PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN - Page 2

Huile sur toile. Dans un paysage italien, la scène est centrée sur un groupe de personnes du peuple qui tentent de fuir la ville assiégée et incendiée, transportant leurs marchandises sur une charrette et menant le petit troupeau. Cependant, un petit groupe de soldats ennemis les poursuit et tente de les arrêter, armes au poing. Au dos du cadre, une inscription au crayon attribue l'œuvre à Jan Both (1618-1652), peintre hollandais surtout connu pour ses paysages italiens, souvent animés de personnages. Le tableau a été restauré et rentoilé par le passé. Il nécessite actuellement un nettoyage. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord du XVIIe siècle. Dans cette Sainte Famille, la figure centrale est Marie : assise au centre de la scène, elle tourne le visage vers sa gauche, vers Joseph, écoutant avec attention et concentration ce que son compagnon lui lit dans un livre. Pendant ce temps, les bras de la femme enveloppent tendrement d'un linge l'enfant Jésus, qui dort paisiblement dans le berceau, à la droite de sa mère. Le visage de l'Enfant est également illuminé et rayonne de sa lumière vers sa Mère. À l'arrière-plan, un paysage italien. Les personnages paraissent harmonieux et équilibrés dans les mouvements de leurs corps, et l'ensemble de la scène dégage une tranquillité et une sérénité domestique, très terrestres. Le tableau a été rentoilé au début du XXe siècle. Des traces de déchirures et de légères pertes de couleur sont visibles. Il est présenté dans un cadre doré du début du XXe siècle (perte de dorure).

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIIIe siècle. Au dos figure un cartouche manuscrit, daté de mai 1835, indiquant plusieurs familles importantes (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) du nord de l'Italie, probablement propriétaires de l'œuvre. Le tableau représente un paysage nordique, une campagne plutôt aride, traversée par un cours d'eau ; un sentier, emprunté par des voyageurs, mène au village au pied de la colline. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque, présentant plusieurs manques.

Mère avec Enfant

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Au dos, un cartouche d'authentification de « Meeting Art Roma » indique les données de l'œuvre et un cachet de provenance du « Centro Artistico Mercurio, Milan ». Giuseppe Migneco, originaire de Messine mais installé à Milan dans sa jeunesse, fut l'un des principaux représentants, avec Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari et Renato Guttuso, du groupe Corrente, ouvert aux avant-gardes artistiques européennes. Privilégiant une peinture engagée, il explore la réalité avec un regard critique, objectif et historique. Ses personnages aux visages durs et carrés, marqués par un travail acharné et rendus par des tons vifs et forts, évoquent sa Sicile aux traits violents et nets, mais aussi le réalisme social des muralistes mexicains. Dans cette œuvre apparaissent ses personnages caractéristiques (qui pourraient appartenir à la fois à la Sicile et au Mexique !) engagés dans une activité très prosaïque et réaliste de la vie quotidienne populaire, à savoir une mère qui peigne et nettoie la tête de son fils, probablement infestée de parasites. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord du XVIIIe siècle. Près d'un petit groupe de bâtiments, le long du chemin de terre, se déroule une scène de la vie populaire, animée par divers personnages : au premier plan à droite, deux chasseurs offrent leur proie et des fruits à une femme enceinte, qui voyage à cheval accompagnée de son compagnon ; à l'arrière-plan, deux femmes assises par terre se reposent avec leurs enfants, l'une des deux allaitant ; et à nouveau des groupes de personnes discutent, tandis que d'autres grimpent sur les meules de foin couvertes sous la grange. Les personnages se distinguent par les couleurs vives de leurs vêtements sur un fond presque monochrome aux tons terreux, les bâtiments se fondant dans le paysage plat et aride. Le tableau, toujours sur la première toile, présente une petite déchirure au dos. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Paysage avec Figures et Four à Pain

