QUADRI E DIPINTI ANTICHI

Olio su tela. Scuola emiliana del XVII secolo. Maria e Gesù sono qui raffigurati in atteggiamento di intimità molto umana, in un gioco di abbracci e sguardi, in cui anche il volto di Gesù che guarda lo spettatore in realtà trasmette la gioia del bambino che si gode l'abbraccio materno, piuttosto che la proiezione del Cristo verso il suo destino. Solo la piccola mela che il bimbo tiene in una mano, quasi nascosta, richiama il suo ruolo di redentore. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro. È presentato in cornice in stile.

Seguace di Carlo Cignani

Olio su tela. L'opera è una delle varie versioni e repliche coeve di un' opera di Carlo Cignani, che testimoniano il successo che il soggetto ebbe, ed è riconducibile alla sua bottega o ad un suo seguace. L'allegoria della Carità risulta essere uno dei temi preferiti di Carlo Cignani, che lo realizzò più volte. Essa è sempre rappresentata come una donna che allatta, circondata spesso da numerosi fanciulli, simbolo dell'amore incondizionato che dona agli altri. In questa rappresentazione, la donna porge il seno a due bambini più grandetti, mentre copre il neonato in fasce che dorme nella culla. La scena risulta vivace e serena, caratterizzata dalla naturalezza dei gesti, semplici ma pieni di tenerezza; uno dei bambini tiene in mano due ciliege, simbolo di amore e dolcezza. Il dipinto presenta segni di restauro e ritelatura realizzati a fine '800. Di tale periodo è anche la cornice, dorata decorata con fregi.

Olio su tela. Scuola centro-italiana del XVIII secolo. All'interno di un vaso ad anfora è collocata una composizione di fiori variegati, sul piano d'appoggio alcuni frutti (un melograno e uva nera). Classica composizione decorativa, spesso abbinata a dipinti gemelli. L'opera è stata in passato sottoposta a restauro e ritelatura. È presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola olandese del XVIII secolo. Nella scena drammatica tre velieri sono in balia di un mare in burrasca; su due di essi sventola la bandiera olandese, sul terzo, più piccolo, quasi una scialuppa, un'altra bandiera. Cielo e mare grigi e tempestosi creano uno sfondo omogeneamente cupo, in cui si apre un spiraglio di luce sulla destra, in uno squarcio delle nubi. Il dipinto è stato sottoposto in passato a restauro e ritelatura. È presentato in cornice antica coeva.

Olio su tela. Scuola Nord-europea. Una giovane donna vuole richiamare la sua passione, o forse il suo ingaggio, nel mondo della musica, facendosi ritrarre con uno spartito in mano. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata in stile.

Olio su tela. Scuola napoletana del XVII secolo. Il dipinto, già attribuito a Scipione Compagno (1624 - 1680), rientra appunto nei suoi modi pittorici (peraltro propri del filone di immagini a carattere narrativo tipico della cultura partenopea seicentesca), che descrivono scene e avvenimenti con innumerevoli figure, paesaggi e vedute descritti con una tavolozza di colori bruni e marroni, salvo i guizzi di colore che marcano i personaggi salienti delle scene. La scena, appunto piena di figure, vede in primo piano l'esercito egiziano travolto dalle acque del Mar Rosso, mentre sulla riva in secondo piano il popolo israelita, ormai in salvo, osserva e festeggia con danze e canti; al centro più arretrato Mosè in piedi tiene levato il braccio con il suo bastone, nel gesto che ha evocato il miracolo della separazione delle acque. Il dipinto è stato in passato restaurato in antico. Presenta attualmente una lieve caduta di colore sulla sinistra. È presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela. Scuola francese del XVIII secolo. Il nobiluomo ritratto con il corpetto dell' armatura su un abito civile con pizzi e passamanerie, ostenta l' importante onorificenza della Croce dell' Ordine di Malta. Il dipinto è ancora in prima tela, ma presenta tracce di restauri pregressi e recenti. Al retro presente cartiglio descrittivo non decifrabile. È presentato in cornice di fine '800.

