PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO

Óleo sobre lienzo. Principios del siglo XX. Esta pintura de gran calidad fue creada por un artista anónimo inspirado en la obra de Vittorio Reggianini (1858-1938), quien gozó de un enorme éxito con sus escenas de interiores y salas de estar, representando a mujeres o niños en actividades cotidianas, a menudo recreativas, como estas dos señoras que disfrutan del té y conversan amigablemente. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

Figuras con flores

Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. En el reverso figura una declaración de autenticidad firmada. Influenciado por el expresionismo durante su estancia en París, Fantuzzi puso un fuerte énfasis en la expresión de emociones y estados de ánimo en sus obras. El color domina sus lienzos, generalmente en tonos fríos de azul, verde y púrpura, creando contrastes a veces intensos. Los temas principales de Fantuzzi son la soledad de la metrópolis y la dificultad de la comunicación en las relaciones interpersonales; a menudo pinta figuras poco definidas y rostros sin ojos. Enmarcado.

Óleo sobre lienzo. La obra, pintada al estilo de la pintura española de principios del siglo XVII, data en realidad de finales del siglo XIX. Representa a una noble con gorguera, el cuello rígido, decorativo y plisado típico de la vestimenta masculina y femenina de los siglos XVI y XVII. La obra ha sido restaurada y reentelada. Se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XIX, insertado en un marco mayor del siglo XX.

La Reina del Helado 2021

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Fabio D'Aroma es un artista con una trayectoria ecléctica y sorprendente, cuyo arte destaca por la intersección de la tradición pictórica clásica con un enfoque contemporáneo. Sobre su estilo pictórico, D'Aroma ha declarado: «Me gusta definirlo como una especie de surrealismo pop con fundamento clásico. Me inspiro en los grandes maestros italianos, pero los reinterpreto con una ironía que refleja el presente». Sus figuras, a menudo de estilo grotesco pero creadas con una técnica pictórica sorprendente, están animadas por un deseo de provocar, suscitando a menudo profundas reflexiones sobre temas importantes, si bien no dramáticos, pero con una sonrisa.

Productor único

Serigrafía aplicada sobre plancha metálica. Firmada abajo a la derecha, titulada en la parte inferior. Edición 446/500. El sol ha sido un tema recurrente para Giò Pomodoro desde la década de 1950, un tema que el artista nunca abandonó, desarrollándolo particularmente desde la segunda mitad de la década de 1970 hasta pocos años antes de su muerte, cuando, en el año 2000, donó un monumental sol de mármol blanco a la ciudad de Génova, ubicado justo en la bocana del puerto, en el Ponte dei Mille. El Sol Productor es una representación metafórica de la explotación equitativa del poder generativo del sol por parte de la sociedad. Apasionado por la astronomía, la geometría y la poesía, Giò Pomodoro siempre se sintió fascinado por el potencial vital y simbólico de la imagen de la estrella. En estas obras, el artista la representa mediante una forma circular estilizada, que se fragmenta para acentuar el potencial de las formas geométricas elementales (el círculo, el cuadrado, el triángulo) para generar diferentes tensiones dinámicas. Alrededor de estas formas básicas, Pomodoro inserta escritos que consisten en palabras que se refieren a conceptos referenciales, como real, posible, colectivo —en este caso: "Se mueve, gira, construye una cosecha común"— combinados con otras formas inscritas que indican estructuras físicas, como la bisagra, la rueda y la semilla.

Figura de un hombre de armas

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Antonio Valdoni, pintor triestino afincado en Milán, se consagró principalmente como paisajista. En esta obra, en cambio, representa a un soldado blandiendo un tridente. Valdoni, que luchó junto a Garibaldi durante las Guerras de la Independencia, plasma aquí todo el orgullo propio de un soldado, si bien la obra data de una época anterior. El cuadro fue montado previamente sobre un nuevo bastidor, con refuerzos en el lienzo. Se presenta en un marco elaborado con piezas de finales del siglo XIX.

Técnica mixta sobre papel. Iniciales AS en la parte inferior derecha. Un ramo de rosas destaca sobre un fondo azul. La pintura se presenta en un marco contemporáneo ebonizado, decorado con tallas doradas.

Óleo sobre lienzo. Firmado en el margen inferior izquierdo: «Roma, Enrico Scifoni». El nombre de la retratada aparece en el margen inferior izquierdo: «Signorina Maria Ciaffi». Scifoni fue un artista romano muy activo como retratista entre 1870 y 1914. La joven retratada viste un traje y luce un peinado propios de la moda del Imperio. El cuadro se presenta en un marco dorado del siglo XIX que requiere restauración.

