PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN - Page 2

Paysage de Rivière avec Figures

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Ivan Karpoff, d'origine russe mais élevé et établi comme artiste en Italie, s'est fait connaître grâce à ses peintures, qui s'inspiraient du réalisme impressionniste italien de la fin du XIXe siècle ; il se consacrait principalement aux paysages et aux portraits. Dans cette œuvre, il dépeint un aperçu d'une campagne plate traversée par une large rivière ; une femme et son enfant marchent sur le sentier qui la longe. Encadrée.

Portique avec figures

Huile sur carton. Signée en haut à droite. Gregorio Mariani est surtout connu pour ses gravures d'antiquités romaines, mais il s'est également imposé comme peintre de scènes de genre, représentant souvent des personnages d'époque, et comme portraitiste. Dans cette œuvre, marquée par une influence impressionniste par ses nuances de couleurs et ses jeux de lumière, il dépeint une scène de la vie urbaine du XVIIIe siècle : de nombreux personnages, dont on aperçoit les robes fluides des femmes, déambulent sous un haut portique, dont les arches laissent entrevoir la mer, sillonnée de navires. L'œuvre est présentée dans un cadre en bois contemporain.

Invasion 1996

Acrylique et sable sur toile. Titre, signature et date au dos. L'œuvre de Ferrari s'est entièrement développée autour du signe, traversant différentes phases d'interprétation. Cette œuvre appartient à la période postérieure à 1995, où la linéarité du signe cède la place au chaos, où les formes se rencontrent et s'entrechoquent librement sur la toile, et où l'écriture utilisée jusqu'alors se disperse dans toutes les directions. Le signe, totalement libre de toute superstructure, s'exprime pleinement, se manifestant de manière dynamique sur toute la surface du tableau. Ces œuvres sont réalisées avec du sable noir d'Otrante, un matériau qui permet à Ferrari d'exprimer toute la théâtralité du signe et qui représente encore aujourd'hui l'élément fondamental de sa peinture : à travers le sable, le signe trace son chemin dans l'espace du tableau et au-delà.

Technique mixte sur toile. Signée en bas à droite. Après sa phase initiale futuriste, la peinture de Sordini laisse la matière prendre le dessus et se raréfie progressivement. Son intérêt pour le signe grandit et se précise : un signe fin et dépouillé, primaire mais sinueux, décliné dans une palette douce, délicate, presque impalpable. Sordini « utilise une technique entièrement graphique pour créer sur la toile des traces de couleur rares et subtiles, dominées par une teinte unique, qui évoquent des images anthropoïdes filamenteuses. »

Huile sur toile. École toscane du XVIIIe siècle. La grande scène raconte l'histoire tragique d'Apollon et de Daphné, racontée dans les Métamorphoses d'Ovide. Selon le mythe, le dieu Apollon, après s'être moqué de Cupidon, est frappé par lui d'une flèche d'amour, ce qui le rend amoureux de la nymphe Daphné, qui est à son tour frappée d'une flèche de plomb capable de mettre fin à leur amour. Apollon, touché par la flèche, tombe éperdument amoureux de Daphné et court vers elle, mais la nymphe repousse le dieu et s'enfuit. Pour éviter d'être capturée, Daphné demande à son père Pénée, dieu éponyme du fleuve Pénée, de la transformer afin qu'elle n'ait pas à se soumettre à Apollon. Pénée écoute sa requête et, alors qu'Apollon s'apprête à la capturer, Daphné se transforme en laurier, plante qui devient dès lors sacrée pour le dieu. L'œuvre présente des similitudes avec le style pictural de Giuseppe Zocchi (1711-1767), dont l'artiste s'est probablement inspiré notamment pour la représentation des arbres et de la végétation. La toile présente plusieurs manques de peinture, notamment dans le coin inférieur gauche, et une série de trous (de tailles variables sur les bords et au centre) causés par des clous de renfort. Encadrée.

Scène de Campagne avec Personnages

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. La scène représente un groupe de paysans, hommes et femmes, cueillant des paniers de fleurs, jouant de la musique et dansant au son de la cornemuse et du tambourin, certains en profitant pour flirter. Il s'agit donc d'une fête populaire à la campagne, un sujet de prédilection de Barucci, peintre romain qui a principalement représenté la vie quotidienne à la campagne. Son amour quasi universel pour la nature – les aspects les plus authentiques, arides et réalistes de la campagne et des faubourgs romains – l'a conduit à devenir l';un des principaux représentants du style rustique. La luminosité et la vivacité des couleurs renforcent l'atmosphère festive de la scène, soulignant l'insouciance et la sérénité de ce moment de la vie populaire. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

