Orologio da Appoggio in Marmo Art Déco - Italia Anni '30 '40

Olio su tela. Lo scorcio costiero, in prossimità di una insenatura rocciosa in cui scorrono acque torrentizie, vede figure all'approdo delle navi, pronte ad accogliere le imbarcazioni che si stanno avvicinando; in lontananza il profilo della città. Restaurato e ritelato, il dipinto presenta macchie di sporco diffuse soprattutto in corrispondenza del cielo. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVIII secolo. Il paesaggio, ambientato in riva ad un ampio fiume, vede al centro alcune figure di contadini intenti a raccogliere della frutta da un albero: una ragazza regge la scala mentre il ragazzo recide un grappolo, sulla sinistra un'altra coppia depone i frutti raccolti in un mastello. All'intorno una vasta campagna verdeggiante e alcuni casolari. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Paesaggio invernale

Pastelli su carta applicata a tela. Firmato in basso a sinistra. Il grande paesaggio è completamente dominato dal gioco di colore: diviso in due emicampi dati dal cielo e dalla terra (una landa montana ove spuntano sporadici abeti), vede prevalere sopra l'azzurro rosato del cielo, sotto l'azzurro verdastro della neve sul terreno, due sfumature della stessa gamma cromatica che si incontrano poi nello skyline delle montagne. Cinotti fu un paesaggista esponente del Divisionismo italiano, la cui pittura è caratterizzata da una stesura materica e pastosa con tocchi di colore spatolato. In cornice coeva.

Fiori d'Autunno

Olio su tela. firmato in basso a destra. Al retro cartiglio della Galleria Spirale con il tiolo. È corredato da certificato di autenticità della stessa galleria. Giuseppe Ajmone, artista della Valsesia formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, è stato uno dei firmatari del Manifesto del Realismo del 1946. Oltre alle nature morte e ai paesaggi, dominanti nel suo primo periodo artistico, Ajmone si interessò al filone dei nudi che caratterizzeranno gran parte della sua produzione pittorica realizzata dalla metà degli anni Sessanta ad oggi. Qui è proposta una composizione floreale in vaso. L'opera è preentata in cornice.

Olio su tela. Scuola tedesca di metà '900. In basso a destra presenti la firma W. Purschke e la localizzazione Munchen. La scena è collocata all'interno dello studio di un alto prelato: seduto alla sua scrivania ascolta due uomini che gli illustrano un tragitto su una mappa; in alto a sinistra è collocata su una mensola il modellino di una nave: forse il vescovo è anche il proprietario della nave, che discute con il suo armatore il prossimo viaggio. Dalla finestra, chiusa da una griglia lavorata, si intravvede il paese, con le case dal caratteristico aspetto nordico. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Intarsio realizzato con legni vari. L'intarsio propone la figura di un violoncellista in abiti settecenteschi. Francesco Ferrario è stato un affermato ebanista, di corrente neoclassica e Liberty. Formatosi all' Accademia di Brera in disegno, dopo aver collaborato con i migliori artisti dell' epoca, aprì poi bottega a Milano, dapprima in via Tenca, poi nel 1927 in Corso Sempione. Al retro dell' opera è presente etichetta che la colloca nella produzione in questa seconda sede. L'opera presentata in cornice in stile. Una versione di quest'opera è pubblicata sulla monografia di Bianca Tosatti, I Ferrario maestri di tarsia, edito nel 2000

Olio su tela. Si tratta di copia del' omonimo dipinto di Giulio Cesare Ferrari (1818-1899) realizzato nel 1863 e acquistato dopo pochi anni dalla Pinacoteca dell' Accademia di Bologna. Il dipinto rappresenta una scena del romanzo "Notre-Dame de Paris" di Victor Hugo: Esmeralda, giovane zingara che incanta con la sua bellezza e il suo ballo, viene perseguitata dall'arcidiacono Frollo a causa della sua ossessione, e viene da lui rinchiusa nella torre della Cattedrale parigina, dove però viene aiutata dal gobbo campanaro Quasimodo. Nella scena la giovane donna sta rannicchiata nell'angusta e buia cella in compagnia della sua inseparabile capretta. L'opera appartiene alla corrente pittorica storico-letteraria sviluppatasi nell' Ottocento parallelamente al Romanticismo e al Realismo, e caratterizzata dalla rappresentazione di scene tratte dalla storia e dalla letteratura, spesso con intenti celebrativi e commemorativi. La copia qui proposta, di buona mano e databile poco dopo l'originale, è presentata in cornice in stile di metà '900, coeva al restauro e alla ritelatura dell' opera.

