Déjeuner en Famille 1802

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Scène de genre de goût populaire, elle met en scène une famille bourgeoise qui se prépare à déjeuner : le père, déjà assis à table, s'apprête à bénir le repas, tandis que sa femme et son fils, debout, suivent la prière. On sait peu de choses sur Charles Christophe Coventry, un peintre anglais dont on ne connaît que des scènes de genre se déroulant dans des décors populaires, comme celle-ci. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Aperçu de Corfou avec petite Église et Moine

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Le tableau présente des rayures mineures. Dans le cadre.

Aperçu de Corfou avec Moine

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Le tableau présente des rayures mineures. Dans le cadre.

Vue de Corfou

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Cette même vue de l'île a été présentée, dans un exemplaire plus petit, lors d'une vente aux enchères Sotheby's à Londres en 2002. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. École française de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle. Portrait d'un gentleman en élégant costume bourgeois. La toile présente des déchirures mineures et nécessite un nettoyage. Il est présenté dans un cadre doré du XIXème siècle.

Étude pour la Végétation

Crayon sur papier. Signé en bas à droite. Michetti, originaire des Abruzzes, a étudié la peinture à l'Académie des Beaux-Arts de Naples, où il a formé son style réaliste et naturaliste. Mais la campagne des Abruzzes, avec sa nature encore intacte, a toujours été sa principale source d'inspiration. Une petite étude de la végétation rurale est présentée ici. Dans le cadre,

Portrait Féminin

Huile sur toile. Signé à droite, au milieu de la toile. C'est le portrait d'une femme en deuil, une jeune veuve, comme on peut le déduire, non seulement de la robe noire, mais plutôt de la coiffe et surtout du camée à portrait masculin, qu'elle porte pendu autour du cou. Achille Zo était un artiste français (originaire de Bayonne, ville des Pyrénées qui a subi l'influence culturelle du Pays basque), qui, bien qu'il ait séjourné à plusieurs reprises à Paris et à Bordeaux, où il s'est formé artistiquement, a ensuite effectué plusieurs voyages en Espagne, tous deux à Madrid (en 1856) et en Andalousie (1860), produisant pendant plusieurs années des œuvres sur des sujets historiques ou sur des scènes de genre espagnoles. À la fin des années 1960, il se tourne vers l’orientalisme. Il y a également plusieurs portraits dans sa production. Le tableau proposé ici, sur la première toile, est présenté dans un bel encadrement contemporain de la seconde moitié du XIXème siècle.

Huile sur toile, appliquée sur le panneau. Ecole française. Signé F. Barthélemy et daté 1876 en bas à gauche. La scène, de style et de décor oriental, suggère l'éducation domestique et intellectuelle d'une jeune fille (la référence, quoique laïque, à l'Éducation de la Vierge est essentielle !) : une jeune fille, debout au centre de la scène, tandis que elle est concentrée sur un projet de broderie, il écoute l'enseignement de sa mère, qui tient des feuilles écrites dans ses mains ; la femme âgée est vêtue d'une robe orientale et allongée sur un triclinium, tandis que, derrière elle, un serviteur tire le rideau, révélant en arrière-plan un imposant temple classique. La scène est caractérisée par des détails du décor soigneusement conçus et riches en détails, comme le bouquet de fleurs sur la table à broder, le tissu qui recouvre le triclinium sur lequel est allongée la mère ; l'atmosphère intime et domestique est soulignée par les couleurs terreuses des murs du palais, sur lesquels se détachent les couleurs vives des personnages, bien éclairés par la lumière éclatante de l'extérieur. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Composé de feuilles gravées sur bois, cousues ensemble et partiellement colorées, avec des chiffres et des textes assortis. Le groupe se compose de 23 fascicules, dont deux en trois exemplaires et un en quatre exemplaires ; un autre couple a la même couverture mais un contenu différent. Les livrets peuvent être considérés comme des « mangas » du XIXe siècle : le mot « manga » peut encore aujourd'hui désigner de nombreuses productions différentes, telles que des dessins animés uniques, des dessins épars, des illustrations plus élaborées, des bandes dessinées, des bandes dessinées, ainsi que des dessins animés. . Ainsi, partant du postulat qu'il n'y a pas de "forme manga" mais différentes manières de concevoir des objets et des formes graphiques tous dénommés par ce mot, le terme manga peut être attesté dans l'usage littéraire et essayiste au Japon dès le XVIIIe siècle pour désigner , comme mentionné ci-dessus, des dessins et des croquis. Mais c'est à partir de la première moitié du XIXe siècle que les 15 volumes d'illustrations, d'études, de divertissements graphiques et d'estampes bichromatiques détaillées de Katsushika Hokusai se sont imposés, grâce à la publication progressive, à partir de 1814. Si, d'autre part, nous voulons donner au mot le sens plus spécifique de "récits dessinés en séquence", alors le début doit être placé dans la seconde moitié du XIXe siècle, à l'instar de ce qui s'est passé en Europe et aux États-Unis. pour les bandes dessinées. Les livrets sont en bon état.