Copia da Jacopo Palma il Vecchio

Olio su tela. Il dipinto originale a cui questo guarda, fedele anche nella misura, appartenente a collezione privata venne esposto nel 2022 alla mostra organizzata dal Museo di Santa Caterina di Treviso. L' opera raffigura al centro la Madonna con il Bambino, a destra due sante quasi isolate in una loro discussione spirituale, delle quali la figura più a destra è quella di Santa Caterina, riconoscibile per l'attributo della ruota dentata; sulla sinistra c'è invece san Giuseppe, raffigurato con sembianze giovanili, probabilmente perchè utilizza i tratti del committente. Il dipinto è stato in passato restaurato. È presentato in cornice dorata, in stile.

Olio su tela. Scuola centro-italiana del XVII secolo. L'immagine rappresenta la Vergine con il Bambino Gesù seduto sulle sue ginocchia, ed entrambi hanno il capo coronato. Il Bambino è rappresentato in atto benedicente verso lo spettatore, mentre tiene un fiore nell'altra mano. L'iconografia della Madonna con Bambino entrambi incoronati si diffuse ampiamente solo a partire dal XVI secolo, sebbene il tema della Madonna in trono fosse già diffuso in precedenza, così come la sua Incoronazione. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. È presentato in cornice lignea del '700.

Paesaggio con Rovine Classicheggianti

Olio su tela. Il dipinto è corredato di expertise su foto del dott. Giovanni Gentile, esperto d'arte e perito per il tribunale di Milano, che ne attribuisce la paternità a Pieter De Witte, figlio illegittimo di Pieter I e suo allievo. Pieter II, olandese ma che viaggiò e lavorò molto in Italia, si affermò con i suoi paesaggi classici, inondati di luce e spesso occupati da resti architettonici classicheggianti. Anche in quest' opera risalta l'effetto luministico che dal cielo inonda il bosco e il capriccio architettonico sottostanti. L'atmosfera è silenziosa e priva di segni di esseri animati, lasciando dominar e un "senso di arcadia morente". Il dipinto è stato sottoposto in passato a restauro e ritelatura. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola centro-italiana del XVIII secolo. All'interno di un vaso ad anfora è collocata una composizione di fiori variegati, sul piano d'appoggio alcuni frutti (fichi e uva). Classica composizione decorativa, spesso abbinata a dipinti gemelli. L'opera è stata in passato sottoposta a restauro e ritelatura. È presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Proveniente da importante villa emiliana, il grande sovraporta raffigura una cornice ottagonale con fregi a volute e decoro floreale, dentro la quale è rappresentato un putto alato che regge una torcia accesa, mentre volteggia sopra una coppa. Tale figura ha un significato allegorico, incarnando concetti legati alla passione, alla luce o alla vita. La tela presenta lievi cadute di colore in basso. È presentata in cornice in stile.

Olio su tela. La scena è completamente riempita dalle figure, presentate in primo piano a mezzo busto: i tre magi, che occupano tutta la parte destra, presentano i loro doni al Bambin Gesù in braccio a Maria, sulla sinistra, mentre la figura di Giuseppe compare defilata in secondo piano, come ombra che veglia e assiste la famiglia. Il dipinto presenta tracce di precedenti restauri. È presentato in cornice in stile, di inizio '900.

Olio su tela. Si tratta di copia, con piccole modifiche, del dipinto di Salvator Rosa (1615-1673), conservato alla Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze. Detto anche "Marina al tramonto", per il grande tramonto che irradia luce dal fondo a destra, il dipinto è caratterizzato da una fervente attività portuale, con diverse figure ad animare la scena, dagli operai intenti alla costruzione del galeone puntellato al suolo e coperto da un telone bianco sotto le rovine di una fortezza dominata da una torre, al gruppo di bagnanti che approfitta degli ultimi raggi di sole. L'opera presenta numerosi rattoppi e necessita di restauro. Ancora in prima tela, è presentata in cornice di fine '800.