San Bernardo de Claraval

La escultura que se describe aquí, tallada en un bloque de pino suizo a principios del siglo XVII, representa a San Bernardo de Claraval. La composición recuerda al grabado de principios del siglo XVI de Marcantonio Raimondi, quien representó al santo con hábito monástico, sosteniendo un báculo, una Biblia en la mano y un demonio encadenado a sus pies. La escultura fue concebida para un nicho y, por lo tanto, está inacabada en la parte posterior. El santo, de pie, se representa con un ligero movimiento, sosteniendo una Biblia abierta en la mano derecha y el comienzo de la cadena que ata al demonio a sus pies en la otra. Desafortunadamente, falta la sección central de la cadena, pero se completa con un collar; el demonio es sometido por el santo, quien apoya el pie sobre él. Aunque los colores y el dorado presentan algunas lagunas y hollín, podemos ver que la tez del santo es sonrosada, mientras que la del demonio es rojiza, casi morena, debido a la exposición a las llamas del mundo infernal. Obsérvese la espléndida túnica del santo, que, a pesar de representar un hábito monástico, está lacada en tonos rojos con bordados dorados en el interior y dorados con bordados azulados en el exterior. La túnica ya no es la del humilde eremita, sino la del santo en su gloria celestial, bañada de luz, en marcado contraste con la figura del diablo.

Adornos y jarrones antiguos

Grabados coloreados a mano. Creados por Michelangelo Pergolesi entre 1777 y 1778; la decoración coloreada es una obra póstuma, del siglo XIX. Pergolesi diseñó y creó muebles, chimeneas, techos, candelabros, puertas y ornamentos murales de estilo neoclásico, trabajando principalmente en Inglaterra. Los dibujos de estos grabados están numerados y probablemente pertenecen a la obra «Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti» (Diseños para diversos ornamentos para 70 láminas), publicada entre 1777 y 1801. Los dos grabados se presentan enmarcados.

Paisaje de río con figuras

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El tema forma parte de la obra marcadamente naturalista del pintor. Originario de Módena, creció artísticamente en Milán y sus alrededores, lugares que fueron temas frecuentes en su obra paisajística. Este paisaje también evoca la llanura lombarda. La obra se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En esta obra, la Sagrada Familia se dirige a un joven fraile con hábito franciscano, probablemente en referencia al comitente: las manos extendidas del Niño se extienden para abrazarlo, bajo la mirada protectora de María y José. Previamente restaurada y reencuadernada, la pintura se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII, redorado.

San Sebastián

Escultura de bulto redondo de finales del siglo XVII que representa a San Sebastián atado a un árbol y traspasado. El santo, representado con una túnica corta alrededor de las caderas, está atado al tronco y a una rama, con un brazo levantado mientras mira al espectador, quien metafóricamente lo traspasa con flechas. La escultura está fundida en bulto redondo y pintada en policromía, con secciones pintadas restauradas. Obsérvese la restauración de parte del pie izquierdo y la ausencia de flechas.

Marina con figuras

Acuarela sobre cartón. Firmado abajo a la derecha. Paolo Sala, nacido y formado en Milán, se distinguió como uno de los paisajistas más importantes de su época, así como pintor de paisajes de las numerosas ciudades italianas y extranjeras en las que trabajó. Prefería la acuarela, pero también pintó profusamente al óleo. Utiliza pinceladas rápidas, amplias y superpuestas, de estilo impresionista, jugando con el color y la luz para crear atmósferas evocadoras, como en esta vista marítima de figuras en una playa ocupadas en tamizar arena. La pintura se presenta en un marco de época.

Figuras en el jardín, ca. 1860/1870

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior central. Eleuterio Pagliano fue un grabador y pintor del Romanticismo. También se le recuerda como héroe del Risorgimento milanés, por lo que recibió el apodo de "pintor-soldado". Inicialmente, se centró en temas históricos con un toque patriótico, pero posteriormente su obra se decantó por temas románticos, escenas de género de la vida cotidiana burguesa, repletas de gráciles figuras en actividades recreativas. En esta obra, Pagliano presenta una relajante escena campestre, con caballeros y damas relajándose jugando a las cartas o leyendo, mientras los niños trepan a los árboles. La suave luminosidad, los armoniosos colores de las figuras, que armonizan con el verdor del campo, y la sensación de relajación que transmiten, resaltan, creando una escena general de serenidad y tranquilidad. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Parte de una educación de la Virgen María

Esta escultura representa parte de la representación de la escena de la educación de la Virgen, que tradicionalmente presenta a Santa Ana sentada con un libro en su regazo, mientras la joven María permanece de pie a su lado, absorta en su aprendizaje. En este caso, la estatua representa a la joven Virgen, faltando el resto de la composición. La joven está representada con una mano levantada y la otra sobre el pecho, como para anunciar el acto de bendición, junto con la maternidad divina que caracterizará su vida. Lleva un largo vestido rojo cubierto por un manto azul.

