Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVIII secolo. Il paesaggio, ambientato in riva ad un ampio fiume, vede al centro alcune figure di contadini intenti a raccogliere della frutta da un albero: una ragazza regge la scala mentre il ragazzo recide un grappolo, sulla sinistra un'altra coppia depone i frutti raccolti in un mastello. All'intorno una vasta campagna verdeggiante e alcuni casolari. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Il paesaggio propone una campagna molto verde, attraversata centralmente da un corso d'acqua sulla cui riva, in primo piano, un gregge di bovini si abbevera; al centro, sulla riva opposta, una casa colonica immersa nel verde, e di sfondo, cime azzurrate sotto un cielo con nuvole rosate. Come è ricorrente nella paesaggistica del XVIII secolo, si ritrova qui un'atmosfera bucolica di serenità e pace, generate dalla natura. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice a listello.

Olio su tela. E' una tradizionale raffigurazione dell'evento della morte di Gesù in Croce, con la madre Maria e il discepolo prediletto ai piedi della Croce, in contemplazione del Cristo morente; sullo sfondo la città di Gerusalemme. Molto essenziale nella raffigurazione, e statica nelle posizioni delle figure evangeliche, la scena sottolinea il dramma con uno sfondo cupo, anche se una luce si apre in alto, sopra il Cristo, ad annunziare la partecipazione divina all'evento. Il dipinto già ritelato, presenta qualche piccola cadute di colore.

Olio su tela. Scuola italiana del XVIII Secolo. Il campo sinistro della scena è occupato da una grande struttura architettonica in rovina, vestigia del passato; sulla destra invece, con montagne azzurre di sfondo, sovrastanti una città, scorre un ampio fiume, che in primo piano si inoltra nella campagna boschiva, traversato da un ponticello su cui transitano due figure di viandanti. Il dipinto fa parte di quell'ampia produzione ampiamente in voga soprattutto tra la fine del Seicento e l'inizio del Settecento, che prese il nome di Capriccio architettonico, genere definito come l'arte di comporre il paesaggio attraverso la libera combinazione di elementi architettonici reali o fantastici, di rovine dell'antichità rielaborate, di figure e macchiette, secondo una varietà di declinazioni che vanno dal grottesco al visionario, dal pittoresco all'elegìaco. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord- italiana del XVIII secolo. L'ampio paesaggio vede al centro un mandriano che è appena transitato con le sue bestie sul ponticello sopra il torrente, che scorre nella campagna boschiva; di sfondo, sempre centrale, un casolare e diversi edifici di campagna. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola italiana del XVII secolo. Il padre putativo di Gesù, ben identificato dal bastone fiorito sulla cima, tiene tra le braccia il bambino, protendendolo quasi a volerlo presentare ed offrire al mondo; tra i due intercorre uno sguardo di tenerezza. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. La Sacra Famiglia è raffigurata con Maria e Giuseppe che, convergendo al cento con i loro capi ravvicinati, incorniciano Gesù Bambino, intento a giocare con un agnello, simbolo iconografico della vittima sacrificale, quindi preludio della Passione, insieme alla piccola Croce che il bambino tiene in una mano. In alto a destra compare la scritta anno 1845, indicazione d'epoca aggiunta probabilmente in fase di restauro successivo. L'opera infatti risulta restaurata e ritelata. E' presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Provenienti da una collezione privata in cui erano riunite a pendant, le due composizioni sono in realtà differenti per manifattura e tecnica, oltre che per le dimensioni delle tele. La tela di dimensioni leggermente più grandi (71 x 91 cm), ad olio, propone due diversi cestini di vimini ricolmi d'uva bianca e rossa, contornati da altra frutta (pere e pesche) e con uno scoiattolino curioso che annusa l'aria; lo sfondo scuro è vuoto. La seconda tela (64 x 88 cm) è realizzata con la tecnica ad olio magro, che la rende molto vicina per effetto pittorico ad una tempera su tela; la composizione è fatta da fiori variegati e frutta (anguria, uva, pesche), ed è collocata in un ambiente esterno, seppur poco definito (le nuvole sulla sinistra). Entrambe le tele necessitano di pulizia; la prima presenta tracce di restauro precedente e ritelatura (rattoppo al retro), mentre la seconda, in prima tela molto lisa, presenta diffusissimi piccoli buchi e cadute di colore. Entrambe le opere sono presentate in cornici laccate bianche, seppur differenti per forma.

