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Copia de pintura de Pierre Mignard
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Copia de pintura de Pierre Mignard

Jesús en el camino al Calvario

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Copia de pintura de Pierre Mignard

Jesús en el camino al Calvario

Óleo sobre lienzo. La obra es una réplica de la realizada por Pierre Mignard y donada a Luis XIV, actualmente conservada en el Museo del Louvre de París. La dramática escena transcurre a las afueras de Jerusalén; una procesión acompaña a Jesús en su ascenso al Calvario, que se vislumbra al fondo a la derecha, con las cruces de los dos ladrones ya erigidas. En cambio, la cruz de Cristo la porta Simón de Cirene, obligado por los guardias tras la enésima caída de Jesús, a quien se le insta bruscamente con un látigo a levantarse. Delante de Cristo caminan los dos ladrones atados, acompañados de algunos sirvientes; a la izquierda, un grupo de mujeres piadosas acompaña y sostiene a María, desconsolada por el dolor. En contraste con este grupo, a la derecha, otro grupo de mujeres del pueblo observa con piadosa compasión, apartando la mirada de sus hijos del terrible espectáculo. El paisaje al fondo es árido y desolado, bajo un cielo gris y nuboso. La obra fue restaurada y reencuadernada a mediados del siglo XX, y montada en un nuevo marco. Se presenta en un marco de época.

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Pintura de Malangatana
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Pintura de Malangatana

La última cena 1962

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Pintura de Malangatana

La última cena 1962

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. En el reverso se encuentra una oración a Jesús, manuscrita y firmada por el artista en portugués. Malangatana fue un artista mozambiqueño (poeta, pintor y músico), además de activista político de su país. La obra pertenece a su primer período artístico, cuyo compromiso político aún no era evidente, y retoma el tema de la Última Cena, que ya había abordado en otras ocasiones durante esos mismos años. En este tema religioso, Malangatana revela claramente su cercanía a la cultura ritual y tribal de su país, pero también su conocimiento de la religión y del arte occidental, tanto en la composición de las figuras, que retratan temas occidentales similares, como en la de los objetos, en particular los numerosos y variados elementos que pueblan la mesa, con una cesta de fruta en el centro, que evocan nuestros bodegones. Sus figuras se presentan como cuerpos superpuestos y entrelazados, y dominados por rostros, en los que sobresalen unos ojos largos, con expresiones penetrantes, que luego se convertirán en miradas atormentadas y sufrientes, símbolo del sufrimiento de un pueblo oprimido.

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Pintura de Charles Humbert
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Pintura de Charles Humbert

Escena de batalla de 1871

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Pintura de Charles Humbert

Escena de batalla de 1871

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. El pintor suizo Charles Humbert creó principalmente paisajes animados por rebaños pastando, pero también varias escenas de batalla, caracterizadas, sin embargo, por un manierismo realista, para el estudio minucioso del detalle verista insertado en una visión aún romántica del conjunto. La obra se presenta en un marco de época.

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Dibujo de Floriano Bodini
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Dibujo de Floriano Bodini

Palomas 1976

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Dibujo de Floriano Bodini

Palomas 1976

Lápices sobre papel. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Floriano Bodini, reconocido escultor, grabador y medallista, considerado una de las figuras más representativas del realismo existencial, también se ha dedicado al arte gráfico a lo largo de su carrera. Su producción presenta temas recurrentes —obispos, cardenales, réquiems, papas, palomas, ambón— que expresan reflexión, inquietud, a veces ansiedad, pero también confianza y fe. La paloma, en particular, ha representado para Bodini un elemento iconográfico constante en su investigación artística, un tema que ha estado presente con asiduidad en toda su producción, no solo gráfica, desde finales de los años sesenta, hasta el último ejemplar fechado en 2004, considerado emblemáticamente su último grabado. El interés por esta imagen se confirma, entre otras cosas, por su colección de objetos que representan palomas o cuya forma evocan. Fruto de una investigación rica en estímulos de diversas fuentes, tanto cultas como populares, la elección de esta imagen nunca se ha trivializado, sino que siempre ha mantenido su alta dignidad simbólica y formal. El trabajo que aquí se propone se presenta en un marco.

