PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 12

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los modos pictóricos retoman los de modelos ampliamente reproducidos, empezando por Correggio, Barocci y las numerosas versiones de Gherardo delle notti, el pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de oscuridad y luz, claroscuros. También en esta obra, la luz que irradia el Niño Jesús ilumina a las figuras que le rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco del siglo XIX.

Copia de Guido Reni

Óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variantes, del famoso tema creado por el célebre pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que representa a la Virgen en oración inclinada para adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras su gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada posteriormente por otros artistas del siglo XVII, entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi, conocido como «Il Sassoferrato». Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena presentan a la Virgen con las manos juntas en oración, hecha suya por Salvi, o con las manos sobre el pecho, como ésta, típicamente de Reno. Otras variantes se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, girada hacia arriba, como en esta versión, en lugar de reclinada hacia un lado; por último, cambian las telas del fondo. Sin embargo, la intensidad de la escena también destaca en esta réplica: ocupando la escena transversalmente está el cuerpo abandonado del niño en reposo, donde la naturaleza divina somete a la humana dormida; sobre él, inclinado en un gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, está el cuerpo de María, expresando toda la ternura maternal pero también, en el gesto de sus manos, la adoración del misterio encarnado representado por su hijito. Los vivos colores de las telas -el cojín sobre el que yace Jesús, el cortinaje de detrás, las ropas de la Madre- resaltan la luminosidad de los tonos de la carne. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre aglomerado en la segunda mitad del siglo XX. El cuadro retoma las formas pictóricas del siglo XVIII, con un corte decorativo. En un paisaje apacible, con una estructura arquitectónica a la derecha y el valle verde con la desembocadura del río a la izquierda, dos figuras caminan por el sendero, una mujer con su fardo de ropa y el caminante con una alforja y un bastón. La obra se presenta en estilo de crónica.

Óleo sobre lienzo. La escena representa un concierto de cámara: en el centro, el pianista; detrás, el flautista de pico; a la derecha, el director de orquesta, que escucha atentamente y mueve la mano derecha para acompañar los movimientos musicales; detrás del trío, damas y caballeros escuchan sonrientes y participativos. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX.

Lombardía-Venecia

Escultura de madera de tilo, pintada en policromía y que representa a San Pascual Baylón (1540-1592) en adoración de la Eucaristía, que sostiene en su mano izquierda una custodia ahora desprovista de su relicario radiante. Reconocible no sólo por la actitud típica de su iconografía, sino también por su hábito franciscano y su rostro imberbe. La proclamación como Beato en 1618 constituye un terminus post quem para la realización de la escultura, lo que confirma también el carácter estilístico de la talla, en particular por los gruesos mechones de cabello, la boca carnosa y los pesados párpados, característicos de la escultura de la primera mitad del siglo XVII.

Escena Interior

Óleo sobre lienzo. Sin firmar, pero al dorso hay una dedicatoria «A la signora Clelia Mazzioli, con estima Gaetano Bellei 23 de enero de 1909». La gran escena, ambientada en una cocina popular, muestra a una mujer leyendo cartas a dos niñas, que piden explicaciones señalando las figuras que aparecen y parecen compararlas con un texto que reposa sobre una silla. La obra recuerda la pintura de Gaetano Bellei, debido al fuerte realismo con el que el pintor pintó principalmente escenas de la vida cotidiana campesina. Se le considera un maestro de la representación de los afectos humanos y de las reacciones y sentimientos humanos. El cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado se refiere a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por rezar a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando a un ángel para que cerrara las fauces de las fieras, y el rey perdonó a Daniel haciendo que condenaran en su lugar a quienes lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia, pero también por su sabor exótico debido a la presencia de las fieras. Destaca especialmente la versión de Rubens de 1615, en la que el profeta aparece desnudo en el foso bajo tierra, rezando fervorosamente, rodeado de una multitud de feroces leones. En cambio, la obra que aquí se presenta propone una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, que se encuentran frente a frente, destacando con los vivos colores de sus vestiduras sobre el fondo oscuro de una prisión; sólo hay un león, agazapado mansamente a los pies del ángel, por lo que prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en Caravaggio y el arte barroco, que tuvo ocasión de contemplar el cuadro hace años, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por sus elecciones compositivas y cromáticas. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta con un marco de listones.

Figura en Reposo 1969

Birome sobre papel. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de autentificación en foto del Archivo Mario Tozzi. En la extensa producción del maestro Tozzi abundan los dibujos, como éste que aquí presentamos, realizados con diferentes técnicas (tinta, pastel, lápiz, sanguina), dedicados a la figura humana: en su estilo seco y estilizado, Mario Tozzi esboza figurillas estilizadas, refinadas en su geometría silenciosa y discreta, favorecidas por la ausencia de color, que hace resaltar las formas sobre el papel blanco También en su producción pictórica, los temas preferidos de Mario Tozzi son, clásicamente, las figuras y las naturalezas muertas, pero tanto las figuras como las naturalezas muertas son un conjunto de elementos geométricos sólidos, la esfera, el cilindro, el cono, etc. Los cuerpos son elementales, esenciales en sus líneas y detalles, poderosos, escultóricos, compuestos de sólidos apenas modelados, mientras que los bodegones son una celebración de la geometría euclidiana como las jarras, los cuencos, los frascos que son paradigmas de la volumetría y el rigor geométrico. Las composiciones de Mario Tozzi están influidas por el Cubismo para ciertos cortes, la Metafísica para ciertas inserciones arquitectónicas y el Abstraccionismo para la inclusión de figuras geométricas. La obra se presenta enmarcada.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. En el retrato de este caballero destaca especialmente la túnica de cámara confeccionada con un elegante tejido floral en tonos rojo ladrillo, que hace eco al color de la peluca. Casi contrasta la severidad de la pose y la mirada austera del personaje con la elegancia casi frívola de su indumentaria. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Creamos Sistemas Atípicos 1963/74

