PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 2

Copia de David Teniers II

Óleo sobre tabla. El cuadro es una copia revisada de la famosa obra de David Teniers el Joven (1610-1690), realizada entre 1634 y 1640 y actualmente conservada en el Museo del Prado de Madrid. El título de la animada escena hace referencia a la llamada Noche de Reyes, celebración correspondiente a la Epifanía, precisamente doce días después de Navidad, que era la última noche de celebraciones, en la que se podía beber sin límites, dedicarse al amor, al intercambio de pareja y de género, una especie de carnaval, durante el cual se elegía al Rey del Desgobierno (literalmente el rey del Desgobierno), un gobernante al revés que imponía sus leyes, subvirtiendo normas y comportamientos. Esta obra, como muchas otras de Teniers, tuvo tal éxito ligado a los numerosos encargos de reyes y aristócratas durante el siglo XVIII, que indujo una gran producción póstuma de copistas, muchos de los cuales incluso firmaron con el nombre del artista. El cuadro que aquí se presenta presenta varias pérdidas de pintura, a subsanar. Se trata de un marco de finales del siglo XIX, adaptado al tamaño.

El antiguo Triskelion 1997

Técnica mixta sobre tabla. Firmado y fechado abajo a la derecha. En el reverso además firma, fecha y título. Impulsado por una intensa curiosidad intelectual que ha caracterizado cada momento de su experiencia, no sólo creativa, sino también humana y profesional, el artista anconense Giorgio Villa ha desarrollado sus propios principios de pensamiento y de acción, sobre bases rigurosas de un enfoque científico-matemático, alimentado por una profunda inspiración poética y un arraigado sentido de la belleza. La búsqueda de un camino a seguir, libre de patrones o ataduras culturales, caracteriza su arte; Villa se mueve en la esfera de la imaginación, los sentimientos y la poesía de las imágenes. Cada obra es el resultado de una inspiración reflexiva, momento a momento, dejando espacio para la reflexión, para un gesto reflexivo, analizando las relaciones entre el espacio y la materia, entre los colores y la forma, para identificar la síntesis perfecta, que hace que una obra de arte sea única e irrepetible. En esta obra Villa representa el Triskelion, o el antiguo símbolo formado por tres espirales unidas en un punto central, más generalmente tres espirales entrelazadas, o, por extensión, cualquier otro símbolo con tres protuberancias y una triple simetría rotacional.

Medallones impresos sobre placas de cobre. Los ocho medallones proceden de la serie de medallas de "Hombres Italianos Ilustres". Estos ocho en particular representan los perfiles de ocho hombres ilustres del mundo del arte y de la ciencia: Antonio Allegri conocido como Correggio, Andrea Appiani, Benvenuto Cellini, Andrea Palladio, Scipione Maffei, Galileo Galilei, Francesco Guicciardini y Girolamo Vida. Están montados sobre un panel de cartón recubierto de terciopelo y enmarcados en un marco de época.

Retrato de Lord Wood de Inchyra

Óleo sobre lienzo. En el reverso figura una cartela con la atribución y el título de la obra. Sir John Watson Gordon se consagró como retratista, realizando retratos de muchos ingleses ilustres a lo largo de su vida y convirtiéndose también en pintor de corte. El noble aquí retratado pertenece a la casa Wood de Inchyra, localidad de Perthshire, en Escocia. El cuadro se presenta enmarcado.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII. En el reverso, cartela de coleccionista. En un paisaje montañoso de rocas y manchas de árboles, por encima de un pequeño pueblo a la izquierda, un arroyo fluye formando una cascada espumosa; en las orillas, algunas figuras de campesinos en tránsito o conversando; a la derecha, un pájaro de cola larga se posa en un arbusto seco. Al fondo, las colinas se difuminan en un cielo espeso de nubes. El cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana de finales del siglo XVII-principios del XVIII. Dentro de un gran paisaje clásico, rico en vegetación y con una atmósfera sonrosada, se encuentra un pequeño puñado de soldados: algunos de ellos, apoyados en una roca que domina un curso de agua, observan cómo uno de ellos se baña, después de haber colocado su armadura en el agua. Se presentó en una subasta Lempertz en 2017 con una atribución a Andrea Locatelli (1695 -1741) y una estimación de 7/9.000 euros. Los modos pictóricos de la obra parecen más cercanos a los de Marco Ricci (1676 -1730), que también fueron ampliamente retomados por otros artistas de la zona del Véneto. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVII. La escena, ambientada de noche en el jardín de una villa, cuya fachada ornamentada se vislumbra a la derecha y en la que destaca la fuente de la que manan una estatua desnuda, bajo un cielo oscuro oscurecido aún más por densas nubes, muestra a dos figuras que conversan: un anciano vestido modestamente amonesta severamente a un joven sentado, ricamente vestido, que parece hacer el gesto del mea culpa con la mano. La fisonomía y los gestos de las dos figuras, junto con el estilo de su indumentaria, parecen remitir al filósofo Aristóteles, que fue llamado a la corte macedonia para ser tutor del joven Alejandro, el futuro rey más tarde conocido como Alejandro Magno. Según cuenta Plutarco en sus «Vidas paralelas», el joven Alejandro fue un alumno brillante, tanto que también fue iniciado en las doctrinas aristotélicas más profundas y esotéricas, de donde deriva el halo de misterio y profunda interioridad que transpira la obra que aquí se presenta. El cuadro ha sido restaurado y reencuadrado. Se presenta en un elegante marco. El cuadro, restaurado

