Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana de finales del siglo XVII-principios del XVIII. Dentro de un gran paisaje clásico, rico en vegetación y con una atmósfera sonrosada, se encuentra un pequeño puñado de soldados: algunos de ellos, apoyados en una roca que domina un curso de agua, observan cómo uno de ellos se baña, después de haber colocado su armadura en el agua. Se presentó en una subasta Lempertz en 2017 con una atribución a Andrea Locatelli (1695 -1741) y una estimación de 7/9.000 euros. Los modos pictóricos de la obra parecen más cercanos a los de Marco Ricci (1676 -1730), que también fueron ampliamente retomados por otros artistas de la zona del Véneto. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Ambientada en un paisaje clásico, rico en vegetación, la escena representa el episodio bíblico del libro del Génesis que narra cómo el pueblo de Israel, que atraviesa el desierto del Sinaí para llegar a la Tierra Prometida, se encuentra sin agua. Moisés invoca la ayuda de Dios y realiza el milagro de hacer brotar agua de una roca. En la escena, el pueblo de Israel se regocija y celebra el milagro, corriendo a bañarse y saciar su sed en el estanque de agua conjurado por Moisés, que se vislumbra de pie a la izquierda del tronco seco en primer plano, símbolo de la aridez de la tierra. Las ramas de los árboles movidas por un fuerte viento y el cielo cargado de nubes oscuras que comienzan a romperse, evocan la presencia de Dios. Las múltiples figuras, representadas con precisión y detalle, crean movimiento y acción. Este cuadro ya ha sido presentado en la subasta Lempertz con atribución a Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), artista que desarrolló una perfecta combinación de pasado y modernidad, gracias a un profundo interés por el clasicismo, pero realizado con eficaz precisión de perspectiva en el paisaje y gran exactitud de detalle en las figuras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVII. La escena, ambientada de noche en el jardín de una villa, cuya fachada ornamentada se vislumbra a la derecha y en la que destaca la fuente de la que manan una estatua desnuda, bajo un cielo oscuro oscurecido aún más por densas nubes, muestra a dos figuras que conversan: un anciano vestido modestamente amonesta severamente a un joven sentado, ricamente vestido, que parece hacer el gesto del mea culpa con la mano. La fisonomía y los gestos de las dos figuras, junto con el estilo de su indumentaria, parecen remitir al filósofo Aristóteles, que fue llamado a la corte macedonia para ser tutor del joven Alejandro, el futuro rey más tarde conocido como Alejandro Magno. Según cuenta Plutarco en sus «Vidas paralelas», el joven Alejandro fue un alumno brillante, tanto que también fue iniciado en las doctrinas aristotélicas más profundas y esotéricas, de donde deriva el halo de misterio y profunda interioridad que transpira la obra que aquí se presenta. El cuadro ha sido restaurado y reencuadrado. Se presenta en un elegante marco. El cuadro, restaurado

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. Esta obra devocional muestra a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sostienen sus vestiduras, siendo adorada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha, la joven vestida de príncipe, a cuyos pies descansa una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que sostiene al Niño Jesús puede identificarse con San Gaetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan con sus posturas y gestos para crear un movimiento casi circular. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo redecorado a principios del siglo XX, al que le faltan varias piezas (necesita restauración).

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado homónimo de Annibale Carracci (1560 -1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Representa el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura que constituye un símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes. Dos figuras ejecutan el acto, el soldado romano y el judío, en representación de los dos pueblos que participaron en la condena a muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas las de los dos torturadores, más pálida e inerte la víctima, crean una composición entrelazada de cuerpos, con el central de Jesús que se une a los otros dos, uniéndolos en la responsabilidad compartida de lo que están haciendo; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío, a la derecha, le coloca en la mano la caña de bambú, que sustituye al cetro. La escena está dominada por colores oscuros y sombríos, entre los que sólo destaca el rojo vivo de la túnica de Cristo, símbolo de su humanidad sufriente. El cuadro ha sido restaurado y retocado. Se presenta en un bello marco coetáneo, al que le faltan algunas partes.

