PINTURA ANTIGUA

Óleo sobre cobre. La composición muestra a María y las piadosas mujeres (¿Juan?) llorando sobre el cuerpo inerte de Cristo bajado de la Cruz, formando un grupo compacto en cuyo centro se encuentra la Mater Dolorosa. El cuadro se presenta en un marco del siglo XIX. En la parte posterior hay una etiqueta que indica la propiedad de un propietario anterior.

Óleo sobre tabla de álamo. El joven plebeyo retratado, perteneciente a la categoría de los "pitocchi" (término utilizado para indicar el estado de completa indigencia de los personajes, fruto de una observación atenta y poco convencional de la realidad), revela un marcado estrabismo, que transforma la expresión risueña en una mueca divertida. El cuadro muestra restos de pequeñas restauraciones. Se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre tabla de álamo. El joven plebeyo retratado, perteneciente a la categoría de los "pitocchi" (término utilizado para indicar el estado de completa indigencia de los personajes, fruto de una observación atenta y poco convencional de la realidad), abre mucho la boca en un grito que, por la expresión ceñuda de su rostro, parece ser de rabia o de dolor. La pintura muestra una ligera pérdida de pintura. Se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. El elegante caballero se hace retratar con unos volúmenes colocados en superficie frente a él, en cuyos lomos se pueden leer los nombres de los autores; Destaca especialmente el nombre de Paolo Valcarenghi, profesor de la Facultad de Medicina de Pavía en el siglo XVIII. El hombre retratado quiere pues subrayar su pertenencia al mundo de la Medicina. Restaurado y reentelado, el cuadro se presenta en un marco reconstruido con elementos antiguos y equipado en la parte superior con una luminaria en funcionamiento de mediados del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Retrato de un noble que ostenta el importante honor de la Orden del Toisón de Oro, una orden de caballería establecida en Brujas en 1431 por Felipe el Bueno, duque de Borgoña, con la tarea de difundir la religión católica, y que más tarde pasó a la Casa de Habsburgo y posteriormente también a los Borbones de España; Se considera la orden de caballería más alta e importante. El cuadro, reentelado, se presenta en un marco del siglo XVIII, que requiere restauración.

Óleo sobre lienzo. El retrato deriva del de medio cuerpo pintado hacia 1725 por Ilario Spolverini (1657-1734) y conservado en La Rocca Sanvitale en Fontanellato. Antonio Farnesio (1679-1731) fue el octavo duque de Parma y Piacenza, así como el último de los Farnesio, que tenía escasas habilidades políticas y administrativas y fue incapaz de cuidar de la administración del estado y remediar su enorme déficit financiero; ; Sus súbditos estaban agobiados por impuestos exorbitantes, mientras la corte seguía endeudándose con los banqueros genoveses. El cuadro requiere restauración debido a la pérdida de pintura y dos pequeños agujeros en la parte inferior. Se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII. Hay una etiqueta de coleccionista en la parte posterior. En un paisaje montañoso de rocas y grupos de árboles, con vistas a un pequeño pueblo a la izquierda, un arroyo fluye para formar una cascada espumosa; en las orillas algunas figuras de campesinos en tránsito o en conversación; A la derecha destaca el pájaro de cola larga, posado sobre un arbusto seco. Al fondo, las colinas se desvanecen en el cielo lleno de nubes. El cuadro se presenta en un marco redorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre tabla. Escuela veneciana del siglo XVII. El cuadro está inspirado en el estilo de Paolo Veronese (véase su cuadro conservado en la National Gallery), que fue ampliamente reproducido: la disposición de las figuras es la misma, siguiendo una línea ascendente oblicua que llega hasta la Sagrada Familia a la izquierda, hacia donde convergen todas las miradas; Igualmente similar es el fondo del arco de mármol tras el cual se abre un amplio paisaje. El cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre cobre. El santo, apoyado en un bastón, vestido con un hábito marrón grisáceo ceñido a la cintura por un rosario hecho con grandes semillas de madera, está en la orilla del mar y mira hacia los ángeles que vuelan por encima, portando un escudo de armas con la inscripción Charitas. Según la tradición, recibió esta visión mientras oraba, en la que le ofrecieron el escudo con las palabras "Éste será el escudo de armas de vuestra Orden". Fundador de la Orden de los Mínimos, es patrón de Calabria y de numerosas ciudades marítimas del sur de Italia, además de patrón de los navegantes, porque cuenta la leyenda que realizó el milagro de calmar una tempestad, salvando las barcas. El pequeño cuadro se presenta en un marco de época.