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Pintando Los músicos errantes
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Pintando Los músicos errantes

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Pintando Los músicos errantes

Óleo sobre tabla. Escuela centroeuropea de mediados del siglo XIX. La obra deriva de la de Christian Wilhelm Ernst Dietrich (1712-1774), actualmente conservada en la National Gallery de Londres, creada en 1745 por el pintor alemán, quien se inspiró en los métodos pictóricos del flamenco Adriaen Van Ostade, pintor de escenas de la vida cotidiana. La pintura de Dietrich se dio a conocer gracias al grabado realizado por Jean George Wille. En la escena, enmarcada bajo un arco que da acceso a una casa, se representan en primer plano dos músicos callejeros tocando el violín y la gaita, acompañados por varios transeúntes curiosos. La obra se presenta en un marco de principios del siglo XX.

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Obra de pintura de Hsiao Chin
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Obra de pintura de Hsiao Chin

Horizonte, 1962

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Obra de pintura de Hsiao Chin

Horizonte, 1962

Acrílico y técnica mixta sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior central. Hsiao Chin, artista de origen taiwanés que vivió y trabajó durante una larga temporada en Milán, concebía el arte como un camino de crecimiento y conocimiento, un viaje espiritual a través del tiempo y el espacio, que trasciende cualquier límite geográfico y cultural. En sus obras, las prácticas espirituales de Oriente se combinan a la perfección con los experimentos artísticos de Occidente, que conoció en sus largas estancias en diversos países del mundo. Por un lado, sus pinturas evocan una página escrita en la que el artista apela al simbolismo oriental, creando un mensaje compuesto de signos sutiles, casi ideogramas, que se alternan con formas geométricas que evocan significados ancestrales y compartidos (círculos, cuadrados, espirales...); por otro lado, las audaces elecciones cromáticas, llenas de energía, y las pinceladas, a veces frenéticas y brillantes, a veces más fluidas y calibradas, parecen "occidentales". El artista ha dicho de sí mismo: «Hoy en día, la cuestión de si mi arte es chino o global ya no me importa. Intento trascender estas fronteras, con el objetivo de crear nuevas obras que no estén condicionadas por técnicas ni ideas» (Hsiao Chin, 2016). La obra que aquí se presenta, fechada en 1962, pertenece al período que Hsiao Chin pasó primero en Europa y luego en Nueva York, donde entró en contacto con las nuevas corrientes de la abstracción, lo que marcó en su pintura un nuevo rumbo, en el que se evidencia su aproximación al minimalismo estadounidense y a la pintura de bordes duros (pintura con «contrastes marcados», un estilo pictórico caracterizado por contrastes nítidos y marcados entre diferentes áreas de color, que pueden ser formas geométricas simples o líneas rectas. El color de cada área es predominantemente homogéneo y monocromo). La obra se presenta enmarcada. Procede de una colección privada de Milán, que documenta el contacto directo de la familia con el artista a través de una serie de imágenes fotográficas en su empresa (copias adjuntas).

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Pintando a Caín y Abel
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Pintando a Caín y Abel

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Pintando a Caín y Abel

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglos XVII-XVIII. La conocida escena bíblica de la disputa entre los dos hermanos, hijos de Adán y Eva, que desemboca en el fratricidio de Abel a manos de Caín, se representa aquí en un paisaje italiano, rico en vegetación, con el complemento de dos fuegos particulares. De hecho, a los lados de las dos figuras, que ocupan el centro de la escena, hay dos piras de sacrificio con un fuego ardiente. Sin embargo, mientras que de la de Abel, a la izquierda, se eleva una gran humareda que es absorbida por las nubes, indicando que Dios ha aceptado este sacrificio, el fuego de Caín, en cambio, es bajo, casi aplastado por las brasas, y no se eleva humo, señal de que Dios lo rechaza. Incluso el color rojo de la túnica de Abel pretende enfatizar su valor sacrificial, su martirio. La pintura necesita limpieza. Enmarcada en época.

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Pintura de Mario Guerzoni
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Pintura de Mario Guerzoni

San Hilario 1945

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Pintura de Mario Guerzoni

San Hilario 1945

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Título en el reverso del marco. El pintor Mario Guerzoni se distinguió como paisajista, ofreciendo vistas de diferentes partes de Italia, a menudo costeras. Sant'Ilario se encuentra en la Riviera di Levante, en el Golfo Paradiso, en las laderas de los Apeninos ligures. Enmarcado.

