ARTE, DIPINTI, QUADRI E SCULTURE ANTICHE E CONTEMPORANEE

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Volto Femminile

Tecnica mista su cartoncino. Firmato in basso a sinistra. Antonio Mancini fu un pittore di matrice verista, formatosi alla scuola napoletana di Morelli e Palizzi e successivamente a Parigi. Si dedicò prevalentemente alla ritrattistica e alle scene di genere di gusto popolare o anedottico, ma mentre in un primo periodo fu vicino al naturalismo ottocentesco che lo portò a ritrarre figure popolari permeate di tristezza (i suoi scugnizzi), in un periodo successivo cominciò a sperimentare tecniche differenti, ricorrendo a vivi guizzi di luce, posti sulla tela in grumi di colore violento e accese colate, arrivando anche all'utilizzo di materiali extrapittorici, come vetri colorati, e proponendo figure agitate, a volte in fantasiosi travestimenti, espressione del suo forte disagio psichico. In questo disegno, probabilmente un bozzetto preparatorio, il volto femminile non è enfatizzato nei suoi tratti fisiognomici, ma piuttosto nella personalità dirompente del corpo della donna, il cui mezzo busto pare slanciarsi verso l'alto in una torsione laterale, che lo fa emergere dai tratti sfumati e indefiniti circostanti. Opera presentata in cornice.

Olio su tela. Scuola francese di metà '700. Il paesaggio di gusto romantico propone un paesaggio verdeggiante nel quale avviene un incontro galante tra un soldato e una dama, in primo piano sulla destra, mentre altre figure più distanti fanno da contorno; sullo sfondo una cittadina, illuminata dai raggi di sole che sbucano bassi dalle nuvole. Il dipinto è in prima tela. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Al centro della scena, ambientata all'aperto in un sobborgo cittadino, un personaggio in piedi su palco o un rialzo sta porgendo un fazzoletto a qualcuno nella piccola folla che lo guarda dal basso, mentre accanto a lui vi è una capretta e alle sue spalle un uomo osserva e attende: si tratta quindi di un imbonitore che propone e decanta la merce altrui, la capra in questo caso. Spicca a destra un' alta e slanciata colonna sormontata da una statua, punto di ritrovo della vita cittadina quotidiana, già ben attiva fin dalle prime ore del giorno, come fa pensare il celo rosato sulla destra. Soggetti simili a questo si ritrovano nella produzione di Giovanni Michele Graneri (1708 -1778) pittore torinese che rinnovò la tradizione seicentesca dei bamboccianti in scene di genere di vita popolare, di mercato piuttosto che di osteria. Il dipinto è in prima tela, con toppe al retro. È presentato in cornice di fine '800 - inizio '900.

Olio su tela. Copia del celebre dipinto di Rembrandt realizzato nel 1648 e conservato attualmente al Museo del Louvre di Parigi. L'episodio evangelico racconta di quando Gesù risorto, spezzando il pane nel gesto eucaristico, si rivela ai due discepoli a Emmaus dopo averli accompagnati sulla strada da Gerusalemme senza che essi lo riconoscessero. Tale copia cerca di riproporre l' atmosfera intima e spirituale dell'opera del maestro fiammingo, dominata da calde tonalità brune e da una gestione della luce che focalizza l'attenzione sulla figura di Cristo. Opera presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola lombarda del XIX secolo. Il personaggio raffigurato è Angiola De Filippi Polli, moglie di Giuseppe Antonio Polli (1770 -1837), gentiluomo originario di Oggebbio (Verbania), che rimasto orfano a 10 anni, si trasferì a Milano ove la famiglia risiedette per decenni partecipando attivamente alla vita della città. Il dipinto è probabilmente derivato da quello identico firmato Eliseo Sala. La tela è stata sottoposta in passato a restauro e ritelatura. È presentato in cornice in stile.

Dove il Ricordo, 2017

Tecnica mista su tela. Al retro presenti la firma, il titolo, la tecnica e la data. Sul pannello in compensato aggiunto al retro è presente anche dedica autografa dell'artista e di suoi familiari. Angelo Cagnone, artista originario della provincia savonese che vive e lavora a Milano, elabora una concezione pittorica considerata un intermezzo tra quella figurale e l'astratta. Non è una pittura d'istinto e neanche emotiva, è una pittura pensata: il Cagnone attorno ad un'idea, un ricordo, un fatto che lo colpisce, costruisce l'opera inserendo degli elementi che servono alla completezza del quadro, e che spesso sono foto e scritture. E' considerato un esponente dell'Arte Concettuale, intesa come creazione di opere in cui è più importante la fase di gestazione che la programmazione della sua esecuzione. Risulta quindi un'arte pensata, ragionata piuttosto che sentita: l'esecuzione diventa un fatto di puro assemblaggio di oggetti che formano l'opera. Allegato all' opera il Catalogo della Mostra personale di Cagnone nel 2018 presso il Museo dell'Arte Vetraria Altarese, dove l'opera è stata esposta (pag. 21)

