SELEZIONE ARTE - Página 2

Paisaje Fluvial con Pastora y Ruinas.

Óleo sobre lienzo. Firmado «Schütz fecit» en la ruina a la derecha de la pastora. Christian Georg Schütz el Viejo capta un paisaje idílico y sereno atravesado por un río serpenteante y lento; en la orilla derecha se alzan unas ruinas arquitectónicas de estructuras clásicas, mientras que en primer plano, sentada en el centro, serena y compuesta, una pastora hila lana mientras vigila su pequeño rebaño de cabras y vacas. El cuadro es un canto a la naturaleza, donde los elementos naturalistas, la tierra, el cielo y el río se unen para formar una escena armoniosa y equilibrada, impregnada de luz rosada, en la que las figuras vivas y los restos arquitectónicos encajan con equilibrio y calma. Schütz pintó principalmente vistas fluviales del Rin y el Meno, lugares en los que vivió, y trabajó para importantes mecenas alemanes, nobles y prelados. El cuadro participó en varias subastas de arte. Restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Enfrentamiento entre Soldados y Guerrilleros en España

Óleo sobre lienzo. Acompañado de la experticia del profesor Fernando Mazzocca. El cuadro pertenece a una serie de obras del pintor veronés Giuseppe Canella ambientadas en España, tras la estancia del artista en dicho país entre 1820 y 1823, que le llevó a hacer escala en diversas ciudades españolas, siendo la última Madrid donde asistió a la corte. De sus viajes por Europa, Canella trajo numerosos dibujos en los que se inspiró para las obras posteriormente reelaboradas en su estudio de Milán y presentadas posteriormente en las exposiciones de la Academia de Brera. En esta obra se hace referencia a un período dramático de la historia de España, marcado por los levantamientos constitucionales contra el rey Fernando VII de Borbón, que provocaron la intervención francesa en apoyo de la monarquía contra los rebeldes. En realidad, el acontecimiento histórico es casi un pretexto para que Canella recuerde la dureza y el encanto del paisaje montañoso, que actúa como telón de fondo monumental del enfrentamiento entre el ejército y los rebeldes, figuras pequeñas y casi indistintas. El cuadro, en excelente estado, tiene sólo muy ligeras caídas de color, ya restaurado. Se presenta en un marco contemporáneo.

Vendedor de cerezas cortejado y dos músicos 1720 ca.

Óleo sobre lienzo. El cuadro cuenta con la pericia del historiador del arte Dr. Giuseppe Sava. La protagonista de la escena del mercado al aire libre es una vendedora de cerezas, ataviada con un llamativo sombrero de paja y sentada junto a una cesta de dicha fruta colocada sobre un banco de madera, junto a un cippus sobre el que descansa una stadera. Con una mirada sonriente, casi guiñando un ojo, vuelta hacia el espectador, acepta las insinuaciones del hombre que, detrás de ella, apoya una mano en su hombro, con mirada lasciva, mientras dos músicos a la izquierda improvisan un pequeño concierto. El grupo compuesto y alegre recuerda la obra de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini (1664-1736), pintor de origen austriaco pero lombardo por formación y estilo pictórico, que fue un «cantor de campesinos, vendedores ambulantes atareados en sus ocupaciones o diversiones cotidianas», especialista en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas, escenas de la vida cotidiana humilde realizadas con caricatura risible y búsqueda del efecto cómico. Cipper tomó este estilo narrativo del pintor danés conocido como Monsù Bernardo, que estuvo activo durante mucho tiempo en Italia, entre Bérgamo y Milán: en particular, derivó de él la predilección por las historias cotidianas y los personajes humildes, así como el carácter impertinente de dichos personajes, que buscan la atención del observador a través de una mirada fija en él. También en este cuadro, la protagonista fija su pícara mirada en el observador, sonriendo con complicidad e ironía ante el juego del cortejo en el que los tres hombres la convierten en protagonista, lo que implica un «mercado» que ya no es sólo el de las cerezas. En su peritaje, el Dr. Sava subraya las relaciones estilísticas y tipológicas de este cuadro con otros personajes de Cipper, apoyando la atribución; también se explica la evolución estilística en los aspectos formales y técnicos de sus obras - los colores se aclaran, con una predilección evidente por el ocre, el avellana, el verde salvia, entre los que se cuela el azul empolvado;los fondos lechosos una luminosidad más suave y un claroscuro menos plástico - una evolución que permite situar la obra en su producción de principios del siglo XVIII. El cuadro ha sido restaurado y reencuadrado. Se presenta en un marco antiguo adaptado.