La Sainte Famille

Gravure sur papier. Le sujet est basé sur un dessin du Guerchin (1591-1666), qui lui a consacré de nombreuses œuvres. Encadrée.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Peinture à l'huile sur toile. D'une saveur bucolique et sereine, la scène se déroulant dans la campagne en bordure du village que l'on aperçoit sur la gauche, voit une femme et son fils qui, près d'un ruisseau, attendent le berger avec son troupeau avec un panier repas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Paysage avec Rivière 1906

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'artiste d'origine romaine Cesare Maggi s'est imposé comme un peintre paysagiste pointilliste, représentant des paysages alpins de l'Engadine et de la Vallée d'Aoste, souvent animés par l';inclusion de personnages et d'animaux. Devenu ami du peintre Giacomo Grosso à Turin en 1901, il s'oriente alors avec succès vers le genre du portrait, délaissant la technique pointilliste. Tout en privilégiant toujours les vues de haute montagne, il élargit ses sujets en s'engageant également dans les marines et les natures mortes. Dans cette œuvre, toujours de la première période, Maggi dépeint un aperçu de la campagne traversée par une rivière calme, bordée de rangées d'arbres dénudés et de petites collines herbeuses, derrière laquelle dominent les fermes : déjà plus liées aux techniques divisionnistes, les l'œuvre est plutôt caractérisée par des mélanges de couleurs denses et opaques, dans lesquels la terre, l'eau et les fermes se superposent dans un continuum rompu uniquement par la bande de ciel au-dessus. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Paysage avec Figures

Peinture à l'huile sur toile. La grande composition propose un paysage avec un grand arbre au centre. surmonter de ses branches clairsemées la campagne en contrebas, traversée par un ruisseau et animée par diverses figures de roturiers occupés à l'activité ou au repos ; en haut à droite se dresse une forteresse qui domine la vallée. Déjà attribué à Peruzzini des Marches, le tableau remonte certainement à son entourage, en raison des traits picturaux rapides et mal agrégés. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, subissant l'influence de Salvator Rosa et de peintres paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences lui sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, surtout de Pieter Mulier dit il Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé au début des années 1990, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé ; à partir de cette période sa peinture semble s'effondrer, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour finalement arriver à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile, appliquée sur panneau dur dans la seconde moitié des années 1900. La peinture reprend les voies picturales du XVIIIe siècle, avec une découpe décorative. Dans un paysage paisible, avec une structure architecturale sur la droite et la vallée verdoyante avec la rivière qui s'ouvre sur la gauche, deux personnages marchent le long du chemin, une femme avec son paquet de vêtements et le voyageur avec une sacoche et un bâton. L'œuvre est présentée sous forme de chronique.

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

La Coupe de Cheveux

Tapisserie sur toile. La scène, qui se déroule au XVIIIe siècle, représente une dame riche et parée de bijoux prenant le thé avec une amie, tandis qu'un valet se tient derrière elle, prêt à lui couper sa longue queue de cheval. La scène, probablement allégorique, met également en scène un chérubin ailé saisissant une mèche de ses cheveux coupés, tandis qu'un autre s'élève en voletant. La toile nécessite une restauration en raison de déchirures et d'une perte de couleur évidentes. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Lecture de la Lettre

Tapisserie ancienne. La scène, qui se déroule au XVIIIe siècle, représente une dame riche assise à sa coiffeuse, lisant une lettre, tandis que sa servante lui offre des bijoux. Quelques chérubins planent au-dessus, conférant à la scène une signification allégorique. La toile nécessite un nettoyage. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

École de Luca Giordano

Huile sur toile. École de Luca Giordano. La scène représente la conversion de saint Paul, telle que relatée dans les Actes des Apôtres. Alors qu'il se rendait à Damas pour persécuter les chrétiens, Saul (son nom avant sa conversion), juif mais citoyen romain, fut soudain enveloppé d'une lumière divine et entendit la voix de Jésus lui demander pourquoi il le persécutait. Cet événement le conduisit à se convertir au christianisme, prenant le nom de Paul et se consacrant à la diffusion de l'Évangile. Saul est représenté tombant de son cheval, renversé, tandis qu'un rayon de lumière l'éblouit, provenant de la nuée sur laquelle le Christ est assis, entouré d'anges. Autour de Paul, les soldats romains et son entourage sont agités, incompréhensibles. Les nombreuses figures, humaines et animales, s'entremêlent et se superposent avec un grand dynamisme, soutenu par des couleurs vives et vibrantes. Le style de l'œuvre rappelle celui de Luca Giordano (1634-1705), artiste prolifique du XVIIe siècle qui transposa en peinture les concepts baroques modernes avec une imagination et une créativité remarquables, s'inspirant du naturalisme du Caravage et l'infusant de nouvelles tendances baroques. Son œuvre abondante a donné naissance à un large groupe de peintres mineurs, qui ont adopté son style. Le tableau a été rentoilé dans la seconde moitié du XIXe siècle. Il présente une perte de couleur en bas à droite. Il est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

In Nome della Pace sulla Terra 1969

Huile sur toile. Signature, titre et date en cyrillique au dos. Viktor Petrovich Rudametkin est un artiste ukrainien reconnu comme paysagiste et coloriste. Dans cette œuvre, usant de sa palette vibrante caractéristique, il représente une paysanne au milieu d'un champ de tournesols, symbole de vie et de paix, contrastant avec les images d'avions militaires filant dans le ciel. Créée pendant les années où l'Ukraine était sous l'Union soviétique, cette image peut être considérée comme un appel à la paix et un message d'espoir pour la terre natale de l'artiste, encore déchirée par le grave conflit avec la Russie.