Rebecca en el pozo

Óleo sobre lienzo. La escena narra un episodio bíblico extraído del libro del Génesis: Eliezer, siervo de Abraham, es enviado por éste a buscar esposa para su hijo Isaac. En un pozo, Eliezer conoce a una joven, Rebeca, que le ofrece un poco del agua que acababa de sacar para ella y sus camellos. El sirviente interpreta este gesto de bondad como una señal divina y la propone como esposa para Isaac. Tema ampliamente representado, en esta obra destaca en el centro la figura de la joven Rebeca, dispuesta a ofrecer al criado Eliezer el odre lleno de agua, mientras los sirvientes y criadas que la rodean observan la escena. La obra, ya reentelada y restaurada, se presenta enmarcada en listones.

cabeza femenina

Tempera sobre tabla. El cuadro representa una figura femenina de medio cuerpo; lleva un vestido rojo sobre una túnica clara, mientras que un paño verde descansa sobre su hombro derecho. Lleva el pelo rojo recogido en una raya central y cubierto en parte por un tocado blanco como la nieve; su rostro tiene una expresión absorta: la mirada pensativa, las cejas arqueadas y los labios ligeramente fruncidos. labios fruncidos. La obra es una de las varias derivaciones de un fresco perdido de Andrea del Sarto, pintado en 1522 para un tabernáculo situado cerca de Porta Pinti, en Florencia, y cuya existencia se documenta hasta 1880, aunque en un estado precario. Entre las fuentes documentales de esta obra, Vasari en particular recuerda el fresco como una «Virgen con el Niño y San Juan» y, visitante frecuente del taller de Sarto, especifica que el rostro de la Virgen fue modelado a partir del de la esposa del artista, Lucrezia di Baccio della Fede. De las numerosas derivaciones, muchas reproducían fielmente las figuras y variaban el fondo. Aquí sólo se reproduce el rostro de la Madonna, pero fiel en rasgos fisonómicos, expresión y actitud a las demás copias documentadas, así como la paleta ácida, expresión del gusto manierista del siglo XVI que Del Sarto promovió. La obra se presenta en un marco antiguo, modificado para ajustarse a las dimensiones. mayores.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana de finales del siglo XVIII y principios del XIX. El paisaje romántico muestra un río que fluye entre riberas rocosas coronadas por frondosos árboles; en la orilla, en primer plano a la izquierda, dos pescadores lanzan sus sedales a un remanso de aguas tranquilas creado por una pequeña ensenada. El cuadro lleva en el marco una etiqueta atribuida a Domenico Pecchio (1693-1760). Restaurado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana de finales del siglo XVII-principios del XVIII. Dentro de un gran paisaje clásico, rico en vegetación y con una atmósfera sonrosada, se encuentra un pequeño puñado de soldados: algunos de ellos, apoyados en una roca que domina un curso de agua, observan cómo uno de ellos se baña, después de haber colocado su armadura en el agua. Se presentó en una subasta Lempertz en 2017 con una atribución a Andrea Locatelli (1695 -1741) y una estimación de 7/9.000 euros. Los modos pictóricos de la obra parecen más cercanos a los de Marco Ricci (1676 -1730), que también fueron ampliamente retomados por otros artistas de la zona del Véneto. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Sobre el lienzo original, actualmente cubierto por el reentelado, estaban escritos en francés los datos relativos al retratado, actualmente indicados mediante documentación fotográfica adjunta. El personaje está identificado como Thiard, conde de Bragny, retratado a la edad de 38 años, en 1702. El noble está representado con armadura, condecorado con el honor de la orden militar real de San Luis (nombre completo Chevalier de l'Ordre de Sait-Louis), una orden de caballería militar francesa fundada en Versalles por Luis XIV el 5 de abril de 1693 y dedicada a San Luis (Luis IX). Fue reservado como recompensa para los oficiales merecedores. El cuadro, restaurado y reentelado, se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Ambientada en un paisaje clásico, rico en vegetación, la escena representa el episodio bíblico del libro del Génesis que narra cómo el pueblo de Israel, que atraviesa el desierto del Sinaí para llegar a la Tierra Prometida, se encuentra sin agua. Moisés invoca la ayuda de Dios y realiza el milagro de hacer brotar agua de una roca. En la escena, el pueblo de Israel se regocija y celebra el milagro, corriendo a bañarse y saciar su sed en el estanque de agua conjurado por Moisés, que se vislumbra de pie a la izquierda del tronco seco en primer plano, símbolo de la aridez de la tierra. Las ramas de los árboles movidas por un fuerte viento y el cielo cargado de nubes oscuras que comienzan a romperse, evocan la presencia de Dios. Las múltiples figuras, representadas con precisión y detalle, crean movimiento y acción. Este cuadro ya ha sido presentado en la subasta Lempertz con atribución a Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), artista que desarrolló una perfecta combinación de pasado y modernidad, gracias a un profundo interés por el clasicismo, pero realizado con eficaz precisión de perspectiva en el paisaje y gran exactitud de detalle en las figuras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVII. La escena, ambientada de noche en el jardín de una villa, cuya fachada ornamentada se vislumbra a la derecha y en la que destaca la fuente de la que manan una estatua desnuda, bajo un cielo oscuro oscurecido aún más por densas nubes, muestra a dos figuras que conversan: un anciano vestido modestamente amonesta severamente a un joven sentado, ricamente vestido, que parece hacer el gesto del mea culpa con la mano. La fisonomía y los gestos de las dos figuras, junto con el estilo de su indumentaria, parecen remitir al filósofo Aristóteles, que fue llamado a la corte macedonia para ser tutor del joven Alejandro, el futuro rey más tarde conocido como Alejandro Magno. Según cuenta Plutarco en sus «Vidas paralelas», el joven Alejandro fue un alumno brillante, tanto que también fue iniciado en las doctrinas aristotélicas más profundas y esotéricas, de donde deriva el halo de misterio y profunda interioridad que transpira la obra que aquí se presenta. El cuadro ha sido restaurado y reencuadrado. Se presenta en un elegante marco. El cuadro, restaurado