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Pintura de las Bodas Místicas de Santa Catalina
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Pintura de las Bodas Místicas de Santa Catalina

Copia de Luca Longhi

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Pintura de las Bodas Místicas de Santa Catalina

Copia de Luca Longhi

Óleo sobre lienzo. El grupo de figuras que ocupa toda la escena está compuesto por cuatro figuras entrelazadas: la Sagrada Familia, concretamente María, con el Niño Jesús en brazos, y tras ellos, San José; arrodillada ante el Niño, con la palma del martirio en la mano, la corona de su rango de princesa sobre la cabeza y la rueda con la que fue martirizada bajo el brazo, se encuentra Santa Catalina de Alejandría, a quien Jesús le pone el anillo de las bodas místicas. La pintura, con varios pequeños detalles y diferentes colores, deriva de una obra similar conservada en el Museo del Louvre, atribuida a Longhi. La pintura ya fue restaurada y reentelada en el pasado. Se presenta en un marco de época.

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Pintura La huida de la ciudad sitiada
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Pintura La huida de la ciudad sitiada

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Pintura La huida de la ciudad sitiada

Óleo sobre lienzo. En un paisaje italiano, la escena se centra en un grupo de plebeyos que intentan escapar de la ciudad sitiada e incendiada, llevando sus mercancías en una carreta y guiando al pequeño rebaño. Sin embargo, un pequeño grupo de soldados enemigos los persigue e intenta detenerlos, armados. En el reverso del marco hay una inscripción a lápiz que atribuye la obra a Jan Both (1618-1652), pintor holandés conocido sobre todo por ser autor de paisajes italianos, a menudo animados por figuras. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Actualmente requiere limpieza. Se presenta en un marco de época.

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Pintura Sagrada Familia
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Pintura Sagrada Familia

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Pintura Sagrada Familia

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. En esta Sagrada Familia, la figura central es María: sentada en el centro de la escena, gira el rostro hacia la izquierda, hacia José, escuchando atenta y concentrada lo que su compañero le lee. Mientras tanto, la mujer cubre con cariño con un paño al niño Jesús, que duerme plácidamente en la cuna, a la derecha de su madre. El rostro del Niño también está iluminado e irradia su luz hacia su madre. Al fondo, un paisaje italiano. Las figuras se muestran armoniosas y equilibradas en los movimientos de sus cuerpos, y toda la escena emana una tranquilidad y una serenidad hogareña, muy terrenal. La pintura fue reentelada a principios del siglo XX. Se aprecian rastros de desgarros previos y ligeras pérdidas de color. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX (pérdida del dorado).

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Pintura de paisaje con figuras y edificios
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Pintura de paisaje con figuras y edificios

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Pintura de paisaje con figuras y edificios

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. En el reverso se encuentra una cartela manuscrita, fechada en mayo de 1835, que identifica a varias familias prominentes del norte de Italia (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani), probablemente propietarias de la obra. La pintura representa un paisaje nórdico, una campiña bastante árida atravesada por un arroyo; un sendero, por el que pasan varios viajeros, conduce al pueblo al pie de la colina. La pintura se presenta en un marco de época, con varias partes faltantes.

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Pintura de paisaje con río
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Pintura de paisaje con río

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Pintura de paisaje con río

Óleo sobre lienzo. Representa un paisaje rico en vegetación, con árboles de frondoso follaje y atravesado por un torrentoso curso de agua. Al fondo, se vislumbran casas de campo y rebaños en el campo. En el reverso, una antigua cartela con la indicación "Flamenco" y un precio en liras. Restaurado y reentelado, se presenta en un marco de época.

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Dibujo Contemporáneo Fausto Melotti Pintura Lápiz sobre Papel Marco
SELECTED
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ARARCO0190584

Dibujo Contemporáneo Fausto Melotti Pintura Lápiz sobre Papel Marco

Proyecto de Escultura

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Dibujo Contemporáneo Fausto Melotti Pintura Lápiz sobre Papel Marco

Proyecto de Escultura

Lápiz sobre papel con filigrana. Firmado abajo a la izquierda. El dibujo va acompañado de una autenticación en foto del Archivo Fausto Melotti, con código DIS 36 015, que muestra los datos de la obra. Fausto Melotti fue un artista multifacético y muy prolífico y es casi imposible vincular su producción a una técnica o tema en particular, sin brindar solo una visión parcial de su visión artística. Los rasgos sobresalientes que son constantes en Melotti son la geometría, el estudio de la abstracción, que lo lleva a utilizar elementos realistas pero no científicamente precisos, y la disposición de los elementos para que recuerden un ritmo musical, detalle que remite a su formación como músico. Escultor, pintor, músico, poeta, realizó numerosos dibujos de diseño para sus obras. Dibujar representó para él un ejercicio fundamental, transfundir el rasgo gráfico original de las hojas de papel a las esculturas y cerámicas. Las esculturas por las que es más conocido están formadas por elementos geométricos elaborados con metales (latón, hierro y oro) trabajados en finos filamentos, dando vida a composiciones etéreas, ingrávidas y casi frágiles. La obra se presenta en un marco.

