Pintura al óleo sobre lienzo. Una gran estructura arquitectónica, imponente en su clasicismo, con altas columnas torcidas y elaborados capiteles de estilo corintio, domina un paisaje lacustre suave y matizado, que bulle con la actividad diaria de pequeñas figuras de caminantes, pescadores y plebeyos, bien descritas en sus peculiaridad. La pintura se aproxima al costumbrismo de Viviano Codazzi (1604 -1670) a quien tradicionalmente se le atribuía. Originario de Bérgamo pero luego activo en Roma y Nápoles, Codazzi fue un famoso pintor de perspectivas, considerado por muchos como el inventor de la vista y del capricho arquitectónico. Próximo también al género Bamboccianti, se distinguió por el cuidado descriptivo de los diversos protagonistas, sus gestos, su vestimenta, cuidado que indica una visión y un estudio de la vida cotidiana, leído e interpretado sin filtros literarios pero con marcado naturalismo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Contraste de materiales 1971

Técnica mixta sobre tabla. Firmado y fechado en la parte inferior central. En el reverso hay otra firma, el título con la numeración 1/4 y el sello y la etiqueta de la galería de arte "dei Mille" de Milán. Francesco Fedeli fue dibujante y pintor. Si en la producción de dibujos destaca su correspondencia de guerra, en particular del frente ruso donde documentó la vida de los soldados y el drama y sufrimiento de la población rusa con dibujos que aparecieron en los principales diarios y revistas italianos, posteriormente su pintura volcado hacia composiciones abstractas, como la que aquí presentamos.

Playa de Liguria

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Es un vistazo a la Riviera de Liguria, cerca de una cala, coronada por casas cerca de la costa. Berto Ferrari, nacido y vivido siempre en Liguria, fue un hábil y sensible pintor marino y paisajista de tradición posimpresionista, que pintó las bellezas de la Riviera de Liguria y numerosas vistas del interior de los Apeninos. La pintura tiene gotas de color y rastros de restauración. Está en un marco coetáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII. La obra es una réplica antigua del retablo ejecutado en madera por Girolamo Mazzola Bedoli (1500 -1569) para la iglesia de San Sepolcro de Parma, encargado a él en 1556. La Virgen sentada sostiene a Jesús sobre sus rodillas, pero también la reposa con cariño. mano derecha sobre los hombros de San Giovannino; le entrega a su primo su bastón rematado por la Cruz y mientras tanto apoya a su vez su mano izquierda sobre el hombro del ángel que está a su lado, para crear un continuum entre las figuras, reunidas y conectadas entre sí. La escena de arriba se completa con otros dos grandes ángeles que están empeñados en recoger frutos de las ramas que rodean la escena. Todas las miradas convergen en el centro, hacia Jesús.La escena se caracteriza por el movimiento de las figuras, por su intersección y cruce, y por los juegos cromáticos y de luz, que aumentan la vitalidad de la obra. Restaurada y rebasada, la pintura presenta una marcada fisura y pequeñas gotas de color. Se propone en un marco antiguo, también con pequeñas gotas en el dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. María amamantando a su pequeño hijo, bajo la mirada amorosa de santa Ana: este es el tema de carácter sagrado pero propuesto en clave muy humana, que subraya la dulzura de la relación madre-hijo y de la familia. Giuseppe Ghiringhelli fue principalmente un paisajista y retratista, pero en su producción también hay varias representaciones de la Maternidad sagrada que, como esta que aquí se propone, están impregnadas de intimidad y dulzura y caracterizadas por intensos efectos lumínicos: en esta obra en particular es sugerente el efecto de la luz que emana de la cabecita del niño colocada en el centro, sobre los rostros inclinados sobre él de las dos mujeres, y luego reverbera sobre la ropa y en el fondo, donde se vislumbran las sombras creadas . La obra se presenta en un marco de la primera mitad del siglo XX.

bebes en el trabajo

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El artista veronés propone una escena al aire libre, en el corral frente a la masía: tres muchachas, sentadas en el suelo, se afanan en recoger los granos de trigo que han quedado adheridos a la paja: levantando la mirada, seria y contrita, a observar al espectador de su trabajo. Destaca la luminosidad de la escena, procedente de la derecha, donde los rayos del sol se filtran y reverberan sobre los coloridos vestidos de las muchachas, mientras que a la izquierda dos altas plantas dan sombra. El artista utiliza una pincelada rápida, con un toque ligero y rápido, propio de una pintura al aire libre, o pintura en vivo, que se extendió en la primera mitad del siglo XX. La obra se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Vistazo de Cascinale

Aceite sobre la mesa. Firmado abajo a la izquierda. El corral de una masía, donde las gallinas se escarban a la sombra de un gran roble frondoso, está plasmado en el característico estilo pictórico de Leonardo Bazzaro, que utiliza pinceladas rápidas y amplias, con trazos suaves, para crear una atmósfera envolvente de apacible cotidianidad. . Milanés de nacimiento y formación, Leonardo Bazzaro es considerado un vivo exponente del impresionismo lombardo, dedicado a la investigación cromática y luminística. Su fructífera producción de obras se dedicó en los primeros años a los interiores milaneses, pero luego, atraído por la pintura al aire libre, se trasladó a las vistas de paisajes y, en particular, se sintió atraído por el color de la laguna de Venecia, lo que lo llevó a quedarse por cierto período en Chioggia. El cuadro se presenta en un marco coetáneo.

flores en florero

Aceite sobre la mesa. Firmado abajo a la derecha. La composición floral que aquí se presenta es un tema poco frecuente en la producción del pintor palermitano Aurelio Catti, más conocido por las vistas urbanas y los paisajes de las ciudades italianas y europeas que visitó. Sin embargo, la obra es estilísticamente parte de ese repertorio postimpresionista que fue adoptado por numerosos artistas italianos en la primera mitad del siglo XX. La obra se presenta en un marco.