Scena di Genere a Corte

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Antonio Zavaga fu un pittore italiano a cavallo tra XIX e XX secolo, specializzato in pittura in stile settecentesco, prevalentemente di ambiente galante e salottiero. Anche la scena di quest' opera è ambientata in un ricco salone di gusto settecentesco: una dama e un cavaliere siedono al tavolino giocando a scacchi, mentre la dama di compagnia porta il tè e un altro cavaliere osserva divertito. L'opera è presentata in cornice dipinta di fine '800- inizio '900.

Olio su tela. La scena corrisponde ad una stazione della Via Crucis, durante la quale Gesù cade sotto il peso della pesante croce, che trasporta sulle spalle salendo verso il Golgota. Il Cristo, piegato a terra, lo sguardo basso e mesto, è incalzato dalle guardie, che lo pungolano con i bastoni delle lance, e uno lo strattona con la corda che gli ha legato in vita; un popolano guarda afflitto Gesù, mentre sorregge il pesante legno. Il dipinto presenta tracce di restauro pregresso ed è stato ritelato. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola centro-europea della prima metà del XIX secolo. Il dipinto fa riferimento ad una grafica di Johann Gottfried Haid (1704 -1767), incisore tedesco noto per le sue copie a mezzatinta di opere di grandi maestri. L'opera originale è riconducibile probabilmente ad Antonio Mercurio Amorosi (1660 -1738), noto per i ritratti di personaggi popolari di stile "bambocciante". Il nostro dipinto presenta diverse piccole differenze dalla grafica di riferimento. Ancora in prima tela, è presentato in cornice di metà '900.

Adorazione dei Pastori

Olio su tela. Composizione più volte replicata dai seguaci e allievi della scuola bassanesca, in particolare da un'opera di Jacopo Bassano (1515 -1592). Nella scena originale, qui ripresa con fedeltà alla composizione delle figure ma non ai colori, il Bassano aveva affrontato il tema da un lato rispettando la tradizione, dall'altro introducendo innovazioni. Fanno infatti da quinta scenica delle rovine archeologiche, elemento frequente nell'iconografia italiana della Natività. Qui si vede una fila di colonne spezzate su un alto piedistallo, sul modello dei templi greci, cui è addossata una capanna. L'insolita struttura architettonica simboleggia il superamento del paganesimo e la costruzione della chiesa cristiana, di cui la nascita di Gesù è il primo atto di fondazione. I pastori occupano il centro della scena, e se non ci fosse il lato sinistro del quadro, potrebbe sembrare una scena di genere a carattere agreste. Il pastore di spalle è inginocchiato, mostra i piedi nudi, a ricordare la sua estrema umiltà, e trattiene un agnello, animale sacrificale per eccellenza, riferimento alla futura Passione di Cristo. All'estrema destra, un curioso inserto: un ragazzino accovacciato che soffia su un tizzone ardente, nell'inutile sforzo di ravvivare una fiammella. In questa replica spiccano i colori gialli e rossi delle vesti dei due pastori al centro e del ragazzino a destra, che prevalgono per vivacità anche sulle figure della Sacra Famiglia ed emergono dalle tinte ocra del paesaggio e delle strutture architettoniche di sfondo. Il dipinto è stato restaurato e ritelato nel XIX secolo, con sostituzione del telaio.(su di esso è presente scritta coeva in inglese, probabilmente indirizzi di esportazione). È presentato in cornice in stile.

Marina con Barche e Figure

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Figlio d'arte, Cesare Gheduzzi si affermò come paesaggista. Pur vivendo a Torino, egli frequentò a lungo la Riviera ligure, realizzando ampie vedute di mare, paesaggi costieri e pescatori all'opera, che riprodusse con fedeltà ed eleganza, pur privilegiando i colori freddi per creare un distacco emotivo e privilegiare l'effetto scenografico (ereditato dal padre che fu scenografo per il Teatro Regio di Torino). È presentato in cornice coeva.