Olio su tela. Scuola lombarda del XIX secolo. Il personaggio raffigurato è Giuseppe Antonio Polli (1770 -1837), gentiluomo originario di Oggebbio (Verbania), che rimasto orfano a 10 anni, si trasferì a Milano ove la famiglia risiedette per decenni partecipando attivamente alla vita della città. Il dipinto è probabilmente derivato da quello identico firmato Eliseo Sala. La tela è stata sottoposta in passato a restauro e ritelatura. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scorcio dell' interno della chiesa di San Marco a Milano, con figure di devoti in preghiera davanti all' altare maggiore, visto parzialmente in corrispondenza dell' incrocio con il transetto a sinistra. i colori caldi e le luci soffuse ben rendono l'atmosfera di raccoglimento. Cornice in stile.

Olio su tela, applicata a tavola. Scuola nord-italiana di fine '600 - inizio '700.Maria, è raffigurata in atteggiamento meditativo, con il volto abbassato, gli occhi pressochè chiusi, raccolta in preghiera. L'assenza dell'aureola sottolinea la sua umanità. Presenti segni di restauro pregresso. L'opera è presentata in cornice lignea antica.

Eolo, re dei venti...

Tecnica mista (inchiostro e matita) su carta. Firmata in basso a destra. A matita indicato il titolo della tavola "Eolo, re dei venti, uomo di squisita ospitalità", e il numero della scheda (N.29) Si tratta di illustrazione originale realizzata dal grande fumettista e illustratore Sergio Toppi probabilmente per una storia a fumetti, come indica il numero della tavola. Sergio Toppi è uno dei grandi maestri del fumetto, considerato dalla critica un maestro assoluto e un pioniere del fumetto mondiale, riconosciuto in tutto il mondo per il suo segno inconfondibile che ritroviamo anche in questa tavola. Il suo stile unico ha prima di tutto scardinato le regole della gabbia classica della vignetta per lasciare spazio a un flusso visivo contemplativo, che rende la narrazione più fluida e lo portano a costruire mondi sospesi tra il realismo storico e la dimensione magica. Peculiare è anche la frequente scelta cromatica del contrasto di bianco e nero che diventano un importante strumento espressivo, sebbene Toppi sappia usare sapientemente anche il colore. È stato detto che "ogni tavola di Toppi è un fumetto nel fumetto, ogni pagina di un suo lavoro un'opera nell'opera in grado di raggiungere una potenza emotiva e un valore comunicativo unici.

Il Mio Cavallo a Dondolo 1961

Scultura in terracotta. Firma, data e titolo incussi sui due lati in basso. José Pizzo, nome assunto dall'artista italiano Giuseppe Pizzorni dopo il suo trasferimento definitivo a Caracas nel 1947, seppur influenzato inizialmente dal futurismo, mantenne vivo il legame con il classicismo, ritornando a produrre opere di stampo realista. Peculiare fu piuttosto la sua tecnica di lavorazione, caratterizzata dalla marcata impronta degli strumenti di lavorazione sull'amalgama della materia utilizzata, a sottolineare il fascino del tatto nella scultura.

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra E. Bagnati, facendo riferimento a Elena Bagnati, pittrice attiva tra la fine del'' 800 e la prima metà del '900. La scena è ambientata all' esterno presso un lavatoio, dove un gruppo di donne e ragazze con una bimba, lavano e chiacchierano. L'atmosfera esprime , in uno stile post-impressionista, un momento di vita domestica contadina sereno e tranquillo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Tavola di Fumetto

Tecnica mista (inchiostro e matita) su carta. Firmata a sinistra al centro. A matita indicato il titolo della tavola "Il pesciolino disse a Manu: Salvami ed io ti salverò." e il numero della scheda (N. 30) Si tratta di illustrazione originale realizzata dal grande fumettista e illustratore Sergio Toppi probabilmente per una storia a fumetti, come indica il numero della tavola. Sergio Toppi è uno dei grandi maestri del fumetto, considerato dalla critica un maestro assoluto e un pioniere del fumetto mondiale, riconosciuto in tutto il mondo per il suo segno inconfondibile che ritroviamo anche in questa tavola. Il suo stile unico ha prima di tutto scardinato le regole della gabbia classica della vignetta per lasciare spazio a un flusso visivo contemplativo, che rende la narrazione più fluida e lo portano a costruire mondi sospesi tra il realismo storico e la dimensione magica. Peculiare è anche la frequente scelta cromatica del contrasto di bianco e nero che diventano un importante strumento espressivo, sebbene Toppi sappia usare sapientemente anche il colore. È stato detto che "ogni tavola di Toppi è un fumetto nel fumetto, ogni pagina di un suo lavoro un'opera nell'opera in grado di raggiungere una potenza emotiva e un valore comunicativo unici."

