PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO

Reunión

Acuarela sobre papel. Firmada abajo a la izquierda. De Albertis se dedicó al género patriótico militar, creando un rico repertorio de batallas, reproducidas en diversas variaciones, que gradualmente se convirtieron en su especialidad. Posteriormente, se dedicó a la acuarela, pero los temas militares, a menudo con caballos, siguieron predominando en su obra. Esta acuarela, de hecho, muestra dos caballos ensillados pero sin jinete, respondiendo al toque de trompeta —la llamada a la acción— que hace sonar el jinete al frente del escuadrón, visible a la derecha. La obra está enmarcada.

Damas con un mosquetero

Óleo sobre tabla. Firmado abajo a la izquierda. Esta obra es del artista inglés (que también estudió en Italia). Se hizo famoso por sus temas históricos, pintados al estilo del siglo XIX y caracterizados por el meticuloso detalle del mobiliario y la vestimenta de época, como se aprecia en esta escena romántica. La obra se presenta en un marco de época.

Naturaleza muerta con caza, 1865

Óleo sobre tabla. El reverso está firmado y fechado, atribuyendo la obra al renombrado escultor (y pintor) suizo que vivió en Milán y se distinguió como ornamentalista y especialista en animalistas. El bodegón se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Grabados. Los nombres del grabador y del pintor aparecen en la parte inferior. La serie, basada en dibujos de Giovanni Battista Piazzetta (1682-1754), incluía quince grabados y se titulaba "Los Doce Apóstoles u Obra pintada por Giambattista Piazzetta (1683-1754) grabada por Marco Pitteri Veneto con Privilegio del Excelentísimo Senado". A los once apóstoles (excluyendo al traidor Judas) se unían el rostro de María, la imagen del Padre con el Espíritu Santo y San Pablo. Esta serie carece de la representación de Cristo. Los grabados presentan manchas y marcas de agua. Se presentan en marcos de madera lacada del siglo XVIII con cristal contemporáneo.

Falso desgarro de fresco. Emulando un antiguo fresco, se representa aquí el rostro de San Antonio Abad, reconocible por varios de sus rasgos iconográficos: viste hábito de fraile con escapulario, sostiene un báculo con la campanilla que usaban los frailes y ermitaños para anunciar su llegada a dar limosna, y con la mano derecha en señal de bendición, de la que emerge una lengua de fuego, símbolo de enfermedad, castigo y del dominio del bien sobre el inframundo. La obra está enmarcada por un listel.

Paisaje

Óleo sobre tabla. Firmado abajo a la derecha. Luigi Comolli, artista milanés, destacó por sus paisajes y bodegones. Su obra muestra una clara influencia impresionista, fruto de su formación en París. Presentado en un marco de mediados del siglo XX.

El vendedor de hierbas

Óleo sobre lienzo. África Occidental. Esta pintura de estilo naíf representa a una mujer que vende hierbas medicinales, sosteniendo un cartel que indica las dolencias que cura. Este tipo de pinturas, a menudo utilizadas como anuncios en puestos de mercado, hacen referencia a valores africanos tradicionales como la maternidad, la fertilidad y la prosperidad, pero transpuestos a un contexto cultural contemporáneo.

Figuras en el Bar

Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. En el reverso figura una declaración de autenticidad firmada. Influenciado por el expresionismo durante su estancia en París, Fantuzzi puso un fuerte énfasis en la expresión de emociones y estados de ánimo en sus obras. El color domina sus lienzos, generalmente en tonos fríos de azul, verde y púrpura, creando contrastes a veces intensos. Los temas principales de Fantuzzi son la soledad de la metrópolis y la dificultad de la comunicación en las relaciones interpersonales; a menudo pinta figuras poco definidas y rostros sin ojos. Enmarcado.

Sin título 1992

Técnica mixta sobre papel. Firmado en el centro inferior. El sello del artista, con la firma y la fecha de la obra, se encuentra al dorso. Caccioni, artista nacido, formado y residente en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado una madurez lingüística definitiva y ocupa un lugar destacado en la escena del arte contemporáneo. Su investigación se basa principalmente en materiales inusuales como acetatos, PVC y, más recientemente, telones de fondo de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que pinta formas inspiradas en su memoria personal y en influencias de diversas culturas y periodos históricos. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, un signo autorreferencial que da forma a la obra y es capaz de expresar pensamientos; mediante la superposición, las imágenes se construyen añadiendo o sustrayendo color sobre distintos soportes. Enmarcado.

