GEMÄLDE ONLINE | GALERIE FÜR ALTE UND ZEITGENÖSSISCHE KUNST - Seite 7

Die Geburt der Venus 1935

Öl auf Leinwand. Unten links auf der linken Leinwand signiert und datiert. Die großformatige Komposition besteht aus drei einzelnen Leinwänden: Die mittlere ist vertikal verlaufend (Maße 220 x 128 cm) und am oberen Rand abgerundet, die beiden seitlichen sind horizontal verlaufend und an den Ecken geformt (Maße 150 x 328 cm). Das zentrale Gemälde wird von der Figur der Venus dominiert, die nackt aus dem Meeresschaum auftaucht und einen Arm über ihren Augen erhebt, um sie vor dem Licht der Morgendämmerung zu schützen. Auf den beiden Seitengemälden ist eine Gruppe von Tritonen, Sirenen, Meeresnymphen und Seeungeheuern unter der Führung des Gottes Poseidon (links erkennbar an dem Dreizack, den er hält) mit Staunen und freudigem Jubel Zeuge des Geschehens. Die Figuren heben sich vor dem Hintergrund von Meer und Himmel ab, die in einem leuchtenden Kontinuum aus Blautönen verschmelzen, in das das rosa Licht der Morgendämmerung eindringt und die Szene erhellt. Brignoli wurde an der Schule von Cesare Tallone ausgebildet und lernte von ihm den Naturalismus der venezianischen Tradition, die Beobachtung der Natur, den entschiedenen Pinselstrich und die starken Lichtkontraste. Darüber hinaus näherte sich Brignoli nach mehreren Reisen nach Afrika ab 1922 der orientalischen Malerei an, verzichtete jedoch auf Formen exotischer Rhetorik und belebte stattdessen das neue Thema durch eine sorgfältige Erforschung der Farben und der Wirkung des Lichts auf die Landschaft neu. Dieses Werk, das zur bereits „afrikanischen“ Periode des Künstlers gehört, ist in der hellen und klaren Farbwahl von diesem Eindruck beeinflusst. Aufgrund seiner Größe und der Komposition aus drei Leinwänden hat es eine große szenografische Wirkung: Es stammt aus einer großen Villa in Brescia, wo es auf der imposanten Treppe ausgestellt war, und wurde wahrscheinlich speziell als maßgeschneidertes Dekorationselement konzipiert und geschaffen. Die Leinwände werden in zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert, in denen einige Teile fehlen.

Öl auf Leinwand. In der großen klassischen Landschaft im nordischen Stil mit dichter Vegetation und einem reißenden Fluss sind auf dem Weg links drei Figuren dargestellt, die an die biblischen Charaktere der Flucht nach Ägypten erinnern: Ein Mann führt einen Esel, auf dem eine Frau sitzt, in einen blauen Mantel gehüllt, und ihren kleinen Sohn im Arm hält. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Familienessen 1802

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Es handelt sich um eine Genreszene des volkstümlichen Geschmacks, die eine bürgerliche Familie bei den Vorbereitungen zum Mittagessen zeigt: Der Vater, der bereits am Tisch sitzt, ist dabei, die Mahlzeit zu segnen, während seine Frau und sein Sohn im Stehen dem Gebet folgen. Über Charles Christophe Coventry, einen englischen Maler, von dem wir hauptsächlich Genreszenen in populären Umgebungen wie diese kennen, ist wenig bekannt. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Fantastische Vision mit Figuren