Producto en buen estado mostrando algunos signos de desgaste. Intentamos presentar el estado real lo más completo posible con fotografías. Si algún detalle no está claro en las fotografías, prevalecerá la descripción.

Tavola Illustrata

Tecnica mista (inchiostro e matita) su carta. Firmata in basso al centro. A matita è indicato il titolo della tavola "Rubare è anche sfruttare le risorse naturali delle zone sotto sviluppate..." e il numero della scheda (N.55). Si tratta di illustrazione originale realizzata dal grande fumettista e illustratore Sergio Toppi probabilmente per una storia a fumetti, come indica il numero della tavola. Sergio Toppi è uno dei grandi maestri del fumetto, considerato dalla critica un maestro assoluto e un pioniere del fumetto mondiale, riconosciuto in tutto il mondo per il suo segno inconfondibile che ritroviamo anche in questa tavola. Il suo stile unico ha prima di tutto scardinato le regole della gabbia classica della vignetta per lasciare spazio a un flusso visivo contemplativo, che rende la narrazione più fluida e lo portano a costruire mondi sospesi tra il realismo storico e la dimensione magica. Peculiare è anche la frequente scelta cromatica del contrasto di bianco e nero che diventano un importante strumento espressivo, sebbene Toppi sappia usare sapientemente anche il colore. È stato detto che "ogni tavola di Toppi è un fumetto nel fumetto, ogni pagina di un suo lavoro un'opera nell'opera in grado di raggiungere una potenza emotiva e un valore comunicativo unici".

Paesaggio con Figure

Olio su tela. La grande composizione propone un paesaggio che vede centrale un grande albero. a sormontare con le sue rade frasche la campagna sottostante, traversata da un corso d'acqua e animata da diverse figure di popolani intenti ad attività o a riposo; in alto a destra si erge una fortezza, che domina la vallata. Già attribuito al marchigiano Peruzzini, il dipinto si può ricondurre senz'altro al suo ambito, per i tratti pittorici veloci e poco aggregati. Antonio Francesco si specializzò nella pittura di paesaggio, subendo l'influenza di Salvator Rosa e di paesaggisti come Pietro Montanini e Pandolfo Reschi, e ulteriori influssi gli vennero anche da pittori nordici attivi in Italia, soprattutto da Pieter Mulier detto il Tempesta. Nelle sue prime opere si distingue già l'originalità della sua pittura data una stesura rapida e da un timbro cromatico intenso e brillante. Dal principio degli anni Novanta iniziò il lungo legame artistico di Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, in seguito al loro incontro avvenuto a Milano, ove il Peruzzini si era stabilito; da questo periodo in poi la sua pittura sembra sfaldarsi, attraverso forme che si fanno più dinamiche e leggere, quasi fantastiche, per approdare infine ad uno stile improntato ad una sempre maggiore disgregazione delle forme della natura ed al loro movimento. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Seconda metà dell' 800. Sul lato destro presenti monogramma G.D. e la data '75. Sul retro è presente un biglietto scritto a mano che identifica la persona ritratta in Lorenzo Bonisconti, ed ulteriore cartiglio che dichiara intervento di restauro dell' opera nel 1991. Il dipinto è presentato in cornice antica modificata.

Olio su tela. Seconda metà dell' 800. Sul lato sinistro presenti monogramma G.D. e la data 1875. Sul retro è presente un biglietto scritto a mano che identifica la persona ritratta in Maria Guarnero, moglie di Lorenzo Bonisconti (di cui è pubblicato il ritratto). Il dipinto è presentato in cornice antica modificata.