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. La vue de paysage montre au premier plan un chemin de montagne qui mène à un four à pain, où une femme prépare des fagots de bois pour le feu, tandis qu'un voyageur s'approche à dos d'âne ; dans la vallée le viaduc sur la rivière qui mène au village, surmonté d'autres pics arides. Micheroux, appartenant à l'école Posillipo, ou à l'école d'artistes napolitains du XIXe siècle dédiée à la peinture de paysage, a créé plusieurs aperçus de l'arrière-pays de la Campanie, mais il reste peu de sa production et on sait peu de choses sur sa vie. La peinture a quelques petites gouttes de couleur. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIIIe siècle. Au dos figure un cartouche manuscrit, daté de mai 1835, indiquant plusieurs familles importantes (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) du nord de l'Italie, probablement propriétaires de l'œuvre. Le tableau représente un paysage nordique, avec des pics rocheux visibles à gauche, dans lesquels s'insèrent des ruines architecturales, et des figures de voyageurs passant à proximité. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Sous un ciel bleu, un grand paysage plutôt aride est représenté, à l'orée d'un bois s'ouvrant sur une vallée rocheuse, avec une rivière coulant entre les rochers et des sommets enneigés en arrière-plan ; au premier plan, dispersées, quelques figures de bergers avec leurs troupeaux. Sur le châssis au dos de l'ouvrage, un cartouche fait référence à Poussin, l'artiste représentant le classicisme du XVIIe siècle dont les méthodes picturales ont inspiré l'auteur du tableau. Le tableau, rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans un paysage plutôt aride, avec des ruines architecturales à gauche et des sommets enneigés en arrière-plan à droite, quelques bergers passent le long du chemin, conduisant leurs troupeaux de vaches, moutons et chèvres. Dans le cadre du paysage nordique, la teinte rosée du ciel et le caractère pastoral de la scène donnent cette atmosphère idéaliste typique de la peinture de paysage du XVIIIe siècle, où la satisfaction du sentiment prévalait plutôt que l'intention de transposition réaliste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Le paysage d'une campagne luxuriante, avec en arrière-plan une chaîne de montagnes aux pics acérés, est animé par la présence de trois blanchisseuses se rendant à la rivière avec des brouettes chargées de vêtements, tandis qu'un voyageur traverse le petit pont qui enjambe le ruisseau. L'œuvre est exécutée dans le style d'Antonio Peruzzini (1650-1724), probablement par l'un de ses élèves ou disciples. Peruzzini fut une figure clé de la peinture de paysage des XVIIe et XVIIIe siècles. Il partit d'une expression du XVIIe siècle pour aboutir à une interprétation du mouvement et de la couleur typiques du rococo, utilisant des tons plus clairs et plus vifs et insufflant une certaine vitalité à ses peintures. L'utilisation de la couleur est particulière, notamment dans les hachures des figures humaines, soulignées par d'épais coups de pinceau, qui les font émerger du paysage au premier plan. Le tableau, restauré et rentoilé par le passé, est actuellement en bon état. Il est présenté dans un cadre de style.

Huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Au centre de la scène, dans un paysage luxuriant, se trouve un berger et son troupeau de moutons, saisis dans un moment de repos ; derrière eux, la ferme et l'écurie. Au dos, une étiquette de collection est apposée et la mention «Tedesco » (Allemand) est manuscrite sur le cadre, probablement pour indiquer la provenance. Le tableau est présenté sur la première toile, avec son cadre d'origine et son cadre contemporain, redorés.

