Peinture de Luigi Comolli - Aperçu de la campagne boisée

Paysage avec Figures, 1930 ca.

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Ivan Karpoff, d'origine russe mais élevé et établi artistiquement en Italie, était apprécié pour sa peinture orientée vers le réalisme impressionniste italien de la fin du XIXe siècle ; il se consacre principalement aux paysages et aux portraits. Dans cette œuvre, il offre un aperçu de la campagne et des collines surplombant un lac, avec deux figures paysannes déterminées à récolter. Au dos de la toile se trouve une dédicace : « Campanini... au couple Manara Luciano et Adriana, Milan 28 octobre 1939 XVII ». Le tableau est présenté dans un cadre du milieu des années 1900.

Huile sur panneau. Signé en bas à droite R.lo Pellegrini. Il s'agit probablement de l'œuvre de Romolo Pellegrini, qui vécut entre le XIXe et le XXe siècle et fut un artiste de paysages et de natures mortes aux couleurs délicates. Ici se présente une campagne plate et lumineuse, avec un troupeau de moutons paissant dans les prés, surveillé par le berger. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain, avec des parties manquantes.

Auronzo di Cadore

Huile sur toile, 1954. Signée et datée en bas à droite. Autre signature et titre au revers. Dans un cadre doré contemporain

Paysage avec Moulin

Huile sur carton. Signé en bas à droite. Carlo Vittori, artiste de Crémone, a principalement représenté les paysages de sa vallée du Pô. Il propose ici un paysage habité par un moulin, auquel l'eau arrive par une canalisation aérienne. Le tableau est présenté en chronique.

Personnage Assis

Huile sur panneau dur. Signé en bas à droite. Le peintre Salvatore Sportelli, d'origine des Pouilles mais qui a longtemps vécu à Lodi, où il a enseigné (une de ses expositions posthumes a eu lieu récemment dans la ville), a produit de nombreuses figures populaires et scènes de genre caractérisées par un regard sur le post-impressionnisme. . L'œuvre est présentée dans un cadre.

Aperçu d'une ville enneigée

Huile sur panneau dur. Signé en bas à droite. Né en 1905, Gaetano Valbusa a travaillé pendant plus de quarante ans comme ouvrier dans les Ateliers Mécaniques de Brescia, jusqu'à sa retraite, se consacrant à la peinture uniquement par passion. Peintre paysagiste, grâce aux voyages d'affaires, il a pu représenter des aperçus "en plein air" du monde entier, même si les aperçus des lieux de Brescia sont le sujet le plus récurrent. Affilié à l'Association des artistes de Brescia, il a pu exposer ses œuvres et se faire connaître de la critique. Dans ses toiles, les paysages sont imprégnés d'une grande sérénité et tranquillité, une élégie de souvenirs sereins de la vie réelle. L'aperçu proposé ici est présenté dans un cadre.

Portrait d'une Femme, 1951

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. La datation de l'œuvre situe cette œuvre dans la période où ORAZI s'orientait déjà vers une peinture moins réaliste, créant un portrait caractérisé par des traits physionomiques très marqués, presque géométriques, et une palette chromatique jouant sur la variation d'une seule gamme de couleurs. La figure représentée est celle d'une femme âgée, appartenant au monde paysan.

Composition Informelle des Années 60

Technique mixte sur carton. Signé en bas à droite. À partir de la seconde moitié des années 1950, ORAZI passe de la peinture figurative à la peinture abstraite, avec une évolution progressive qui part des compositions plates (comme celle présentée) vers les œuvres en relief, qui donnent vie à la série appelée Peinture en Relief. L'œuvre provient de la collection familiale de l'artiste.

