PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, principios del siglo XVIII. María Magdalena es representada, según sus propios cánones iconográficos, como una bella joven, ligera de ropa, recostada en meditación en la cruz, frente a una cueva, con un vaso de alabastro (en memoria de la unción de los pies de Jesús) a su lado, una calavera (un Memento mori por excelencia) y un cilicio en la mano. Se encuentra en el exterior de una cueva, en un paisaje nórdico, con exuberante vegetación y picos nevados al fondo. El lienzo presenta signos de restauración y reentelado previos. Se presenta en un marco antiguo repintado.

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Tras su fase futurista inicial, la pintura de Sordini permitió que el material cobrara protagonismo y se volvió cada vez más sutil. Su interés por el signo creció y se definió: un signo esbelto y escueto, primario pero sinuoso, de una paleta suave, delicada, casi impalpable. Sordini «utiliza una técnica completamente gráfica para crear trazos de color dispersos y sutiles sobre el lienzo, dominados por un solo tono, que evocan imágenes antropoides filamentosas».

Escena campestre con figuras

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La escena representa a un grupo de campesinos, hombres y mujeres, recogiendo cestas de flores, tocando música y bailando al son de gaitas y panderetas, algunos aprovechando para coquetear. Se trata, por tanto, de una fiesta popular campestre, un tema predilecto de Barucci, pintor romano que retrató principalmente la vida cotidiana en el campo. Su amor casi total por la naturaleza —los aspectos más auténticos, áridos y realistas de la campiña y los suburbios romanos— lo llevó a convertirse en uno de los máximos exponentes del estilo rústico. El brillo y la viveza de los colores realzan el ambiente festivo de la escena, subrayando la atmósfera despreocupada y serena de este momento de la vida popular. La obra se presenta en un marco de época.

Paisaje con barcos 1904

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. El pintor milanés Robaldo Casalini Baldelli se consagró como paisajista impresionista, creando obras en las que figuras y elementos se funden en un juego de luces y sombras. Enmarcado.

La Sagrada Familia

Grabado sobre papel. El tema se basa en un dibujo de Guercino (1591-1666), quien dedicó muchas de sus obras a este tema. Enmarcado.

Naturaleza muerta con jarra y uvas, 1928

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Rino Gaspare Battaini, artista milanés autodidacta, se hizo conocido principalmente por sus bodegones de intenso realismo, como esta composición, donde la transparencia de la jarra de vidrio labrado con sus detalles emerge del fondo oscuro, iluminando los racimos de uvas que se encuentran debajo. La obra se presenta enmarcada.

Prodotto in buone condizioni che presenta alcuni segni di usura. Cerchiamo di presentare le condizioni reali nel modo più completo possibile con le fotografie. Se qualche dettaglio non è chiaro nelle fotografie, prevarrà la descrizione.

Óleo sobre lienzo. De sabor bucólico y sereno, la escena ambientada en el campo a las afueras del pueblo que se vislumbra a la izquierda, muestra a una mujer y a su hijo que, cerca de un arroyo, esperan con su cesta del almuerzo al pastor con su rebaño. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Paisaje con River Glimpse 1906

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El artista de origen romano Cesare Maggi se estableció como paisajista de estilo divisionista, retratando paisajes alpinos de la Engadina y del Valle de Aosta, a menudo animados por la inclusión de figuras y animales. Tras entablar amistad con el pintor Giacomo Grosso en Turín en 1901, se dedicó con éxito al género del retrato, dejando de lado la técnica divisionista. Aunque seguía prefiriendo las vistas de alta montaña, amplió su temática a las marinas y las naturalezas muertas. En esta obra, siempre de su primera época, Maggi representa una vista del campo atravesada por un río tranquilo, bordeado por hileras de árboles desnudos y pequeños relieves cubiertos de hierba, detrás de los cuales se alzan granjas. Ya sin estar ligada a las técnicas divisionistas, la obra se caracteriza más bien por mezclas de colores densos y opacos, en los que tierra, agua y granjas se superponen en un continuo roto únicamente por la franja de cielo que se extiende por encima. La obra se presenta en un marco estilizado.

Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre aglomerado en la segunda mitad del siglo XX. El cuadro retoma las formas pictóricas del siglo XVIII, con un corte decorativo. En un paisaje apacible, con una estructura arquitectónica a la derecha y el valle verde con la desembocadura del río a la izquierda, dos figuras caminan por el sendero, una mujer con su fardo de ropa y el caminante con una alforja y un bastón. La obra se presenta en estilo de crónica.