Cours au Puits 1873

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Haier était un peintre et photographe viennois, mais il a longtemps vécu en République tchèque. Sa production picturale comprend des portraits et de nombreuses scènes de genre, se déroulant comme celle-ci dans le milieu rural tchèque. Nous avons un vendeur de jarres, porté sur le dos de son âne, qui converse amoureusement au bord d'un puits avec une jeune fille, qui, quant à elle, offre une touffe d'herbe à la docile bête. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Carreaux de cuivre décorés d'émaux. Il s'agit d'une reproduction du XIXe siècle de la Croix émaillée de Pascal Ier (817-824), un important reliquaire en cuivre repoussé et doré, qui conservait à l'intérieur de minuscules fragments de la Croix du Christ et qui devint partie du Trésor déposé par Léon. III (795 -816) dans l'oratoire appelé Sancta Sanctorum de Laterano. La Croix est composée de cinq panneaux, disposés en forme de croix latine, sur lesquels sont représentés sept épisodes de la vie de Jésus avec de vives figures émaillées. Dans le panneau supérieur se trouvent l'Annonciation et la Visitation de Marie ; dans le panneau du centre la Naissance de Jésus ; à gauche la Fuite en Egypte et à droite l'Adoration des Mages ; enfin, dans l'avant-bras, la Présentation de Jésus au temple et le Baptême de Jésus. Les panneaux sont composés sur un socle en bois et présentés dans un cadre vitrine.

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. La scène représente la rencontre entre un grand prêtre et un chef : s'il est suivi par toute son armée, avec des soldats sinistres et armés de différents grades, le prêtre est suivi par tout le peuple qui loue le vainqueur, tandis que deux jeunes femmes sur leur à genoux, ils offrent des couronnes de fleurs. Derrière la scène, les puissants murs avec la porte d'entrée d'une ville, vers laquelle le prêtre montre du doigt, presque comme s'il la remettait au chef. L'habillement du prêtre, notamment la présence du pectoral dit « Décision » qu'il porte, fait référence à un prêtre israélite, et donc la ville pourrait être Jérusalem ; en revanche, les vêtements du chef victorieux, avec le casque surmonté de deux chevaux, font référence à Alexandre le Grand, qui conquit la ville en 332 av. Le dessin est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Les adieux de Ludovico le Moro à sa femme..

