llama al general Urías del frente, para obligarlo a acostarse con su esposa, pero Urías no quiere dejar a sus soldados; entonces David lo envía a luchar en primera línea esperando que lo maten: esto sucede y David puede casarse con Betsabé, pero será castigado por Dios por el adulterio y la impiedad cometidos. El cuadro muestra el momento en el que Betsabé, recién saliendo del baño, mientras se refleja en el espejo que sostiene una esclava, y rodeada de otros sirvientes, lee la nota que le envió el rey David; este último aparece en la parte superior derecha, dando a la terraza. La escena está dominada por figuras femeninas entrelazadas entre sí, en una maraña de ropas y telas, y rodeadas de flores del jardín; en el centro se encuentra el espejo con un rico marco dorado. El cuadro tiene un parche en la parte inferior derecha. Se presenta en un marco dorado antiguo.

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Cuadro Adoración de los pastores
ARARPI0240149
Cuadro Adoración de los pastores

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Cuadro Adoración de los pastores

Temple y óleo sobre tabla. Escuela veneciana-cretense de los siglos XVII-XVIII. El término Escuela Veneciano-Cretense (o Creto-veneciana) indica una importante escuela pictórica, también conocida como escuela posbizantina, movimiento que floreció en la isla de Creta bajo el control de la Serenísima de Venecia entre 1204 y 1669. Gracias Debido a la situación política, especialmente después de la caída de Constantinopla, Creta se convirtió en el principal centro artístico cristiano de origen griego desde el siglo XV al XVII. En este ambiente se desarrolló un particular estilo pictórico que estuvo marcado por tradiciones y movimientos de origen tanto bizantino como latino. En particular, dada la importante demanda de iconos bizantinos en Europa, la isla pronto se convirtió en un centro de producción de estas obras de arte. El estilo del icono bizantino se encuentra en esta obra, que propone un tema ampliamente repropuesto en el arte, a saber, la Adoración de los Pastores en el nacimiento de Jesús: las figuras de la Sagrada Familia y de los Pastores son fuertemente atribuibles a la tradición. Representación iconográfica bizantina, pero se sitúan en un paisaje más latino, que se abre de par en par, con una profundidad de perspectiva que remite a la pintura de paisaje europea del siglo XVII, sin el tradicional fondo dorado pero con elecciones cromáticas que aún recuerdan la divina luz dorada. en particular donde un ángel anunciando la Gloria de Dios mira desde el cielo abierto. El cuadro presenta un desprendimiento de la pintura en la parte central, correspondiente a una restauración anterior, que requiere una mayor recuperación. En la parte posterior del plato se encuentra un sello de lacre. El cuadro se presenta en un marco de madera antiguo.

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Cuadro El Tránsito de San José
ARARPI0240148
Cuadro El Tránsito de San José

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Cuadro El Tránsito de San José

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. El cuadro representa la muerte de San José que, según los evangelios apócrifos, se produjo asistida por María y Jesús: el moribundo yace efectivamente en su lecho de agonía, sostenido afectuosamente por su putativo hijo Jesús y su esposa María, mientras varios ángeles asistir, ya sea a los pies de la cama, o desde arriba donde el cielo ya se abre para acoger el alma del santo. La de José es considerada la forma de muerte más deseable y pacífica, la de la vejez, en el lecho y rodeado de los seres queridos, por lo que el Santo es considerado el patrón de los moribundos y de la dulce muerte. Restaurada y revestida, la pintura se presenta con marco.

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Cuadro de San Jerónimo.
ARARPI0240140
Cuadro de San Jerónimo.

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Cuadro de San Jerónimo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. El Santo está representado en el interior de su estudio, concentrado en leer y estudiar los textos sagrados, pero con ropaje penitencial, es decir, vestido únicamente con un paño rojo que envuelve su cuerpo desnudo. El cuadro, rebasado, presenta una importante grieta; Está colocado en un marco de madera dorada contemporáneo.

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Pintando a David con la cabeza de Goliat
ARARPI0240139
Pintando a David con la cabeza de Goliat

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Pintando a David con la cabeza de Goliat

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. En su estilo pictórico, el cuadro recuerda la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista del barroco romano, pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de pinturas "a la manera de " - en la “técnica” y en el “estilo” de un determinado período artístico o de un determinado autor, incluso ensamblando “partes” extraídas de diferentes cuadros. Inicialmente caravaggesco, Il Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico personal, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exasperada del personaje, cuya elegancia del vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos del rostro de tez sonrosada contrastan con la tosquedad de la cabeza de Goliat, ensangrentada, con la gran herida de arma blanca. que se destaca contra la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y revestido conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera contemporáneo.

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