Figura en Reposo 1969

Birome sobre papel. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de autentificación en foto del Archivo Mario Tozzi. En la extensa producción del maestro Tozzi abundan los dibujos, como éste que aquí presentamos, realizados con diferentes técnicas (tinta, pastel, lápiz, sanguina), dedicados a la figura humana: en su estilo seco y estilizado, Mario Tozzi esboza figurillas estilizadas, refinadas en su geometría silenciosa y discreta, favorecidas por la ausencia de color, que hace resaltar las formas sobre el papel blanco También en su producción pictórica, los temas preferidos de Mario Tozzi son, clásicamente, las figuras y las naturalezas muertas, pero tanto las figuras como las naturalezas muertas son un conjunto de elementos geométricos sólidos, la esfera, el cilindro, el cono, etc. Los cuerpos son elementales, esenciales en sus líneas y detalles, poderosos, escultóricos, compuestos de sólidos apenas modelados, mientras que los bodegones son una celebración de la geometría euclidiana como las jarras, los cuencos, los frascos que son paradigmas de la volumetría y el rigor geométrico. Las composiciones de Mario Tozzi están influidas por el Cubismo para ciertos cortes, la Metafísica para ciertas inserciones arquitectónicas y el Abstraccionismo para la inclusión de figuras geométricas. La obra se presenta enmarcada.

El corte de pelo

Pintado con jugo de hierba sobre lienzo. La escena, ambientada en el siglo XVIII, presenta a una dama adinerada y enjoyada tomando té con una amiga, mientras un ayuda de cámara se encuentra detrás de ella, preparándose para cortarle su larga cola de caballo. La escena, probablemente alegórica, también presenta un querubín alado que sujeta un mechón de su cabello cortado, mientras otro revolotea hacia arriba. El lienzo requiere restauración debido a desgarros evidentes y pérdida de color. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Leyendo la carta

Pintado con jugo de hierba sobre lienzo. La escena, ambientada en el siglo XVIII, representa a una dama adinerada sentada en su tocador, leyendo una carta, mientras su criada le ofrece joyas. Unos querubines se ciernen sobre ella, lo que le da un significado alegórico. El lienzo requiere limpieza. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

La escuela de Luca Giordano

Óleo sobre lienzo. Escuela de Luca Giordano. La escena representa la conversión de San Pablo, según se relata en los Hechos de los Apóstoles. Mientras viajaba a Damasco para perseguir a los cristianos, Saulo (su nombre antes de su conversión), judío pero ciudadano romano, fue repentinamente envuelto en una luz divina y escuchó la voz de Jesús preguntándole por qué lo perseguía. Este acontecimiento lo impulsó a convertirse al cristianismo, adoptando el nombre de Pablo y dedicándose a la difusión del Evangelio. Saulo es representado cayendo de su caballo, volcado de lado, mientras un rayo de luz lo deslumbra, proveniente de la nube sobre la que Cristo está sentado, rodeado de ángeles. Alrededor de Pablo, los soldados romanos y su séquito están agitados, sin comprender lo que sucede. Las numerosas figuras, tanto humanas como animales, se entrelazan y superponen con gran dinamismo, realzadas por colores brillantes y vibrantes. El estilo de la obra evoca a Luca Giordano (1634-1705), el prolífico artista del siglo XVII que tradujo los conceptos del Barroco moderno a la pintura con notable imaginación y creatividad, inspirándose en el naturalismo de Caravaggio e incorporándolo a las nuevas tendencias barrocas. Su vasta producción generó un gran número de seguidores entre los pintores menores, quienes adoptaron su estilo. La pintura fue reencuadernada en la segunda mitad del siglo XIX. Presenta una pérdida de pintura en la esquina inferior derecha. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

En nombre de la paz en la Tierra 1969

Óleo sobre lienzo. Firma, título y fecha en cirílico al dorso. Viktor Petrovich Rudametkin es un artista ucraniano que se ha consolidado como paisajista y colorista. En esta obra, con su característica paleta vibrante, representa a una madre campesina en medio de un campo de girasoles, símbolo de vida y paz, que contrasta con las imágenes de aviones militares surcando el cielo. Creada durante los años en que Ucrania formaba parte de la Unión Soviética, la imagen puede considerarse un llamado a la paz y un mensaje de esperanza para la tierra natal del artista, aún desgarrada por el grave conflicto con Rusia.

