Horloge de table Art déco en marbre - Italie années 1930-1940

Peinture à l'huile sur toile. L'aperçu côtier, près d'une crique rocheuse où coulent des eaux torrentielles, voit des personnages au débarcadère des navires, prêts à accueillir les bateaux qui s'approchent ; au loin le profil de la ville. Restauré et rentoilé, le tableau présente des salissures généralisées notamment en correspondance avec le ciel. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIIe siècle. Le paysage, situé sur les rives d'une large rivière, voit au centre des figures de paysans occupés à cueillir des fruits sur un arbre : une fille tient l'échelle tandis que le garçon coupe un régime, à gauche un autre couple place les fruits ramassés dans une baignoire. Tout autour une vaste campagne verdoyante et quelques mas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Paysage d'hiver

Caryons couleurs sur papier appliqués sur toile. Signé en bas à gauche. Le grand paysage est complètement dominé par le jeu de la couleur : divisé en deux hémichamps donnés par le ciel et la terre (un terrain montagneux où poussent sporadiquement des sapins), il voit prévaloir le bleu rosé du ciel, sous le bleu verdâtre de la neige au sol, deux nuances d'une même gamme de couleurs qui se rejoignent ensuite dans l'horizon des montagnes. Cinotti était un peintre paysagiste représentant du divisionnisme italien, dont la peinture se caractérise par une application matérielle et pâteuse avec des touches de couleur spatulée. Dans un cadre contemporain.

Fleurs d'Automne

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Au dos, une étiquette de la Galleria Spirale avec le titre. Un certificat d'authenticité de la même galerie est joint. Giuseppe Ajmone, artiste originaire de Valsesia, formé à l'Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan, fut l'un des signataires du Manifeste du Réalisme de 1946. Outre les natures mortes et les paysages, qui ont dominé ses débuts artistiques, Ajmone s'est également intéressé aux nus, qui ont caractérisé une grande partie de sa peinture du milieu des années 1960 à nos jours. L'œuvre présentée ici est une composition florale dans un vase. Elle est encadrée.

Peinture à l'huile sur toile. École allemande du milieu du XXe siècle. En bas à droite se trouvent la signature W. Purschke et la localisation Munchen. La scène se déroule à l'intérieur du bureau d'un haut prélat : assis à son bureau, il écoute deux hommes qui lui illustrent un itinéraire sur une carte ; en haut à gauche se trouve une maquette de navire posée sur une étagère : peut-être que l'évêque est aussi le propriétaire du navire, qui discute du prochain voyage avec son propriétaire. De la fenêtre, fermée par une grille travaillée, on aperçoit la ville, avec les maisons à l'aspect nordique caractéristique. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Marqueterie réalisée avec divers bois. Elle représente un violoncelliste en costume du XVIIIe siècle. Francesco Ferrario était un ébéniste accompli, influencé par les mouvements néoclassique et Art nouveau. Formé au dessin à l'Académie de Brera, après avoir collaboré avec les plus grands artistes de l'époque, il ouvrit un atelier à Milan, d'abord via Tenca, puis en 1927 corso Sempione. Une étiquette au dos de l'œuvre la situe parmi les ateliers de ce dernier. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque. Une version de cette œuvre figure dans la monographie de Bianca Tosatti, « I Ferrario maestri di tarsia », publiée en 2000.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie du tableau éponyme de Giulio Cesare Ferrari (1818-1899), peint en 1863 et acquis quelques années plus tard par la Pinacothèque de l'Académie de Bologne. Le tableau représente une scène du roman de Victor Hugo « Notre-Dame de Paris » : Esmeralda, une jeune gitane enchanteresse par sa beauté et sa danse, est persécutée par l'archidiacre Frollo en raison de son obsession et enfermée dans la tour de la cathédrale parisienne, où elle est toutefois aidée par le sonneur de cloches bossu Quasimodo. Dans la scène, la jeune femme est blottie dans une cellule étroite et sombre, accompagnée de son inséparable chèvre. L'œuvre s'inscrit dans le mouvement de la peinture historico-littéraire qui s'est développé au XIXe siècle parallèlement au romantisme et au réalisme, et se caractérise par la représentation de scènes historiques et littéraires, souvent dans un esprit de célébration et de commémoration. L'exemplaire proposé ici, de bonne facture et datable peu après l'original, est présenté dans un cadre de style milieu du XXe siècle, contemporain de la restauration et du rentoilage de l'oeuvre.

