PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 9

Las Nueve Musas

Zumo de hierba. En la esquina inferior derecha aparece la palabra Euterp. El enorme jugo de hierba representa a las nueve Musas, divinidades femeninas griegas, todas hermanas, como hijas de Zeus y Mnemosyne, y guiadas por el dios Apolo. Representaban el ideal supremo del Arte, entendido como la verdad del «Todo» o la «magnificencia eterna de lo divino». Considerados inicialmente de forma genérica como dioses del canto y las danzas jocundas, encargados de poner música y verso a historias como el origen del mundo, el nacimiento de los dioses y los hombres, las hazañas de Zeus, y representados a menudo acompañados de diversos instrumentos musicales, a partir de la época helenística se les asociaron todas las expresiones del canto y la música, incluidas las tristes y fúnebres, y otras artes como el teatro, y cada uno de ellos se asoció a un género artístico concreto, de modo que podían ser invocados individualmente para ejercer su inspiración y protección. La palabra «Euterp» hace referencia al nombre de una de ellas, Euterpe, la musa de la poesía lírica y de la música, tradicionalmente representada con una flauta; pero el nombre Euterpe significa etimológicamente «La que se alegra», que trae la alegría, por lo que cabe pensar que la elección de este nombre para sostener el tapiz hace referencia a la función más antigua de las Musas, la de traer la alegría a través del arte. En esta presentación, las musas aparecen bailando, adornadas con velos y enredaderas floridas; en sus manos o colocados junto a ellas hay instrumentos u otros objetos simbólicos del arte que inspiran (máscaras teatrales tanto trágicas como cómicas, la paleta pictórica, diversos instrumentos musicales...). El gran cuadro presenta signos de desgaste y manchas de humedad.

Retratos de niños 1930

Fotografías retocadas con pasteles. Firmado abajo a la derecha. En el reverso de tres de ellos figura la fecha 11 de noviembre de 1930. Se muestra una secuencia fotográfica del retrato de tres niños, que cambian ligeramente de pose o expresión. Son obra de la fotógrafa británica Eva Barrett quien, tras una primera experiencia como pintora, decidió dedicarse a la fotografía pensando que "era mejor ser una fotógrafa de primera que una [pintora] de segunda". Tras trasladarse a Roma en 1913, instaló aquí su laboratorio. Pictorialista, con una pequeña cámara, Eva Barrett creó un método fotográfico propio que recordaba al dibujo: aplicaba unos trazos de lápiz muy ligeros, consiguiendo crear imágenes tenues pero con negros especialmente densos, manteniendo así las características de la fotografía y el retrato. De esta manera tuvo mucho éxito y su carrera despegó. Eva Barrett fotografió a la familia real italiana, a las esposas y a los hijos de embajadores extranjeros, y también recibió numerosos encargos de la realeza europea en Bélgica, Suecia y Grecia. Los cuatro retratos se presentan en marcos de estilo.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Paisaje fluvial con figuras 1878

Acuarela y lápiz sobre papel. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Conocemos varias vistas de paisajes de la campiña inglesa del pintor inglés Henry Clifford Warren, en su mayoría pintadas en acuarela. Aquí hay una vista de un campo boscoso atravesado por un ancho río, con un pastor llevando a sus vacas a pastar en la colina en primer plano. Presentado en un marco.

El anuncio de la derrota en Waterloo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XIX. La escena, ambientada en el pobre dormitorio de un anciano veterano de guerra, que llora en su cama, ve a su familia contándole la triste noticia de la derrota en Waterloo, como se deduce de la hoja de periódico que la mujer tiene en las manos, el que toma el nombre del lugar histórico donde Napoleón Bonaparte fue definitivamente derrotado. El lienzo presenta signos de restauraciones anteriores, en particular es claramente visible el parche correspondiente a la figura femenina. Se presenta en un entorno de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Firmado Bertolotti en el ángulo inferior derecho. Se representa un escorzo de un bosque, con plantas ralas y altas y un rico sotobosque de rocas cubierto por un prado verde; a través de los árboles, se abre en el centro un panorama inundado de luz que enmarca escarpadas cumbres montañosas. El cuadro, de fuerte impacto paisajístico, se presenta en un marco coetáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido asunto del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, relatada en el Primer Libro de los Reyes: «El rey Salomón superaba a todos los reyes de la tierra en riqueza y sabiduría. En todas partes de la tierra la gente anhelaba acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le llevaban, cada año, ofrendas de plata y objetos de oro, túnicas, armas, aromas, caballos y mulas». En el cuadro, el rey, suntuosamente ataviado con los símbolos de la realeza (corona, cetro, manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos que dicta su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas, acordes con su papel social: algunos campesinos traen como regalo sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otro levanta una copa en alto, para llamar la atención del rey. El cuadro recuerda por sus colores y estilo pictórico a la producción del norte de Italia, especialmente de la región del Véneto. El cuadro ha sido restaurado y retocado.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior izquierda hay una firma trazada muy ligeramente y no descifrable. En el marco hay una placa que atribuye la obra a Jean-Baptiste François Pater (1695-1736), lo que se considera inconsistente. El paisaje se desarrolla cerca de la desembocadura de un río en el mar; a la izquierda está el rellano que da directamente a un grupo de casas; a la derecha, un bote de remos abandona la orilla arbolada, con dos figuras ligeras de ropa. Rebasado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Una delicada composición de flores se coloca dentro de una especie de cuna de madera, con setas y frutas en el suelo; el fondo es externo, pero mal definido por diversas manchas. La obra, en el primer lienzo, se presenta también en un bello marco de principios del siglo XVIII, en madera de tilo tallada con una corona de hojas unida por cintas, y dorada con gouache.

Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia, siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un condottiere, bien definido en los detalles de armadura, cimera y anatomía, que acompaña benévolamente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que, junto con su compañero, rinde homenaje a un emperador, mientras señala con la mano extendida al grupo de seis niños, sostenidos a la derecha por soldados. El emperador se ha levantado de su trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece referirse a un episodio histórico de clemencia de un condottiere, que por edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que sin embargo es difícil de emparejar con la otra figura coronada de laurel, que desciende de su trono en el suntuoso palacio. El episodio (¿histórico o legendario?) de referencia no puede, pues, identificarse específicamente. Sin embargo, se puede apreciar la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que acentúan su dinamismo. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Carataco fue un rey celta de la tribu britana Catuvellauni, líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Britania a partir del año 43 d.C.. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de combate en combate, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d.C. por Cartimandua, reina de los brigantes de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia. Conducido ante el emperador, el rey bretón habló con tal sabiduría y orgullo (discurso recogido por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió clemencia a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro representa el momento de la peroración de Carataco, en el centro de la escena encadenado, que defiende fervientemente su causa ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. El cuadro, restaurado y repintado a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena, al aire libre al pie de una pendiente, muestra dos figuras femeninas desplomadas sobre ellas y detrás de ellas un peregrino, con el tradicional bastón y conchas en su manto. La mujer en primer plano sostiene un rosario en una mano y en su regazo hay un niño dormido. La escena recuerda un momento de oración dolorosa y contemplativa. El cuadro, ya restaurado y revestido, tiene varias gotas de color y manchas. Se presenta en un marco elegante.

Óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena representa un episodio histórico, no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven de armas tomar, acompañado de su madre, que apoya su petición. El escenario se sitúa en el salón de recepciones del alto prelado, presumiblemente en el palacio episcopal, que, desde la logia del fondo, domina la catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado por sus subordinados y guardias, mientras varias personas del pueblo observan. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera narrando. La atmósfera se juega en los contrastes entre luces y sombras, entre los colores vivos de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y suaves de las figuras del contorno, que tienden literalmente a desaparecer en las sombras al borde de la escena. La obra se inscribe en la amplia producción del siglo XIX que recurría a temas históricos o literarios, reproponiéndolos en clave romántica. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un importante marco de la segunda mitad del siglo XIX, con faltantes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de principios del siglo XIX. El cuadro, según el gusto del siglo XIX, pretende proponer más una escena de género que un paisaje: en primer plano, en un paisaje rural árido con restos de nieve, destacan las figuras de una pequeña familia que desciende de una especie de trineo. .. hecho de madera, relleno de paja y tirado por un caballo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un elegante marco de madera dorada, con varios defectos.

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Europa de finales del siglo XIX. En la composición del interior de un cobertizo, la caza se encuentra en un nivel; a la izquierda aparece el hocico del perro de caza, pero orientado hacia un nido lleno de pájaros cantores, situado encima del eje del carruaje que se ve a la derecha. La pintura se presenta en un marco de época.

Vistazo al Claustro de la Catedral de Monreale

Técnica mixta, con lienzo, paneles de madera, hilos metálicos, pequeñas cuentas, etc. En la parte inferior central está el nombre del artista, no identificado. Se trata de una reconstrucción tridimensional y en perspectiva del claustro de la catedral de Monreale, con la fuente en primer plano. La obra se presenta en una vitrina con marco dorado de principios del siglo XX.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Óleo sobre lienzo. El cuadro procede de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida como contrapartida en grabado por Paulus Pontius (1603 -1658), como también aparece en esta versión. Ocupa el centro vertical de la escena la figura de María, cuyo rostro se inspira en el de Isabel Brandt, la primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con sólo 35 años. La Virgen sostiene en sus brazos al Niño Jesús, que la mira tierna pero seriamente a los ojos, mientras una pequeña mano se apoya en el pecho descubierto de su madre, de la que acaba de recibir el alimento; detrás, de pie, Santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo complacida: A la izquierda, algo separado y en penumbra, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no encaja en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflejo, también sobre el de Santa Ana. En comparación con la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varían varios detalles, sobre todo en la vestimenta de Santa Ana, María y el drapeado que rodea las caderas del Niño, lo que apoya la hipótesis de que sea obra de un seguidor del maestro flamenco. El cuadro, restaurado y repintado, está en buen estado, con sólo un rasguño de color en la parte superior central.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.