PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 12

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido asunto del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, relatada en el Primer Libro de los Reyes: «El rey Salomón superaba a todos los reyes de la tierra en riqueza y sabiduría. En todas partes de la tierra la gente anhelaba acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le llevaban, cada año, ofrendas de plata y objetos de oro, túnicas, armas, aromas, caballos y mulas». En el cuadro, el rey, suntuosamente ataviado con los símbolos de la realeza (corona, cetro, manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos que dicta su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas, acordes con su papel social: algunos campesinos traen como regalo sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otro levanta una copa en alto, para llamar la atención del rey. El cuadro recuerda por sus colores y estilo pictórico a la producción del norte de Italia, especialmente de la región del Véneto. El cuadro ha sido restaurado y retocado.

Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Carataco fue un rey celta de la tribu britana Catuvellauni, líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Britania a partir del año 43 d.C.. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de combate en combate, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d.C. por Cartimandua, reina de los brigantes de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia. Conducido ante el emperador, el rey bretón habló con tal sabiduría y orgullo (discurso recogido por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió clemencia a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro representa el momento de la peroración de Carataco, en el centro de la escena encadenado, que defiende fervientemente su causa ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. El cuadro, restaurado y repintado a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena representa un episodio histórico, no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven de armas tomar, acompañado de su madre, que apoya su petición. El escenario se sitúa en el salón de recepciones del alto prelado, presumiblemente en el palacio episcopal, que, desde la logia del fondo, domina la catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado por sus subordinados y guardias, mientras varias personas del pueblo observan. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera narrando. La atmósfera se juega en los contrastes entre luces y sombras, entre los colores vivos de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y suaves de las figuras del contorno, que tienden literalmente a desaparecer en las sombras al borde de la escena. La obra se inscribe en la amplia producción del siglo XIX que recurría a temas históricos o literarios, reproponiéndolos en clave romántica. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un importante marco de la segunda mitad del siglo XIX, con faltantes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de principios del siglo XIX. El cuadro, según el gusto del siglo XIX, pretende proponer más una escena de género que un paisaje: en primer plano, en un paisaje rural árido con restos de nieve, destacan las figuras de una pequeña familia que desciende de una especie de trineo. .. hecho de madera, relleno de paja y tirado por un caballo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un elegante marco de madera dorada, con varios defectos.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el bebé Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena, situada a orillas del río, está ocupada en su totalidad por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se encuentra la cesta con el recién nacido. Todas las miradas se dirigen también hacia el niño, en la dirección indicada por el brazo extendido de la mujer del primer plano derecho. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras del primer plano, donde los juegos de luces y sombras resaltan las complexiones que emergen de los ropajes. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta enmarcado.

Escena de Asedio

Óleo sobre lienzo. En el exterior de las fortificaciones de una ciudad, un comandante, rodeado de sus soldados, se dispone a encender la mecha de un cañón. El ejército defiende la ciudadela extramuros y los soldados otean el horizonte mirando hacia abajo, lo que induce a situar la escena en las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova, que se alzan sobre las montañas que hay detrás y desde las que los genoveses defendían la ciudad de los ataques procedentes del mar; la localización en Génova se apoya en el estandarte que ondea en las murallas, la Cruz de San Jorge (cruz roja sobre campo blanco), estandarte de la República de Génova. El estilo de las armaduras, armas y vestimentas haría referencia al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de una representación decimonónica de un episodio histórico, que se inscribe así en la producción pictórica generalizada en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesta por la literatura. En el reverso del marco figura el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera y, en particular, seguidor de Giuseppe Sogni, artista que fue uno de los primeros en favorecer la pintura de tema histórico en sus innovadoras declinaciones románticas. No se sabe mucho de Boni, ni biográficamente ni en cuanto a su producción. Sólo se sabe que se le atribuye el Nudo d'uomo (Academia pintada), con el que ganó el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra representa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; las figuras del primer plano están muy bien caracterizadas en sus poses, expresiones, detalles de vestimenta y armas, mientras que las otras figuras se difuminan en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. El cuadro, todavía en primer lienzo, presenta pequeños difuminados de color. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana de los siglos XVII-XVIII. Se trata de una copia temprana de la célebre tabla de Correggio titulada La Madonna di San Girolamo o Il Giorno (La Virgen de San Jerónimo o El Día), fechada hacia 1528 y conservada en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra que el santo realizó a petición del papa Dámaso y que completó ocultándose en soledad en la cueva de Belén. En el cuadro, la centralidad de la escena la ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos. A su alrededor, varias figuras se disponen en semicírculo. A la izquierda, la poderosa figura del anciano Jerónimo, que mira al Niño con el rollo de la traducción en la mano, y el león, su compañero ermitaño, agazapado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia y se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. En el otro lado, Magdalena está semiacostada, abrazando cariñosamente el pie del niño, que a su vez le acaricia el pelo, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos de la santa penitente. La escena se desarrolla bajo una cortina roja, abierta a un amplio paisaje. El cuadro de Correggio tuvo tanto éxito que existen numerosas copias y réplicas antiguas, entre ellas la que aquí se presenta. La obra, restaurada y retocada, se presenta en un marco antiguo coetáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

