Paesaggio Boschivo con Fiume

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Il quadro è di dimensione notevole, probabilmente eseguito per una committenza di pregio. Eugenio Gignous si affermò come paesaggista, realizzando scorci soffusi di luci e atmosfere quasi impressioniste. L'opera è presentata in cornice della prima metà del '900.

Olio su tela. In basso a sinistra compare la firma G. Freye, che potrebbe ascrivere l'opera a Georg Hermann Freye (1844 -1921), artista di Dresda, noto soprattutto per opere a soggetto religioso o storico. La scena di genere riprende soggetti e modi della pittura olandese del XVII e XVIII secolo. Ambientata all'interno di un'abitazione privata, propone un pasto in famiglia, con il padre severo che parla al figlio, più scanzonato, sotto lo sguardo ridente e complice della madre. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela.. Sul retro è presente vecchia indicazione a matita del titolo "Campagna romana". Quadretto da Grand Tour, propone lo scorcio di un borgo popolare in cui sono inseriti i resti di colonne classiche; alcune figure animano la scena, mentre di sfondo si scorge una cittadina. L'opera è presentata in cornice in stile.

Pastore con Pecore

Inchiostro su carta. Firmata in basso a sinistra. L'artista napoletano Filippo Palizzi, definito anche "il pittore degli animali", è considerato un rinnovatore della pittura napoletana ottocentesca. Abbandonata la pittura accademica, al seguito delle contemporanee esperienze francesi, il Palizzi si dedicò allo studio dal vero, soprattutto nei soggetti più umili, quali piccoli paesaggi e quadretti di animali, realizzando opere di intenso verismo ma permeate da un'intima intonazione poetica. Si distinse soprattutto per la minuziosità esecutiva dei particolari dei soggetti ritratti. Ricorrenti nella sua produzione le mandrie con pastore, come in questo piccolo disegno. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Autore ignoto (in basso presente firma non coerente G. Induno). Scena di genere in interno di un alloggio piuttosto povero, in cui un anziano seduto sul suo letto accoglie l'abbraccio del nipotino in visita. La tenerezza del gesto di affetto e dedizione tra le due figure contrasta la miseria dell'alloggio. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Barche di Pescatori

Litografie a colori. Firmate a matita. Il pittore e incisore francese Guinegault realizzò molti scorci e paesaggi, sia di Parigi che delle coste del nord della Francia, spesso animati da figure di pescatori. Le due litografie sono presentate in cornici in bambù degli anni '60.

Adunata

Acquarello su carta. Firmato in basso a sinistra. De Albertis si dedicò al genere militare-patriottico con un ricco repertorio di battaglie, replicate in diverse varianti, che divennero progressivamente una sua specializzazione. In una seconda fase si avvicinò all' acquarello, ma nella sua produzione continuarono a prevalere i soggetti militari, spesso con protagonisti i cavalli. In questo acquarello, campeggiano difatti i due cavalli, sellati ma senza cavalieri, che rispondono al richiamo della tromba- appunto all' adunata - suonata dal cavaliere alla testa del drappello che si intravvede sulla destra. L'opera è presentata in cornice.

Acqueforti. In basso i nomi dell' incisore e del pittore. La serie, derivata da disegni di Giovanni Battista Piazzetta (1682 -1754), comprendeva quindici stampe, ed era titolata I" Dodici Apostoli ovvero Opera dipinta da Giambattista Piazzetta (1683 -1754) incisa da Marco Pitteri Veneto con Privilegio dell'Ecc.mo Senato". Agli undici apostoli (escluso il traditore Giuda) furono aggiunti il volto di Maria, l'immagine del Padre con lo Spirito Santo, e San Paolo. In questa serie manca la rappresentazione di Cristo. Le stampe presentano macchie e gore di umidità. Sono presentate in cornici del XVIII secolo in legno laccato, con vetri coevi.

Finto strappo d'affresco. Ad emulare un affresco antico è qui raffigurato il volto di Sant'Antonio Abate, riconoscibile da diversi suoi segni iconografici: è vestito del saio da frate con lo scapolare, regge un bastone a cui è attaccata la campanella utilizzata dai frati ed eremiti per annunciare il loro arrivo per la questua, e con la mano destra benedicente da cui fuoriesce una lingua di fuoco, simbolo al tempo stesso di malattia, punizione, ma anche di dominio degli inferi da parte del Bene. L'opera è incorniciata da listello.

