PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 2

Óleo sobre lienzo. En un paisaje italiano, la escena se centra en un grupo de plebeyos que intentan escapar de la ciudad sitiada e incendiada, llevando sus mercancías en una carreta y guiando al pequeño rebaño. Sin embargo, un pequeño grupo de soldados enemigos los persigue e intenta detenerlos, armados. En el reverso del marco hay una inscripción a lápiz que atribuye la obra a Jan Both (1618-1652), pintor holandés conocido sobre todo por ser autor de paisajes italianos, a menudo animados por figuras. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Actualmente requiere limpieza. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. En esta Sagrada Familia, la figura central es María: sentada en el centro de la escena, gira el rostro hacia la izquierda, hacia José, escuchando atenta y concentrada lo que su compañero le lee. Mientras tanto, la mujer cubre con cariño con un paño al niño Jesús, que duerme plácidamente en la cuna, a la derecha de su madre. El rostro del Niño también está iluminado e irradia su luz hacia su madre. Al fondo, un paisaje italiano. Las figuras se muestran armoniosas y equilibradas en los movimientos de sus cuerpos, y toda la escena emana una tranquilidad y una serenidad hogareña, muy terrenal. La pintura fue reentelada a principios del siglo XX. Se aprecian rastros de desgarros previos y ligeras pérdidas de color. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX (pérdida del dorado).

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. En el reverso se encuentra una cartela manuscrita, fechada en mayo de 1835, que identifica a varias familias prominentes del norte de Italia (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani), probablemente propietarias de la obra. La pintura representa un paisaje nórdico, una campiña bastante árida atravesada por un arroyo; un sendero, por el que pasan varios viajeros, conduce al pueblo al pie de la colina. La pintura se presenta en un marco de época, con varias partes faltantes.

El Comber

Serigrafía texturizada sobre lienzo. Firmada en la parte inferior derecha. En el reverso, número de serie 21/99 y certificado de autenticidad de "Meeting Art Roma", aunque no es adecuado. Giuseppe Migneco, originario de Messina pero trasladado a Milán de joven, fue uno de los principales representantes, junto con Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari y Renato Guttuso, del grupo Corrente, abierto a la vanguardia artística europea. Defensor de una pintura socialmente comprometida, investiga la realidad con una mirada crítica, objetiva e histórica. Sus personajes, de rostros duros y cuadrados, marcados por el trabajo duro y representados en tonos brillantes y fuertes, evocan su Sicilia, con sus rasgos violentos y definidos, pero también el realismo social de los muralistas mexicanos. Esta obra presenta sus figuras características (¡que podrían pertenecer tanto a Sicilia como a México!) enfrascadas en una actividad muy prosaica y realista de la vida cotidiana: una madre peinando y limpiando el cabello de su hijo, ¡probablemente infestado de parásitos! La obra se presenta en un marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Cerca de un pequeño grupo de edificios, junto a un camino de tierra, se desarrolla una escena de vida popular, animada por diversas figuras: en primer plano, a la derecha, dos cazadores ofrecen su presa y algo de fruta a una mujer embarazada, que viaja a caballo acompañada de su compañero; al fondo, una pareja de mujeres descansa sentadas en el suelo con sus hijos, una de las dos amamantando; y de nuevo, grupos de personas conversan, mientras que otros suben a los almiares cubiertos bajo el granero. Las figuras destacan por los brillantes colores de sus ropas contra el fondo casi monocromático de tonos tierra, con los edificios mimetizándose con el paisaje llano y árido. La pintura, aún en el primer lienzo, muestra signos de un pequeño desgarro en el reverso. Se presenta en un marco de época.

