SELEZIONE ARTE - Página 2

Paisaje Fluvial con Pastora y Ruinas.

Óleo sobre lienzo. Firmado «Schütz fecit» en la ruina a la derecha de la pastora. Christian Georg Schütz el Viejo capta un paisaje idílico y sereno atravesado por un río serpenteante y lento; en la orilla derecha se alzan unas ruinas arquitectónicas de estructuras clásicas, mientras que en primer plano, sentada en el centro, serena y compuesta, una pastora hila lana mientras vigila su pequeño rebaño de cabras y vacas. El cuadro es un canto a la naturaleza, donde los elementos naturalistas, la tierra, el cielo y el río se unen para formar una escena armoniosa y equilibrada, impregnada de luz rosada, en la que las figuras vivas y los restos arquitectónicos encajan con equilibrio y calma. Schütz pintó principalmente vistas fluviales del Rin y el Meno, lugares en los que vivió, y trabajó para importantes mecenas alemanes, nobles y prelados. El cuadro participó en varias subastas de arte. Restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Enfrentamiento entre Soldados y Guerrilleros en España

Óleo sobre lienzo. Acompañado de la experticia del profesor Fernando Mazzocca. El cuadro pertenece a una serie de obras del pintor veronés Giuseppe Canella ambientadas en España, tras la estancia del artista en dicho país entre 1820 y 1823, que le llevó a hacer escala en diversas ciudades españolas, siendo la última Madrid donde asistió a la corte. De sus viajes por Europa, Canella trajo numerosos dibujos en los que se inspiró para las obras posteriormente reelaboradas en su estudio de Milán y presentadas posteriormente en las exposiciones de la Academia de Brera. En esta obra se hace referencia a un período dramático de la historia de España, marcado por los levantamientos constitucionales contra el rey Fernando VII de Borbón, que provocaron la intervención francesa en apoyo de la monarquía contra los rebeldes. En realidad, el acontecimiento histórico es casi un pretexto para que Canella recuerde la dureza y el encanto del paisaje montañoso, que actúa como telón de fondo monumental del enfrentamiento entre el ejército y los rebeldes, figuras pequeñas y casi indistintas. El cuadro, en excelente estado, tiene sólo muy ligeras caídas de color, ya restaurado. Se presenta en un marco contemporáneo.

Vendedor de cerezas cortejado y dos músicos 1720 ca.

Óleo sobre lienzo. El cuadro cuenta con la pericia del historiador del arte Dr. Giuseppe Sava. La protagonista de la escena del mercado al aire libre es una vendedora de cerezas, ataviada con un llamativo sombrero de paja y sentada junto a una cesta de dicha fruta colocada sobre un banco de madera, junto a un cippus sobre el que descansa una stadera. Con una mirada sonriente, casi guiñando un ojo, vuelta hacia el espectador, acepta las insinuaciones del hombre que, detrás de ella, apoya una mano en su hombro, con mirada lasciva, mientras dos músicos a la izquierda improvisan un pequeño concierto. El grupo compuesto y alegre recuerda la obra de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini (1664-1736), pintor de origen austriaco pero lombardo por formación y estilo pictórico, que fue un «cantor de campesinos, vendedores ambulantes atareados en sus ocupaciones o diversiones cotidianas», especialista en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas, escenas de la vida cotidiana humilde realizadas con caricatura risible y búsqueda del efecto cómico. Cipper tomó este estilo narrativo del pintor danés conocido como Monsù Bernardo, que estuvo activo durante mucho tiempo en Italia, entre Bérgamo y Milán: en particular, derivó de él la predilección por las historias cotidianas y los personajes humildes, así como el carácter impertinente de dichos personajes, que buscan la atención del observador a través de una mirada fija en él. También en este cuadro, la protagonista fija su pícara mirada en el observador, sonriendo con complicidad e ironía ante el juego del cortejo en el que los tres hombres la convierten en protagonista, lo que implica un «mercado» que ya no es sólo el de las cerezas. En su peritaje, el Dr. Sava subraya las relaciones estilísticas y tipológicas de este cuadro con otros personajes de Cipper, apoyando la atribución; también se explica la evolución estilística en los aspectos formales y técnicos de sus obras - los colores se aclaran, con una predilección evidente por el ocre, el avellana, el verde salvia, entre los que se cuela el azul empolvado;los fondos lechosos una luminosidad más suave y un claroscuro menos plástico - una evolución que permite situar la obra en su producción de principios del siglo XVIII. El cuadro ha sido restaurado y reencuadrado. Se presenta en un marco antiguo adaptado.