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. Esta obra devocional muestra a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sostienen sus vestiduras, siendo adorada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha, la joven vestida de príncipe, a cuyos pies descansa una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que sostiene al Niño Jesús puede identificarse con San Gaetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan con sus posturas y gestos para crear un movimiento casi circular. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo redecorado a principios del siglo XX, al que le faltan varias piezas (necesita restauración).

Sin Título 1958

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. La obra, de fuerte impacto emocional, propone un fondo violeta casi monocromático, en el que se intercalan unos trazos en blanco y negro para definir una silueta acurrucada a la izquierda, quizás una forma humana, recogida y cerrada sobre sí misma. Nacido en 1934 en Viareggio, donde aún vive, el pintor y escultor Mario Francesconi es considerado uno de los pocos supervivientes del dadaísmo, que desde finales de la década de 1950 atraviesa las estaciones del arte italiano y europeo en una búsqueda claramente personal de formas y técnicas. A partir de su primera exposición individual en 1959, desarrolla un camino artístico que pasa por diferentes fases, a menudo atribuibles a una pasión por los materiales pobres y reciclados. Su actividad artística se mueve entre las áreas de la pintura, la escultura, el collage y la instalación y bordea las áreas adyacentes de la poesía y la literatura, también gracias a amistades y relaciones profesionales con algunas de las figuras más significativas del mundo intelectual italiano de la segunda mitad. del siglo pasado, de Emilio Villa a Cesare Garboli, de Leonardo Sciascia a Mario Luzi, de Cesare Zavattini a Pier Paolo Pasolini, de Alfonso Gatto a Sandro Penna a Venturino Venturi. La obra se presenta en un marco.

Lápiz sobre papel. Abajo a la derecha, en ambos, la inscripción "Pietro Mulazzi disenò", con la fecha 1883. De un artista desconocido pero experto en el uso del lápiz, son los retratos de una pareja burguesa, cuyos rostros grises emergen claramente del fondo. de papel rojo. Se presentan en marcos dorados contemporáneos, con varios defectos (para restaurar).

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado homónimo de Annibale Carracci (1560 -1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Representa el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura que constituye un símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes. Dos figuras ejecutan el acto, el soldado romano y el judío, en representación de los dos pueblos que participaron en la condena a muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas las de los dos torturadores, más pálida e inerte la víctima, crean una composición entrelazada de cuerpos, con el central de Jesús que se une a los otros dos, uniéndolos en la responsabilidad compartida de lo que están haciendo; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío, a la derecha, le coloca en la mano la caña de bambú, que sustituye al cetro. La escena está dominada por colores oscuros y sombríos, entre los que sólo destaca el rojo vivo de la túnica de Cristo, símbolo de su humanidad sufriente. El cuadro ha sido restaurado y retocado. Se presenta en un bello marco coetáneo, al que le faltan algunas partes.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII. Las figuras, retratadas en primer plano de medio cuerpo, tienen en el centro a María sosteniendo al Niño Jesús; detrás de ellos, a la izquierda, está San José y debajo el pequeño Juan Bautista, vestido con pieles y portando el tradicional bastón con la cruz y el fajín con la inscripción «Ecce Agnus Dei». Las miradas de estas cuatro figuras se dirigen hacia la izquierda, donde aparece Santa Catalina de Siena, reconocible por su hábito dominico negro y sus atributos iconográficos, la corona de espinas, los estigmas y el lirio. Jesús extiende sus manos hacia ella, para estipular el matrimonio místico que caracterizaba a la santa. Restaurado y retocado, el cuadro presenta pequeñas pérdidas de color generalizadas. Se presenta en un marco reacondicionado del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Retrato de un noble, orgulloso, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada y vestido con un manto ribeteado de armiño. En la esquina superior derecha aparece el escudo de armas de su familia, que muestra un león rampante coronado de rojo que sostiene una espada; a lo ancho hay una banda con tres grupos de bolas dispuestas en forma de flor. Un león rampante similar se encuentra en el escudo de armas de algunas ciudades del centro de Italia, como Faenza. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de madera tallada y lacada coetánea.

Óleo sobre lienzo. De gran formato y contorno octogonal, el lienzo presenta un paisaje inscrito en un marco pintado con frisos, perteneciente a la categoría de la pintura del siglo XVIII concebida con fines decorativos. La escena está ambientada junto a un río, en cuyas orillas se alzan ruinas arquitectónicas de estructuras clásicas, que se elevan majestuosas sobre las figurillas de personajes populares que animan la escena. El cuadro, ya restaurado y retocado, presenta varios pequeños agujeros, caídas de color y manchas difusas.