Figurine de Paysanne Mexicaine 1956

Huile sur toile. Signée et datée 1956 en bas à gauche. Le peintre français ORAZI séjourna au Mexique en 1955, puis en 1956-1957, un pays particulièrement attractif pour les intellectuels et les artistes de l'époque. Paysages naturels, coutumes et traditions de la population locale furent les thèmes qui convergeaient dans la série de peintures intitulée Peintures sur le Mexique : paysages, compositions et portraits, sans céder au goût de l'exotisme, avec un travail extrêmement soigné sur la couleur pour représenter, sans descriptivisme, les éléments de la nature et les figures d'hommes et de femmes, déjà projetées vers l'abstraction. Cette série picturale, composée de 35 pièces, fut ensuite exposée en 1957, à son retour en France, à la galerie Vendôme à Paris. Le tableau provient de la collection privée de la famille de l'artiste.

Trame di Vita 2011

Acrylique sur bois et collage de matériaux divers. Au dos, sous le carton de protection, se trouve une étiquette de l'artiste avec la signature et le titre de l'œuvre. Clara Bartolini, artiste aux multiples facettes (elle s'est essayée à la peinture, à la photographie, au collage, à la sculpture, à l'assemblage, toujours à la recherche de nouveaux matériaux et de nouvelles voies créatives, mais aussi à la poésie, à la scénographie, elle est styliste) a dit de cette série d'œuvres intitulée Trame : « J'ai toujours travaillé avec le fil, un élément symbolique très représentatif, il m'assure du retour, il me montre les chemins déjà parcourus, il maintient vivante la pensée sur ce qui est important dans ma vie. Le fil d'Ariane, le fil rouge, le fil du discours et, pourquoi pas, réparer la déchirure, la raccommoder et bien plus encore. Le fil (j'ai également été styliste) a toujours eu une grande importance dans ma vie. Il apparaît souvent dans mes œuvres, en coton, en cuivre, en laiton, en fer, en nylon. Pour ne pas perdre le fil… ». L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Trame di Vita 2011

Acrylique sur bois et collage de matériaux divers. Au dos se trouve l'étiquette de l'artiste avec la signature et le titre de l'œuvre. Clara Bartolini, artiste aux multiples facettes (elle s'est essayée à la peinture, à la photographie, au collage, à la sculpture, à l'assemblage, toujours à la recherche de nouveaux matériaux et de nouvelles voies créatives, mais aussi à la poésie, à la scénographie, elle est styliste) a dit de cette série d'œuvres intitulée Trame : « J'ai toujours travaillé avec le fil, un élément symbolique très représentatif, il m'assure du retour, il me montre les chemins déjà parcourus, il maintient vivante la pensée sur ce qui est important dans ma vie. Le fil d'Ariane, le fil rouge, le fil du discours et, pourquoi pas, réparer la déchirure, y mettre un patch et bien plus encore. Le fil (j'ai également été styliste) a toujours eu une grande importance dans ma vie. Il apparaît souvent dans mes œuvres, en coton, en cuivre, en laiton, en fer, en nylon. Pour ne pas perdre le fil… ». L'oeuvre est présentée dans un cadre.

L'Ancien Triskelion 1997

Technique mixte à bord. Signé et daté en bas à droite. Au dos, signature, date et titre supplémentaires. Animé par une intense curiosité intellectuelle qui a caractérisé chaque instant de son expérience, non seulement créative, mais aussi humaine et professionnelle, l'artiste d'Ancône Giorgio Villa a développé ses propres principes de pensée et d'action, sur des bases rigoureuses d'une approche scientifique et mathématique, nourrie d'une profonde inspiration poétique et d'un sens profond de la beauté. La recherche d’un chemin à suivre, libre de tout schéma ou lien culturel, caractérise son art ; Villa évolue dans la sphère de l’imagination, des sentiments et de la poésie des images. Chaque œuvre est le résultat d'une inspiration réfléchie, instant après instant, laissant place à la réflexion, à un geste réfléchi, analysant les relations entre l'espace et la matière, entre les couleurs et la forme, pour identifier la synthèse parfaite, qui rend une œuvre d'art unique et irremplaçable. Dans cette œuvre, Villa représente le Triskèle, ou le symbole antique formé de trois spirales jointes en un point central, plus généralement trois spirales entrelacées, ou, par extension, tout autre symbole comportant trois protubérances et une triple symétrie de rotation.