Tableau Contemporain L'Oeil dans l'Espace 1968 Huile sur Toile - L'Oeil dans l'Espace 1968

Album de Famille 2001

Huile et acrylique sur toile. Signature, date et titre au dos. Concetto Pozzati était un artiste éclectique : après ses débuts dans le climat informel, l'artiste a retravaillé les influences du Pop Art international dans une touche personnelle, en restant toujours lié à une figuration simplifiée et ironique, aux atmosphères surréalistes. L'œuvre présentée appartient à la série des Albums de Famille de 2001, dans laquelle l'artiste représente les visages des membres de sa famille : ici le même artiste apparaît, à gauche, flanqué des visages enfantins de ses deux enfants, et en plus de la tête de un coq, conformément à l'habitude de Pozzati d'ajouter des éléments de la vie quotidienne dans ses œuvres.

Sans Titre, 1998

Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. Riccardo Licata, artiste éclectique qui s'est consacré à la peinture, à la gravure, à la mosaïque, à la sculpture et même à la scénographie, a traversé différentes phases de recherche artistique et a su allier l'abstraction à une profonde recherche de rythmes spatiaux marqués par des signes. Son écriture graphique et picturale, inspirée par la musique, a donné une identité unique à ses œuvres, qui se distinguent par l'utilisation savante de symboles et de traits graphiques. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Saint-Georges 1992

Huile sur table. Signé en bas à droite. Au dos, en cyrillique, il y a le titre, la date et le lieu à Bergame. L'artiste lituanien, qui vit et travaille actuellement entre Moscou, l'Italie et le Royaume-Uni, est considéré comme l'un des artistes russes contemporains les plus importants. Dans sa grande production, il y a des paysages, des natures mortes, de nombreux portraits de personnes célèbres et ses compositions surréalistes, expression de sa "vision onirique" particulière de la réalité. Toujours dans ce tableau, bien que dans le style des icônes traditionnelles, la représentation du célèbre Saint-Georges est proposée dans une clé surréaliste qui fait référence à De Chirico, où une oie se substitue au dragon, la tête du saint est un œuf, en décrire là , ils sont les chiffres de magiciennes ..... une interprétation clairement peu orthodoxe! La planche a une fente verticale. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Trois Figures

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos se trouve un cachet de la Galleria Palmieri historique de Milan (aujourd'hui n'existe plus). L'œuvre propose les personnages typiques de la peinture satirique de Franz Borghèse : ce sont des figures qui rappellent, dans leurs gestes et leurs vêtements, les sujets de 1910, représentés avec des traits et des poses presque caricaturales et sarcastiques. La production de Borghèse en effet, après une période initiale caractérisée par une peinture sombre et profonde, presque dramatique, du XVIIIe siècle transformée en une peinture de satire et de sarcasme, accentuée par une palette chromatique lumineuse, qui s'adressait en particulier à la bourgeoisie du tournant du siècle. le siècle. Les trois personnages de cette œuvre, deux hommes et une dame, sont représentés de côté marchant en file indienne dans leurs élégants vêtements de ville : les expressions sérieuses, les regards lointains, semblent souligner l'indifférence mutuelle, ainsi que l'ennui et la vacuité des personnages. leur vie qui contraste avec les couleurs vives et vives. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Tempera, crayon et fusain sur papier. Signé au dos. Le dessin est enregistré dans les archives Fausto avec le code DIS 84020. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir qu'une vue partielle de sa vision artistique. Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement exacts, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Sans titre

Technique mixte : photographie retravaillée avec applications de cire et superposition de panneau de plexiglas peint. Eva Petrič, une artiste d'origine slovène qui travaille actuellement entre New York, Vienne et Ljubljana, crée des photographies, des vidéos, des performances et des installations, dans lesquelles le but est de "créer un espace", qui peut être un espace physique, plutôt qu'un , imaginaire. ou métaphorique plutôt que réel. Dans ses productions c'est souvent elle-même, son corps ou son ombre, le personnage sur lequel elle élabore alors une « vision » particulière, un thème, superposant d'autres éléments différents pour créer une nouvelle dimension spatiale. Attaché à l'œuvre, extrait du catalogue relatif à l'exposition d'Eva Petrič à la galerie Suppan à Vienne en 2007

Peinture à l'huile sur toile. Signé Bertolotti en bas à droite. Il offre un aperçu d'une forêt, avec des plantes clairsemées et hautes et un sous-bois plein de rochers recouvert d'une pelouse verte ; à travers les arbres, une entaille s’ouvre au centre, inondée de lumière, encadrant des sommets escarpés. Le tableau, à fort impact scénographique, est présenté dans un cadre contemporain.

Fleurs de Chardon 1958

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Au dos, une étiquette de la Galleria Annunciata de Milan indique le titre et la date de l'œuvre. Fiorenzo Tomea a produit un grand nombre de fleurs, surtout dans les années 1950, soit dans des vases, soit isolées. Ce sujet était un thème traditionnel dans les peintures de De Pisis et de Mafai dans les mêmes années, et il a voulu proposer une réflexion sur la vanité, c'est-à-dire sur le caractère éphémère de la vie. Les fleurs séchées, dénudées, isolées les unes des autres, suspendues dans une atmosphère livide, presque surréaliste, traduisent un sentiment de défaite et d'éloignement. L'œuvre est présentée dans un cadre stylisé.