Öl auf Leinwand. Unten rechts ist die Signatur des Malers Franco Rognoni zu sehen, das Werk wurde vom Archiv des Künstlers jedoch nicht als authentisch anerkannt. Es greift auch Rognonis malerischen Stil auf, der durch Figuren – sowohl Männer als auch Häuser – gekennzeichnet ist, die mit wenigen, präzisen Strichen in Schwarz gezeichnet und dann mit einer Farbe ausgefüllt werden, die in den Hintergrund übergeht. Die Leinwand zeigt eine elegante männliche Figur, die teilnahmslos und gleichgültig am blumengeschmückten Geländer einer Terrasse mit Blick auf eine Stadt lehnt. Unter ihm, links unten, ist ein weiteres Gesicht (derselbe Mann?) mit Militärhelm vor einem dunkleren, weniger sonnigen Stadthintergrund zu sehen: Ob es nun der Mann im Krieg ist, der an die Zeiten des Friedens erinnert oder umgekehrt, der Hinweis auf den Wechsel von Frieden und Krieg, von Gelassenheit und Drama im Leben ist deutlich. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Die vornehme Dame, die ein mit Schleifen und Spitze verziertes Kleid trägt, sitzt an ihrem Schreibtisch und hält einen Brief in der Hand. Unten links trägt ein Umschlag die leider unleserlichen Spuren eines Namens, um die porträtierte Person bekannt zu machen. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Französische Schule der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Bukolisch wirkt diese Landschaft mit ihrer grünen Natur, im Hintergrund öffnen sich Felder und blaue Berge. Im Vordergrund, neben einem imposanten Brunnen, der aus einem monumentalen Marmorsockel besteht, auf dem eine Amphorenvase ruht, unterhalten sich ein Hirte und eine Hirtin, während sie mit ihrer Herde aus Kühen und Schafen ruhen. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ohne Titel, 2003

Gemischte Technik auf Papier. Auf der Rückseite signiert und nummeriert. Exemplar Nr. 40 einer Auflage von 350, von denen die ersten 50 Exemplare nummeriert und vom Künstler signiert sind. Diese Werke entstanden als Anlage zum Katalog der 1040. Ausstellung in der Galleria del Cavallino – Venedig, die im Oktober 2003 stattfand und den Werken von Paolo Patelli gewidmet war, wie aus dem Kolophon der Broschüre hervorgeht, wo sich eine weitere Signatur des Künstlers und eine Widmung befinden. Paolo Patelli, ein Künstler istrischer Herkunft, bringt seine Freude an der Malerei zum Ausdruck und schafft Werke, die durch seine Leidenschaft für Musik bereichert werden. Der rhythmische Geist des Stils des Künstlers fängt Bewegungen ein und übersetzt sie in eine visuelle Sprache, die die Grenzen traditioneller künstlerischer Modelle aufbricht, jede Linie und jeden Pinselstrich sichtbar macht und gleichzeitig die Papieroberfläche großflächig freilegt.

Polierte und bearbeitete Kupferplatte mit helleren Punktverzierungen, Prägungen und Löchern, montiert auf einer rot gebeizten Sperrholzplatte.

Kupfer- und Messingplatte, bearbeitet mit unregelmäßigen geometrischen Figuren. Inspiriert von den Werken des Bildhauers und Malers Lino Bersani (Genua 1935). Auf weiß lackierter Holzplatte montiert.

Flachrelief aus Holz, Stoff und weißer Tempera, das an ein stilisiertes Kruzifix erinnert. Auf Platte montiert und in Vitrine präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Veronika, eine Figur, die während der Passion Christi erscheint, war die fromme Frau, die Jesus beim Aufstieg zum Kalvarienberg mit dem Kreuz auf den Schultern folgte und sein Gesicht mit einem Tuch reinigte: Der Überlieferung nach blieb das Gesicht Jesu eingeprägt das Tuch. Deshalb wird die Heilige ikonographisch dargestellt, während sie dieses Tuch überreicht, in Erinnerung an das Wunder, das sie nach ihrer barmherzigen Geste empfing, wie auf diesem Gemälde, wo links im Hintergrund die drei Kreuze von Golgatha erscheinen, denen sich Veronika zum Gedenken zuwendet dass er Zeuge des Todes Jesu war. Die Leinwand wurde vermutlich Ende des 19. Jahrhunderts – Anfang des 20. Jahrhunderts restauriert und unterfüttert. Sie weist weitere kleine Farbtropfen und Flecken auf. Es wird in einem antiken vergoldeten Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt einen Kampf zwischen einer Armee von Mauren und weißen Soldaten, die eine Festung verteidigen, aus der Kanonen schießen, während im Hintergrund auf der Spitze eines Vorgebirges eine weiße Stadt entsteht. In der Nähe des Meeres angesiedelt, während mehrere Eindringlingsschiffe in Richtung Küste unterwegs sind, konzentriert sich die Szene auf die Gefangennahme des maurischen Königs, in der Mitte auf seinem weißen Pferd, mit einem bestürzten Gesichtsausdruck, weil er von gegnerischen Soldaten umgeben ist, die es versuchen um ihn abzusetzen, während seine Männer versuchen, ihn zu verteidigen. Die Atmosphäre der Szene wird vom Staub und Rauch der Kanonen dominiert, der alle Charaktere mit einem erdigen Schleier bedeckt, auch dort, wo die Farben der Kleidung leuchtender wären. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Landschaft mit Figuren