Le déjeuner des Fraticelli

Huile sur toile. Ecole génoise du XVIIIe siècle. A l'intérieur d'une grande salle aux fenêtres cintrées ouvrant sur la rue, un groupe de frères assis par terre partage un repas simple, posé sur un drap blanc. La scène fait référence à la sphère d'Alessandro Magnasco dit Lissandrino (1667 -1749), un artiste génois considéré comme l'un des peintres les plus originaux du XVIIIe siècle italien, qui se distingua dans la peinture de genre populaire et, en particulier, dans la production de des scènes de la vie des frères capucins ou camaldules engagés dans les activités les plus variées, d'étudier dans la bibliothèque de la confession, du travail des affûteurs ou des charpentiers dans les ateliers du couvent au simple souvenir autour du feu: dans ces œuvres que vous pouvez apprécier tout la liberté d' expression de pinceau de l'artiste. se déplace sur la toile avec des touches rapides pour décrire des flammes, des cheminées, des chats, des livres, des chiens, pauvres bols, des verres, des livres, des pauvres vêtements rapiécés, des chaises et des tabourets, bref, un monde quotidien tout des gestes et des choses construites avec une technique très particulière et unique, faite d'un mélange de couleurs vives et presque tous joué sur monochrome, sur lequel quelques coups, habiles de lumière descendent pour donner forme et Consis tence aux figures osseuses des moines. L'auteur de l'œuvre proposée ici a certainement été formé dans la région de Magnasco et s'est inspiré de son style, bien qu'il soit plus posé, sans les éclairs et la liberté d'interprétation, souvent irrévérencieuse ou ironique, envers les figures des frères ; il a su reprendre le jeu des clairs-obscurs, des lumières et des ombres, qui découlent d'un monochrome aux nuances de bruns, créant toujours une œuvre d'une excellente qualité picturale. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Repos pendant la fuite en Égypte

Huile sur toile. XVIII -XIX siècle. Le thème sacré dans cette scène prend une connotation familière, pleine de tendresse et d'intimité très terrestres : dans un contexte presque exotique, qui évoque une oasis dans le désert pour les palmiers et une source d'eau dans un paysage aride et vallonné, dénudé, Joseph et Marie s'assoient pour se reposer pendant leur fuite en Égypte, pour échapper à la persécution d'Hérode ; la mère tient tendrement l'enfant Jésus sur ses genoux, le regarde tendrement et l'emmaillote, tandis que Joseph les observe satisfaits et détendus. Toute la scène est caractérisée par la dominance des couleurs brun-ocre, dont seule la robe de Maria diffère, dans ses couleurs bleues et rouges traditionnelles ; en arrière-plan, un ciel clair aux couleurs d'une aube qui vient de se lever, avec des nuances de rose. La toile a été appliquée sur un châssis neuf du milieu des années 1900 et placée dans un châssis de la même époque, qui présente quelques défauts.

Huile sur toile. École hollandaise, fin du XIXe siècle. Signature et date non identifiées de 1880 en bas à gauche. Plaque métallique sur le cadre portant l'inscription « Ashelard Holland 1880 ». Le paysage, une vaste campagne cultivée aux pentes douces, est traversé par un ruisseau navigué par quelques bateaux ; sur la rive gauche, un petit groupe de maisons avec une petite église ; des passants se croisent sur le chemin. Toujours sur la première toile, le tableau est présenté dans un cadre redoré du début des années 1900.

Huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Le vaste paysage nordique, riche en végétation, est traversé par un petit ruisseau, le long duquel, au premier plan, un troupeau de vaches s'abreuve ; en particulier, le berger, agenouillé sur la berge, récite une prière ; deux autres voyageurs non loin l'observent. Au dos, un cartouche de collection et la mention « Allemand » manuscrite sur le cadre, probablement pour indiquer la provenance. Le tableau est présenté sur la première toile, avec son cadre d'origine et son cadre contemporain, redorés.

