Horloge de voyage Marshal - France fin du XIXe siècle

Huile sur toile. École d'Europe centrale du XIXe siècle. La tristesse et la pauvreté de cette jeune fille transparaissent dans son regard, dans les signes de négligence de ses cheveux dénoués et ébouriffés, dans son châle usé et en lambeaux ; même le fond sombre et lugubre souligne la tristesse des conditions de vie représentées. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Huile sur toile. Seconde moitié du XIXe siècle. Portrait en gros plan intense d'un homme, probablement nord-africain, qui appartient à la période artistique définie comme orientaliste, c'est-à-dire à cette production artistique qui s'est fascinée pour le monde oriental, suite aux nombreux voyages en vogue au XIXe siècle dans les terres chaudes et exotiques des pays d'Asie occidentale. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Scène d'Intérieur avec Figure Féminine

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Dans une pièce sobrement meublée, une femme âgée est assise en train de lire, ou peut-être de méditer, son livre posé sur la table sous la fenêtre, tandis que son petit chien dort recroquevillé sur un banc à la droite de la femme. La scène est riche en détails, finement représentée ; Depuis la fenêtre, dont les rideaux sont relevés pour laisser entrer la lumière qui illumine la scène, on peut apercevoir des personnages marchant le long d'une route qui mène à un palais fortifié. Le peintre allemand August Friedrich Siegert est devenu célèbre principalement pour ses portraits et ses scènes de genre représentant des moments de la vie quotidienne avec une grande attention aux détails et une touche de réalisme. Le tableau est présenté dans un cadre doré contemporain de la seconde moitié du XIXe siècle.

Huile sur toile. École française de la seconde moitié du XIXe siècle. Paysage de campagne évocateur et paisible, avec un sentier qui serpente à travers des prairies et des arbres feuillus. Sur la première toile, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Confidences

Aquarelle sur papier. Monogramme de l'artiste en haut à gauche. Tranquillo Cremona, après une période initiale proche de la peinture romantique, s'éloigne à partir de 1870 des influences de Francesco Hayez et adopte un style pictural aux contours indéfinis, développant le concept de "macchia scapigliata" avec son ami Daniele Ranzoni : après une première intervention avec des pinceaux, il affine les œuvres avec ses doigts pour les fondre, utilisant tous ses doigts pour rendre ses peintures aussi vaporeuses que possible. Cette technique (qui lui coûta la vie à cause d'un empoisonnement au plomb dû au contact répété des couleurs sur sa peau) fut comparée par Camillo Boito aux vues de la lanterne magique, lorsque la mise au point correcte de la lentille n'avait pas encore été trouvée : l'image est déjà distinguable, mais elle est plongée dans une vapeur presque gazeuse. Les sujets des œuvres de Tranquillo Cremona ont toujours été des figures humaines, présentes dans les scènes historico-littéraires de la période romantique, ainsi que dans les portraits et les scènes de genre de la phase Scapigliatura ; Ses sujets sont tirés de la vie quotidienne, dans sa simplicité et son immédiateté spontanée, comme ces trois figures féminines représentées dans un moment de conversation confidentielle et intime entre amis. L'œuvre est présentée dans un décor de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Composition naturaliste vivante de fleurs multicolores dans des vases en céramique bleue, qui rappellent la couleur du ciel de la partie supérieure du fond, qui s'estompe ensuite dans une couleur terreuse dans la partie inférieure ; à gauche, une perruche se distingue par sa couleur sombre inhabituelle. Le tableau présente de légères pertes de couleur, notamment dans l'arrière-plan. Il est présenté dans un cadre contemporain redoré.

Huile sur toile. École flamande du XIXe siècle. Le paysage vallonné présente un grand arbre au premier plan à gauche, dominant les champs en contrebas, avec un chasseur déterminé à viser une proie cachée parmi ses branches ; non loin de là se trouvent quelques fermes, au toit en pente typiquement nordique, devant lesquelles on peut apercevoir d'autres personnages ; au loin, le profil flou d'une ville émerge. Sur le cadre se trouve une plaque d'attribution à Anthonie Van Borssom (1629-1677), peintre paysagiste flamand, à la production duquel le tableau fait référence à certains égards. Le panneau pictural a été parqueté. Le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu du XXe siècle.

Le Retour de la Fête de la Madonna dell'Arco à Naples

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'un célèbre tableau du peintre Louis Léopold Robert (1794 -1835), qui fut exposé au Salon de Paris en 1827 et acheté par le roi Louis-Philippe ; Il est actuellement conservé au musée du Louvre. Le tableau représente une scène festive joyeuse, riche en folklore avec des personnages costumés dansant la tarentelle et en arrière-plan le panorama fantastique de la ville de Naples. Robert, artiste suisse, séjourna plusieurs fois en Italie, où il trouva l'inspiration pour la création de nombreuses œuvres et s'affirma comme peintre de genre romantique et paysagiste du Grand Tour, dont les sujets furent très appréciés et reproduits. Le tableau « Retour de la fête de la Madonna dell'Arco à Naples » faisait partie d'un projet de Robert, qui avait l'intention de peindre quatre grandes toiles sur les saisons, situées dans quatre régions différentes d'Italie : celle-ci représentait le printemps. La toile présentée ici, non signée, est néanmoins d'une grande qualité picturale. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe - début du XXe siècle.

Huile sur toile. Signature non identifiée en bas à droite. Il s'agit d'une copie de l'œuvre, également en pied, de Domenico Morelli, dite "Mater Purissima", réalisée vers 1880 et sujette à de nombreuses répliques et variations dans les décennies suivantes. L'œuvre est présentée dans un cadre du début des années 1900.

Huile sur toile. Une représentation délicieuse de la vie populaire avec des personnages aux allures de caricature : trois femmes du commun en pied sont représentées dans la rue tandis qu'elles conversent intensément entre elles, échangeant des confidences ou... des ragots ! Non signé, le tableau nécessite une restauration en raison d'une déchirure dans le bas.

Huile sur plaques de métal. Les miniatures présentent deux portraits d'Augusta de Bavière (1788 -1851), duchesse de Leuchtenberg et vice-reine d'Italie en tant qu'épouse du vice-roi Eugène de Beauharnais, beau-fils de Napoléon Bonaparte ; Bien que Milan soit la capitale du royaume, le couple aimait résider dans la Villa Royale de Monza, où se trouvent plusieurs espaces dédiés à la reine. Les portraits sont présentés dans des cadres en bois noirci avec des garnitures en métal doré.

Copie de David Teniers II

Huile sur panneau. Le tableau est une copie révisée de la célèbre œuvre de David Teniers le Jeune (1610-1690), exécutée entre 1634 et 1640 et actuellement conservée au musée du Prado à Madrid. Le titre de la scène animée fait référence à la soi-disant Nuit des Rois, une célébration correspondant à l'Épiphanie, précisément douze jours après Noël, qui était la dernière nuit de célébrations, au cours de laquelle on pouvait boire au-delà de ses limites, se consacrer à l'amour, à l'échange de partenaires et de genres, une sorte de carnaval, au cours duquel le Roi du Désordre était élu (littéralement le roi du Désordre), un souverain à l'envers qui imposait ses lois, subvertissant les règles et les comportements. Cette œuvre, comme beaucoup d'autres de Teniers, connut un tel succès lié aux nombreuses commandes des rois et des aristocrates au cours du XVIIIe siècle, qu'elle induisit une importante production posthume de copistes, dont beaucoup signèrent même du nom de l'artiste. Le tableau présenté ici présente plusieurs manques de peinture, à combler. Il est dans un cadre de la fin du XIXe siècle, adapté à la taille.