Paisaje con Figuras y Horno de Pan

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La vista del paisaje muestra en primer plano un camino de montaña que conduce a un horno de pan, donde una mujer prepara los fardos de leña para el fuego, mientras un viajero se acerca a lomos de un burro; en el valle el viaducto sobre el río que conduce al pueblo, coronado por otras cimas áridas. Micheroux, perteneciente a la escuela Posillipo, o la escuela del siglo XIX de artistas napolitanos dedicados a la pintura de paisajes, creó varios atisbos del interior de Campania, pero poco queda de su producción y poco se sabe de su vida. La pintura tiene algunas pequeñas gotas de color. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. En el reverso, una cartela manuscrita, fechada en mayo de 1835, indica varias familias importantes (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) del norte de Italia, probablemente propietarias de la obra. La pintura muestra un paisaje nórdico, con picos rocosos visibles a la izquierda, en el que se insertan ruinas arquitectónicas, con figuras de caminantes que pasan cerca. La pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. Bajo un cielo azul se representa un paisaje amplio y bastante árido, con el lindero de un bosque que se abre a un valle rocoso, con un río que fluye entre las rocas y cumbres nevadas al fondo; en primer plano, figuras dispersas de pastores con sus rebaños. En el marco de la parte posterior de la obra, una cartela hace referencia a Poussin, artista representativo del clasicismo del siglo XVII cuya manera pictórica inspiró al autor del cuadro. El cuadro, retocado, se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y cumbres nevadas al fondo a la derecha, unos pastores, al frente de sus rebaños de vacas, ovejas y cabras, pasan por el camino. En el paisaje septentrional, el tono rosado del cielo y el carácter pastoril de la escena confieren esa atmósfera idealista típica de la pintura de paisaje del siglo XVIII, en la que prevalecía la realización del sentimiento más que la intención de transposición realista. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. El paisaje de una campiña rica en vegetación, con al fondo una cordillera de picos escarpados, se ve animado por la presencia de tres lavanderas que se dirigen al río con carretillas llenas de ropa, mientras un viajero cruza el pequeño puente que cruza el riachuelo. La obra está realizada al estilo de Antonio Peruzzini (1650-1724), probablemente por uno de sus alumnos o seguidores. Peruzzini fue una figura clave de la pintura de paisaje de los siglos XVII y XVIII, donde partió de una expresión del siglo XVII para llegar a una interpretación del movimiento y el color típicos del rococó, utilizando tonos más claros y brillantes e infundiendo una especie de vitalidad en sus pinturas. El uso del color es particular, especialmente en el sombreado de las figuras humanas, delineadas por gruesas pinceladas de tela que las hacen emerger en primer plano del paisaje. La pintura ya fue restaurada y reentelada en el pasado, y actualmente se encuentra en buen estado. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. En el centro de la escena, en un paisaje rico en vegetación, se encuentra un pastor con su rebaño de ovejas, retratado en un momento de descanso; tras ellos, la casa de campo con el establo. En el reverso, una etiqueta de colección y la palabra "German" escrita a mano en el marco, probablemente para indicar la procedencia. La pintura se encuentra en el primer lienzo, con el marco original y un marco contemporáneo, redorado.

El Almuerzo de Fraticelli

Óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. En el interior de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena recuerda la obra de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667 -1749), artista genovés considerado como uno de los pintores más originales del siglo XVIII en Italia, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la realización de escenas de la vida de frailes capuchinos o camaldulenses empeñados en las más variadas actividades, desde el estudio en la biblioteca hasta la confesión, desde el trabajo de cuchilleros o carpinteros en los talleres del convento hasta la simple meditación en torno al fuego: En estas obras, se aprecia toda la libertad expresiva de la pincelada del artista, que se desplaza por el lienzo con rápidos toques para describir llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, pobres cuencos, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en resumen, todo un mundo cotidiano de gestos y cosas construidos con una técnica muy particular e inconfundible, compuesta por una viva mezcla de colores interpretada casi en su totalidad en monocromo, sobre la que descienden unas pocas y hábiles pinceladas de luz para dar forma y sustancia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra que aquí se propone se formó sin duda con Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque aparece más posado, sin los destellos y la libertad de interpretación, a menudo irreverente o irónica, hacia las figuras de los monjes. Supo captar el juego de claroscuros, luces y sombras, que fluyen de una monocromía en tonos de marrón, produciendo una obra de excelente calidad pictórica. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Descanso en la Huida a Egipto

Óleo sobre lienzo. Siglos XVIII-XIX. El tema sagrado adquiere una connotación familiar en esta escena, llena de ternura e intimidad realmente muy terrenal: en un escenario casi exótico, que evoca un oasis en el desierto con sus palmeras y su manantial de agua en un paisaje árido y accidentado, José y María descansan sentados durante su huida a Egipto para escapar de la persecución de Herodes; la madre sostiene tiernamente al niño Jesús en su regazo, lo mira con ternura y lo envuelve en pañales, mientras José los observa complacido y relajado. Toda la escena se caracteriza por el predominio de los colores marrón-ocre, de los que sólo se aparta el vestido de María, en sus tradicionales colores azul y rojo; al fondo, un cielo despejado en los colores de un amanecer que acaba de despuntar, con tonos rosados. El lienzo fue aplicado sobre un bastidor nuevo de mediados del siglo XX y colocado en un marco de la misma época, al que le faltan algunas piezas.