Erminia Entre los Pastores

Óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía secretamente enamorada de Tancredi, presencia cómo hieren a su amado en un duelo. Impulsada por el amor, se pone entonces en brazos de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y sale por la noche para alcanzar a su amado Tancredo y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: acaba así en una aldea habitada por pastores que viven lejos de la guerra en un entorno idílico, donde pide y obtiene hospitalidad durante algún tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, antiguamente atribuida a Carlo Loth, se refiere más bien a la producción de Louis Dorigny, pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, Venecia y finalmente de forma definitiva en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de los veroneses pero también de mecenas del Véneto y de Lombardía, extendiendo su actividad de pintor de frescos desde Bérgamo hasta Udine. En Verona, desde principios de siglo, las preferencias pictóricas evolucionaban hacia un lenguaje clasicista, complejo en la composición, pero sereno y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. Así se conformó Dorigny, que en este lienzo combina el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era sobrino) con el claroscuro aprendido en Roma y la serena elegancia del Véneto. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Venecia Primera Mitad del Siglo XIX

Pareja de moros sosteniendo candelabros, Venecia, primera mitad del siglo XIX. Moros tallados y lacados, vestidos con mechas doradas y túnicas y zapatos multicolores; con el brazo levantado sostienen una base de vela, mientras que en el otro sostienen un plato pequeño. Los dos moros descansan sobre bases octogonales lacadas decoradas con elementos jaspeados y un par de protomes de león tallados y dorados. Platos no contemporáneos.

Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII

Óleo sobre tabla. Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII. La escena representa una fiesta en el interior de un parque cerrado por murallas con aberturas arqueadas que dan al campo, y adornado a la derecha con un ánfora sobre una pequeña columna y en el centro, detrás de las figuras, con una fuente que mana, con estatuas de querubines y conchas. Dos parejas de damas y caballeros ricamente vestidos son galantemente agasajados, rodeados de criados; uno de los hombres toca el violín, agazapado frente a su dama, que, flanqueada por la damisela, sigue la melodía de la partitura que sostiene el moreno a su lado, mientras dos músicos acompañan la interpretación con flauta y mandolina; la otra pareja, en actitud de diálogo íntimo, escucha a la izquierda, mientras que a la derecha el cazador que regresa de la caza también observa la escena. El cuadro se presenta en un elegante marco.

Uvas, higos, granadas y melocotones en un capitel

Óleo sobre lienzo. Firmado «Max. PF.» en el marco superior del capitel. El bodegón está compuesto por uvas, granadas y melocotones colocados sobre un capitel, en la composición hay también una bandeja de plata; al fondo hay un paisaje con árboles y ruinas, a la izquierda se vislumbra un cielo cerúleo, apenas velado por las nubes. Maximilian Pfeiler se dio a conocer con sus bodegones en los que colocaba un fragmento arquitectónico en el fondo de las flores y las frutas, introduciendo ya el gusto por las ruinas antiguas que se impondría plenamente en el siglo XVIII. El cuadro ha sido retocado y restaurado (repintes menores). Se presenta en un elegante marco.

Magdalena Penitente, ca. 1750.

Óleo sobre lienzo. La figura de María Magdalena está representada aquí, según la tradición, con larga cabellera pelirroja; con un gesto de dolorosa dedicación fija su mirada en el crucifijo, que sostiene con la mano izquierda presionada contra el brazo derecho, que a su vez está plegado en signo de penitencia recogida. Todo el cuerpo está realizado con un espléndido contragiro, que tiene el efecto de hacer sentir al espectador la tensión del momento vivido por el santo. A su izquierda se puede ver la calavera, su atributo tradicional, y al fondo se distingue el contorno de la cueva en la que se encuentra. La parte del cuerpo emerge, gracias al intenso brillo de los brazos, unido a los tonos ocres rojos del cabello y del rostro, acentuando así también el carácter erótico de la escena, recordando la exuberante pintura de Rubens, que tuvo una gran influencia en la obra de Crespi. Esta cautivadora y encantadora figura de la Magdalena sigue la tendencia generalizada en los siglos XVII y XVIII de representar a los santos con un matiz de sensualidad humana, revelando la preferencia de los mecenas por temas sagrados imbuidos de elementos profanos. El cuadro, restaurado y reentelado, se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