Serigrafías y fotografías. La obra consta de tres serigrafías (en una caja de cartón) con el texto en inglés (título original «We have created atypical systems») y seis fotografías del artista enmarcadas individualmente. En el reverso de las tres serigrafías en inglés, numeradas en progresión, figuran el número de edición 13/15, la fecha de 1974 y la firma del artista; acompañan también tres serigrafías sin firmar con el texto en italiano. Cioni Carpi, artista milanés, comprometido con el arte conceptual y minimalista, realizó obras en las que la imaginación, la sensibilidad y el don expresivo eran fundamentales. Su creatividad se expresó también en la fotografía, las instalaciones, el vídeo, el dibujo, la escritura, los libros de artista y la pintura. Las dimensiones indicadas son las de un solo cuadro.

Italia finales del siglo XIX

Busto femenino Art Nouveau y columna en mármol blanco estatuario, Italia finales del siglo XIX. Busto envejecido con elementos florales colocados sobre el pecho; columna decorada con hiedra que desciende transversalmente desde la parte superior.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La composición presenta un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, debido a la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores multicolores, que se extienden desde ramas retorcidas en lo alto, mientras que un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procede de una solución originada en los círculos flamencos y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurado y retocado, el cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un marco antiguo.

Lápiz, carboncillo y albayalde sobre papel. Firmado (¿Amalia Bianchi?) Y fechado en la parte inferior derecha. El uso de diferentes pigmentos pictóricos es muy efectivo, creando un juego de luz y oscuridad y subrayando bien los elementos de la figura. El retrato se presenta en un marco de madera del siglo XIX, adornado con inserciones de cuero en forma de hojas y flores, con algunas pequeñas caídas y deficiencias.

Italia Mediados del Siglo XX

Busto de emperador romano en mármol blanco y alabastro floral, mediados del siglo XX, Italia. Toga de alabastro. Base de mármol negro.

Italia Principios del Siglo XVII

Escultura manierista tardía de nogal en bulto redondo que representa una figura femenina con la mano izquierda llevada al pecho desnudo, referencia a la maternidad y la fertilidad. Falta el niño y parte del manto.

Italia Finales del siglo XVI - Principios del siglo XVII

Escultura manierista en nogal tallado, Italia finales del siglo XVI - principios del XVII. Sujeto que representa una figura masculina con el brazo izquierdo cruzado sobre el pecho en altorrelieve que emerge de una semicolumna, mientras a sus pies un niño arrodillado en redondo. Originalmente la parte superior de una pilastra hecha hipotéticamente para un gabinete.

Vistazo del país cubierto de nieve

Óleo sobre tableros duros. Firmado abajo a la derecha. Nacido en 1905, Gaetano Valbusa trabajó durante más de cuarenta años como obrero en los Talleres Mecánicos de Brescia, hasta su jubilación, dedicándose a la pintura sólo como pasión. Pintor paisajista, gracias a los viajes de negocios pudo retratar vislumbres "al aire libre" del mundo entero, aunque los vislumbres de los lugares de Brescia son el tema más recurrente. Afiliado a la Asociación de Artistas Brescianos, pudo exponer sus obras y darse a conocer por la crítica. En sus lienzos los paisajes se impregnan de una gran serenidad y tranquilidad, una elegía de serenos recuerdos de la vida real. La mirada propuesta aquí se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa de finales del siglo XIX. Rastro de firma no identificada en la parte superior derecha. En primer plano, los rostros de dos personajes populares que parecen caricaturizados, quizás personajes de una representación teatral: parece el escenario de un cortejo satírico, con el hombre que mira con lascivia a la mujer, ciertamente no joven y atractiva, que sostiene un ramo de flores con una expresión entre resignada y confusa. La pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

paisaje con gavilla

Aceite sobre la mesa. Firmado G. Zocchi abajo a la derecha. Se trata probablemente de una obra tardía del pintor florentino Guglielmo Zocchi, más conocido por las animadas escenas de género de ambientación grecorromana, que le valieron un gran éxito sobre todo en el extranjero. La producción de paisaje es rara. La pintura se presenta en un marco coetáneo con deficiencias.

Escultura en pasta de cemento que representa el busto de un hombre. Autor anónimo.

Retrato en mármol de una joven colocado sobre una columna de mármol gris, que representa a una joven envuelta en el frío invernal. Los diferentes procesos empleados dan variedad a la representación del mármol. En la parte posterior del busto está grabado «F. Andreini Firenze 1894».