Paesaggio

Olio su tavola Firmato in basso a destra. Luigi Comolli, artista milanese, si distinse per la pittura di paesaggio e le nature morte. Si ritrova nelle sue opere l'influenza impressionista, attinta dal suo percorso formativo a Parigi nella giovinezza. Opera presentata in cornice di metà '900.

La Venditrice di Erbe Mediche

Olio su tela. Africa occidentale. Il dipinto in stile naif raffigura una venditrice di erbe mediche, che con un cartello indica quali malattie guarisce. Questo tipo di dipinti, usati spesso come pubblicità per le bancarelle del mercato, rimandano ai valori tradizionali africani di maternità, fertilità e prosperità, ma trasposti in un contesto culturale contemporaneo.

Figure al Bar

Olio su tela. Firmato in in basso a sinistra. Al retro dichiarazione di autenticità autografata dall' artista. Influenzato nei suoi anni parigini dal contatto con l'Espressionismo, Fantuzzi ha posto nelle sue opere un marcato accento sull'espressione delle emozioni, degli stati d'animo. Domina nelle sue tele il colore nelle sue gamme più marcate, solitamente i toni freddi dei blu, dei verdi e dei viola, che creano contrasti a volte violenti. I temi principali di Fantuzzi sono la solitudine delle metropoli e la difficoltà di comunicazione nei rapporti interpersonali; spesso dipinge figure poco definite, volti privi di occhi. In cornice.

La Venditrice di Arance

Olio su tela. Africa occidentale. Il dipinto in stile naif raffigura una venditrice di arance all' interno di un mercato urbano. Questo tipo di dipinti, usati spesso come pubblicità per le bancarelle del mercato, rimandano ai valori tradizionali africani di maternità, fertilità e prosperità, ma trasposti in un contesto culturale contemporaneo.

Senza Titolo 1992

Tecnica mista su carta. Firmato in basso al centro. Al retro il timbro dell'artista con la firma e la data dell'opera. Caccioni, artista che è nato, si è formato e vive tuttora a Bologna, è uno dei protagonisti di una generazione che è giunta ormai ad una definitiva maturazione linguistica e occupa uno spazio di rilievo all'interno del panorama artistico contemporaneo. La sua ricerca utilizza principalmente materiali inconsueti come gli acetati, il pvc e, più recentemente, fondali scenici di opere teatrali dell'Ottocento, sui quali interviene dipingendo forme tratte da una memoria personale e dalle suggestioni provenienti da culture e periodi storici diversi. Elemento ricorrente nell'opera di Luca Caccioni è la scrittura, segno autosignificante che disegna l'opera ed è capace di raccontare pensieri; lavorando per sovrapposizione, le immagini sono costruite per addizione o sottrazione del colore sui vari supporti. Opera in cornice.

Olio su tela. Inizio '900. Il dipinto, di buona qualità, fu realizzato da un autore anonimo guardando alle opere di Vittorio Reggianini (1858 -1938), che ebbe enorme successo nel proporre scene di interno, da salotto, con signore o bambini intenti ad occupazioni quotidiane, spesso ricreative, come queste due dame che prendono il té chiacchierando amabilmente. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Olio su tela. L'opera, dipinta seguendo lo stile della pittura spagnola di inizio '600, è in realtà di fine '800. Ritrae una nobildonna che indossa la gorgiera, il colletto pieghettato, rigido e decorativo, tipico dell'abbigliamento sia maschile che femminile del XVI -XVII secolo. L'opera è stata precedentemente restaurata e ritelata. È presentata in cornice dorata di metà '800, inserita in ulteriore cornice più ampia del XX secolo.