Paysage d'hiver

Caryons couleurs sur papier appliqués sur toile. Signé en bas à gauche. Le grand paysage est complètement dominé par le jeu de la couleur : divisé en deux hémichamps donnés par le ciel et la terre (un terrain montagneux où poussent sporadiquement des sapins), il voit prévaloir le bleu rosé du ciel, sous le bleu verdâtre de la neige au sol, deux nuances d'une même gamme de couleurs qui se rejoignent ensuite dans l'horizon des montagnes. Cinotti était un peintre paysagiste représentant du divisionnisme italien, dont la peinture se caractérise par une application matérielle et pâteuse avec des touches de couleur spatulée. Dans un cadre contemporain.

Sur le canapé d'argent pâle 1911

Lithographie en couleurs sur papier vélin. Le titre en bas à gauche. Sur le passe-partout le nom et la mention "lithographie originale". Il s'agit de la planche n.10 de la série "Amour", créée en 1899 par l'artiste français et inspirée des poèmes d'amour que Denis a écrits pour sa future épouse, Marthe Meurier. Quelques répliques de la série initiale ont été réalisées, dont celle sur papier de soie datée de 1911. Maurice Denis, peintre français, s'est formé artistiquement en coïncidence avec la naissance du mouvement symboliste qui l'a fortement influencé, s'imposant par sa simplicité et par sa philosophie d'un art qui était une synthèse entre le monde extérieur et la spiritualité de l'artiste. Dans ses premières œuvres, le style pictural est naturaliste et néo-impressionniste, mais tend au fil du temps vers un décorativisme pur, caractérisé par des aplats de couleur et des contours nets. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Maurice Denis fonde avec Paul Sérusier, Pierre Bonnard et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. Des rencontres Nabis, habituellement tenues à la rédaction de la revue "Revue Blanche" ou à l'Académie Ranson, Denis appréciait particulièrement le climat mystique, le jargon ésotérique et le surnom que chaque peintre recevait du groupe : Denis était appelé "le Nabi par les belles photos". Comme "Nabi" Maurice Denis peignait des tableaux intimes et énigmatiques et les thèmes de sa peinture, à caractère religieux ou des situations de la vie quotidienne, étaient portés dans une dimension idéale et irréelle, dans une atmosphère d'intimité chaleureuse et sereine, obtenue avec une extrême trait délicat. Une constante dans sa vie a été la profession de foi catholique, qui a toujours eu pour lui un rôle prioritaire. Il reçut de nombreuses commandes pour la décoration d'églises et cela le fit revenir à la grande tradition de la peinture murale en exécutant des fresques solennelles de structure monumentale, inspirées d'un catholicisme littéraire. La ferveur religieuse conduit Maurice Denis à fonder, en 1919, les Ateliers d'Art Sacré, consacrant beaucoup de temps à la prière, à tel point qu'il devient le tertiaire de San Domenico, sans l'isoler du monde, pour lequel il participe dans la vie sociale de l'époque. En plus de sa vaste production de peintre, Denis était un grand dessinateur et illustrateur. Jusqu'à sa mort, Maurice Denis a continué à peindre dans une interprétation moderne de la grande peinture ancienne, soutenu par sa forte veine artistique, continuellement alimentée par ses voyages, dont beaucoup en Italie, qui l'ont amené à entrer en contact direct avec les Préraphaélites. et les néoclassiques.

Portrait Féminin 1950

Huile sur toile. Signé et daté (1-5-1950) dans le coin inférieur gauche. Né à Bologne mais formé artistiquement à l'Académie Brera de Milan, au début des années 1900, il étudie à Paris, où il peut admirer la peinture des grands maîtres du passé et suivre avec grand intérêt les nouvelles tendances picturales qui progressent dans le climat de renouveau général apporté par le nouveau siècle. En fait, des influences de thèmes tels que le symbolisme et le divisionnisme se retrouvent dans ses peintures des premières décennies du XXe siècle, mais Mascarini choisit de ne pas se laisser emporter par les nouveaux courants qui acclament la déconstruction de la forme, restant dans l'enceinte de son atelier pour peindre les affections et les regards du quotidien les plus proches de lui. Son langage figuratif puise dans le naturalisme lombard de la fin du XIXe siècle, sa peinture est encadrée dans un dessin sobre et équilibré. Paysagiste et portraitiste, il propose des scénarios délicats et placides, comme les glaciers qu'il peint en gravissant dans le silence des hautes montagnes qu'il affectionne beaucoup, et des portraits aux visages harmonieusement encadrés par de douces touches, qui expriment des sentiments intimes. Le portrait de dame présenté ici propose une figure qui, bien qu'élégante dans sa tenue de soirée, exprime la sérénité, le calme, l'intimité plutôt que la mondanité dans son visage et sa pose. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Avant le Dîner 1970

Huile sur isorel. Signature, date et titre en haut à droite. Udo Toniato, peintre naïf, est connu pour ses œuvres qui racontent l'histoire de sa patrie, la Bassa del Po, avec ses personnages. Il représente ici trois petits prêtres qui, armés de parapluies pour se protéger du soleil du Bassa, se dirigent vers la chapelle votive du chemin de campagne, observés par une chèvre amusée, pour les dernières prières de la journée. L'œuvre est présentée dans un cadre.