Figuras con Bodegones Otoñales

Óleo sobre lienzo. En el tonel, en la esquina inferior izquierda, figura la firma de H. Sanders. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, montado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflor, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón le ofrece pescado, evidentemente el fruto de su pesca que quiere vender. El escenario recuerda Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se estableció principalmente como retratista, pero del que conocemos una escena de género en un interior, hoy en el Detroit Institute of Arts, fechada en 1647 y titulada «Mujer limpiando pescado», cuya figura femenina se asemeja mucho a la vendedora de la obra que aquí se presenta. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un numeroso grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos con ropajes orientales, rodean a Juan el Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con su bastón coronado por la Cruz y envuelto en un rollo, un cordero a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela por encima de las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX-principios del XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Interior del Establo

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La obra fue adquirida anteriormente en la subasta de Sotheby's en Milán el 10/12/2007. Fue expuesta en 1991 en la exposición «Giovanni Sottocornola. Immagini da una collezione» celebrada en Milán en la Galería Silbernagl. Tras una primera fase pictórica dedicada a retratos y naturalezas muertas, Giovanni Sottocornola se acercó en la década de 1880 a los temas sociales, que se estaban convirtiendo en los temas preferidos de los jóvenes pintores lombardos atentos a los aspectos más miserables de la sociedad, vinculados a la adopción de técnicas artísticas originales. Sottocornola abrazó la práctica de la pintura divisionista, de la que escribió en 1895: «Por ahora, estoy convencido de que no hay otra pintura más capaz de transmitir ciertas sensaciones que ésta». Este tipo de pintura, sin embargo, permaneció en la mente del artista totalmente centrada en la luz, en sus inciertas vibraciones tonales, como en Interno di stalla (Interior de un establo), pintado hacia finales de la década de 1880, donde es el juego de luces y sombras el que juega y crea los efectos visuales en las pinceladas de color jugadas sobre unas pocas gamas cromáticas, las de los marrones, expresadas en una amplia variedad de tonos. La opea se presenta en un marco estilizado.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los modos pictóricos retoman los de modelos ampliamente reproducidos, empezando por Correggio, Barocci y las numerosas versiones de Gherardo delle notti, el pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de oscuridad y luz, claroscuros. También en esta obra, la luz que irradia el Niño Jesús ilumina a las figuras que le rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco del siglo XIX.

Copia de Guido Reni

Óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variantes, del famoso tema creado por el célebre pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que representa a la Virgen en oración inclinada para adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras su gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada posteriormente por otros artistas del siglo XVII, entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi, conocido como «Il Sassoferrato». Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena presentan a la Virgen con las manos juntas en oración, hecha suya por Salvi, o con las manos sobre el pecho, como ésta, típicamente de Reno. Otras variantes se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, girada hacia arriba, como en esta versión, en lugar de reclinada hacia un lado; por último, cambian las telas del fondo. Sin embargo, la intensidad de la escena también destaca en esta réplica: ocupando la escena transversalmente está el cuerpo abandonado del niño en reposo, donde la naturaleza divina somete a la humana dormida; sobre él, inclinado en un gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, está el cuerpo de María, expresando toda la ternura maternal pero también, en el gesto de sus manos, la adoración del misterio encarnado representado por su hijito. Los vivos colores de las telas -el cojín sobre el que yace Jesús, el cortinaje de detrás, las ropas de la Madre- resaltan la luminosidad de los tonos de la carne. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Lombardía-Venecia

Escultura de madera de tilo, pintada en policromía y que representa a San Pascual Baylón (1540-1592) en adoración de la Eucaristía, que sostiene en su mano izquierda una custodia ahora desprovista de su relicario radiante. Reconocible no sólo por la actitud típica de su iconografía, sino también por su hábito franciscano y su rostro imberbe. La proclamación como Beato en 1618 constituye un terminus post quem para la realización de la escultura, lo que confirma también el carácter estilístico de la talla, en particular por los gruesos mechones de cabello, la boca carnosa y los pesados párpados, característicos de la escultura de la primera mitad del siglo XVII.

Escena Interior

Óleo sobre lienzo. Sin firmar, pero al dorso hay una dedicatoria «A la signora Clelia Mazzioli, con estima Gaetano Bellei 23 de enero de 1909». La gran escena, ambientada en una cocina popular, muestra a una mujer leyendo cartas a dos niñas, que piden explicaciones señalando las figuras que aparecen y parecen compararlas con un texto que reposa sobre una silla. La obra recuerda la pintura de Gaetano Bellei, debido al fuerte realismo con el que el pintor pintó principalmente escenas de la vida cotidiana campesina. Se le considera un maestro de la representación de los afectos humanos y de las reacciones y sentimientos humanos. El cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un elegante marco.