Retrato femenino

Óleo sobre cartón. Firmado abajo a la izquierda. Noè Bordignon, artista de la provincia de Treviso, se dedicó tanto a la pintura de caballete, creando escenas de la vida rural y retratos de figuras populares, con magníficas representaciones psicológicas de algunos de los personajes más significativos de la época, en particular niños, adolescentes y madres, como a la pintura al fresco de temas sagrados para las iglesias de su zona. En esta obra, Bordignon retrata a un joven plebeyo, creando un retrato de gran intensidad expresiva, a pesar del naturalismo de la figura. Enmarcado.

Óleo sobre lienzo. Paisaje campestre con un pequeño arroyo, cerca del cual se alza un conjunto de edificios rurales; varias figuras en el sendero. La obra presenta restos de restauración y revestimiento previos. Presenta manchas de suciedad. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Interior con flores 1995

Óleo sobre lienzo. Firma, fecha y título al dorso. La pintura expresa el estilo morandisqueco de Maurizio Ligas, artista que surgió en las décadas de 1970 y 1980, pero que adoptó un estilo antimoderno, jugando con la luminosidad de sus personajes. Enmarcada.

Cristo Obrero ca. 1950

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha por F. Venzo SJ (Societas Jesu, lema de los jesuitas). Esta obra es del fraile jesuita Mario Venzo, pintor veneciano que, tras pintar durante su juventud bohemia en París, se dedicó a la vida monástica en 1940, sin dejar de pintar. Esta obra representa a un joven trabajador en primer plano, dentro de un taller artesanal moderno, con la cabeza iluminada: probablemente se trate de una proyección moderna del joven Jesús trabajando en el taller de su padre. El estilo de la obra se remonta al período pictórico de Venzo anterior a 1953, año en el que su obra se volvió más vibrante, con colores brillantes y vivos y una figura más estilizada, aunque a menudo se centraba en temas sagrados. La obra se presenta enmarcada.

Óleo sobre lienzo. Paisaje campestre con un pequeño arroyo, barcas que lo atraviesan y rodeado de pequeños grupos de casas rurales. En primer plano, una mujer y su hijo caminan por el sendero. La obra presenta restos de restauración y revestimiento previos. Presenta manchas de suciedad. Se presenta en un marco antiguo contemporáneo.

Escena de la cosecha de 1959

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. El artista bresciano Eliodoro Coccoli no era pintor de caballete por vocación, sino que se estableció principalmente como decorador de interiores y exteriores, creando frescos profanos para diversas villas lombardas y temas sagrados para numerosas iglesias. Sus lienzos son muy escasos, y en su mayoría datan de antes de 1922, año en que su producción decorativa se expandió considerablemente, pero se conservan numerosos bocetos y varios lienzos preparatorios para frescos. Esta escena de la vendimia también podría formar parte de este tipo de producción, aunque es definida y detallada en sus detalles. El estilo de Coccoli no se puede atribuir a ningún movimiento en particular; de hecho, se le considera un experto en eclecticismo: selecciona el repertorio figurativo que mejor se adapta a las necesidades del cliente, adaptando su estilo al tema y a las características arquitectónicas del lugar. Además, demuestra una maestría técnica refinada, a veces virtuosa. La obra se presenta enmarcada.

Retrato de una dama con un cachorro, 1934

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Obra del pintor húngaro Géza Kövesdy, quien pintó principalmente retratos y paisajes femeninos, a veces realzados por figuras ingenuas. La figura femenina con un perrito es un tema recurrente, casi un símbolo del estatus social de estas damas burguesas adineradas. El estilo pictórico está influenciado por el impresionismo, en los matices y el juego de luces. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. El episodio del Antiguo Testamento de Lot y sus hijas ha sido ampliamente representado en pinturas, aunque en diferentes momentos de la historia. En este caso, el hombre y las dos niñas huyen de Sodoma, ciudad destruida por Dios para castigar la depravación de sus habitantes; por su rectitud, un ángel advierte a Lot que huya con su familia. Las tres figuras aparecen en primer plano, de medio cuerpo, con el padre mirando hacia adelante, instando a sus hijas a hacer lo mismo, para que no sufran el castigo divino que ya había recaído sobre su esposa, convertida en estatua de sal por desobedecer el mandato divino de no mirar atrás. El lienzo, previamente reentelado, presenta varias pérdidas de pintura, lo que requiere restauración. Se presenta en un marco de madera de principios del siglo XX.