Óleo sobre lienzo. La vista de la costa, cerca de una ensenada rocosa por la que corren aguas torrenciales, muestra figuras en el desembarco de los barcos, listas para recibir a las embarcaciones que se acercan; a lo lejos, el perfil de la ciudad. Restaurado y retocado, el cuadro presenta manchas de suciedad generalizadas, especialmente en el cielo. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. El paisaje, ambientado a orillas de un ancho río, ve en el centro unas figuras de campesinos empeñados en recoger frutos de un árbol: una niña sostiene la escalera mientras el niño corta un racimo, a la izquierda otra pareja coloca los frutos recogidos en una tina Todo alrededor de una extensa campiña verde y algunas masías. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Paisaje de Invierno

Pasteles sobre papel aplicados a lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El gran paisaje está completamente dominado por el juego de colores: dividido en dos semicampos dados por el cielo y el suelo (un páramo montañoso donde brotan esporádicos abetos), ve prevalecer el azul rosado del cielo arriba, y el azul verdoso de la nieve en el suelo abajo, dos tonos de la misma gama cromática que luego se encuentran en la línea del horizonte de las montañas. Cinotti fue un paisajista y exponente del Divisionismo italiano, cuya pintura se caracteriza por una estratificación texturada y melosa con toques de color espatulado. En marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela alemana de mediados del siglo XX. Abajo a la derecha está la firma W. Purschke y la localización München. La escena se desarrolla en el interior del estudio de un alto prelado: sentado ante su escritorio escucha a dos hombres que le ilustran en un mapa una ruta hasta él; arriba a la izquierda hay una maqueta de un barco colocada sobre un estante: quizás el obispo sea también el propietario del barco, que está discutiendo con su propietario el próximo viaje. Desde la ventana, cerrada por una reja labrada, se vislumbra el pueblo, con las casas de característico aspecto nórdico. La pintura se presenta en un marco de época.

Marquetería realizada con diversas maderas. Representa la figura de un violonchelista con traje del siglo XVIII. Francesco Ferrario fue un ebanista consumado en los movimientos neoclásico y art nouveau. Tras formarse en dibujo en la Academia de Brera y colaborar con los mejores artistas de la época, abrió un taller en Milán, primero en Via Tenca y, en 1927, en Corso Sempione. Una etiqueta en el reverso de la obra la sitúa entre los talleres de este último lugar. La obra se presenta en un marco de época. Una versión de esta obra aparece en la monografía de Bianca Tosatti, "I Ferrario maestri di tarsia", publicada en 2000.

Óleo sobre lienzo. Copia de la pintura homónima de Giulio Cesare Ferrari (1818-1899), creada en 1863 y adquirida unos años después por la Pinacoteca dell'Accademia de Bolonia. La pintura representa una escena de la novela de Victor Hugo, "Notre Dame de París": Esmeralda, una joven gitana que cautiva con su belleza y sus bailes, es perseguida por el archidiácono Frollo debido a su obsesión y encerrada en la torre de la catedral parisina, donde recibe la ayuda, sin embargo, de Quasimodo, el campanero jorobado. En la escena, la joven se acurruca en la estrecha y oscura celda acompañada de su inseparable cabra. La obra pertenece al movimiento de pintura histórico-literaria que se desarrolló en el siglo XIX en paralelo al Romanticismo y el Realismo, y se caracteriza por la representación de escenas históricas y literarias, a menudo con una intención celebratoria y conmemorativa. La copia que aquí se propone, de buena factura y datable poco después del original, se presenta en un marco estilo mediados del siglo XX, contemporáneo a la restauración y reentelado de la obra.

Escena de género en la corte

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Antonio Zavaga fue un pintor italiano de los siglos XIX y XX, especializado en pintura de estilo XVIII, principalmente de ambientes galantes y de salón. La escena de esta obra también se desarrolla en un suntuoso salón de estilo XVIII: una dama y un caballero se sientan a la mesa jugando al ajedrez, mientras la dama de compañía sirve té y otro caballero observa divertido. La obra se presenta en un marco pintado de finales del siglo XIX y principios del XX.

Óleo sobre lienzo. La escena corresponde a un Vía Crucis, durante el cual Jesús cae bajo el peso de la pesada cruz que carga sobre sus hombros mientras asciende hacia el Gólgota. Cristo, encorvado, con la mirada abatida y triste, es acosado por guardias que lo aguijonean con lanzas, y uno de ellos tira de él con la cuerda atada a su cintura; un plebeyo observa con tristeza a Jesús mientras sostiene la pesada madera. La pintura presenta restos de restauración previa y ha sido reencuadernada. Se presenta en un marco de época.