Peinture à l'huile sur toile. L'aperçu côtier, près d'une crique rocheuse où coulent des eaux torrentielles, voit des personnages au débarcadère des navires, prêts à accueillir les bateaux qui s'approchent ; au loin le profil de la ville. Restauré et rentoilé, le tableau présente des salissures généralisées notamment en correspondance avec le ciel. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIIe siècle. Le paysage, situé sur les rives d'une large rivière, voit au centre des figures de paysans occupés à cueillir des fruits sur un arbre : une fille tient l'échelle tandis que le garçon coupe un régime, à gauche un autre couple place les fruits ramassés dans une baignoire. Tout autour une vaste campagne verdoyante et quelques mas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Paysage d'hiver

Caryons couleurs sur papier appliqués sur toile. Signé en bas à gauche. Le grand paysage est complètement dominé par le jeu de la couleur : divisé en deux hémichamps donnés par le ciel et la terre (un terrain montagneux où poussent sporadiquement des sapins), il voit prévaloir le bleu rosé du ciel, sous le bleu verdâtre de la neige au sol, deux nuances d'une même gamme de couleurs qui se rejoignent ensuite dans l'horizon des montagnes. Cinotti était un peintre paysagiste représentant du divisionnisme italien, dont la peinture se caractérise par une application matérielle et pâteuse avec des touches de couleur spatulée. Dans un cadre contemporain.

Marqueterie réalisée avec divers bois. Elle représente un violoncelliste en costume du XVIIIe siècle. Francesco Ferrario était un ébéniste accompli, influencé par les mouvements néoclassique et Art nouveau. Formé au dessin à l'Académie de Brera, après avoir collaboré avec les plus grands artistes de l'époque, il ouvrit un atelier à Milan, d'abord via Tenca, puis en 1927 corso Sempione. Une étiquette au dos de l'œuvre la situe parmi les ateliers de ce dernier. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque. Une version de cette œuvre figure dans la monographie de Bianca Tosatti, « I Ferrario maestri di tarsia », publiée en 2000.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie du tableau éponyme de Giulio Cesare Ferrari (1818-1899), peint en 1863 et acquis quelques années plus tard par la Pinacothèque de l'Académie de Bologne. Le tableau représente une scène du roman de Victor Hugo « Notre-Dame de Paris » : Esmeralda, une jeune gitane enchanteresse par sa beauté et sa danse, est persécutée par l'archidiacre Frollo en raison de son obsession et enfermée dans la tour de la cathédrale parisienne, où elle est toutefois aidée par le sonneur de cloches bossu Quasimodo. Dans la scène, la jeune femme est blottie dans une cellule étroite et sombre, accompagnée de son inséparable chèvre. L'œuvre s'inscrit dans le mouvement de la peinture historico-littéraire qui s'est développé au XIXe siècle parallèlement au romantisme et au réalisme, et se caractérise par la représentation de scènes historiques et littéraires, souvent dans un esprit de célébration et de commémoration. L'exemplaire proposé ici, de bonne facture et datable peu après l'original, est présenté dans un cadre de style milieu du XXe siècle, contemporain de la restauration et du rentoilage de l'oeuvre.

Scène de Genre à la Cour

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Antonio Zavaga était un peintre italien des XIXe et XXe siècles, spécialisé dans la peinture de style XVIIIe siècle, représentant principalement des scènes galantes et de salon. La scène de cette œuvre se déroule également dans une riche salle du XVIIIe siècle : une dame et un monsieur assis à une table jouent aux échecs, tandis que la dame d'honneur apporte le thé et qu'un autre monsieur observe la scène avec amusement. L'œuvre est présentée dans un cadre peint de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.

Huile sur toile. La scène correspond à une station du Chemin de Croix, durant laquelle Jésus tombe sous le poids de la lourde croix qu'il porte sur ses épaules en montant vers le Golgotha. Le Christ, penché au sol, le regard bas et triste, est poursuivi par les gardes qui le poussent avec les bâtons de leurs lances, tandis que l'un d'eux le tire avec la corde qu'il a nouée autour de sa taille ; un roturier regarde Jésus affligé, tandis qu'il soutient le lourd bois. Le tableau présente des traces de restauration antérieure et a été rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.