Retrato femenino, 1894

Óleo sobre cartón. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Al dorso figura una dedicatoria: «Si algún día alcanzo la fama, será por el retrato de un hombre ilustre. Si permanezco en el anonimato... será por el recuerdo de un amigo. Verona, mayo de 1894». El pintor Giovanni Bevilacqua, natural de Verona pero residente en Génova, se consagró principalmente como pintor de frescos de interiores. Este pequeño homenaje a un amigo retrata con delicadeza un rostro femenino. La obra se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Principios del siglo XX. Esta pintura de gran calidad fue creada por un artista anónimo inspirado en la obra de Vittorio Reggianini (1858-1938), quien gozó de un enorme éxito con sus escenas de interiores y salas de estar, representando a mujeres o niños en actividades cotidianas, a menudo recreativas, como estas dos señoras que disfrutan del té y conversan amigablemente. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

Figuras con flores

Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. En el reverso figura una declaración de autenticidad firmada. Influenciado por el expresionismo durante su estancia en París, Fantuzzi puso un fuerte énfasis en la expresión de emociones y estados de ánimo en sus obras. El color domina sus lienzos, generalmente en tonos fríos de azul, verde y púrpura, creando contrastes a veces intensos. Los temas principales de Fantuzzi son la soledad de la metrópolis y la dificultad de la comunicación en las relaciones interpersonales; a menudo pinta figuras poco definidas y rostros sin ojos. Enmarcado.

Óleo sobre lienzo. La obra, pintada al estilo de la pintura española de principios del siglo XVII, data en realidad de finales del siglo XIX. Representa a una noble con gorguera, el cuello rígido, decorativo y plisado típico de la vestimenta masculina y femenina de los siglos XVI y XVII. La obra ha sido restaurada y reentelada. Se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XIX, insertado en un marco mayor del siglo XX.

La Reina del Helado 2021

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Fabio D'Aroma es un artista con una trayectoria ecléctica y sorprendente, cuyo arte destaca por la intersección de la tradición pictórica clásica con un enfoque contemporáneo. Sobre su estilo pictórico, D'Aroma ha declarado: «Me gusta definirlo como una especie de surrealismo pop con fundamento clásico. Me inspiro en los grandes maestros italianos, pero los reinterpreto con una ironía que refleja el presente». Sus figuras, a menudo de estilo grotesco pero creadas con una técnica pictórica sorprendente, están animadas por un deseo de provocar, suscitando a menudo profundas reflexiones sobre temas importantes, si bien no dramáticos, pero con una sonrisa.

Productor único

Serigrafía aplicada sobre plancha metálica. Firmada abajo a la derecha, titulada en la parte inferior. Edición 446/500. El sol ha sido un tema recurrente para Giò Pomodoro desde la década de 1950, un tema que el artista nunca abandonó, desarrollándolo particularmente desde la segunda mitad de la década de 1970 hasta pocos años antes de su muerte, cuando, en el año 2000, donó un monumental sol de mármol blanco a la ciudad de Génova, ubicado justo en la bocana del puerto, en el Ponte dei Mille. El Sol Productor es una representación metafórica de la explotación equitativa del poder generativo del sol por parte de la sociedad. Apasionado por la astronomía, la geometría y la poesía, Giò Pomodoro siempre se sintió fascinado por el potencial vital y simbólico de la imagen de la estrella. En estas obras, el artista la representa mediante una forma circular estilizada, que se fragmenta para acentuar el potencial de las formas geométricas elementales (el círculo, el cuadrado, el triángulo) para generar diferentes tensiones dinámicas. Alrededor de estas formas básicas, Pomodoro inserta escritos que consisten en palabras que se refieren a conceptos referenciales, como real, posible, colectivo —en este caso: "Se mueve, gira, construye una cosecha común"— combinados con otras formas inscritas que indican estructuras físicas, como la bisagra, la rueda y la semilla.

Técnica mixta sobre papel. Iniciales AS en la parte inferior derecha. Un ramo de rosas destaca sobre un fondo azul. La pintura se presenta en un marco contemporáneo ebonizado, decorado con tallas doradas.