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Pintura Retrato de una mujer joven
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Pintura Retrato de una mujer joven

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Pintura Retrato de una mujer joven

Óleo sobre lienzo. Un nombre sin descifrar aparece en la esquina superior izquierda. El retrato muestra a una joven, probablemente de luto, debido a su vestido oscuro y a su expresión afligida, a pesar de su juventud. Su rostro pálido emerge del fondo oscuro, donde su cabello, hombros y vestido se difuminan. El lienzo se presenta en un marco dorado de la primera mitad del siglo XX.

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Pintura Escena de la Vida Popular
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Pintura Escena de la Vida Popular

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Pintura Escena de la Vida Popular

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Cerca de un pequeño grupo de edificios, junto a un camino de tierra, se desarrolla una escena de vida popular, animada por diversas figuras: en primer plano, a la derecha, dos cazadores ofrecen su presa y algo de fruta a una mujer embarazada, que viaja a caballo acompañada de su compañero; al fondo, una pareja de mujeres descansa sentadas en el suelo con sus hijos, una de las dos amamantando; y de nuevo, grupos de personas conversan, mientras que otros suben a los almiares cubiertos bajo el granero. Las figuras destacan por los brillantes colores de sus ropas contra el fondo casi monocromático de tonos tierra, con los edificios mimetizándose con el paisaje llano y árido. La pintura, aún en el primer lienzo, muestra signos de un pequeño desgarro en el reverso. Se presenta en un marco de época.

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Pintura al Óleo Antigua sobre Lienzo Giacomo Micheroux Paisaje '800
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Pintura al Óleo Antigua sobre Lienzo Giacomo Micheroux Paisaje '800

Paisaje con Figuras y Horno de Pan

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Pintura al Óleo Antigua sobre Lienzo Giacomo Micheroux Paisaje '800

Paisaje con Figuras y Horno de Pan

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La vista del paisaje muestra en primer plano un camino de montaña que conduce a un horno de pan, donde una mujer prepara los fardos de leña para el fuego, mientras un viajero se acerca a lomos de un burro; en el valle el viaducto sobre el río que conduce al pueblo, coronado por otras cimas áridas. Micheroux, perteneciente a la escuela Posillipo, o la escuela del siglo XIX de artistas napolitanos dedicados a la pintura de paisajes, creó varios atisbos del interior de Campania, pero poco queda de su producción y poco se sabe de su vida. La pintura tiene algunas pequeñas gotas de color. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Pintando un paisaje con ruinas y personajes
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Pintando un paisaje con ruinas y personajes

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Pintando un paisaje con ruinas y personajes

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. En el reverso, una cartela manuscrita, fechada en mayo de 1835, indica varias familias importantes (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) del norte de Italia, probablemente propietarias de la obra. La pintura muestra un paisaje nórdico, con picos rocosos visibles a la izquierda, en el que se insertan ruinas arquitectónicas, con figuras de caminantes que pasan cerca. La pintura se presenta en un marco de época.

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Cuadro de Paisaje con Figuras
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Cuadro de Paisaje con Figuras

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Cuadro de Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. Bajo un cielo azul se representa un paisaje amplio y bastante árido, con el lindero de un bosque que se abre a un valle rocoso, con un río que fluye entre las rocas y cumbres nevadas al fondo; en primer plano, figuras dispersas de pastores con sus rebaños. En el marco de la parte posterior de la obra, una cartela hace referencia a Poussin, artista representativo del clasicismo del siglo XVII cuya manera pictórica inspiró al autor del cuadro. El cuadro, retocado, se presenta en un marco de estilo.

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Cuadro de Paisaje con Figuras y Rebaños
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Cuadro de Paisaje con Figuras y Rebaños

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Cuadro de Paisaje con Figuras y Rebaños

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y cumbres nevadas al fondo a la derecha, unos pastores, al frente de sus rebaños de vacas, ovejas y cabras, pasan por el camino. En el paisaje septentrional, el tono rosado del cielo y el carácter pastoril de la escena confieren esa atmósfera idealista típica de la pintura de paisaje del siglo XVIII, en la que prevalecía la realización del sentimiento más que la intención de transposición realista. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

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Pintando un paisaje fluvial con figuras
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Pintando un paisaje fluvial con figuras

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Pintando un paisaje fluvial con figuras