Sole Produttore

Serigrafia, applicata su lastra di metallo. Firmata in basso a destra, il titolo in basso. Edizione 446/500. Il Sole è una tematica molto cara a Giò Pomodoro fin dagli anni '50, tematica che l'artista non ha mai abbandonato, sviluppandolo in particolare dalla seconda metà degli anni '70 fino a pochi anni prima della sua morte, quando, nel 2000, ha donato alla Città di Genova un Sole monumentale in marmo bianco, collocato proprio all'imboccatura del porto, sul Ponte dei Mille. Il Sole Produttore è la rappresentazione metaforica dello sfruttamento equo da parte della società della forza generatrice del sole. Appassionato di astronomia, geometria e poesia, Gio' Pomodoro è da sempre stato affascinato dal potenziale vitale e simbolico dell'immagine dell'astro. In queste opere, l'artista lo rappresenta mediante una forma circolare stilizzata ì, che viene spezzata per accentuare le potenzialità delle forme geometriche elementari (il cerchio, il quadrato, il triangolo) ad aprirsi a tensioni dinamiche differenti. Su queste forme basilari, Pomodoro inserisce poi all' intorno scritte costituite da parole che rimandano a concetti referenziali, come reale, possibile, collettivo, - in questo caso: "Muove, gira, edifica comune raccolto" -, unite ad altre forme inscritte che indicano strutture fisiche, come cardine, ruota, seme.

Dipinto antico paesaggio con architetture e figure olio su tela. Si tratta di un classico capriccio architettonico, ovvero di un paesaggio in cui sono inserite delle strutture architettoniche, spesso rovine, di imponenti edifici classici, con figure popolari appartenenti invece all' epoca dell' opera. Il dipinto è ancora in prima tela. È presentato in cornice in stile.

Tecnica mista su carta. Sigla A. S. in basso a destra. Un mazzo di rose campeggia la centro di uno sfondo azzurro. Il dipinto è presentato in cornice coeva ebanizzata, decorata con intagli dorati.

Olio su tela. Firmata e localizzata sul margine sinistro in basso "Roma, Enrico Scifoni". In basso a sinistra è citato il nome della ritratta "Signorina Maria Ciaffi". Lo Scifoni fu artista romano molto attivo come ritrattista tra il 1870 e il 1914. La giovane donna ritratta è abbigliata con abito e acconciatura che richiamano la moda del periodo impero. Il dipinto è presentato in cornice dorata del XIX secolo, che necessita di restauro.

San Bernardo da Chiaravalle

La scultura qui descritta, realizzata ad intaglio da un blocco di cirmolo nei primi decenni del'600 raffigura San Bernardo da Chiaravalle. La composizione richiama molto l'incisione di Marcantonio Raimondi che agli inizi del XVI secolo raffigurò il Santo con l'abito monastico, una pastorale, la bibbia in mano e un demonio ai suoi piedi tenuto in catene. La scultura è pensata per una nicchia e pertanto non finita sul retro. Il santo in piedi è raffigurato in leggero movimento, con la bibbia aperta nella mano destra e nell'altra la partenza della catena che tiene legato il demone ai suoi piedi; purtroppo la catena è monca della parte centrale ma si completa col collare, il demonio è sottomesso dal Santo che vi poggia sopra un piede. Sebbene le cromie e la doratura presentino lacune e copertura da fuligine, possiamo notare come l'incarnato del santo sia roseo mentre il demone è rossastro quasi bruno in quanto esposto alle fiamme dell'infermo. Da notare la splendida veste del Santo, che pur raffigurando un abito monastico è laccata nei toni di rosso con ricami dorati all'interno e all'esterno si presenta dorata con ricami bluastri. La veste non è più quella povera dell'eremita ma quella del santo nella gloria celeste che si veste di luce in maggior contrasto col la figura del demonio.

Ornamenti e Antichi Vasi

Acqueforti colorate a mano. Realizzate da Michelangelo Pergolesi nel 1777-1778; il decoro a colori è postumo, già del XIX secolo. Il Pergolesi disegnò e progettò mobili, caminetti, soffitti, lampadari, porte e ornamenti murale, di gusto neoclassico, lavorando soprattutto in Inghilterra. I disegni di tali acqueforti sono numerati, e appartengono probabilmente alla di "Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti" pubblicato tra il 1777 e il 1801. Le due acqueforti sono presentate in cornici a vista.

Paesaggio Fluviale con Figure

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Il soggetto rientra nella produzione di forte matrice naturalistica del pittore, nativo di Modena ma cresciuto artisticamente a Milano e dintorni, luoghi che furono temi frequenti della sua produzione paesaggistica. Anche questo scorcio paesaggistico rimanda alla pianura lombarda. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. La Sacra Famiglia si rivolge in quest' opera ad un giovane frate in saio francescano, che probabilmente rimanda alla committenza dell' opera: le mani protese del Bambino si protendono ad accoglierlo, sotto lo sguardo protettivo di Maria e Giuseppe. Già in precedenza restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica del XVIII secolo, ridorata.