Olio su tela. Scuola nord- italiana del XVIII secolo. Il gentiluomo, in elegante abito con mantello rosso, è stato ritratto con diversi oggetti collocati sullo scrittoio davanti a lui, libri, un compasso e altri attrezzi da disegno, a indicare il suo interesse per le arti e l cultura. Il dipinto è stato in passato restaurato e ritelato in antico. È presentato in cornice lignea laccata coeva.

Copia da Simon Vouet

Olio su tela. Si tratta di una bella copia del celebre dipinto realizzato da Simon Vouet (1590 -1649) tra il 1618 e il 1620, e collocato in una cappella della chiesa di San Francesco a Ripa a Roma. Realizzata dal Vouet durante il suo soggiorno romano, l'opera risente di un'importante influenza caravaggesca, nelle scelte cromatiche e luministiche, come nelle pose delle figure. Tali caratteristiche si ritrovano fedeli in questa copia. La tavolozza è ricca di colori (azzurri, arancioni, ovviamente rossi) che si materializzano in panneggi di gran pennello, ma sovrabbondano anche i panni bianchi che sono ovunque per dar luce e generare impatto visivo. Ricchi i particolari: l' acconciatura elaborata dei capelli del personaggio di spalle ed il suo piede nudo in primo piano (ma non sporco, come quelli del Merisi); il vaso bianco a terra in contrasto al grande catino di rame; i merletti della camicia e il turbante della donna a destra, così come la mano sinistra di quest'ultima (tipica posa caravaggesca) protesa aperta verso lo spettatore che dà un colpo di profondità alla scena. Il dipinto è stato restaurato e ritelato a fine '800, e montato su telaio di tale periodo. È presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela. Grande scena pastorale, con una mandria di bovini ed ovini che si abbevera al fiume, mentre sulla sinistra la pastorella dà indicazioni ad un viandante; sullo sfondo rilievi rocciosi azzurrati. Sul retro della tela è indicata "Scuola di Domenico Brandi" : la modalità pittorica rimanda in effetti al pittore paesaggista napoletano (1684 -1736), affermatosi per i paesaggi bucolici animati da figure pastorali. Potrebbe trattarsi quindi del lavoro di un allievo o di un seguace. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. Attualmente presenta macchie di sporco. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola veneta del XVII secolo. È qui rappresentato l'episodio evangelico dell' incontro di Gesù con la donna Samaritana, al pozzo a cui il Cristo si era fermato ad abbeverarsi. Dall' incontro scaturisce un dialogo di alto valore teologico, che si conclude con la conversione della donna. In questa raffigurazione le due figure sono collocate ai lati del pozzo, con le mani che quasi si incontrano al di sopra di esso simbolo, dell'"acqua viva, chi beve della quale non avrà più sete", ovvero del Cristo stesso: la donna guarda in basso ed indica l'acqua del pozzo, Gesù invece si rivolge direttamente a lei, anche con lo sguardo, per attirarla a sè nel suo Amore salvifico. Le due figure occupano tutta la scena ed irradiano luce, con i colori delle vesti- tipici della pittura veneta - che danno loro risalto; intorno ad esse sfuma un paesaggio in ombra, poco definito, così come restano in ombra e arretrate sullo fondo a sinistra alcune figure del seguito di Gesù, che non entrano nel dialogo intimo dei due protagonisti. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. È presentato in cornice laccata di fine '800.