La Magdalena Penitente y San Juan Bautista

Óleo sobre pizarra. Se presentan aquí dos ejemplos de pintura al óleo sobre piedra, género pictórico particularmente popular en la República de Venecia a finales de los siglos XVI y XVII, en su forma de pintura al óleo sobre pizarra o piedra de toque. La elección de una piedra tan oscura como fondo no sólo está ligada a razones prácticas (la proximidad de las minas de Brescia y del valle de Brembana), sino que, como bien demuestran nuestras dos obras, la salida de las figuras del fondo oscuro a la luz responde también plenamente a las nuevas exigencias de la pintura de la época, que, en el clima de la Contrarreforma, tendía a expresar no sólo las certezas existenciales idealizadas del apogeo del Renacimiento, sino también las angustias y la apertura a nuevas fases, tendiendo ya con Tintoretto hacia una mayor atención a la realidad y a los contrastes lumínicos, y luego desembocando abrumadoramente en las investigaciones del siglo XVII, fuertemente jugadas precisamente sobre el binomio contraste de luces y sombras. Las dos obras aquí presentadas, bien dentro de la producción de la zona del Véneto en las primeras décadas del siglo XVII, proponen dos figuras de santos, ambos eremitas, situadas sobre un fondo naturalista oscuro y apenas visible. La figura de María Magdalena emerge de la oscuridad, inclinándose para seguir la curva del soporte de piedra; se la representa vuelta con aire interrogativo hacia la oscuridad, como en actitud de escucha, con la mano izquierda levantada y la otra apoyada sobre el «memento mori», que está bellamente escorzado. Delante de ella, un azote y un frasco de ungüento. Pintado en colgante, San Juan Bautista aparece de joven, con un cordero a sus pies, sosteniendo la cruz procesional con el estandarte «ecce agnus dei», mientras con la mano derecha saca de la fuente de agua, recordando el episodio en el que bautizará a Jesucristo. En ambos cuadros, las figuras destacan con fuerza e incisividad gracias a la negrura de la placa de pizarra sobre la que están representadas. Los dos cuadros, de formato oval, se presentan en marcos de madera negra de finales del siglo XIX.

Escuela Flamenca del Siglo XVI.

Óleo sobre tabla. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra lleva una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la proximidad a su estilo pictórico que se encuentra en los rostros de Jesús y María Magdalena, pero no confirmada para las demás partes del cuadro. La obra narra el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron ante Jesús a una mujer acusada de adulterio, con el fin de poner a prueba su observancia de la ley de Moisés, que preveía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, y luego, apremiado, pronunció las palabras «El que esté libre de pecado que tire la primera piedra». salvando a la mujer y perdonándola después. La gran escena está repleta de un grupo numeroso y apretado de personajes. Jesús, en el centro, es la única figura encorvada, apartada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con el dedo; de pie, detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que se cubre el cuerpo con el manto, observando el gesto de Crsito, mientras espera la sentencia; alrededor están los escribas, los fariseos y algunos soldados, que hablan animadamente entre ellos, se inquietan y se enfrentan, señalando lo que hace Jesús. El tema fue ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes interpretaciones. Mientras que en este cuadro se percibe claramente la escuela flamenca en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio del fondo y en la minuciosa representación de los zapatos en el primer plano derecho, las dos figuras de Jesús y la mujer están, en cambio, influidas por la escuela italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio mayor compostura y gracia a los movimientos de los cuerpos y, con la ayuda de un color más vivo, los hizo destacar entre las demás figuras. La tabla del cuadro fue restaurada y parquetada en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Chiquito Futbolista de Tánger 1982

Tinta Roja sobre papel. Firmado y fechado en números romanos en la parte inferior derecha. Título arriba a la derecha. Claudio Bravo Camus fue un pintor chileno conocido sobre todo por sus composiciones (en particular parcelas) y retratos hiperrealistas, incluidos los de destacadas personalidades políticas. Considerado con razón uno de los grandes maestros del hiperrealismo, Claudio Bravo persiguió la fotografía en la pintura, pero partiendo siempre de la observación directa de los propios objetos: «Los ojos ven mucho más que la cámara: medios tonos, sombras, minúsculos cambios de color y de luz», declaraba. El retrato que aquí se presenta, el de un conocido futbolista marroquí, destila un realismo minucioso y mimético, sobre todo en la mirada del hombre; fue realizado durante los años en que el artista vivió en Tánger, donde se había refugiado para huir de la dictadura franquista. Se presenta en un marco.

Óleo sobre tabla. Escuela italiana central de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sacra de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas situadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa un libro de oraciones y un pequeño jarrón con florecillas; a sus pies, la cesta de costura. María tiene el cuerpo parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento contorsionado, casi un intento de huida, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, por encima de él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de una rendija de luz. Al fondo, altas columnas con cortinajes coronan la plataforma sobre la que descansa el lecho de María. La composición recuerda, por su estilo figurativo y sus elecciones cromáticas, la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini, conocido como Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia desde 1540 aproximadamente. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), presenta claras similitudes de forma y composición con la que aquí se presenta. Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, en cuyo fondo hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente adornados con cariátides de querubines o ángeles que parecen tallados en madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas «en friso» sobre la misma pose, y los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel también se corresponden. El suelo, en cambio, difiere: mientras que en nuestro panel es homogéneo, en el de Pistoiese presenta una alternancia de colores a cuadros. Sin embargo, parece que este diseño del suelo se añadió en un periodo posterior, cuando se reconstruyó el altar en 1637-1639, en consonancia con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Sacra Conversazione. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado mirando a la obra de Bastiano Veronese, probablemente a petición expresa del mecenas, y antes de la alteración del suelo, lo que lo sitúa en la segunda mitad del siglo XVI. El cuadro ha sido objeto de una restauración, con dos refuerzos aplicados en la parte posterior del panel. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo de bienes culturales https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Italia Mediados del Siglo XIX

