PITTURA ANTICA

Olio su tela. Sul retro presente descrizione con datazione antecedente, non verosimili. Anche l' esame materico depone per opera successiva. È ritratta una anziana signora, severa nello sguardo, composta e altera nella posa, in abiti raffinati ma sobri nei colori. Il dipinto presenta segni di restauro e ritelatura.

Copia da Raffaello

Olio su tela. Scuola italiana di fine '700. Si tratta di una copia antica del celeberrimo dipinto su tavola di Raffaello Sanzio, realizzato nel 1513-1514 e attualmente conservato a Palazzo Pitti di Firenze. L'analisi del cretto e del telaio permettono di collocare questa tela in una produzione antica, ancora del XVIII secolo. L'opera raffaellita ebbe notevole successo e fu ampiamente replicata, per la dolcezza intimista che emana. La Vergine e il Figlio si stringono in un dolce abbraccio: Maria, adagiata su una sedia della quale intravediamo lo schienale, si abbandona in un gesto amorevole, avvolgendo tra le morbide braccia un paffuto Bambino. La gamba alzata ne sorregge il peso mentre la testa inclinata ne sfiora il volto, in una posa che rimarca il carattere sentimentale del dipinto. San Giovannino li osserva, assorto, poco più indietro, le mani giunte in preghiera. Anche lo spettatore è invitato a partecipare alla scena attraverso un attento gioco di sguardi: Gesù, serio, guarda lontano, verso l'esterno, mentre la Madonna ingaggia direttamente gli astanti con un'espressione malinconica. L'opera è presentata in cornice dorata di metà '800.

Olio su tela. Scuola italiana del XVIII secolo. In mezzo ad una campagna costiera piuttosto brulla, è collocato un piccolo borgo sul quale spicca una imponente e massiccia torre, forse un silo o l'acquedotto. In primo piano cavalca un mandriano che spinge le sue vacche. L'opera è stata precedentemente sottoposta restauro e ritelatura. È presentata in cornice di fine '800.

Olio su tela. Scuola italiana del XVIII secolo. Il paesaggio propone una campagna verdeggiante con dolci colline e un borgo che si affaccia su un lago; in primo piano un gruppetto di pastori si riposa sul ciglio del sentiero, mentre due caprette brucano poco distanti. Il dipinto è stato sottoposto in precedenza a restauro e ritelatura. È presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela. Scuola genovese di inizio '700. L'uomo, che la folta parrucca colloca nell'ambito della nobiltà o della alta borghesia, indossa una corazza in metallo brunito, sotto la quale emerge dalla goletta una cravatta di merletto; sul pettorale vi sono alcuni simboli del casato di appartenenza. Il ritratto riprende i modi e la tipologia in voga a Genova alla fine del '600 - inizio '700, basata sui modelli francesi di Rigaud. Il dipinto presenta alcune cadute di colore. Ancora in prima tela, è stato in passato montato su telaio ligneo di inizio '900. È presentato in cornice del XVIII secolo.

Olio su tela. Scuola italiana del XVIII secolo. Le due composizioni, collocate in esterno a poggiare parte sul terreno e parte su piedistalli di pietra, comprendono l'uno un'anguria con pere, l'altro un melone con melograni; compaiono poi in entrambe le tele alcune ciliege, considerate simbolo di fertilità. Sottoposte in passato a restauro e ritelatura, sono presentate in cornici antiche rilaccate.

Olio su tela. Scuola emiliana della seconda metà del '600. Rosa da Lima, religiosa peruviana (e attualmente patrona del Perù) del terz' ordine domenicano, vissuta a cavallo tra il '600 e l '700, è raffigurata secondo la sua tradizionale iconografia, vestita dell'abito domenicano, mentre in atteggiamento di preghiera accoglie la visione mistica di Gesù Bambino, che secondo la tradizione la fa sua sposa porgendole una corona di rose; qui le rose sono poggiate sulla pietra davanti alla ragazza. Sul retro dell' opera è presente un cartiglio che identifica i precedenti proprietari nella famiglia Bezzo Guazzone, residenti al Castello di Salabue di Ponzone Monferrato (Alessandria). Nel cartiglio è registrato l'affido del dipinto per la partecipazione ad una esposizione fino al 4 ottobre 1926. Il dipinto è stato precedentemente ritelato. È presentato in cornice coeva.

Olio su tela. Scuola francese del XVIII secolo. L'elegante dama posa drappeggiata in una cappa di velluto verde profilata di pelliccia, passamaneria dorata e pizzo; languidamente appoggiata con un braccio alla balaustra marmorea alle sue spalle, tiene sulle ginocchia un cagnolino, che pare anch'esso in posa. Sottoposto a restauro e ritelatura a fine '800, il dipinto presenta attualmente alcune lievi cadute di colore. È presentato in cornice dorata di fine '800, anch'essa con alcune mancanze e cadute della doratura.

