Scène du sacrifice à Vénus

Aquarelle sur papier. En bas à gauche le nom Giuseppe Cades, Bien qu'au dos, en plus de l'attribution, le titre "Le serment de la Vestale" soit proposé, la scène propose plutôt une jeune fille qui offre des guirlandes de fleurs à la statue de la déesse Vénus, traditionnellement représentée discrète, qui tient le voile d'une main pour couvrir les reins tandis que l'autre va couvrir la poitrine, et la tête aux cheveux froncés et ornés de fleurs. Derrière la jeune fille, un jeune homme regarde la scène, tandis qu'un troisième regarde derrière la colonne du temple : il semble donc une scène de supplication à la déesse, lui demandant de favoriser l'amour des deux jeunes hommes : selon les deux grecs et de tradition romaine, les jeunes avant les noces se consacraient à cette déesse, considérée comme protectrice du mariage et de la fidélité conjugale. L'œuvre semble proche de la production de Giuseppe Cades, qui dans la décennie 1780-90 devint l'une des personnalités les plus connues et les plus appréciées du monde artistique romain, et fut également dessinateur et graveur. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Caprice architectural avec personnages

Encre brune sur papier. Ecole vénitienne de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Il s'agit d'un croquis avec un aperçu du Palais des Doges à Venise vu des arches d'un bâtiment en face, et avec des croquis de personnages. Le dessin provient d'une importante collection privée italienne. Présenté dans un cadre élégant.

Technique mixte sur papier, appliquée sur carton. école italienne. Le nom de Londonio est proposé au dos : l'œuvre délicate rappelle certainement le sujet et la manière de l'œuvre de Francesco Londonio (1723-1783), l'artiste milanais spécialisé dans le genre animalier et pastoral. On peut plutôt la considérer comme une œuvre inspirée de Londonio, par un artiste proche de son domaine.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. La scène se déroule dans la boutique d'un barbier, qui a l' intention de couper les cheveux d'un homme sous l'œil vigilant d'autres clients et, surtout, de certaines femmes avec des enfants, dont l' observe même le résultat de l'Opéra. Les lunettes ont été introduites dans l'art d'abord comme signe de distinction, puis aussi comme signe d'attention scientifique, délimitant progressivement la figure du savant, du médecin et du chirurgien : dans cette toile, elles soulignent en fait l'ironie de la scène, utilisée comme un outil pour un examen féminin attentif de la coupe de cheveux de son conjoint ! Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Le visage de la Vierge rappelle dans le mode de représentation les peintures de Giovanni Battista Salvi dit le Sassoferrato (1609 -1685), dont le style a été largement repris aux Xviiie et Xixe siècles. Au dos de la peinture se trouve un cartouche avec numéro d’inventaire (N. 193) et le nom du collectionneur Giuseppe Bertarelli (1804-1875), commerçant et philanthrope milanais, connu pour les donations d’œuvres d’art importantes à la Pinacothèque Ambrosiana. La peinture est en première toile; nécessite une restauration pour les petites chutes de couleur et deux petits trous. Il est présenté dans un cadre cohérent.

Eau-forte 1682

Gravure. Il s'agit d'une grande vue pliée extraite du "Theatrum Statuum Regiae Celsitudinis Sabaudiae Ducis", célèbre ouvrage imprimé in-folio par les héritiers de Giovanni Blaeu à Amsterdam en 1682, qui décrit les domaines de la Savoie. La vue, l'une des plus larges, représente la ville d'Andorno, dans la région de Biella. En bon état général, il présente la pliure centrale du livre et deux plis latéraux. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Dans la scène se déroulant à l'intérieur d'une taverne, une bagarre est décrite entre deux hommes, qui sont détenus par les autres clients et par l'aubergiste ; sur la table, à côté du déjeuner interrompu, les cartes du jeu qui ont déclenché la querelle. Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Tempera sur papier, appliquée sur panneau dur. L'épisode biblique représenté, raconté dans le livre de l'Exode, raconte comment le jeune Moïse, à la cour du pharaon d'Égypte, défend les sept jeunes filles du prêtre Jetro, harcelées par certains bergers madianites alors qu'ils tirent de l'eau du puits. Suite à cette intervention, Moïse recevra comme épouse l'une des filles de Jetro, Sefora. Sujet largement re-proposé dans l'art, il est ici présenté avec une attention particulière à la composante portrait, avec une exacerbation particulière des traits expressifs, tant dans les visages que dans les poses, des personnages. La scène est très animée, avec la figure de Moïse au centre, vigoureux et combatif, qui sépare le champ en deux: à sa gauche les sept filles, chacune caractérisée par un comportement différent; à droite les bergers importuns, qui souffrent de la colère de Moïse. En arrière-plan, un paysage typique des productions du XVIIIe siècle, avec une ruine architecturale derrière le puits. L'œuvre est présentée dans un cadre en style.