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. Ludovico Maria Sforza pleure sur la tombe de sa jeune épouse Béatrice d'Este (1475 -1497) ; autour de lui les frères de Santa Maria delle Grazie et à sa gauche Bramante et Leonardo. Sur le petit côté du dais en marbre du tombeau se trouvent les armoiries des Sforza, avec deux serpents et deux aigles. Il Moro a été profondément ébranlé par la mort prématurée en couches de sa très jeune épouse Béatrice, sa compagne dans sa vie privée mais aussi politique, ainsi que celle de son mari, mécène des génies artistiques de leur cour, comme Léonard de Vinci. et Bramante, auteurs de nombreuses œuvres picturales et architecturales de la cour Visconti-Sforza. Différentes versions de cet épisode sont connues, notamment à partir du XIXe siècle, depuis celle de 1815 de Giovanni Battista Cigola à la Pinacothèque Ambrosiana, jusqu'à celle d'Alessandro Reati vers 1850. Le tableau est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Paysage de Rivière avec Figures 1878

Aquarelle et crayon sur papier. Signé et daté en bas à gauche. Nous connaissons plusieurs vues de paysages de la campagne anglaise réalisées par le peintre anglais Henry Clifford Warren, peintes pour la plupart à l'aquarelle. Voici une vue d'une campagne boisée traversée par une large rivière, avec au premier plan un berger faisant paître ses vaches sur la colline. Présenté dans un cadre.

L'annonce de la défaite à Waterloo

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française du 19ème siècle. La scène, qui se déroule dans la chambre pauvre d'un ancien combattant âgé, qui pleure dans son lit, voit sa famille lui annoncer la triste nouvelle de la défaite de Waterloo, comme le laisse entendre la feuille de journal dans les mains de la femme, le d'où le nom du lieu historique où Napoléon Bonaparte fut définitivement vaincu. La toile présente des traces de restaurations antérieures, notamment la tache correspondant à la figure féminine est bien visible. Il est présenté dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Milieu du XIXe siècle. La grande scène raconte un épisode historique non identifié, se déroulant à l'époque de la Renaissance, dans lequel un archevêque écoute la supplique d'un jeune homme en armes, accompagné de sa mère, qui soutient sa supplique. Le décor est à l'intérieur de la salle de réception du haut prélat, vraisemblablement dans le palais épiscopal, qui de la loggia en arrière-plan donne sur la cathédrale, dont on aperçoit le dôme ; l'évêque est entouré de ses subordonnés et de ses gardes, tandis que différentes personnes du peuple assistent. Particulière est la présence de l'homme assis au premier plan à gauche, qui regarde vers le spectateur et pointe la scène, comme s'il la racontait. L'atmosphère se joue sur les contrastes entre lumières et ombres, entre les couleurs vives des personnages dominants par rapport aux tons ternes et feutrés des personnages environnants, qui ont littéralement tendance à disparaître dans l'ombre aux limites de la scène. L'œuvre s'inscrit dans cette grande production du XIXe siècle qui s'appuyait sur le sujet historique ou littéraire, le reproposant dans une tonalité romantique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un important cadre de la seconde moitié du XIXe siècle, avec quelques manques.

Huile sur toile. École nord-européenne du début du XIXe siècle. En effet, au premier plan, les personnages d'une petite famille descendant d'une sorte de traîneau en bois, rempli de paille et tiré par un cheval, se détachent dans un paysage de campagne aride avec des traces de neige. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre en bois doré de style, avec plusieurs parties manquantes.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Dans une cuisine rurale, une famille paysanne s'accorde un moment de fête : le père joue de la mandoline, écouté par la petite fille qui semble vouloir danser, assistée par sa mère, et par les autres femmes de la maison, souriantes comme ils accomplissent leurs tâches domestiques. La production du peintre napolitain Giuseppe Giardiello s'est toujours tournée vers le folklore de la vie rurale et paysanne napolitaine, peignant, avec des tons intimes et délicats, aussi bien des scènes de la vie domestique que des paysages animés par des personnages. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Crayon, fusain et mine de plomb sur papier. Signé (Amalia Bianchi ?) et daté en bas à droite. L'utilisation de différents pigments picturaux est très efficace, créant un jeu de lumière et d'obscurité et soulignant bien les éléments de la figure. Le portrait est présenté dans un cadre en bois du XIXe siècle, agrémenté d'inserts en cuir en forme de feuilles et de fleurs, avec quelques petites chutes et manques.