Venecia Primera Mitad del Siglo XIX

Pareja de moros sosteniendo candelabros, Venecia, primera mitad del siglo XIX. Moros tallados y lacados, vestidos con mechas doradas y túnicas y zapatos multicolores; con el brazo levantado sostienen una base de vela, mientras que en el otro sostienen un plato pequeño. Los dos moros descansan sobre bases octogonales lacadas decoradas con elementos jaspeados y un par de protomes de león tallados y dorados. Platos no contemporáneos.

Magdalena Penitente, ca. 1750.

Óleo sobre lienzo. La figura de María Magdalena está representada aquí, según la tradición, con larga cabellera pelirroja; con un gesto de dolorosa dedicación fija su mirada en el crucifijo, que sostiene con la mano izquierda presionada contra el brazo derecho, que a su vez está plegado en signo de penitencia recogida. Todo el cuerpo está realizado con un espléndido contragiro, que tiene el efecto de hacer sentir al espectador la tensión del momento vivido por el santo. A su izquierda se puede ver la calavera, su atributo tradicional, y al fondo se distingue el contorno de la cueva en la que se encuentra. La parte del cuerpo emerge, gracias al intenso brillo de los brazos, unido a los tonos ocres rojos del cabello y del rostro, acentuando así también el carácter erótico de la escena, recordando la exuberante pintura de Rubens, que tuvo una gran influencia en la obra de Crespi. Esta cautivadora y encantadora figura de la Magdalena sigue la tendencia generalizada en los siglos XVII y XVIII de representar a los santos con un matiz de sensualidad humana, revelando la preferencia de los mecenas por temas sagrados imbuidos de elementos profanos. El cuadro, restaurado y reentelado, se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

La Magdalena Penitente y San Juan Bautista

Óleo sobre pizarra. Se presentan aquí dos ejemplos de pintura al óleo sobre piedra, género pictórico particularmente popular en la República de Venecia a finales de los siglos XVI y XVII, en su forma de pintura al óleo sobre pizarra o piedra de toque. La elección de una piedra tan oscura como fondo no sólo está ligada a razones prácticas (la proximidad de las minas de Brescia y del valle de Brembana), sino que, como bien demuestran nuestras dos obras, la salida de las figuras del fondo oscuro a la luz responde también plenamente a las nuevas exigencias de la pintura de la época, que, en el clima de la Contrarreforma, tendía a expresar no sólo las certezas existenciales idealizadas del apogeo del Renacimiento, sino también las angustias y la apertura a nuevas fases, tendiendo ya con Tintoretto hacia una mayor atención a la realidad y a los contrastes lumínicos, y luego desembocando abrumadoramente en las investigaciones del siglo XVII, fuertemente jugadas precisamente sobre el binomio contraste de luces y sombras. Las dos obras aquí presentadas, bien dentro de la producción de la zona del Véneto en las primeras décadas del siglo XVII, proponen dos figuras de santos, ambos eremitas, situadas sobre un fondo naturalista oscuro y apenas visible. La figura de María Magdalena emerge de la oscuridad, inclinándose para seguir la curva del soporte de piedra; se la representa vuelta con aire interrogativo hacia la oscuridad, como en actitud de escucha, con la mano izquierda levantada y la otra apoyada sobre el «memento mori», que está bellamente escorzado. Delante de ella, un azote y un frasco de ungüento. Pintado en colgante, San Juan Bautista aparece de joven, con un cordero a sus pies, sosteniendo la cruz procesional con el estandarte «ecce agnus dei», mientras con la mano derecha saca de la fuente de agua, recordando el episodio en el que bautizará a Jesucristo. En ambos cuadros, las figuras destacan con fuerza e incisividad gracias a la negrura de la placa de pizarra sobre la que están representadas. Los dos cuadros, de formato oval, se presentan en marcos de madera negra de finales del siglo XIX.

Chiquito Futbolista de Tánger 1982

Tinta Roja sobre papel. Firmado y fechado en números romanos en la parte inferior derecha. Título arriba a la derecha. Claudio Bravo Camus fue un pintor chileno conocido sobre todo por sus composiciones (en particular parcelas) y retratos hiperrealistas, incluidos los de destacadas personalidades políticas. Considerado con razón uno de los grandes maestros del hiperrealismo, Claudio Bravo persiguió la fotografía en la pintura, pero partiendo siempre de la observación directa de los propios objetos: «Los ojos ven mucho más que la cámara: medios tonos, sombras, minúsculos cambios de color y de luz», declaraba. El retrato que aquí se presenta, el de un conocido futbolista marroquí, destila un realismo minucioso y mimético, sobre todo en la mirada del hombre; fue realizado durante los años en que el artista vivió en Tánger, donde se había refugiado para huir de la dictadura franquista. Se presenta en un marco.