XVIIIe siècle

Peint sous verre. le Christ en croix et Madeleine agenouillée à ses pieds, nue et les cheveux longs détachés selon l'iconographie traditionnelle ; sur le sol près de la Croix, un crâne, traditionnel Memento mori, et une jarre en albâtre, celle contenant l'huile précieuse avec laquelle, selon le récit évangélique, la Madeleine a oint les pieds de Jésus en signe de dévotion en reconnaissance de la royauté . Le tableau est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Sant'Antonio Abate et San Paolo l'Ermite

Huile sur toile. C'est un vaste paysage nordique, dominé par des pics rocheux à gauche et un lac avec une île centrale à droite ; au premier plan quelques figures qui racontent la légende de San Paolo Eremita, à gauche, et de Sant'Antonio abate, à droite avec un centaure. La Légende dorée de Jacopo da Varagine raconte que Saint Antoine l'Abbé rendit visite à Paul l'ermite, qui pendant quarante ans avait vécu dans la solitude nourri par un corbeau qui lui apportait du pain chaque jour. Sant'Antonio a demandé des nouvelles d'un centaure, qui également dans cette scène lui montre le chemin à suivre avec son bras. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre de style.

Peint sous verre. La Madeleine est représentée en prière devant le Crucifix, nue et avec ses longs cheveux détachés, attributs qui la caractérisent. et avec ses mains sur un crâne, le traditionnel Memento mori. La peinture a de légères pertes de couleur. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain, appliqué sur un cadre plus large de la fin du XIXe siècle.

Peint sous verre

Peint sous verre. Dans un paysage de campagne, aux portes d'une chaumière, un homme portant une lampe à huile et tenant une lance s'éloigne du chemin, peut-être en chasse, suivi du chien. La construction et le paysage sont nordiques. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Peinture à l'huile sur toile. En bas à gauche il y a un double monogramme AL-LB et la date 1847. Saint François contemplant la Croix dans le désert rocheux, tourne la tête en extase vers la lumière qui vient d'en haut. Le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.

Huile sur toile. École du nord de l'Italie. Dans la scène quatre jeunes filles dansent, accompagnées de différents instruments: Vénus, qui se distingue par la couronne sur sa tête, bat sur un triangle, les trois grâces ont un tambourin et des castagnettes. En bas au centre, un garçon les accompagne avec la flûte, tandis qu'à gauche, assis sur un rocher appuyé sur son épée, le dieu Mars les observe. Restauré et regarni, le tableau est présenté dans un cadre doré à l'ancienne.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne. La scène pleine de personnages, propose la Sainte Famille en route pour l'Égypte, conduite par un Ange et assistée d'en haut par d'autres petits anges. Insérées dans un paysage italien classique, les personnages sont représentés dans une dimension très terrestre: l'Enfant, bien qu'auréolé, dort paisiblement dans les bras de sa Mère; Maria, che indossa un inconsueto copricapo da pellegrina, incrocia lo sguardo con il suo sposo Giuseppe, il quale mentre con un gesto tenero (le poggia una mano sul ginocchio) la sta rassicurando, dialoga intanto con l'Angelo da cui si fa indicare la route. Regarnissée, la peinture présente des pertes de couleur qui nécessitent une restauration. Il est dans un cadre adapté, de la fin des années 1800 au début des années 1900.