Pasteles sobre papel. En la parte inferior derecha, firma y fecha inconsistentes 1930. En un campo ordenado, una cabaña se encuentra a la izquierda con ropa tendida al sol en cuerdas al aire libre; a la derecha, un hombre con muletas camina por la carretera, mientras otro enciende un cigarrillo en la orilla de arriba. En el centro, un poste de luz divide la escena en dos. La obra se presenta en un marco de época.

Coca Cola de Mario Schifano

Técnica mixta sobre lienzo. Firma inferior derecha que emula la de Mario Schifano. Más firma con título en la parte posterior. Se trata en realidad de una emulación de la obra del célebre exponente del Pop Art italiano, quien utilizó la marca de la famosa bebida como tema recurrente de sus producciones, convirtiéndola en símbolo del consumismo. Era típico de la producción de Schifano elegir algunos temas comerciales, entre los más conocidos e inmediatamente reconocibles (Coca Cola junto con la marca Esso son los más populares), para volver a proponer solo una pequeña parte de ellos en una interpretación pobre e incierta. , lleno de gotas . La obra se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Según la etiqueta del reverso, el cuadro fue presentado en la "Exposición de Pintura Barroca Veneciana" de 1943, con el título "En el puerto al atardecer" y la atribución a Marco Ricci. La atribución puede estar motivada por la habilidad ejecutiva, que a través de pinceladas rápidas y sueltas, logra plasmar con sensibilidad la realidad natural del mar tormentoso. Al respecto, véanse las imágenes similares publicadas por Rodolfo Pallucchini en el artículo "Studi ricceschi: contribución a Marco" publicado en la revista Arte veneta (vol. IX, 1955). Las producciones paisajísticas y marinas de Ricci (que, sin embargo, no fueron su producción más extensa) se caracterizan por luces poderosas y emotivas, por árboles secos y retorcidos, rocas y torres, cúmulos que se abren de repente en vagos destellos azules, olas espumosas, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta, en la que también se inserta el hombre como elemento integrante. También en esta pintura encontramos estos elementos muy dramáticos pero a la vez escenográficos, con algunas figuras humanas, tres hombres en un pequeño bote en primer plano, que apenas se distinguen del mar y las rocas que los rodean, así como el barco a la izquierda hundiéndose engullido por el mar. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Vástago de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tommaso (nacido hacia 1226) fue a estudiar a Nápoles, en 1243 ingresó en la orden de los predicadores dominicos en contra de los deseos de sus parientes, pero durante el viaje a la El norteño fue arrestado por sus hermanos y estuvo preso durante aproximadamente un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado por ambos lados por cuatro figuras ricamente ataviadas, precisamente sus familiares, entre ellos probablemente su madre, que lo sostienen amablemente, casi abrazándolo, mientras con gestos de las manos y las miradas afligidas y amorosas tratan de convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están ubicadas en una prisión, como lo indican las rejas en la ventana de la derecha, para subrayar la acción coercitiva realizada. Ricos y detallados son los detalles de la vestimenta de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Tommaso, movimientos plásticos propiamente del gusto barroco. Ya restaurada y rebasada, la pintura se encuentra en buen estado, con evidentes cuarteaduras. Se presenta en marco antiguo re-lacado y re-dorado.

Escultura de piedra de Vicenza que representa a Hércules, según la iconografía típica: un hombre musculoso y barbudo, con un garrote en los hombros; se le representa con una postura dinámica que crea un movimiento en espiral, característico del gusto barroco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVIII. Una composición casi de guirnalda de flores abigarradas, que ocupan todo el campo pictórico, sobre un fondo oscuro del que emergen solas, sin ningún otro elemento de decoración. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco al estilo de principios del siglo XX.

Vislumbres con barcos 1936

Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha. Mario Bezzola fue un pintor milanés, además de crítico del arte italiano del siglo XIX, que se destacó sobre todo por su producción paisajística. Soleada y luminosa, esta mirada marina, que ve una pequeña isla habitada en el centro, rodeada de pequeñas embarcaciones con velas anaranjadas que se reflejan en el agua. Se presenta en un marco coetáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran escorzo del paisaje ofrece una vista de un lago encerrado por picos de montañas, que evocan el lago de Como; en primer plano, en la ladera desde la que se abre la vista, un rincón del jardín con flores enterradas y plantas en maceta, para crear un rincón de color en contraste con las gamas dominantes de azules y verdes. La pintura tiene un pequeño parche en la parte posterior. Se presenta en un elegante marco.

Técnica mixta sobre papel. Al dorso el sello del artista con la firma y la fecha de la obra. Caccioni, artista que nació, se formó y aún vive en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ahora ha alcanzado una maduración lingüística definitiva y ocupa un lugar destacado dentro de la escena del arte contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales inusuales como acetatos, pvc y, más recientemente, fondos escénicos de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de una memoria personal y de sugerencias provenientes de diferentes culturas y épocas históricas. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, signo autosignificante que dibuja la obra y es capaz de narrar pensamientos; trabajando por superposición, las imágenes se construyen sumando o restando el color en los distintos soportes. Obra enmarcada.