Olio su tela. Scuola nord-europea del XVIII secolo. Una targhetta sulla cornice attribuisce l'opera a Meindert Hobbema (1638 -1709) uno dei massimi paesaggisti olandesi. Pur non confermando l'attribuzione, si apprezza la buona qualità pittorica del paesaggio alberato, animato da figurine e con un grazioso cottage che spicca al centro, ove spiccano i giochi di luci ed ombre creati dal sole tra le fronde degli alberi. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di metà '900.

Incisioni su carta. Cinque sono da disegni di Giuseppe Zocchi (1711-1767) e le altre cinque da disegni di Jacopo Amigoni (1682-1752). Raffigurano tutte episodi dell'Antico Testamento, con personaggi ed episodi diversi. Di Zocchi si hanno scene della vita di Tobia, di Iefte, di Mosè (il roveto ardente), di Agar e di Lot. Di Amigoni, scene della vita di Giacobbe, di Davide con Abigail, di Abramo e altre due di Mosè (Mosè salvato dalle acque e Mosè che difende le figlie di Ierto al pozzo). Il tedesco Joseph Wagner si formò come pittore a Venezia, nella bottega del pittore rococò Jacopo Amigoni, il quale lo invitò a dedicarsi all'incisione a bulino su rame. Nel 1739 fondò a Venezia la Calcografia Wagneriana, che divenne in breve tempo il più importante centro di produzione di stampe della Serenissima; la sua bottega fu molto frequentata da numerosi acquafortisti veneti (il Volpato, il Brustolon, il Piranesi per citarne alcuni). Nella prolifica bottega i più valenti incisori attivi all'epoca vennero impiegati nella realizzazione di centinaia di stampe riproducenti tutti i generi della variegata cultura figurativa lagunare del Settecento, realizzando opere di alto livello qualitativo, in cui ad avere un ruolo di primo piano furono da subito le stampe tratte da prototipi di Amigoni, Le scene riproposte sono di gusto rococò, ambientate in paesaggi dominati da una natura gentile e impreziositi dalla presenza di ruderi antichi, e inserite in leggiadre cornici rocaille. Le incisioni presentano lievi gore di umidità. Sono presentate in cornici coeve dorate, con vetri d'epoca.

Olio su tela. La composizione floreale rientra nell'ampia produzione di tale soggetto che si diffuse in Italia e in Europa a partire dal XVII secolo, con scopi prettamente decorativi. Il dipinto qui proposto presenta tracce di restauri precedenti ed è stato ritelato, ma necessita di ulteriore pulizia. E' presentato in cornice antica rilaccata.

Olio su tela. La composizione floreale rientra nell'ampia produzione di tale soggetto che si diffuse in Italia e in Europa a partire dal XVII secolo, con scopi prettamente decorativi. Il dipinto qui proposto presenta tracce di restauri precedenti ed è stato ritelato, ma necessita di ulteriore pulizia. E' presentato in cornice antica rilaccata.

Scena galante e Scena pastorale

Coppia di dipinti su cuoio, raffiguranti una scena galante e una scena pastorale. In cornici in stile.

Les Gueux, 1622 (serie completa)

Incisioni ad acquaforte. Si tratta della serie completa di 25 incisioni su carta dei "Mendicanti" (Les Gueux), realizzata dall'incisore francese a Nancy, e ampiamente riprodotta per la popolarità che ottenne; Rembrandt, che possedeva una collezione di stampe di Callot, si ispirò ad esse per le sue figure di mendicanti.. Vengono raffigurati mendicanti o popolani di origine italiana (Callot eseguì i disegni in Italia) che simboleggiano le povertà e le piaghe della condizione umana. Le incisioni non sono state firmate dall'autore, ma sono state numerate; solo la prima incisione, che raffigura un umilissimo personaggio che porta una bandiera con la scritta "Capitano De Baroni", e che rappresenta anche il frontespizio della raccolta, riporta il nome del disegnatore ed incisore. Tutta la serie è presentata in cornici in stile.