Pian Rosa

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Au dos, une signature au crayon et la localisation du Pian Rosa. Le titre identifie le grand glacier visible en arrière-plan, dans la brèche qui s'ouvre entre les plantes de la plaine face à la chaîne alpine. Le Pian Rosa (ou Plateau Rosa) est un glacier situé dans le Valais suisse, dans les Alpes pennines, juste au-delà de la frontière italo-suisse, dans le massif du Cervin. Luigi Comolli, artiste milanais, s'est distingué par ses paysages, principalement du nord de l'Italie, et par ses natures mortes. L'influence impressionniste se retrouve dans ses œuvres, inspirées de son parcours de jeunesse à Paris. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Aperçu de la Campagne Boisée

Huile sur panneau dur. Signé en bas à droite. Au dos, signature au crayon et indication de la localisation : Oleggio Castello, petite ville de la province de Novare. Luigi Comolli, artiste milanais, s'est distingué par ses paysages et ses natures mortes. Ses œuvres témoignent de l'influence impressionniste, puisée dans son expérience formatrice à Paris durant sa jeunesse. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications de matière et de plaque. Au dos se trouve une étiquette d'un service de transport d'art parisien, avec le nom de l'artiste : les œuvres d'ORAZI ont participé à de nombreuses expositions dans la capitale française, tant personnelles que collectives. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. Ces œuvres font souvent référence à l'activité volcanique et à la matière qu'elle produit, parfois exprimées par des titres tels que « Coulée de lave », « Sables volcaniques », « Plages volcaniques ». L'œuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. Signé en bas à droite. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Jehovah Ordonnant de sa Main Puissante une Famille Cosmique, 1970

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Dans la phase picturale abstraite d'ORAZI, sa forte inclination à créer des formes circulaires, souvent nouées ou concentriques, s'exprime souvent. Cette tendance devient centrale dans la phase picturale des années 1970-1977, appelée Ligne Circulaire, dans laquelle il abandonne les créations en relief et la référence aux formes et aux événements impressionnants de la nature, pour représenter à la place la dimension harmonieuse de l'univers, la naissance et le mouvement des planètes, l'immensité du firmament. Les couleurs s'adoucissent, elles sont riches et en même temps tendres. Dans certaines peintures, ORAZI dépeint également de fascinantes représentations de la Terre Mère embrassant ses créatures (insectes, oiseaux, fleurs) ou de la Lune. Ou comme dans cette œuvre, il exprime une référence directe dans le titre à la création divine, représentant « Dieu qui ordonne la famille cosmique avec sa main puissante ». L'œuvre provient de la collection familiale de l'artiste. Il est présenté dans un cadre.

Le Buveur

Huile sur toile. Le tableau rappelle dans son style pictural et son sujet la production de Giacomo Francesco Cipper, dit Todeschini, un artiste d'origine autrichienne établi à Milan. Il était spécialiste des scènes de marché, des concerts en plein air, des joueurs de cartes, des scènes de la vie quotidienne humble créées avec un forçage caricatural rieur et une recherche d'effet comique. Comme dans cette œuvre, qui représente un roturier, déterminé à boire du vin : malgré la misère qui transparaît de ses vêtements, l'homme apparaît joyeux et rieur, peut-être à cause d'une consommation excessive d'alcool, pour représenter non pas la désolation mais la vitalité et le plaisir de la vie quotidienne, aussi misérable soit-elle. Le tableau a été restauré et rentoilé et présente, au dos du cadre, un petit cartouche avec les détails de la restauration effectuée. Il est présenté dans un cadre ancien remis à neuf.

Tête-Paysage 1970 ca.

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le tableau appartient à la production d'ORAZI de 1970 à 1977. Dans cette phase, l'artiste abandonne complètement la peinture abstraite et en relief et revient à la peinture figurative, rendue cependant avec des lignes simplifiées et déformées. Il a créé notamment la série intitulée Lignes Circulaires et celle à laquelle appartient cette œuvre, les tableaux dits Têtes-Paysage, dans lesquels il crée des compositions qui figurent de mystérieuses têtes humaines ou celles de faunes et de figures mythologiques (parfois accompagnées de leurs compagnons insectes) : les lignes, dans ces tableaux, s'entrelacent pour former simultanément des compositions, des entrelacs de corps, ou comme dans cette œuvre, cachent une tête ou un visage, souvent « faunique ». L'œuvre provient de la collection privée de la famille de l'artiste.