Óleo sobre lienzo. En la parte superior derecha se indica el nombre del retratado y su edad, 78 años. El hábito y la actitud de oración del hombre, delante del Crucifijo, sosteniendo un libro de meditación, lo identifican como un prelado. El apellido Albertoni está muy extendido en Italia, en varios linajes que comenzaron en Lombardía y se extendieron a Parma y luego hasta Roma. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. Esta obra devocional muestra a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sostienen sus vestiduras, siendo adorada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha, la joven vestida de príncipe, a cuyos pies descansa una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que sostiene al Niño Jesús puede identificarse con San Gaetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan con sus posturas y gestos para crear un movimiento casi circular. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo redecorado a principios del siglo XX, al que le faltan varias piezas (necesita restauración).

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado homónimo de Annibale Carracci (1560 -1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Representa el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura que constituye un símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes. Dos figuras ejecutan el acto, el soldado romano y el judío, en representación de los dos pueblos que participaron en la condena a muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas las de los dos torturadores, más pálida e inerte la víctima, crean una composición entrelazada de cuerpos, con el central de Jesús que se une a los otros dos, uniéndolos en la responsabilidad compartida de lo que están haciendo; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío, a la derecha, le coloca en la mano la caña de bambú, que sustituye al cetro. La escena está dominada por colores oscuros y sombríos, entre los que sólo destaca el rojo vivo de la túnica de Cristo, símbolo de su humanidad sufriente. El cuadro ha sido restaurado y retocado. Se presenta en un bello marco coetáneo, al que le faltan algunas partes.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Descendiente de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tomás (nacido hacia 1226) fue a Nápoles a estudiar. En 1243, contra la voluntad de sus familiares, ingresó en la orden de predicadores dominicos, pero en el camino hacia el norte fue detenido por sus hermanos y encarcelado durante cerca de un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado a ambos lados por cuatro figuras ricamente vestidas, precisamente los parientes, incluida probablemente su madre, que lo sostienen con benevolencia, casi abrazándolo, mientras con los gestos de sus manos y sus miradas afligidas y cariñosas intentan convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están situadas en una prisión, como indican los barrotes de la pequeña ventana de la derecha, subrayando la acción coercitiva realizada. Ricos y minuciosos son los detalles de la indumentaria de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Thomas, y movimientos plásticos de estilo barroco. Ya restaurado y retocado, el cuadro se encuentra en buen estado, con evidentes grietas. Se presenta en un marco antiguo re-lacado y re-dorado.