Olio su tela. Scuola centro-italiana di fine '600-inizio '700. La composizione propone al centro un busto femminile, ritratto come se fosse un'effigie scultorea, per la monocromia che evoca il marmo; essa è contornata da una ghirlanda di fiori variopinti, che si allungano da rami contorti in alto, mentre sullo sfondo sfuma un paesaggio. Tale tipo di ritratto proveniva da una soluzione nata in ambiente fiammingo e diffusa in Italia da Daniel Seghers. Restaurato e ritelato, il dipinto presenta lievi cadute di colore. E' presentato in cornice antica.

Olio su tela. Scuola mittel-europea. Al retro presente monogramma No.S. e cifre di probabile inventario. Il dipinto ricorda opere di area austriaca. Raffigura una battaglia tra cavalieri, dominato in primo piano dallo scontro tra due di essi. Il dipinto proviene da una collezione storica lombarda. Ancora in prima tela e in telaio originale; al retro sono presenti rattoppi e segni di restauri antichi, ed e' stata peraltro sottoposta a ulteriore restauro pittorico e riparativo, presso il nostro laboratorio. Cretto ben marcato. Il dipinto è presentato in cornice anch'essa originale e coeva, laccata.

Olio su tavola. Scuola fiamminga del XVIII secolo. in un paesaggio di campagna con un viottolo che serpeggia tra alberi contorti, una comitiva di viandanti con uomini, donne e bambini e il mulo da carico anch'esso inginocchiato a terra, si sta riposando seduta sul ciglio del sentiero. L'opera è presentata in cornice di inizio '900.

Trinità

Olio su tela. L'originale, dipinto nel 1592 ed esposto alla Cappella Risaliti in Santa Croce a Firenze, ebbe enorme successo, tanto che ne vennero prodotte numerose copie, anche successive e non autografe. Questa versione settecentesca, di bella fattura, è di formato più piccolo, forse destinata a devozione personale in una cappella privata. L'opera presenta la Trinità in gloria, con il Padre che sorregge il corpo morto del Figlio sul cui capo volteggia lo Spirito Santo; intorno angeli e arcangeli e, ai piedi di Gesù, che poggiano ancora sulla terra, sono raffigurati gli strumenti della tortura e della morte in croce da Lui subita. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. L'opera è presentata in bella cornice coeva, con ricchi decori floreali (mancanza del decoro in alto a sinistra).

Olio su tela. Scuola lombarda del XVIII secolo. Nella composizione su fondo scuro è presentato un grande ramo carico di grappoli d' uva che si rovescia su un vaso di fiori variopinti e su altra frutta -fichi e mele - poggiate a terra; sulla cima del ramo sono appoggiati due uccellini. Già sottoposto in passato a restauro e ritelatura, il dipinto è presentato in cornice lignea di fine '800.

XVIII Secolo

Olio su tela. Scuola emiliana del XVIII secolo. Grande e variegata composizione di frutta con pesche, pere, ciliegie, melograni, uva, in mezzo alla quale sono collocate anche una grande verza e un mazzo di tuberi e alcuni garofanini; sulla sinistra due vasi di vetro con conserve di frutta. La composizione trabocca da un mastello di legno poggiato su un piano in ambiente esterno, con fronde di alberi e cespugli di sfondo. Il dipinto è stato sottoposto in passato a restauro e ritelatura. È presentato in cornice dorata in stile.

Olio su tela. L'episodio biblico raffigurato si riferisce alla storia di Daniele, il profeta alla corte di re Dario il Medo che, per aver pregato il suo Dio, venne condannato ad essere gettato nella fossa dei leoni. Ma Dio salvò Daniele, mandando un angelo a chiudere le fauci delle belve, e il re graziò Daniele facendo invece condannare chi lo aveva denunciato. Il soggetto è stato più volte raffigurato nell'arte, per il fascino legato alla storia ma anche per il suo sapore esotico per la presenza delle belve; in particolare si ricorda la versione di Rubens del 1615, ove il profeta è raffigurato, nudo nella fossa sottoterra, mentre prega ardentemente, circondato da una folla di leoni feroci. L'opera qui presentata propone invece una versione centrata sul dialogo tra il profeta e l'angelo, che si fronteggiano spiccando con i colori vividi delle loro vesti sullo sfondo scuro di una prigione; c'è un solo leone, accucciato mansuetamente ai piedi dell'angelo, e prevale quindi la dimensione spirituale e salvifica dell'evento biblico. Secondo il famoso storico dell'arte Maurizio Marini specialista nella pittura di Caravaggio e dell'arte barocca, che aveva avuto anni fa l' occasione di visionare il dipinto, l'opera potrebbe essere attribuibile ad Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) per le scelte compositive e cromatiche. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato con cornice listello.

