Miroir Vintage Design Verre Cadre en Plastique des Années 1970

Huile sur toile. Peinte dans le style de la peinture espagnole du début du XVIIe siècle, l'œuvre date en réalité de la fin du XIXe siècle. Elle représente une noble dame portant une fraise, ce col rigide, ornemental et plissé typique des vêtements masculins et féminins des XVIe et XVIIe siècles. L'œuvre a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre doré du milieu du XIXe siècle, inséré dans un cadre plus large du XXe siècle.

La Reine des Glaces 2021

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Fabio D'Aroma est un artiste au parcours éclectique et surprenant, dont l'art se distingue par la rencontre entre la tradition picturale classique et une approche contemporaine. À propos de son style, D'Aroma déclare : « J'aime le définir comme une sorte de surréalisme pop aux fondements classiques. Je m'inspire des grands maîtres italiens, mais je les réinterprète avec une ironie qui reflète le présent. » Ses figures, souvent grotesques mais réalisées avec une technique picturale surprenante, sont animées par un désir de provoquer, suscitant souvent des réflexions profondes sur des thèmes importants, voire dramatiques, mais avec un sourire.

Sole Produttore

Sérigraphie sur plaque de métal. Signée en bas à droite, titrée en bas. Édition 446/500. Le soleil est un thème cher à Giò Pomodoro depuis les années 1950, un thème qu'il n'a jamais abandonné, le développant particulièrement à partir de la seconde moitié des années 1970 jusqu'à quelques années avant sa mort, en 2000, date à laquelle il a fait don d'un soleil monumental en marbre blanc à la ville de Gênes, situé à l'entrée du port, sur le Ponte dei Mille. Le Soleil Créateur est une représentation métaphorique de l'exploitation équitable par la société de la puissance génératrice du soleil. Passionné d'astronomie, de géométrie et de poésie, Giò Pomodoro a toujours été fasciné par le potentiel vital et symbolique de l'image de l'astre. Dans ces œuvres, l'artiste le représente par une forme circulaire stylisée, brisée pour accentuer le potentiel des formes géométriques élémentaires (le cercle, le carré, le triangle) à s'ouvrir à différentes tensions dynamiques. Autour de ces formes de base, Pomodoro insère ensuite des écrits composés de mots qui font référence à des concepts référentiels, tels que réel, possible, collectif — dans ce cas : « Il bouge, tourne, construit une récolte commune » — combinés à d'autres formes inscrites qui indiquent des structures physiques, telles que la charnière, la roue et la graine.

Technique mixte sur papier. Initiales AS en bas à droite. Un bouquet de roses se détache sur un fond bleu. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain noirci, orné de sculptures dorées.

Saint Bernard de Clairvaux

La sculpture décrite ici, taillée dans un bloc de pin cembro au début du XVIIe siècle, représente saint Bernard de Clairvaux. La composition rappelle une gravure du début du XVIe siècle de Marcantonio Raimondi, qui représentait le saint en habit monastique, tenant une crosse, une Bible à la main et un démon enchaîné à ses pieds. La sculpture était destinée à une niche et son dos était donc inachevé. Le saint, debout, est représenté en léger mouvement, tenant une Bible ouverte de la main droite et, de l'autre, le début de la chaîne qui retient le démon à ses pieds. Malheureusement, la partie centrale de la chaîne est manquante, mais elle est complétée par un collier ; le démon est maîtrisé par le saint, qui y pose son pied. Malgré quelques manques de couleurs et de dorure et des traces de suie, on peut constater que le teint du saint est rosé, tandis que celui du démon est rougeâtre, presque brun, en raison de son exposition aux flammes du monde infernal. Remarquez la splendide robe du saint, qui, bien que représentant un habit monastique, est laquée de tons rouges avec des broderies dorées à l'intérieur et dorées avec des broderies bleutées à l'extérieur. La robe n'est plus celle de l'humble ermite, mais celle du saint dans sa gloire céleste, baigné de lumière, contrastant davantage avec la figure du diable.

Huile sur toile. Signée et située dans la marge inférieure gauche : « Roma, Enrico Scifoni ». Le nom du modèle est cité en bas à gauche : « Signorina Maria Ciaffi ». Scifoni était une artiste romaine très active comme portraitiste entre 1870 et 1914. La jeune femme représentée porte une robe et une coiffure rappelant les modes de l'Empire. Le tableau est présenté dans un cadre doré du XIXe siècle, nécessitant une restauration.

Ornements et vases anciens

Gravures coloriées à la main. Réalisées par Michelangelo Pergolesi entre 1777 et 1778, les décorations coloriées sont une œuvre posthume du XIXe siècle. Pergolesi a conçu et réalisé des meubles, des cheminées, des plafonds, des lustres, des portes et des ornements muraux de style néoclassique, travaillant principalement en Angleterre. Les dessins préparatoires de ces gravures sont numérotés et appartiennent probablement aux « Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti » (Dessins pour divers ornements pour 70 planches), publiés entre 1777 et 1801. Les deux gravures sont présentées sous cadre apparent.

Paysage de Rivière avec Figures

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Ce sujet s'inscrit dans l'œuvre profondément naturaliste du peintre. Originaire de Modène, il a grandi artistiquement à Milan et dans ses environs, lieux qui ont souvent été le sujet de ses paysages. Ce paysage évoque également la plaine de Lombardie. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Saint Sébastien

Sculpture de la fin du XVIIe siècle représentant saint Sébastien attaché à un arbre et transpercé. Le saint, vêtu d'une courte robe ceinturant les hanches, est attaché au tronc et à une branche, un bras levé, le regard fixé sur le spectateur qui, métaphoriquement, le transperce de flèches. La sculpture est coulée en ronde-bosse et peinte en polychromie, avec des parties peintes restaurées. Notez la restauration dune partie du pied gauche et labsence de flèches.

Huile sur toile. Dans cette œuvre, la Sainte Famille s'adresse à un jeune frère en habit franciscain, probablement en référence au commanditaire : les mains tendues de l'Enfant se tendent pour l'embrasser, sous le regard protecteur de Marie et Joseph. Précédemment restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien du XVIIIe siècle, redoré.

Rive avec Figures

Aquarelle sur carton. Signée en bas à droite. Paolo Sala, né et formé à Milan, s'est distingué comme l'un des plus importants paysagistes de son temps, ainsi que comme un peintre de vues des nombreuses villes italiennes et étrangères où il a travaillé. Privilégiant l'aquarelle, il peignait aussi abondamment à l'huile. Il utilise des coups de pinceau rapides, larges et superposés, dans un style impressionniste, jouant avec la couleur et la lumière pour créer des atmosphères évocatrices, comme dans cette vue maritime de personnages sur une plage occupés à tamiser le sable. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Une Partie d'une éducation de la Vierge Marie

Cette sculpture représente une partie de la scène de l'éducation de la Vierge, où sainte Anne est traditionnellement assise, un livre sur les genoux, tandis que la jeune Marie se tient à ses côtés, absorbée par son apprentissage. Dans ce cas précis, la statue représente la jeune Vierge, le reste de la composition manquant. La jeune femme est représentée une main levée, l'autre sur sa poitrine, comme pour annoncer la bénédiction et la maternité divine qui caractériseront sa vie. Elle porte une longue robe rouge recouverte d'un manteau bleu.