Cuadro de Gregorio Mariani - Pórtico con figuras

El corte de pelo

Pintado con jugo de hierba sobre lienzo. La escena, ambientada en el siglo XVIII, presenta a una dama adinerada y enjoyada tomando té con una amiga, mientras un ayuda de cámara se encuentra detrás de ella, preparándose para cortarle su larga cola de caballo. La escena, probablemente alegórica, también presenta un querubín alado que sujeta un mechón de su cabello cortado, mientras otro revolotea hacia arriba. El lienzo requiere restauración debido a desgarros evidentes y pérdida de color. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Escena con guardias en la ciudad, 1875

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. El pintor inglés George Goodwin Kilburne se especializó en escenas de género ambientadas en la vida de la alta burguesía victoriana, con escenas de caza y escenas de sala, todas caracterizadas por la elegancia y la meticulosidad de los detalles, especialmente en las figuras femeninas. En 1875, Kilburne permaneció unos meses en Roma y luego viajó a otras ciudades italianas y europeas. La escena representada aquí, de 1875, parece estar ambientada en Roma: en un puesto de guardia de la ciudad, como lo demuestra claramente la vista urbana que se aprecia desde la puerta abierta, algunos soldados con el uniforme de la guardia vaticana descansan. La obra se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XIX. El paisaje montañoso presenta un árbol alto en primer plano a la izquierda, que se eleva sobre los campos de abajo, con un cazador intentando apuntar a una presa escondida entre sus ramas; No muy lejos se encuentran unas casas de labranza, con el típico tejado inclinado nórdico, frente a las que se vislumbran otras figuras; Al fondo, se vislumbra el perfil borroso de una ciudad. En el marco hay una placa de atribución a Anthonie Van Borssom (1629-1677), un pintor paisajista flamenco, a cuya producción se refiere el cuadro en algunos aspectos. El tablero pictórico ha sido parquetizado. El cuadro se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XX.

Copia de David Teniers II

Óleo sobre tabla. El cuadro es una copia revisada de la famosa obra de David Teniers el Joven (1610-1690), realizada entre 1634 y 1640 y actualmente conservada en el Museo del Prado de Madrid. El título de la animada escena hace referencia a la llamada Noche de Reyes, celebración correspondiente a la Epifanía, precisamente doce días después de Navidad, que era la última noche de celebraciones, en la que se podía beber sin límites, dedicarse al amor, al intercambio de pareja y de género, una especie de carnaval, durante el cual se elegía al Rey del Desgobierno (literalmente el rey del Desgobierno), un gobernante al revés que imponía sus leyes, subvirtiendo normas y comportamientos. Esta obra, como muchas otras de Teniers, tuvo tal éxito ligado a los numerosos encargos de reyes y aristócratas durante el siglo XVIII, que indujo una gran producción póstuma de copistas, muchos de los cuales incluso firmaron con el nombre del artista. El cuadro que aquí se presenta presenta varias pérdidas de pintura, a subsanar. Se trata de un marco de finales del siglo XIX, adaptado al tamaño.

Azulejos de cobre decorados con esmaltes. Se trata de una reproducción decimonónica de la Cruz esmaltada de Pascual I (817 -824), importante relicario en cobre repujado y dorado, que conserva en su interior minúsculos fragmentos de la Cruz de Cristo, y que pasó a formar parte del Tesoro depuesto por León. III (795 -816) en el oratorio llamado Sancta Sanctorum de Letrán. La Cruz está formada por cinco paneles, dispuestos en forma de cruz latina, en los que se representan siete episodios de la vida de Jesús con animadas figuras esmaltadas. En el panel superior se encuentran la Anunciación y la Visitación de María; en el panel del centro el Nacimiento de Jesús; a la izquierda la Huida a Egipto y a la derecha la Adoración de los Magos; finalmente, en el antebrazo, la Presentación de Jesús en el templo y el Bautismo de Jesús. Los paneles están compuestos sobre una base de madera y presentados en un marco de vitrina.

El anuncio de la derrota en Waterloo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XIX. La escena, ambientada en el pobre dormitorio de un anciano veterano de guerra, que llora en su cama, ve a su familia contándole la triste noticia de la derrota en Waterloo, como se deduce de la hoja de periódico que la mujer tiene en las manos, el que toma el nombre del lugar histórico donde Napoleón Bonaparte fue definitivamente derrotado. El lienzo presenta signos de restauraciones anteriores, en particular es claramente visible el parche correspondiente a la figura femenina. Se presenta en un entorno de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Lápiz, carboncillo y albayalde sobre papel. Firmado (¿Amalia Bianchi?) Y fechado en la parte inferior derecha. El uso de diferentes pigmentos pictóricos es muy efectivo, creando un juego de luz y oscuridad y subrayando bien los elementos de la figura. El retrato se presenta en un marco de madera del siglo XIX, adornado con inserciones de cuero en forma de hojas y flores, con algunas pequeñas caídas y deficiencias.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre aglomerado en la segunda mitad del siglo XX. El cuadro retoma las formas pictóricas del siglo XVIII, con un corte decorativo. En un paisaje apacible, con una estructura arquitectónica a la derecha y el valle verde con la desembocadura del río a la izquierda, dos figuras caminan por el sendero, una mujer con su fardo de ropa y el caminante con una alforja y un bastón. La obra se presenta en estilo de crónica.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena, al aire libre al pie de una pendiente, muestra dos figuras femeninas desplomadas sobre ellas y detrás de ellas un peregrino, con el tradicional bastón y conchas en su manto. La mujer en primer plano sostiene un rosario en una mano y en su regazo hay un niño dormido. La escena recuerda un momento de oración dolorosa y contemplativa. El cuadro, ya restaurado y revestido, tiene varias gotas de color y manchas. Se presenta en un marco elegante.

Bordado sobre seda, montado sobre un panel. El tapiz data del periodo Meiji (1868-1912), que coincide con el reinado del emperador Mutsuhito (conocido póstumamente como Emperador Meiji), y marcó una profunda transformación para Japón, pasando de una sociedad feudal aislada a una potencia industrial y militar moderna. Representa dos tsuru, o grullas japonesas, entre crisantemos en flor. En la cultura japonesa, el tsuru es símbolo de longevidad. El tapiz está montado en un marco, con gran parte de la tela doblada en el reverso.

Escena campestre con figuras

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La escena representa a un grupo de campesinos, hombres y mujeres, recogiendo cestas de flores, tocando música y bailando al son de gaitas y panderetas, algunos aprovechando para coquetear. Se trata, por tanto, de una fiesta popular campestre, un tema predilecto de Barucci, pintor romano que retrató principalmente la vida cotidiana en el campo. Su amor casi total por la naturaleza —los aspectos más auténticos, áridos y realistas de la campiña y los suburbios romanos— lo llevó a convertirse en uno de los máximos exponentes del estilo rústico. El brillo y la viveza de los colores realzan el ambiente festivo de la escena, subrayando la atmósfera despreocupada y serena de este momento de la vida popular. La obra se presenta en un marco de época.