Baúl de armario Louis Vuitton - París, c. 1910

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana, siglo XVIII. El gran lienzo representa a la Virgen en gloria, sentada sobre nubes en el cielo, con el Niño Jesús en brazos; ángeles y querubines alados revolotean a su alrededor. Toda la escena se caracteriza por la luz y el movimiento, y una atmósfera de ligereza y serenidad; los pequeños querubines, en particular, aparecen en poses alegres y juguetonas, contrastando con las actitudes serias, aunque sonrientes, de los dos ángeles y de María y Jesús, inmersos en un importante gesto simbólico. De hecho, el ángel de la derecha y los dos querubines de abajo sostienen escapularios —dos piezas rectangulares de tela unidas por una cuerda— y se los entregan a María. Estos objetos son un símbolo devocional vinculado a la Virgen del Carmen (o Virgen del Monte Carmelo), una de las devociones marianas más antiguas y extendidas, relacionada con la Orden de los Carmelitas fundada en el Monte Carmelo en Tierra Santa en el siglo XII. Símbolo de protección y consagración, el uso del escapulario —gesto realizado tanto por diversas órdenes religiosas como por laicos— representa el compromiso de vivir la fe unida a María, imitando sus virtudes. La pintura celebra así el compromiso de María de acoger bajo su protección a quienes confían en ella. Procedente de una importante colección boloñesa, el lienzo fue restaurado y reentelado en el pasado.

Italia Último cuarto del siglo XVIII

Pareja de cómodas lombardas de estilo neoclásico. Realizadas en nogal y abeto, disponen de tres cajones en el frente, uno insertado en la banda bajo el tablero y dos más grandes sin cadena visible. Totalmente enchapado en palisandro con bordes de palisandro, filetes de arce e incrustaciones en varias maderas. En la banda inferior del piso hay un motivo marquetero con un collar de cuentas con camafeos sujetos por agallas sobre el que descansan cestas de flores, en las reservas del frente y los laterales un rosetón con figuras populares marqueteras, en los pisos un rosetón con panoplia musical, en los montantes rematados en pies piramidales troncocónicos candelabros marqueteros con base de estuco.

Natividad

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVI. El cuadro procede de la histórica colección familiar del conde Castracane, como documenta el recibo original en papel autógrafo de Francesco Bassano (adjunto a la obra), en el que se lee: "V. S. Ill.ma Conte Castracane. Recipio de so messo sua somma de quinquaginta ducati per lo dipinto de mano mia de Nativitas Domini Nostri come Ella mhavea ordenato. Dev.mo Obb.mo Servo suo Franciscus da Ponte de Bassano. Die 12 december 1589". En la parte posterior del marco hay también una cartela de inventario en la parte superior y la inscripción «Castracane property» en la inferior. El citado conde Castracane pertenecía a la noble familia Castracani degli Altelminelli de Fano, originaria de Lucca. Francesco Dal Ponte da Bassano, conocido como Il Giovane, trabajó durante muchos años en el importante taller de su padre Jacopo, conocido como Bassano il Vecchio, y luego se trasladó a Venecia en 1578, donde estableció su propio taller, aunque siguió colaborando con el taller de Bassano, que entretanto había sido dirigido por su hermano Leandro tras la muerte de su padre. Sin embargo, hacia finales de la década de 1580 se manifestó en Francesco una crisis, que se reflejó también en su producción alegórica: en un progresivo acercamiento al gusto de su hermano Leandro, el color se hizo más claro y perdió fuerza, las formas se ampliaron y simplificaron, y la composición se hizo fragmentaria. La producción de la familia Bassanesca se distinguió sobre todo por sus temas sacros, ambientados, sin embargo, en entornos rurales, lo que lleva a definirlos como bíblico-pastoriles. También en este cuadro, la Sagrada Familia no caracteriza la centralidad de la escena, sino que es uno de los dos grupos de figuras humanas que ocupan el lado derecho de la escena, mientras que a la izquierda destaca el grupo de pastores con los animales del campo y los sencillos objetos de la vida cotidiana. El contexto rural también está bien definido por los objetos que lo rodean, aunque la cabaña del nacimiento se sustituye por una estructura arquitectónica con columnas de mármol, pero de un color que se funde con las demás estructuras circundantes. Los únicos elementos espirituales son el ángel -¡solitario!- que se aparece a los pastores para la anunciación, relegado a lo alto, pequeño y apenas perceptible; y la aureola que rodea la cabeza del Niño Jesús, que además es representado plácidamente dormido, ajeno a lo que sucede a su alrededor y a lo que le espera. Característicos de la producción del taller de su padre eran la riqueza y vivacidad de los colores y los contrastes luminosos, que, sin embargo, se difuminaron en Francesco, traduciéndose en elecciones cromáticas más apagadas y formas simplificadas, perdiendo parte de su fuerza. Esto se aprecia también en esta obra, ambientada en los últimos años de la vida del artista, sobre todo en la indumentaria de los personajes; obsérvese en particular cómo la túnica de María ya no es roja como tradicionalmente, color fuertemente simbólico del sufrimiento humano, sino que es del mismo tono de rosa que la túnica del pastor central, casi como para subrayar la pertenencia de la Virgen a la humanidad humilde y sencilla. Además, Francesco Bassano en su último periodo, debido a su estado de salud comprometido por una grave hipocondría (murió suicidado en 1592), tuvo encargos de obras que sólo fueron ejecutadas parcialmente por él, sino delegadas, al menos parcialmente, en sus ayudantes. Esto aboga por una obra encargada a él y a su taller, como afirma su declaración autógrafa, pero probablemente no ejecutada directamente por el maestro, sino por uno de sus ayudantes. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo de madera de finales del siglo XVIII o principios del XIX.

Roma Segundo Cuarto del Siglo XVIII

Trumeau de nogal totalmente panelado en bois de violette, filetes fitomórficos de arce e incrustaciones por todo el mueble. Base de tres cajones con frente movido, pilastras perforadas y talladas con movimiento de rizo, dos colocadas en los montantes frontales a 45 grados y otras cuatro en el centro de los laterales, donde el mueble se ensancha mediante un levante constructivo. Puerta abatible, ocultando armario con par de cajones laterales superpuestos y compartimento central abierto, secreto en tapa corredera. Montante con par de puertas de espejo de mercurio y dos portalámparas debajo, castillo interior con tres cajones y compartimentos abiertos, cornisa con moldura de voluta tallada. Las partes talladas del mueble, marcos y rizos están ebonizadas, los pies terminan en repisas en la parte delantera. Interior de los cajones de álamo. Caños antiguos de bronce cincelado y dorado. Restauración. Roma, segundo cuarto del siglo XVIII.

Paisaje Nevado con Figuras 1872

Óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y localizado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escenográfico, que se inscribe bien en el tradicionalismo escenográfico típico de la pintura de Mentore Silvani, natural de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada del blanco de una breve nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y marchitos, serpentea un camino de tierra transitado por un caminante; a la derecha, un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro, una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Fomento de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad natal donde se encuentran hoy sus obras (en el Ayuntamiento de Parma, la Galería Nacional, la Escuela de Arte Paolo Toschi); también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani desempeñó este cargo en Parma, pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña parmesana, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. La obra que aquí se propone se presenta en un marco contemporáneo.