Estatua femenina en mármol blanco estatuario, personificación alegórica del otoño, Italia mediados del siglo XIX. Figura completa vestida a la antigua con toga, tocado de hojas de vid y racimos de uvas, estos últimos también colocados a lo largo del lado izquierdo; con el brazo derecho sostiene frutos otoñales. Descansa sobre una base circular. Pequeñas grietas.

Lombardía principios del siglo XVIII

Escultura de ángel barroco sosteniendo un jarrón en madera de tilo tallada y repintada íntegramente de negro en época posterior, Lombardía, principios del siglo XVIII. La figura, vestida con una túnica decorada con lambrequines, está colocada sobre una base sostenida por cuatro pies salvajes. Las catas realizadas sacaron a la luz los colores originales.

Proyecto de Escultura

Lápiz sobre papel con filigrana. Firmado abajo a la izquierda. El dibujo va acompañado de una autenticación en foto del Archivo Fausto Melotti, con código DIS 36 015, que muestra los datos de la obra. Fausto Melotti fue un artista multifacético y muy prolífico y es casi imposible vincular su producción a una técnica o tema en particular, sin brindar solo una visión parcial de su visión artística. Los rasgos sobresalientes que son constantes en Melotti son la geometría, el estudio de la abstracción, que lo lleva a utilizar elementos realistas pero no científicamente precisos, y la disposición de los elementos para que recuerden un ritmo musical, detalle que remite a su formación como músico. Escultor, pintor, músico, poeta, realizó numerosos dibujos de diseño para sus obras. Dibujar representó para él un ejercicio fundamental, transfundir el rasgo gráfico original de las hojas de papel a las esculturas y cerámicas. Las esculturas por las que es más conocido están formadas por elementos geométricos elaborados con metales (latón, hierro y oro) trabajados en finos filamentos, dando vida a composiciones etéreas, ingrávidas y casi frágiles. La obra se presenta en un marco.

Tres Caras Ocho Hojas

Aguada sobre papel. En el reverso hay pegatinas de subasta de Sotheby's con el nombre del artista y el título original «Tres caras ocho hojas». Se trata de dos dibujos similares, con el mismo tema, aunque con pequeñas diferencias, y coloreados con técnicas diferentes. Jean Cocteau fue un artista polifacético: escritor, dramaturgo, autor teatral, también incursionó en las artes plásticas, aficionado a experimentar con todas las vanguardias de su siglo. Jean Cocteau publicó su primer libro de dibujos en 1923, cuando sólo tenía 36 años. En él retrató a sus amigos Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, pero también numerosas escenas de la vida cotidiana parisina, los ballets rusos de Nijinski, alegorías, caricaturas e imágenes poéticas. Cocteau se revela como un dibujante lleno de talento, pero sobre todo como un artista capaz de captar la esencia de los rostros, los comportamientos y las debilidades humanas. Obra enmarcada.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y cumbres nevadas al fondo a la derecha, unos pastores, al frente de sus rebaños de vacas, ovejas y cabras, pasan por el camino. En el paisaje septentrional, el tono rosado del cielo y el carácter pastoril de la escena confieren esa atmósfera idealista típica de la pintura de paisaje del siglo XVIII, en la que prevalecía la realización del sentimiento más que la intención de transposición realista. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Día de fiesta en el pueblo

Óleo sobre lienzo. En el reverso del cuadro hay varias etiquetas: una de un mercado inglés (probablemente una subasta de principios del siglo XX) con el título; una segunda de una galería milanesa de Via Montenapoleone (c. años treinta) y, por último, una etiqueta de una importante colección privada. La escena representa un momento festivo en un pueblo nórdico: en medio de la calle, hombres y mujeres bailan y charlan, otros se sientan a la mesa a beber y jugar, niños y animales se persiguen unos a otros; el ambiente es animado y alegre. El estilo pictórico y la forma de ejecución son compatibles con la producción de David Teniers III (hijo de David Teniers II el Joven), pintor flamenco que incluyó en su producción varias escenas festivas y de la vida en los pueblos. Restaurado y enmarcado de nuevo a finales del siglo XIX.