Öl auf Leinwand, aufgetragen auf die Tafel. Unten links signiert. Auf der Rückseite befindet sich eine Kartusche mit fachmännischer Beglaubigung aus dem Jahr 1944, signiert von einem Mailänder Kunstkritiker. In der weiten Ebene, grün, aber mit wenigen Bäumen, die an die lombardische Ebene erinnert, arbeiten zwei Bauern in der Nähe eines Teiches, in der Nähe ihres Bauernhauses; Im Hintergrund sind die Berggipfel der Alpenkette zu erkennen. Das Thema fällt in die stark naturalistische Produktion des Malers, der in Modena geboren wurde, aber künstlerisch in und um Mailand aufwuchs, Orten, die häufige Themen seiner Landschaftsproduktion waren. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das große Gemälde erzählt die berühmte mythologische Episode des Urteils des Paris, das Ereignis, das den Trojanischen Krieg auslöste. Paris, ein trojanischer Prinz, wurde gerufen, um den Streit zwischen den drei Göttinnen Hera, Athene und Aphrodite beizulegen, wer die Auszeichnung mit dem goldenen Apfel „an die Schönste“ verdiente, den die Göttin Discordia auf den Tisch warf die Götter. Jede der drei Göttinnen versprach Paris eine Belohnung als Gegenleistung für den Apfel, und er entschied sich für Aphrodite, die ihm die schönste Frau der Welt versprochen hatte, Helena, die Frau von Menelaos, dem König von Sparta. In der großen Szene sitzt Paris in der Mitte zwischen den Beinen der Göttin Aphrodite, der er mit erhobenem Arm den Apfel hinhält; Aphrodite hält den Apfel mit einer Hand, während sie sich nach oben dreht, um dem über ihr schwebenden Gott Amor zu signalisieren, seine Aufgabe auszuführen. Auf der linken Seite stehen die beiden anderen Göttinnen empört und mit gerunzelter Stirn im Rücken, während über dem Gott Merkur den Sieg der Aphrodite beschließt, indem er sie mit seinem Stab, dem Caduceus-Symbol der erzielten Vereinbarung, anzeigt, und der Gott Amor auf Aphrodites Hinweis hin das Feuer bereitet Pfeil, mit dem er Helen dazu bringen wird, sich in Paris zu verlieben. Abgerundet wird die Szene durch einen Putto, der von oben Wasser aus einer Vase gießt, vielleicht eine Art Taufe oder freiwillige Weihe. Die imposanten und stark fleischlichen Figuren füllen die Szene in einem Gewirr von Körpern, die mit der Variation der Farben des Fleisches – die der Gottheiten verblassen, die des Hirtenprinzen (der tatsächlich der einzige Sterbliche ist!) heller, aber alles in einem einzigen Farbbereich gespielt, wodurch chromatische Homogenität entsteht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18. Jahrhunderts. Die große nordische Landschaft mit grünen Berghängen, in deren Mitte ein Fluss fließt, wird im Vordergrund von mehreren Figuren bewohnt: Eine Gruppe von Menschen lauscht einem in der Mitte stehenden jungen Mann, der mit der Hand etwas ankündigt Der Arm streckte sich gen Himmel, die Sonne durchbrach die dunklen Wolken. Es erinnert an eine Predigt des Heiligen Johannes des Täufers, obwohl sich kein ikonografisches Element speziell auf diese Figur bezieht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde ist auf einen Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert montiert. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Der weite Blick umrahmt eine schneebedeckte Berglandschaft mit einem weiten Tal unter spitzen Gipfeln, in dem sich ein kleiner See öffnet; Kleine Figuren von Reisenden gehen den Weg entlang, der links vom Dorf ausgeht. Das Weiß des Schnees erzeugt eine gedämpfte und leuchtende Atmosphäre im Kontrast zum dunklen Wolkenhimmel. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.