Óleo sobre tabla. Escuela italiana central de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sacra de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas situadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa un libro de oraciones y un pequeño jarrón con florecillas; a sus pies, la cesta de costura. María tiene el cuerpo parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento contorsionado, casi un intento de huida, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, por encima de él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de una rendija de luz. Al fondo, altas columnas con cortinajes coronan la plataforma sobre la que descansa el lecho de María. La composición recuerda, por su estilo figurativo y sus elecciones cromáticas, la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini, conocido como Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia desde 1540 aproximadamente. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), presenta claras similitudes de forma y composición con la que aquí se presenta. Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, en cuyo fondo hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente adornados con cariátides de querubines o ángeles que parecen tallados en madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas «en friso» sobre la misma pose, y los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel también se corresponden. El suelo, en cambio, difiere: mientras que en nuestro panel es homogéneo, en el de Pistoiese presenta una alternancia de colores a cuadros. Sin embargo, parece que este diseño del suelo se añadió en un periodo posterior, cuando se reconstruyó el altar en 1637-1639, en consonancia con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Sacra Conversazione. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado mirando a la obra de Bastiano Veronese, probablemente a petición expresa del mecenas, y antes de la alteración del suelo, lo que lo sitúa en la segunda mitad del siglo XVI. El cuadro ha sido objeto de una restauración, con dos refuerzos aplicados en la parte posterior del panel. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo de bienes culturales https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Italia Mediados del Siglo XIX

Estatua femenina en mármol blanco estatuario, personificación alegórica del otoño, Italia mediados del siglo XIX. Figura completa vestida a la antigua con toga, tocado de hojas de vid y racimos de uvas, estos últimos también colocados a lo largo del lado izquierdo; con el brazo derecho sostiene frutos otoñales. Descansa sobre una base circular. Pequeñas grietas.

Lombardía principios del siglo XVIII

Escultura de ángel barroco sosteniendo un jarrón en madera de tilo tallada y repintada íntegramente de negro en época posterior, Lombardía, principios del siglo XVIII. La figura, vestida con una túnica decorada con lambrequines, está colocada sobre una base sostenida por cuatro pies salvajes. Las catas realizadas sacaron a la luz los colores originales.

Tres Caras Ocho Hojas

Aguada sobre papel. En el reverso hay pegatinas de subasta de Sotheby's con el nombre del artista y el título original «Tres caras ocho hojas». Se trata de dos dibujos similares, con el mismo tema, aunque con pequeñas diferencias, y coloreados con técnicas diferentes. Jean Cocteau fue un artista polifacético: escritor, dramaturgo, autor teatral, también incursionó en las artes plásticas, aficionado a experimentar con todas las vanguardias de su siglo. Jean Cocteau publicó su primer libro de dibujos en 1923, cuando sólo tenía 36 años. En él retrató a sus amigos Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, pero también numerosas escenas de la vida cotidiana parisina, los ballets rusos de Nijinski, alegorías, caricaturas e imágenes poéticas. Cocteau se revela como un dibujante lleno de talento, pero sobre todo como un artista capaz de captar la esencia de los rostros, los comportamientos y las debilidades humanas. Obra enmarcada.

Día de fiesta en el pueblo

Óleo sobre lienzo. En el reverso del cuadro hay varias etiquetas: una de un mercado inglés (probablemente una subasta de principios del siglo XX) con el título; una segunda de una galería milanesa de Via Montenapoleone (c. años treinta) y, por último, una etiqueta de una importante colección privada. La escena representa un momento festivo en un pueblo nórdico: en medio de la calle, hombres y mujeres bailan y charlan, otros se sientan a la mesa a beber y jugar, niños y animales se persiguen unos a otros; el ambiente es animado y alegre. El estilo pictórico y la forma de ejecución son compatibles con la producción de David Teniers III (hijo de David Teniers II el Joven), pintor flamenco que incluyó en su producción varias escenas festivas y de la vida en los pueblos. Restaurado y enmarcado de nuevo a finales del siglo XIX.