Olio su tela. La scena racconta l'episodio biblico del libro dell' Esodo in cui il piccolo Mosè, che la madre aveva affidato al fiume all'interno di una cesta per salvarlo dalla strage dei figli maschi israeliani (ordinata dal Faraone d'Egitto per impedire che il popolo israeliano diventasse troppo numeroso e potesse ribellarsi alla schiavitù), viene ritrovato da una ancella della figlia dello stesso Faraone, che decide di adottarlo e lo salva. La scena, ambientata lungo il fiume, è interamente occupata dalle figure femminili del seguito principesco, ammassate e proiettate verso l'angolo in basso a destra ove è collocato il cesto con il neonato. Anche tutti gli sguardi sono rivolti verso il bambino, nella direzione indicata dal braccio proteso della donna in primo piano a destra. Spiccano le rotondità delle forme femminili, soprattutto delle tre figure in primo piano, ove giochi di luci e ombre fanno risaltare gli incarnati che emergono dalle vesti. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice.

Madonna Leggente con Bambino

Olio su tela. L'opera riprende, in controparte, il noto dipinto di Francesco Trevisani oggi conservato alla Galleria Nazionale d'Arte antica di Palazzo Barberini. In questa variante sono aggiunte le immaginette in basso a destra e a sinistra. La Madonna è raffigurata intenta in un duplice gesto: con un braccio sorregge teneramente il piccolo Gesù addormentato, abbandonato contro di lei e con la manina appoggiata su una mela rossa, simbolo di salvezza (la mela ricorda il peccato originale); con l'altra mano Maria regge un libro, presumibilmente di preghiere, che legge con intensità e grande concentrazione. Vi sono quindi raffigurate sia la dimensione umana, carnale, che quella spirituale di Maria. Già sottoposto in passato a restauro e ritelatura, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Paesaggio Montano con Gregge

Olio su tela. Prima metà XIX secolo. Al retro presente la firma R. Biedermann. Di questo artista vissuto sul confine svizzero -tedesco si conoscono alcuni paesaggi con greggi che rimandano alle terre dove visse. Il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Copia dal Sassoferrato

Olio su tela. Si tratta di copia di una Madonna orante dipinta da Giovan Battista Salvi, detto il Sassoferrato, che si affermò per questo tipo di raffigurazione di Maria, effigiata in atteggiamento di raccoglimento, con le mani giunte e il capo chino. Il dipinto è stato sottoposto in passato a restauro e ritelatura, con collocamento in cornice dorata di fine '800, rettangolare.

Olio su tela. Tradizionale paesaggio folto di vegetazione , con un corso d'acqua in basso a sinistra, costeggiato da sentieri su cui transitano alcune figure, di cui quella in primo piano in veste di soldato romano, che pare essere stato distaccato dal drappello che, al centro, si sta allontanando. Già sottoposto n passato a restauro e ritelatura (telaio nuovo), il dipinto presenta piccolo danno a destra. È presentato in cornice dorata di fine '8000, riadattata.

Olio su tela. Scuola veneta della metà del XVIII secolo. L'opera riprende i modi pittorici di Marco Ricci (1676 -1730), che si specializzò in grandi paesaggi spesso a scopo scenografico. L'opera potrebbe essere attribuibile ad un suo allievo. L'ampio paesaggio , incorniciato da due gruppi di alberi quasi simmetrici, presenta sinistra una lunga catena montuosa e a destra un ampio fiume che, uscendo da un lago, scende a balze nella campagna. In primo piano, una lavandaia è intenta alla sua opera mentre sul sentiero transitano due cavalieri. Il dipinto è stato sottoposto a restauro e ritelatura a metà '900; presenta attualmente cadute di colore e macchie. È presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola napoletana del XVIII secolo. L'opera deriva da quella realizzata da Francesco Solimena, ripresa ripetutamente nei secoli prima dalla sua stessa bottega poi da altri artisti anonimi. Questa copia è peraltro raffigurata specularmente rispetto all' originale, e su tela rettangolare, seppur inscritta in un ovale come nell' originale. La rappresentazione allegorica del continente americano lo vede proporre solitamente nella figura di una donna, nuda o seminuda, armata di arco e frecce, con una corona di piume esotiche sul capo, affiancata da un animale esotico, in questo caso un pappagallo, nell'atto di sottomettere un uomo sdraiato a terra, probabilmente un indigeno. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. È presentato in cornice in stile.