Óleo sobre lienzo. Firmado en el margen inferior izquierdo: «Roma, Enrico Scifoni». El nombre de la retratada aparece en el margen inferior izquierdo: «Signorina Maria Ciaffi». Scifoni fue un artista romano muy activo como retratista entre 1870 y 1914. La joven retratada viste un traje y luce un peinado propios de la moda del Imperio. El cuadro se presenta en un marco dorado del siglo XIX que requiere restauración.

San Bernardo de Claraval

La escultura que se describe aquí, tallada en un bloque de pino suizo a principios del siglo XVII, representa a San Bernardo de Claraval. La composición recuerda al grabado de principios del siglo XVI de Marcantonio Raimondi, quien representó al santo con hábito monástico, sosteniendo un báculo, una Biblia en la mano y un demonio encadenado a sus pies. La escultura fue concebida para un nicho y, por lo tanto, está inacabada en la parte posterior. El santo, de pie, se representa con un ligero movimiento, sosteniendo una Biblia abierta en la mano derecha y el comienzo de la cadena que ata al demonio a sus pies en la otra. Desafortunadamente, falta la sección central de la cadena, pero se completa con un collar; el demonio es sometido por el santo, quien apoya el pie sobre él. Aunque los colores y el dorado presentan algunas lagunas y hollín, podemos ver que la tez del santo es sonrosada, mientras que la del demonio es rojiza, casi morena, debido a la exposición a las llamas del mundo infernal. Obsérvese la espléndida túnica del santo, que, a pesar de representar un hábito monástico, está lacada en tonos rojos con bordados dorados en el interior y dorados con bordados azulados en el exterior. La túnica ya no es la del humilde eremita, sino la del santo en su gloria celestial, bañada de luz, en marcado contraste con la figura del diablo.

Adornos y jarrones antiguos

Grabados coloreados a mano. Creados por Michelangelo Pergolesi entre 1777 y 1778; la decoración coloreada es una obra póstuma, del siglo XIX. Pergolesi diseñó y creó muebles, chimeneas, techos, candelabros, puertas y ornamentos murales de estilo neoclásico, trabajando principalmente en Inglaterra. Los dibujos de estos grabados están numerados y probablemente pertenecen a la obra «Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti» (Diseños para diversos ornamentos para 70 láminas), publicada entre 1777 y 1801. Los dos grabados se presentan enmarcados.

Paisaje de río con figuras

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El tema forma parte de la obra marcadamente naturalista del pintor. Originario de Módena, creció artísticamente en Milán y sus alrededores, lugares que fueron temas frecuentes en su obra paisajística. Este paisaje también evoca la llanura lombarda. La obra se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En esta obra, la Sagrada Familia se dirige a un joven fraile con hábito franciscano, probablemente en referencia al comitente: las manos extendidas del Niño se extienden para abrazarlo, bajo la mirada protectora de María y José. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII, redorado.

San Sebastián

Escultura de bulto redondo de finales del siglo XVII que representa a San Sebastián atado a un árbol y traspasado. El santo, representado con una túnica corta alrededor de las caderas, está atado al tronco y a una rama, con un brazo levantado mientras mira al espectador, quien metafóricamente lo traspasa con flechas. La escultura está fundida en bulto redondo y pintada en policromía, con secciones pintadas restauradas. Obsérvese la restauración de parte del pie izquierdo y la ausencia de flechas.

Marina con figuras

Acuarela sobre cartón. Firmado abajo a la derecha. Paolo Sala, nacido y formado en Milán, se distinguió como uno de los paisajistas más importantes de su época, así como pintor de paisajes de las numerosas ciudades italianas y extranjeras en las que trabajó. Prefería la acuarela, pero también pintó profusamente al óleo. Utiliza pinceladas rápidas, amplias y superpuestas, de estilo impresionista, jugando con el color y la luz para crear atmósferas evocadoras, como en esta vista marítima de figuras en una playa ocupadas en tamizar arena. La pintura se presenta en un marco de época.

Parte de una educación de la Virgen María

Esta escultura representa parte de la representación de la escena de la educación de la Virgen, que tradicionalmente presenta a Santa Ana sentada con un libro en su regazo, mientras la joven María permanece de pie a su lado, absorta en su aprendizaje. En este caso, la estatua representa a la joven Virgen, faltando el resto de la composición. La joven está representada con una mano levantada y la otra sobre el pecho, como para anunciar el acto de bendición, junto con la maternidad divina que caracterizará su vida. Lleva un largo vestido rojo cubierto por un manto azul.