Scène de Genre à la Cour

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Antonio Zavaga était un peintre italien des XIXe et XXe siècles, spécialisé dans la peinture de style XVIIIe siècle, représentant principalement des scènes galantes et de salon. La scène de cette œuvre se déroule également dans une riche salle du XVIIIe siècle : une dame et un monsieur assis à une table jouent aux échecs, tandis que la dame d'honneur apporte le thé et qu'un autre monsieur observe la scène avec amusement. L'œuvre est présentée dans un cadre peint de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.

Huile sur toile. La scène correspond à une station du Chemin de Croix, durant laquelle Jésus tombe sous le poids de la lourde croix qu'il porte sur ses épaules en montant vers le Golgotha. Le Christ, penché au sol, le regard bas et triste, est poursuivi par les gardes qui le poussent avec les bâtons de leurs lances, tandis que l'un d'eux le tire avec la corde qu'il a nouée autour de sa taille ; un roturier regarde Jésus affligé, tandis qu'il soutient le lourd bois. Le tableau présente des traces de restauration antérieure et a été rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Europe centrale de la première moitié du XIXe siècle. Le tableau fait référence à une gravure de Johann Gottfried Haid (1704-1767), graveur allemand connu pour ses copies à la manière noire d'œuvres de grands maîtres. L'œuvre originale est probablement attribuable à Antonio Mercurio Amorosi (1660-1738), connu pour ses portraits de personnages populaires dans le style « bambocciante ». Notre tableau présente plusieurs légères différences par rapport à la gravure de référence. Toujours sur la première toile, il est présenté dans un cadre du milieu du XXe siècle.

L'Adoration des Bergers

Huile sur toile. Composition reprise à plusieurs reprises par les disciples et élèves de l'école de Bassano, notamment par Jacopo Bassano (1515-1592). Dans la scène originale, reproduite ici avec fidélité à la composition des personnages, mais sans les couleurs, Bassano avait abordé le thème en respectant la tradition tout en y apportant des innovations. En effet, les ruines archéologiques, un élément fréquent de l'iconographie italienne de la Nativité, servent de toile de fond à ce tableau. On y voit une rangée de colonnes brisées sur un haut piédestal, sur le modèle des temples grecs, contre lequel s'appuie une cabane. Cette structure architecturale inhabituelle symbolise la victoire sur le paganisme et la construction de l'Église chrétienne, dont la naissance de Jésus est le premier acte fondateur. Les bergers occupent le centre de la scène, et sans le côté gauche du tableau, on pourrait croire à une scène de genre à caractère rural. Le berger, vu de dos, est agenouillé, pieds nus, rappel de son extrême humilité, et tient un agneau, animal sacrificiel par excellence, en référence à la future Passion du Christ. À l'extrême droite, un curieux insert : un garçon accroupi souffle sur une braise ardente, cherchant vainement à raviver une flamme. Dans cette réplique, les couleurs jaune et rouge des robes des deux bergers au centre et du garçon à droite ressortent, dominant avec vivacité même les figures de la Sainte Famille et se détachant sur les teintes ocres du paysage et des structures architecturales à l'arrière-plan. Le tableau a été restauré et rentoilé au XIXe siècle, avec remplacement du cadre (sur lequel figurent des inscriptions contemporaines en anglais, probablement des adresses d'exportation). Il est présenté dans un cadre d'époque.

Rivage avec Navires et Figures

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Fils d'artiste, Cesare Gheduzzi s'est imposé comme peintre paysagiste. Bien qu'il ait vécu à Turin, il a longtemps séjourné sur la Riviera ligure, créant de larges vues de la mer, des paysages côtiers et des pêcheurs au travail, qu'il a reproduits avec fidélité et élégance, tout en privilégiant les couleurs froides pour créer une distance émotionnelle et favoriser l'effet scénographique (hérité de son père, scénographe au Teatro Regio de Turin). L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.