PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 11

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. En el centro de la composición aparece una liebre colgada, flanqueada por unas codornices y una paloma; a la derecha, una cesta de mimbre con castañas y ramas de pino; a la izquierda, un manojo de espárragos y un jarrón con flores multicolores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con los demás elementos, todos ellos en tonos marrones y grises. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el bebé Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena, situada a orillas del río, está ocupada en su totalidad por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se encuentra la cesta con el recién nacido. Todas las miradas se dirigen también hacia el niño, en la dirección indicada por el brazo extendido de la mujer del primer plano derecho. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras del primer plano, donde los juegos de luces y sombras resaltan las complexiones que emergen de los ropajes. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta enmarcado.

Rovereto 1920

Óleo sobre la mesa. Firmado abajo a la izquierda. El título y la fecha en el reverso a lápiz. Riccardo Viriglio, pintor paisajista de Pavía, retrató vistas urbanas principalmente de su ciudad y paisajes, especialmente de Lombardía. Aquí se puede vislumbrar el pueblo de Roveleto, un pequeño pueblo en la campiña de Piacenza, al pie de las colinas pre-Apeninas. La obra se presenta en un marco.

Escena de Asedio

Óleo sobre lienzo. En el exterior de las fortificaciones de una ciudad, un comandante, rodeado de sus soldados, se dispone a encender la mecha de un cañón. El ejército defiende la ciudadela extramuros y los soldados otean el horizonte mirando hacia abajo, lo que induce a situar la escena en las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova, que se alzan sobre las montañas que hay detrás y desde las que los genoveses defendían la ciudad de los ataques procedentes del mar; la localización en Génova se apoya en el estandarte que ondea en las murallas, la Cruz de San Jorge (cruz roja sobre campo blanco), estandarte de la República de Génova. El estilo de las armaduras, armas y vestimentas haría referencia al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de una representación decimonónica de un episodio histórico, que se inscribe así en la producción pictórica generalizada en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesta por la literatura. En el reverso del marco figura el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera y, en particular, seguidor de Giuseppe Sogni, artista que fue uno de los primeros en favorecer la pintura de tema histórico en sus innovadoras declinaciones románticas. No se sabe mucho de Boni, ni biográficamente ni en cuanto a su producción. Sólo se sabe que se le atribuye el Nudo d'uomo (Academia pintada), con el que ganó el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra representa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; las figuras del primer plano están muy bien caracterizadas en sus poses, expresiones, detalles de vestimenta y armas, mientras que las otras figuras se difuminan en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. El cuadro, todavía en primer lienzo, presenta pequeños difuminados de color. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana de los siglos XVII-XVIII. Se trata de una copia temprana de la célebre tabla de Correggio titulada La Madonna di San Girolamo o Il Giorno (La Virgen de San Jerónimo o El Día), fechada hacia 1528 y conservada en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra que el santo realizó a petición del papa Dámaso y que completó ocultándose en soledad en la cueva de Belén. En el cuadro, la centralidad de la escena la ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos. A su alrededor, varias figuras se disponen en semicírculo. A la izquierda, la poderosa figura del anciano Jerónimo, que mira al Niño con el rollo de la traducción en la mano, y el león, su compañero ermitaño, agazapado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia y se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. En el otro lado, Magdalena está semiacostada, abrazando cariñosamente el pie del niño, que a su vez le acaricia el pelo, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos de la santa penitente. La escena se desarrolla bajo una cortina roja, abierta a un amplio paisaje. El cuadro de Correggio tuvo tanto éxito que existen numerosas copias y réplicas antiguas, entre ellas la que aquí se presenta. La obra, restaurada y retocada, se presenta en un marco antiguo coetáneo.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el niño Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena se desarrolla a orillas de un río, pero en un paisaje que no es oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: hay numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro con el niño en la cesta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en un bastidor del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

Chica en sillón

Escultura de terracota. Firmado abajo a la derecha. Marco Cornini, artista milanés formado en la Academia de Brera, trabaja principalmente con terracota, con la que crea figuras humanas, tanto masculinas como femeninas, hombres y mujeres, o mejor aún, niños y niñas de más o menos la misma generación, en momentos de su intimidad, muchas veces de pareja pero también individualmente, con valores sentimentales, eróticos y pasionales. Aquí vemos a una mujer desnuda sentada en un sillón de una habitación, en actitud de íntima desesperación.

Figuras con Bodegones Otoñales

Óleo sobre lienzo. En el tonel, en la esquina inferior izquierda, figura la firma de H. Sanders. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, montado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflor, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón le ofrece pescado, evidentemente el fruto de su pesca que quiere vender. El escenario recuerda Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se estableció principalmente como retratista, pero del que conocemos una escena de género en un interior, hoy en el Detroit Institute of Arts, fechada en 1647 y titulada «Mujer limpiando pescado», cuya figura femenina se asemeja mucho a la vendedora de la obra que aquí se presenta. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un numeroso grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos con ropajes orientales, rodean a Juan el Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con su bastón coronado por la Cruz y envuelto en un rollo, un cordero a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela por encima de las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX-principios del XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. En el interior de una cocina rural, una familia campesina se entrega a un momento de fiesta: el padre toca la mandolina, escuchado por la niña que insinúa querer bailar, ayudada por su madre, y las demás mujeres de la casa, que sonríen mientras realizan sus tareas domésticas. La producción del pintor napolitano Giuseppe Giardiello siempre buscó el folclore de la vida rural y campesina napolitana, pintando, con tonos íntimos y delicados, tanto escenas de la vida doméstica como vistas de paisajes animados por figuras. La obra se presenta en un marco coetáneo.