Óleo sobre lienzo. Escuela holandesa, finales del siglo XIX. Firma y fecha de 1880 sin identificar en la esquina inferior izquierda. Placa metálica en el marco con la inscripción "Ashelard Holland 1880". El paisaje, una vasta campiña cultivada con suaves pendientes, está atravesado por un arroyo, navegado por algunas embarcaciones; en la orilla izquierda, un pequeño grupo de casas con una pequeña iglesia; algunos caminantes se cruzan en el sendero. Todavía en el primer lienzo, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. El vasto paisaje septentrional, rico en vegetación, está atravesado por un pequeño curso de agua, a lo largo del cual, en primer plano, abreva un rebaño de vacas; en particular, el pastor que, arrodillado en la orilla, recita una oración; otros dos caminantes, no muy lejos, le observan. En el reverso hay una cartela de colección y la palabra «alemán» está escrita a mano en el marco, indicando probablemente la procedencia. El cuadro está sobre primer lienzo, con bastidor original y marco coetáneo dorado.

Rosa liso

Óleo sobre tabla. Firmado abajo a la derecha. En el reverso, otra firma a lápiz y la ubicación: Pian Rosa. El título identifica el gran glaciar visible al fondo, en la brecha que se abre entre la vegetación de la llanura frente a la cordillera alpina. Pian Rosa (o Plateau Rosa) es un glaciar situado en el Valais suizo, en los Alpes Peninos, justo al otro lado de la frontera italo-suiza, en el macizo del Cervino. Luigi Comolli, artista milanés, se distinguió por su pintura de paisajes, principalmente del norte de Italia, y por sus bodegones. La influencia impresionista se percibe en sus obras, provenientes de su formación en París durante su juventud. La obra se presenta enmarcada.

Vistazo al campo boscoso

Óleo sobre cartón. Firmado abajo a la derecha. En el reverso, a lápiz, se puede ver la firma y la ubicación de Oleggio Castello, un pequeño pueblo de la provincia de Novara. Luigi Comolli, artista milanés, se distinguió por sus paisajes y bodegones. Sus obras muestran la influencia impresionista, derivada de su experiencia formativa en París durante su juventud. La obra se presenta enmarcada.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de materiales. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de material y planchas. En el reverso figura una etiqueta de un servicio parisino de transporte de obras de arte, con el nombre del artista: las obras de ORAZI participaron en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la capital francesa. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a las composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, sobre todo naturales, como diminutos granos de arena, semillas, filamentos vegetales y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. En estas obras suele haber una referencia a la actividad volcánica y a la materia que produce, a veces expresada en títulos como «Flujo de lava», «Arenas volcánicas», «Playas volcánicas». La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de textura. Firmado abajo a la derecha. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Jehová Ordena que su mano dé poder a una familia cósmica, 1970

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la fase de pintura abstracta de ORAZI se manifiesta a menudo su fuerte inclinación a crear formas circulares, a menudo anudadas o concéntricas. Esta tendencia se convierte en central en su propia fase pictórica de los años 1970-1977, conocida como Ligne Circulaire, en la que abandona las creaciones en relieve y la referencia a las formas y acontecimientos impresionantes de la naturaleza, para representar en su lugar la dimensión armoniosa del universo, el nacimiento y el movimiento de los planetas, la inmensidad del firmamento. Los colores se suavizan, son ricos y a la vez tiernos. En algunos cuadros, ORAZI también plasma fascinantes representaciones de la Madre Tierra que abraza a sus criaturas (insectos, pájaros, flores) o de la Luna. O como en esta obra, expresa una referencia directa en el título a la creación divina, representando a «Dios ordenando la familia cósmica con su poderosa mano». La obra procede de la colección familiar del artista. Se presenta enmarcada.

El bebedor

Óleo sobre lienzo. El cuadro recuerda en su estilo pictórico y temática la producción de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini, artista de origen austriaco establecido en Milán. Era un especialista en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas, escenas de la vida cotidiana humilde creadas con una fuerza caricaturesca y una búsqueda del efecto cómico. Como en esta obra, que retrata a un plebeyo, empeñado en beber vino: a pesar de la miseria que se desprende de sus ropas, el hombre aparece alegre y risueño, quizá debido al exceso de bebida, para representar no la desolación sino la vitalidad y la diversión de la vida cotidiana, por miserable que sea. El cuadro ha sido restaurado y reentelado y presenta, en la parte posterior del marco, un pequeño cartucho con detalles de la restauración realizada. Se presenta en un marco antiguo restaurado.

Cabecera 1970 ca.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de 1970 a 1977. En esta fase, el artista abandonó por completo la pintura abstracta y en relieve y volvió a la figuración, representada sin embargo con líneas simplificadas y distorsionadas. En particular, realizó la serie conocida como Lignes Circulaires y la serie, a la que pertenece esta obra, de pinturas denominadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representaban misteriosas cabezas humanas o faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus insectos compañeros): las líneas de estas pinturas se entrecruzan para formar composiciones simultáneas, entrelazando cuerpos o, como en esta obra, ocultando una cabeza o un rostro, a menudo «faunístico». La obra procede de la colección privada de la familia del artista.