siglo XVIII

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana, siglo XVIII. Gran composición frutal variada con melocotones, peras, cerezas, granadas y uvas, entre las que se encuentran una col grande, un racimo de tubérculos y claveles. A la izquierda, dos frascos de vidrio con mermelada de frutas. La composición rebosa de una tina de madera colocada sobre una mesa en un entorno al aire libre, con copas de árboles y arbustos al fondo. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco dorado de la época.

Óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado se refiere a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por rezar a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando a un ángel para que cerrara las fauces de las fieras, y el rey perdonó a Daniel haciendo que condenaran en su lugar a quienes lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia, pero también por su sabor exótico debido a la presencia de las fieras. Destaca especialmente la versión de Rubens de 1615, en la que el profeta aparece desnudo en el foso bajo tierra, rezando fervorosamente, rodeado de una multitud de feroces leones. En cambio, la obra que aquí se presenta propone una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, que se encuentran frente a frente, destacando con los vivos colores de sus vestiduras sobre el fondo oscuro de una prisión; sólo hay un león, agazapado mansamente a los pies del ángel, por lo que prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en Caravaggio y el arte barroco, que tuvo ocasión de contemplar el cuadro hace años, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por sus elecciones compositivas y cromáticas. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta con un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el bebé Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena, situada a orillas del río, está ocupada en su totalidad por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se encuentra la cesta con el recién nacido. Todas las miradas se dirigen también hacia el niño, en la dirección indicada por el brazo extendido de la mujer del primer plano derecho. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras del primer plano, donde los juegos de luces y sombras resaltan las complexiones que emergen de los ropajes. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta enmarcado.

Virgen leyendo con el Niño

Óleo sobre lienzo. La obra es una reinterpretación del famoso cuadro de Francesco Trevisani, actualmente conservado en la Galería Nacional de Arte Antiguo del Palacio Barberini. En esta versión, se han añadido pequeñas imágenes en las esquinas inferiores derecha e izquierda. La Virgen se representa con un doble gesto: con un brazo sostiene con ternura al Niño Jesús dormido, apoyado en ella, con la mano de este apoyada en una manzana roja, símbolo de salvación (la manzana evoca el pecado original); con la otra mano, María sostiene un libro, presumiblemente un libro de oraciones, que lee con intensidad y gran concentración. De este modo, se representan las dimensiones humana, carnal y espiritual de María. Tras ser restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. El nombre del noble está pintado en la parte superior. Existen varios retratos de Francesco Maria II della Rovere (1549-1631), último duque de Urbino, atribuidos a la región de Marcas o Emilia. En ellos, el noble aparece retratado tanto con armadura como con traje de civil, con la gorguera tradicional. En el primer lienzo, se aprecia un pequeño desperfecto a la izquierda del rostro. La pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre tabla. La pintura es una reelaboración del modelo creado por Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, y conservado en los Museos Capitolinos. San Juan Bautista fue un tema frecuente en las pinturas de Miguel Ángel, a menudo representado como niño o joven, pero también como adulto. En este caso, Juan es todavía un niño, sonriendo serena y divertidamente, aún inconsciente de su destino, mientras juega con el cordero, su símbolo iconográfico del sacrificio y el martirio. El reverso de la tabla presenta un sello de lacre procedente de una antigua colección.