Versión Reducida de un Retablo de Girolamo Mazzola Bedoli

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Enteramente en primer plano, esta escena de un grupo de figuras sagradas, presenta los rostros de María y el Niño Jesús en el centro, rodeados por San Juan Bautista en la parte inferior izquierda, y tres ángeles formando una corona alrededor de ellos. Todos los personajes están alegres y sonrientes, a pesar de la referencia a la Pasión, dada por el bastón rematado con la Cruz que Juan ofrece a Jesús. El movimiento de los cuerpos y los colores brillantes hacen que la escena esté viva. Se trata de una versión parcial y horizontal del retablo del mismo nombre realizado por el pintor manierista parmense Girolamo Mazzola Bedoli (1508-1570) para la iglesia de San Sepolcro de Parma, desarrollado verticalmente con la presencia de un paisaje de fondo detrás de los dos ángeles en la parte superior y la finalización de las figuras en la parte inferior. El cuadro se encuentra todavía en su primer lienzo, sin signos de restauración previa. Hay varias gotas de color, especialmente a lo largo del margen inferior y los dos laterales. Se presenta en un marco de madera lacado antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Según la iconografía clásica, la Magdalena penitente está representada con lágrimas en los ojos, el cabello suelto, sin ropa, sosteniendo el frasco de ungüento con el que ungió a Jesús en el episodio evangélico, y la calavera, Memento mori por excelencia. Sobre ella, un angelito señala el cielo. Los modos pictóricos están muy próximos a una obra similar de Panfilo Nuvolone (1581 -1651), pintor italiano activo entre Lombardía y Emilia, intérprete de un manierismo tardío anticuado inspirado en los dictados de la Contrarreforma, conocido por sus bodegones pero también autor de figuras similares a ésta. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un antiguo marco dorado.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII. Las figuras, retratadas en primer plano de medio cuerpo, tienen en el centro a María sosteniendo al Niño Jesús; detrás de ellos, a la izquierda, está San José y debajo el pequeño Juan Bautista, vestido con pieles y portando el tradicional bastón con la cruz y el fajín con la inscripción «Ecce Agnus Dei». Las miradas de estas cuatro figuras se dirigen hacia la izquierda, donde aparece Santa Catalina de Siena, reconocible por su hábito dominico negro y sus atributos iconográficos, la corona de espinas, los estigmas y el lirio. Jesús extiende sus manos hacia ella, para estipular el matrimonio místico que caracterizaba a la santa. Restaurado y retocado, el cuadro presenta pequeñas pérdidas de color generalizadas. Se presenta en un marco reacondicionado del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Retrato de un noble, orgulloso, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada y vestido con un manto ribeteado de armiño. En la esquina superior derecha aparece el escudo de armas de su familia, que muestra un león rampante coronado de rojo que sostiene una espada; a lo ancho hay una banda con tres grupos de bolas dispuestas en forma de flor. Un león rampante similar se encuentra en el escudo de armas de algunas ciudades del centro de Italia, como Faenza. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de madera tallada y lacada coetánea.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de la segunda mitad del siglo XVIII. Probablemente obra de un seguidor de Claude Joseph Vernet (1714 -1789), pintor francés especializado en marinas, que pintó varias veces vistas de tormentas y naufragios. La escena se desarrolla en una costa rocosa, cerca de un pueblo construido sobre el acantilado; una fuerte tormenta está en curso, descargando un rayo, que destella desde arriba a la derecha, por encima de unas figuras de viandantes asustados, y se dirige hacia el velero que navega a merced de las fuertes olas. El cielo está cargado de nubes negras, aunque un atisbo de azul parece abrirse ya en la lejanía. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. En el interior de una posada que parece casi excavada en una cueva y que se abre a un paisaje bastante árido, unos hombres comen, beben y se relajan en la mesa junto al fuego, mientras una mujer sentada en el suelo los observa divertida mientras come. Las figuras son grotescas, casi caricaturescas, los colores terrosos, para subrayar el fondo campesino de la escena. Restaurado y reentelado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. En el interior de una taberna, algunos clientes juegan a las cartas: el hombre sentado a la izquierda hace trampas, ocultando una carta en el cuello de su ajustada túnica, ante la divertida mirada del tabernero que llega. Las figuras son grotescas, casi caricaturescas; los colores son predominantemente terrosos, acentuando el ambiente popular. Restaurado y retocado (la etiqueta del restaurador en el reverso está fechada en 1952), el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Adoración de los Pastores hacia 1620

Óleo sobre lienzo. Escuela véneta del siglo XVII. Siguiendo los modelos popularizados por Jacopo Bassano, el cuadro presenta una escena rica en figuras y elementos de contorno típicos de la vida pastoril, elegante pero con una sencillez rústica. Los pastores crean con María y José un círculo de figuras que adoran al Niño Jesús, círculo en el que también participan animales, el buey y la oveja, mientras que unos angelitos completan la escena dando vueltas por encima. La obra se remonta a la producción de Baldassarre D'Anna, pintor de origen veneciano que se formó con Leonardo Corona, cuyos vivos colores e instancias de claroscuro reprodujo, y que más tarde trabajó en Venecia, Dalmacia, Istria y en toda la zona de Friuli. Se sitúa en la mejor etapa del artista, entre 1610 y 1620. En particular, encontramos las mismas características y muchos de los personajes que en la serie de ocho lienzos pintados hacia 1620 para el Santuario de las Gracias de Cordovado, en la provincia de Pordenone: similares son los colores vivos extendidos con fondos nítidos y drapeados angulosos, los contornos enérgicos, las fisonomías severas y marcadas que encontramos tanto en los pastores como en la Virgen arrodillada. También encontramos en la obra las notas realistas «à la Bassano», como la cesta de huevos de la que emerge una servilleta, la arquitectura desprovista de toda monumentalidad.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. La distinguida dama, que luce un vestido adornado con lazos y encajes, está sentada ante su escritorio y sostiene una carta en la mano; en el ángulo inferior izquierdo, un sobre lleva trazos de un nombre, desgraciadamente poco legible, recurso para dar a conocer a la retratada. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de la segunda mitad del siglo XVIII. Bucólico es este verde paisaje campestre, que se abre a campos azules y montañas al fondo. En primer plano, cerca de una imponente fuente formada por una monumental base de mármol sobre la que descansa un vaso en forma de ánfora, un pastor y una pastora conversan mientras descansan con su rebaño de vacas y ovejas. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.