Interior del Establo

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La obra fue adquirida anteriormente en la subasta de Sotheby's en Milán el 10/12/2007. Fue expuesta en 1991 en la exposición «Giovanni Sottocornola. Immagini da una collezione» celebrada en Milán en la Galería Silbernagl. Tras una primera fase pictórica dedicada a retratos y naturalezas muertas, Giovanni Sottocornola se acercó en la década de 1880 a los temas sociales, que se estaban convirtiendo en los temas preferidos de los jóvenes pintores lombardos atentos a los aspectos más miserables de la sociedad, vinculados a la adopción de técnicas artísticas originales. Sottocornola abrazó la práctica de la pintura divisionista, de la que escribió en 1895: «Por ahora, estoy convencido de que no hay otra pintura más capaz de transmitir ciertas sensaciones que ésta». Este tipo de pintura, sin embargo, permaneció en la mente del artista totalmente centrada en la luz, en sus inciertas vibraciones tonales, como en Interno di stalla (Interior de un establo), pintado hacia finales de la década de 1880, donde es el juego de luces y sombras el que juega y crea los efectos visuales en las pinceladas de color jugadas sobre unas pocas gamas cromáticas, las de los marrones, expresadas en una amplia variedad de tonos. La opea se presenta en un marco estilizado.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los modos pictóricos retoman los de modelos ampliamente reproducidos, empezando por Correggio, Barocci y las numerosas versiones de Gherardo delle notti, el pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de oscuridad y luz, claroscuros. También en esta obra, la luz que irradia el Niño Jesús ilumina a las figuras que le rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco del siglo XIX.

Copia de Guido Reni

Óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variantes, del famoso tema creado por el célebre pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que representa a la Virgen en oración inclinada para adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras su gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada posteriormente por otros artistas del siglo XVII, entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi, conocido como «Il Sassoferrato». Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena presentan a la Virgen con las manos juntas en oración, hecha suya por Salvi, o con las manos sobre el pecho, como ésta, típicamente de Reno. Otras variantes se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, girada hacia arriba, como en esta versión, en lugar de reclinada hacia un lado; por último, cambian las telas del fondo. Sin embargo, la intensidad de la escena también destaca en esta réplica: ocupando la escena transversalmente está el cuerpo abandonado del niño en reposo, donde la naturaleza divina somete a la humana dormida; sobre él, inclinado en un gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, está el cuerpo de María, expresando toda la ternura maternal pero también, en el gesto de sus manos, la adoración del misterio encarnado representado por su hijito. Los vivos colores de las telas -el cojín sobre el que yace Jesús, el cortinaje de detrás, las ropas de la Madre- resaltan la luminosidad de los tonos de la carne. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Lombardía-Venecia

Escultura de madera de tilo, pintada en policromía y que representa a San Pascual Baylón (1540-1592) en adoración de la Eucaristía, que sostiene en su mano izquierda una custodia ahora desprovista de su relicario radiante. Reconocible no sólo por la actitud típica de su iconografía, sino también por su hábito franciscano y su rostro imberbe. La proclamación como Beato en 1618 constituye un terminus post quem para la realización de la escultura, lo que confirma también el carácter estilístico de la talla, en particular por los gruesos mechones de cabello, la boca carnosa y los pesados párpados, característicos de la escultura de la primera mitad del siglo XVII.

Escena Interior

Óleo sobre lienzo. Sin firmar, pero al dorso hay una dedicatoria «A la signora Clelia Mazzioli, con estima Gaetano Bellei 23 de enero de 1909». La gran escena, ambientada en una cocina popular, muestra a una mujer leyendo cartas a dos niñas, que piden explicaciones señalando las figuras que aparecen y parecen compararlas con un texto que reposa sobre una silla. La obra recuerda la pintura de Gaetano Bellei, debido al fuerte realismo con el que el pintor pintó principalmente escenas de la vida cotidiana campesina. Se le considera un maestro de la representación de los afectos humanos y de las reacciones y sentimientos humanos. El cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado se refiere a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por rezar a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando a un ángel para que cerrara las fauces de las fieras, y el rey perdonó a Daniel haciendo que condenaran en su lugar a quienes lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia, pero también por su sabor exótico debido a la presencia de las fieras. Destaca especialmente la versión de Rubens de 1615, en la que el profeta aparece desnudo en el foso bajo tierra, rezando fervorosamente, rodeado de una multitud de feroces leones. En cambio, la obra que aquí se presenta propone una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, que se encuentran frente a frente, destacando con los vivos colores de sus vestiduras sobre el fondo oscuro de una prisión; sólo hay un león, agazapado mansamente a los pies del ángel, por lo que prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en Caravaggio y el arte barroco, que tuvo ocasión de contemplar el cuadro hace años, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por sus elecciones compositivas y cromáticas. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta con un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. En el retrato de este caballero destaca especialmente la túnica de cámara confeccionada con un elegante tejido floral en tonos rojo ladrillo, que hace eco al color de la peluca. Casi contrasta la severidad de la pose y la mirada austera del personaje con la elegancia casi frívola de su indumentaria. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco de principios del siglo XX.