Versione ridotta da pala di Girolamo Mazzola Bedoli

Olio su tela. Scuola emiliana del XVII secolo. Tutta in prima piano, questa scena di insieme di figure sacre, che presenta i volti di Maria e Gesù Bambino al centro, contornati da San Giovannino in basso a sinistra, e tre angeli a far corona intorno. Tutti i personaggi sono lieti e sorridenti, nonostante il richiamo alla passione, dato dal bastone sormontato dalla Croce che Giovanni porge a Gesù. Il movimento dei corpi e i colori vivaci rendono la scena viva. Si tratta di una versione parziale e in orizzontale della pala omonima realizzata dal pittore manierista parmense Girolamo Mazzola Bedoli (1508?-1570) per la chiesa di San Sepolcro a Parma, sviluppata in verticale con la presenza di un paesaggio di sfondo dietro i due angeli nella parte superiore e del completamento delle figure nella parte inferiore. Il dipinto è ancora in prima tela, senza segni di restauro pregresso. Diverse sono le cadute di colore, diffuse soprattutto lungo il margine inferiore e i due laterali. E' presentato in cornice antica in legno laccato.

Amore e Psiche

Olio su tela. Scuola nord -Italia del XVII secolo. La scena si rifà, con alcune variazioni ma molto vicina nelle dimensioni, ad una parte del grande affresco intitolato "Banchetto degli dei" nella Camera di Cupido ( o Camera di Amore e Psiche) di Palazzo Té a Mantova, grande raffigurazione di oltre nove metri realizzata da Giulio Romano con la sua bottega nel XVI secolo. La scena proposta (che a Mantova è collocata sulla destra del grande banchetto), vede Amore e Psiche sdraiati su un triclinio, mentre una piccola figura alata li incorona d'alloro e due ninfe lavano la mano di Amore; sullo sfondo a destra un gruppo di satiri sta sacrificando una capra all'ara di una divinità, mentre al centro, in lontananza, una città brucia. Il banchetto degli dei è il momento conclusivo del mito dei due innamorati, che, dopo molte prove e peripezie, ottengono il permesso di Venere per sposarsi. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice antica.

Tempera su tavola. L'icona di grande dimensioni presenta tre figure di santi, forse tre apostoli, (non identificabili, perchè le scritte con i loro nomi sono quasi completamente cancellate), uno dei quali tiene in mano il Libro Sacro. La tavola presenta piccole cadute di colore.

Olio su tela. Si tratta di copia d'epoca dell'omonima incisione realizzata da Annibale Carracci (1560 -1609), che ebbe immediato successo e diede vita a una serie di repliche stampate e copie dipinte. Presenta il momento della Passione in cui il Cristo viene incoronato con la corona di spine, oggetto di tortura simbolo denigratorio della sua proclamazione a Re dei Re. Compiono l'atto due figure, il soldato romano e il giudeo, che rappresentano le due genti che presero parte alla condanna a morte di Cristo. Le figure, vigorose e sanguigne quelle dei due aguzzini più pallida e inerte la vittima, creano una composizione intrecciata di corpi, con quello di Gesù centrale che congiunge gli altri due, unendoli nella responsabilità condivisa di ciò che stanno facendo; posto di traverso, Gesù ha il capo reclinato a forza a sinistra dal soldato che gli impone la corona di spine, mentre il giudeo a destra gli pone in mano la canna di bambù, sostitutiva dello scettro. La scena è dominata da colori cupi e scuri, tra i quali spicca solo il rosso vivo della veste di Cristo, simbolo della sua umanità sofferente. IL dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in bella cornice coeva, con mancanze.

Excalibur, 1985

Acrilico su cartone. Firmato in basso a destra, è realizzato dall'artista venezuelano Carlos Zerpa. Sul retro un'etichetta riporta il titolo e la data. Zerpa, poliedrico artista formatosi a Milano, è noto per la sua capacità di attingere alla mitologia e ai racconti storici, reinterpretandoli attraverso una lente contemporanea. In quest'opera, la leggendaria mano che emerge dal lago impugnando la spada Excalibur, un riferimento al mito di Re Artù, è ambientata contro uno sfondo di palazzi moderni, sostituendo i tradizionali paesaggi boschivi con elementi urbani quali luci e balconate in cemento. L'uso di colori sgargianti, spesso fluorescenti, caratterizza il suo stile distintivo. Proveniente dalla prestigiosa collezione Campari, il dipinto è presentato in cornice.

Case a Gardone Alto

Olio su faesite, firmato in basso a destra, raffigurante uno scorcio della cittadina di Gardone Riviera sul Lago di Garda. Sul retro è presente un'etichetta, recante il titolo, che attesta la partecipazione a un concorso di pittura a Gardone Riviera (Salò).L'opera è realizzata con l'inconfondibile stile dell'eclettico artista milanese noto per la sua versatilità come pittore, incisore, scultore, poeta e musicista. I colori tenui e le linee ben definite, arricchite da curve che alleggeriscono le geometrie degli edifici, rendono il dipinto una rappresentazione suggestiva del paesaggio urbano.L'opera è presentata in cornice.