Óleo sobre lienzo. El paisaje de una campiña rica en vegetación, con al fondo una cordillera de picos escarpados, se ve animado por la presencia de tres lavanderas que se dirigen al río con carretillas llenas de ropa, mientras un viajero cruza el pequeño puente que cruza el riachuelo. La obra está realizada al estilo de Antonio Peruzzini (1650-1724), probablemente por uno de sus alumnos o seguidores. Peruzzini fue una figura clave de la pintura de paisaje de los siglos XVII y XVIII, donde partió de una expresión del siglo XVII para llegar a una interpretación del movimiento y el color típicos del rococó, utilizando tonos más claros y brillantes e infundiendo una especie de vitalidad en sus pinturas. El uso del color es particular, especialmente en el sombreado de las figuras humanas, delineadas por gruesas pinceladas de tela que las hacen emerger en primer plano del paisaje. La pintura ya fue restaurada y reentelada en el pasado, y actualmente se encuentra en buen estado. Se presenta en un marco de época.

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Pintura de Riccardo Pellegrini
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Pintura de Riccardo Pellegrini

Vistazo de Mandello Lario 1909

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Pintura de Riccardo Pellegrini

Vistazo de Mandello Lario 1909

Óleo sobre lienzo. Firma y ubicación (Mandello) abajo a la izquierda. En el reverso, firma, fecha y título completos. Riccardo Pellegrini, pintor milanés, fue alumno de Domenico Morelli y se formó en el clima del Romanticismo. Fue paisajista y pintor de género, pero también realizó valiosas naturalezas muertas, de colores vivos y dibujo preciso y realista. Su producción paisajística se inspiró en los diversos lugares que visitó y vivió, en Italia y en el extranjero, especialmente en España y Francia. En este paisaje, Pellegrini representa una vista de la montaña que domina la ciudad a orillas del lago de Como: una montaña yerma y desnuda, aunque habitada, con una cabaña en la cima y una figura femenina llenando cubos en la corriente de agua que fluye entre las rocas; los colores son los de la niebla invernal, divididos casi transversalmente entre el gris azulado de la mitad superior, con nubes cargadas de lluvia que dominan las cumbres del otro lado del lago (que se vislumbran, sin verse), y el verde pardo de la tierra que ocupa la mitad inferior, con ramas de árboles desnudos que se extienden para unir las dos mitades. La quietud de las montañas, título de la obra, bien transpira e impregna el alma del observador. El cuadro se presenta en un marco coetáneo.

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Pintura de paisaje con pastor y ovejas
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ARARPI0286059

Pintura de paisaje con pastor y ovejas

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Pintura de paisaje con pastor y ovejas

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. En el centro de la escena, en un paisaje rico en vegetación, se encuentra un pastor con su rebaño de ovejas, retratado en un momento de descanso; tras ellos, la casa de campo con el establo. En el reverso, una etiqueta de colección y la palabra "German" escrita a mano en el marco, probablemente para indicar la procedencia. La pintura se encuentra en el primer lienzo, con el marco original y un marco contemporáneo, redorado.

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El Almuerzo de Fraticelli
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El Almuerzo de Fraticelli

El Almuerzo de Fraticelli

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El Almuerzo de Fraticelli

El Almuerzo de Fraticelli

Óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. En el interior de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena recuerda la obra de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667 -1749), artista genovés considerado como uno de los pintores más originales del siglo XVIII en Italia, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la realización de escenas de la vida de frailes capuchinos o camaldulenses empeñados en las más variadas actividades, desde el estudio en la biblioteca hasta la confesión, desde el trabajo de cuchilleros o carpinteros en los talleres del convento hasta la simple meditación en torno al fuego: En estas obras, se aprecia toda la libertad expresiva de la pincelada del artista, que se desplaza por el lienzo con rápidos toques para describir llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, pobres cuencos, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en resumen, todo un mundo cotidiano de gestos y cosas construidos con una técnica muy particular e inconfundible, compuesta por una viva mezcla de colores interpretada casi en su totalidad en monocromo, sobre la que descienden unas pocas y hábiles pinceladas de luz para dar forma y sustancia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra que aquí se propone se formó sin duda con Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque aparece más posado, sin los destellos y la libertad de interpretación, a menudo irreverente o irónica, hacia las figuras de los monjes. Supo captar el juego de claroscuros, luces y sombras, que fluyen de una monocromía en tonos de marrón, produciendo una obra de excelente calidad pictórica. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

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Arte Antica e Antiquariato: Tesori del Passato
 

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