Copia de Sassoferrato

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de una Virgen en oración pintada por Giovan Battista Salvi, conocido como Sassoferrato, quien se hizo famoso por este tipo de representación de María, retratada en postura meditativa, con las manos juntas y la cabeza inclinada. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado, y ahora se conserva en un marco rectangular dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Paisaje tradicional, con abundante vegetación, con un arroyo en la esquina inferior izquierda, flanqueado por senderos por los que pasan varias figuras, incluyendo la del primer plano, vestida de soldado romano, que parece haberse separado del grupo en retirada del centro. Previamente restaurada y reencuadernada (bastidor nuevo), la pintura presenta pequeños daños a la derecha. Se presenta en un marco dorado restaurado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana, mediados del siglo XVIII. La obra refleja el estilo pictórico de Marco Ricci (1676-1730), especializado en grandes paisajes, a menudo con fines escenográficos. La obra podría atribuirse a uno de sus alumnos. El amplio paisaje, enmarcado por dos grupos de árboles casi simétricos, presenta una larga cordillera a la izquierda y un caudaloso río a la derecha que fluye desde un lago hacia el campo. En primer plano, una lavandera se concentra en su trabajo mientras dos jinetes pasan por el sendero. La pintura fue restaurada y reencuadernada a mediados del siglo XX; actualmente presenta pérdidas de pintura y manchas. Se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana, siglo XVIII. La obra deriva de una de Francesco Solimena, reproducida repetidamente a lo largo de los siglos, primero por su propio taller y luego por otros artistas anónimos. Esta copia, sin embargo, se representa en espejo respecto al original, sobre un lienzo rectangular, aunque inscrita dentro de un óvalo, al igual que el original. La representación alegórica del continente americano suele representarse como una mujer, desnuda o semidesnuda, armada con arco y flecha, con una corona de plumas exóticas en la cabeza, flanqueada por un animal exótico, en este caso un loro, en el acto de someter a un hombre tendido en el suelo, probablemente un nativo. La pintura ha sido restaurada y reencuadernada en el pasado. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVIII. Paisaje del centro de Italia, con una llanura cultivada, atravesada por un pequeño arroyo y un pequeño puente sobre el que camina un plebeyo. La pintura fue restaurada y reencuadernada en la primera mitad del siglo XX; actualmente requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo ensamblado, con varias piezas faltantes.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVIII. Retrato tradicional de un caballero, con peluca y una vaporosa capa de terciopelo. La obra se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Representación tradicional de la Sagrada Familia, de medio cuerpo en primer plano, con el Niño Jesús amamantando a su madre, mirando al espectador, indicando que ya está concentrado en su futuro. María y José contemplan con ternura al Niño, mientras que su supuesto padre permanece al fondo, en sombra, para no restar protagonismo a las otras dos figuras. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se encuentra en buen estado y se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre tabla. Escuela toscano-emiliana, finales del siglo XV-principios del XVI. La Virgen está representada sentada en un trono, con el Niño en brazos y flanqueada por dos ángeles; las figuras están colocadas bajo un dosel, lo que realza su estatus real. Un monograma en el reverso probablemente identifica al artista. La tabla presenta algunas pérdidas de pintura y daños en la madera. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana, siglo XVII. La santa viste tradicionalmente el hábito dominico, con una corona de espinas en la cabeza y, a sus pies, un lirio, una calavera y un libro de oraciones. Inconsciente en éxtasis místico, es sostenida por dos ángeles mientras Jesús le toma el corazón, lo que indica la total dedicación de la santa a Cristo. Aunque la escena se representa al aire libre, una imponente estructura barroca aparece al fondo, simbolizando el templo como lugar de oración. El éxtasis místico de Santa Catalina ha sido ampliamente representado: esta versión deriva de una obra de Francesco Vanini (1563-1610), de la que se conocen varias copias antiguas. La obra, sobre su lienzo original y con pequeñas manchas de color en los bordes, se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En el reverso, una inscripción a lápiz identifica al pintor retratado como "Joseph Moreno Espagnol 1662". El rostro, enmarcado en un óvalo, está acompañado en la base por una paleta, pinceles y lienzo, que identifican la profesión del hombre. La pintura se presenta en un marco dorado contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. El mito griego narra la transformación de Zeus en cisne para acercarse y seducir a Leda, reina de Esparta. Tema recurrente en la pintura, en esta representación, los cuerpos blancos del ave y la mujer desnuda, ya en el acto de apareamiento, resaltan en la habitación a oscuras. En la esquina superior derecha, un querubín alado, armado con arco y flecha, se cubre los ojos para evitar ver el abrazo lujurioso. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre chapa metálica, montado sobre tabla de madera. Escuela Centroeuropea, siglos XVII-XVIII. En la escena, una dama adinerada, ayudada por sus criadas, lava los pies de un anciano, ante la mirada atónita de varios caballeros. No se trata del lavatorio de pies evangélico tradicional, conocido como la unción de Betania, pues la edad del hombre cuyos pies son lavados no apunta a Jesús, pero el gesto realizado tiene el mismo significado. El lavatorio de pies es un acto de servicio y humildad, un acto de sumisión servil que, siguiendo el ejemplo de Jesús en la Última Cena (¡pero también de María Magdalena en Betania!), ha adquirido un significado de amor y respeto. La escena podría referirse a algún episodio histórico-literario no identificado.

Óleo sobre lienzo. La noble luce un suntuoso traje de noche de terciopelo oscuro con volantes blancos, aplicaciones de perlas y una capa de satén rojo que le cubre suavemente los hombros; sostiene un abanico. La pintura fue restaurada y reencuadernada en la primera mitad del siglo XX; actualmente presenta ligeras pérdidas de color. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. La obra se inspira en el estilo popularizado en toda Europa por Jakob Ferdinand Voet, pintor flamenco que se consolidó principalmente como retratista y gozó de un amplio reconocimiento entre los artistas de su época y de épocas posteriores. Sus retratos de medio cuerpo centran toda la atención en el sujeto, que emerge sobre un fondo oscuro y neutro. El retrato de un caballero que se presenta aquí ha sido restaurado y reentelado previamente. Se presenta en un marco de época.

Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. La obra se inspira en el estilo popularizado en toda Europa por Jakob Ferdinand Voet, pintor flamenco que se consolidó principalmente como retratista y gozó de un amplio reconocimiento entre los artistas de su época y de épocas posteriores. Sus retratos de medio cuerpo centran toda la atención en el sujeto, que emerge sobre un fondo oscuro y neutro. El retrato de un caballero que se presenta aquí ha sido restaurado y reentelado previamente. Se presenta en un marco antiguo a medida.

Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. La obra se inspira en el estilo popularizado en toda Europa por Jakob Ferdinand Voet, pintor flamenco que se consolidó principalmente como retratista y gozó de un amplio reconocimiento entre los artistas de su época y de épocas posteriores. Sus retratos de medio cuerpo centran toda la atención en el sujeto, que emerge sobre un fondo oscuro y neutro. El retrato de una dama que se presenta aquí ha sido restaurado y reentelado previamente. Se presenta en un marco de época.

Al estilo de Jakob Ferdinand Voet

Óleo sobre lienzo. La obra se inspira en el estilo popularizado en toda Europa por Jakob Ferdinand Voet, pintor flamenco que se consolidó principalmente como retratista y gozó de un amplio reconocimiento entre los artistas de su época y de épocas posteriores. Sus retratos de medio cuerpo centran toda la atención en el sujeto, que emerge sobre un fondo oscuro y neutro. El retrato de una dama que se presenta aquí ha sido restaurado y reentelado previamente. Se presenta en un marco antiguo especialmente adaptado.