Olio su rame. Scuola fiamminga del XVII secolo. Il dipinto, attribuito da tradizione orale a Frans Francken il giovane (1581 -1642), raffigura una guarigione miracolosa compiuta da Gesù: mentre va con i suoi discepoli, Egli incontra sulla sua strada un uomo malato, probabilmente di lebbra, malattia che comportava l'isolamento e il bando dalla città; l'uomo invoca il Cristo che compie il miracolo e lo guarisce. Il dipinto colloca l' evento sul margine sinistro della scena, in primo piano, ove le figure vestite secondo la foggia propria dei tempi del Cristo, spiccano per i colori vivaci; peraltro il paesaggio che riempie tutto il resto della scena è decisamente nordico, con un fiume pieno d'acqua che scorre in una campagna ricca di vegetazione, e una città sullo sfondo sotto cime montuose. La descrizione pittorica della vegetazione è minuziosa e precisa, ricca e ben definita nei particolari: il tronco spezzato in primo piano, le fronde del grande albero alle spalle dei personaggi, gli uccellini che volano alti nel cielo, i fiorellini sulla riva, le sfumature dell'acqua in cui si specchiano le piante e le nuvole, sono dipinti con una raffinatezza pittorica propria della pittura fiamminga, vicina per stile a quella del grande artista di Anversa. Il dipinto è presentato in cornice antica riadattata.

Olio su tavola. Scuola veneta di metà XVI secolo. Il Cristo crocifisso al centro della scena è contornato da quattro santi identificabili dai loro segni iconografici: a sinistra, San Francesco e San Girolamo, a destra San Sebastiano e San Rocco. Sullo sfondo lo scorcio di una città, probabilmente Roma a indicare il collegamento con la Chiesa come istituzione. Sul retro è presente etichetta cartacea con numero (da collezione privata dell' 800). Il dipinto è presentato in cornice a listello.

Figure di Natura Morta

Olio su tela. Sulla botte in basso a sinistra è presente la firma H.Sanders. La scena, ambientata in esterno in una via di una città fiamminga, con il canale di sfondo sulla sinistra, vede in primo piano una venditrice di ortaggi dietro il suo banchetto, che è allestito con una variegata composizione di ortaggi invernali, una natura morta composta da cavolfiori, verze, carote, pannocchie; al fianco della donna, un passante che porta in spalla un arpione, le sta offrendo dei pesci, evidentemente il frutto del suo pescato che vuole vendere. L' ambientazione fa pensare ad Amsterdam, città ove nacque e visse il pittore olandese Hercules (o Herkules) Sanders, che si affermò prevalentemente come ritrattista, ma di cui è nota una scena di genere in interno, attualmente presso il Detroit Institute of Arts, datata 1647 e intitolata "Donna che pulisce il pesce", la cui figura femminile molto somiglia alla venditrice dell'opera qui presentata. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola napoletana del XVII secolo. Una composizione di fiori variegati, in tonalità chiare è collocata in un vaso, nero come lo sfondo, su una base marmorea, di cui si distingue solo la base, perchè ricoperta da un tessuto anch'esso nero, di cui spicca solo la passamaneria dorata disposta a creare un gioco di curve; sui due lati del piano sono appoggiati due uccelli, un grosso piccione sulla sinistra che tiene nel becco un rametto rubato alla composizione, e un picchio testa rossa a destra. Lungo il margine sinistro si apre uno paesaggio, con un alto albero ricurvo sotto un cielo scuro, e di sfondo una città. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela. Scuola centro-italiana del XVII secolo. L'insolita e particolare rappresentazione presenta sulla sinistra le tre figure della Sacra Famiglia, con Gesù già fanciullo, seduti alla tavola e benedicenti il semplice pasto che si accingono a consumare (composto da frutta e pane); la scena, soggetto raffigurato piuttosto raramente e in genere con carattere di maggior sacralità per la presenza di angeli che servono il cibo alla famiglia, ha qui invece il sapore dell'intimità domestica molto normale e semplice. Spicca invece maestosamente tutto intorno alla Sacra Famiglia, lo scorcio di una città rinascimentale, con alti palazzi a logge e colonnati, presentati secondo una bell'effetto prospettico che conduce, in fondo a destra, alle mura di ingresso ad una città riccamente turrita, probabilmente Gerusalemme. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela. Una delicata composizione di fiori è collocata dentro una sorta di culla di legno, con funghi e frutti per terra; lo sfondo è in esterno, ma poco definito da macchie varie. L'opera, in prima tela, è presentata peraltro in una bella cornice degli inizi del XVIII secolo, in legno di tiglio intagliata a serto fogliaceo trattenuto da nastri, e dorata a guazzo.