Weiblicher Kopf

Tempera auf Holz mit weiblicher Halbfigur; Sie trägt ein rotes Kleid über einer hellen Tunika, während ein grünes Tuch auf ihrer rechten Schulter ruht. Das rote Haar ist in einem Mittelscheitel gerafft und teilweise von einem weißen Kopfschmuck verdeckt; das volle gesicht hat einen versunkenen ausdruck: der nachdenkliche blick, die hochgezogenen augenbrauen und die leicht gerunzelten lippen. Präsentiert in einem Rahmen, der aus Teilen eines antiken Rahmens größerer Größe besteht.

Ölgemälde auf Leinwand. Intensiv und von hoher Qualität zeigt das Gemälde einen Monarchen des königlichen Hauses von Schottland. Um das Porträt herum befinden sich in einem gemalten ovalen Rahmen einige Schriften: Oben links der Name Rober (t), unten links der Titel Rex und rechts die Abkürzung Scot, die für Scotorum steht; die Schrift rechts oben ist nicht identifizierbar, scheint aber ein Akronym zu sein. Der abgebildete Mann trägt einen Hut und eine Jacke, die mit Hermelinpelz verziert ist, der als der edelste Pelz gilt, der dem Königtum vorbehalten ist. Um den Hals trägt er einen goldenen Anhänger, der zwei Blätter mit der Frucht der Distel darstellt, die in der Heraldik Schottland symbolisiert. Die Schrift und der Anhänger beziehen sich daher auf einen Robert von Schottland, wahrscheinlich aus der Dynastie, die im 14. Jahrhundert regierte. Das Porträt wurde auch in der romantischen Periode des neunzehnten Jahrhunderts ausgeführt, wobei wahrscheinlich einige alte Stiche als Inspiration verwendet wurden. Restauriert und unterfüttert, präsentiert es sich in einem historischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des späten 18. – frühen 19. Jahrhunderts. Die romantische Landschaft zeichnet sich durch einen Fluss aus, der zwischen felsigen Ufern fließt, auf denen sich belaubte Bäume befinden. Am Ufer, links im Vordergrund, werfen zwei Fischer ihre Leinen in einen stillen Wassertümpel, der durch eine kleine Bucht entstanden ist. Das Gemälde trägt auf dem Rahmen ein Etikett, das es Domenico Pecchio (1693–1760) zuschreibt. Es wurde restauriert und wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des späten 17. bis frühen 18. Jahrhunderts. Inmitten einer großen klassischen Landschaft mit üppiger Vegetation und rosiger Atmosphäre steht eine kleine Gruppe von Soldaten: Einige ruhen auf einem Felsen oberhalb eines Baches und beobachten einen von ihnen, der badet, nachdem er seine Rüstung ins Wasser gelegt hat. Das Gemälde wurde bei der Lempertz-Auktion 2017 mit einer Zuschreibung an Andrea Locatelli (1695–1741) und einem Schätzwert von 7.000/9.000 Euro angeboten; Auch die bildliche Methode des Werks scheint der von Marco Ricci (1676–1730) ähnlicher zu sein, als dies auch andere Künstler im venezianischen Raum taten. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene spielt in einer klassischen, vegetationsreichen Landschaft und stellt die biblische Episode aus dem Buch Genesis dar. Dort wird erzählt, wie das Volk Israel auf dem Weg durch die Wüste Sinai ins Gelobte Land ohne Wasser dasteht: Moses ruft um Gottes Hilfe und vollbringt das Wunder, Wasser aus einem Felsen entspringen zu lassen. In der Szene jubelt das Volk Israel über das Wunder und eilt herbei, um zu baden und seinen Durst in dem von Moses heraufbeschworenen Wasserbecken zu stillen. Man sieht Moses links neben dem trockenen Baumstamm im Vordergrund stehen, einem Symbol für die Trockenheit der Erde. Die vom starken Wind bewegten Äste der Bäume und der Himmel voller dunkler Wolken, die zu zerreißen beginnen, erinnern an die Gegenwart Gottes. Die vielen detailgetreu wiedergegebenen Figuren sorgen für Bewegung und Action. Dieses Gemälde wurde bereits bei der Lempertz-Auktion mit einer Zuschreibung an Giovanni Ghisolfi (1623–1683) präsentiert, einem Künstler, der dank seines tiefen Interesses am Klassizismus eine perfekte Verbindung zwischen Vergangenheit und Moderne entwickelte, die jedoch mit wirkungsvoller perspektivischer Präzision in der Landschaft und großer Detailgenauigkeit in den Figuren wiedergegeben wurde. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Französische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die Szene, die nachts im Garten einer Villa spielt, von der Sie rechts die reich verzierte Fassade sehen können und in der der von Putten sprudelnde Brunnen hervorsticht, unter einem dunklen Himmel und weiter von schweren Wolken verdeckt, schlägt zwei Figuren vor, die unterhalten einander im Gespräch: ein bescheiden gekleideter älterer Mann ermahnt streng einen sitzenden jungen Mann, reich gekleidet, der stattdessen mit der Hand die Geste des mea culpa zu machen scheint. Die Physiognomie und die Gesten der beiden Charaktere, zusammen mit dem Stil der Kleidung, würden sich auf den Philosophen Aristoteles beziehen, der an den Hof von Mazedonien berufen wurde, um der Erzieher des jungen Alexander zu sein, des zukünftigen Königs, der damals als Alexander der Große bekannt war : Nach dem, was Plutarch in seinen „Parallel Lives“ erzählt, war der junge Alexander ein brillanter Schüler, so sehr, dass er auch in die tiefgründigsten und esoterischsten aristotelischen Lehren eingeweiht wurde, aus denen die Aura des Mysteriums und der tiefen Innerlichkeit erstrahlt in der hier vorgestellten Arbeit durch. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen. Das Gemälde, restauriert

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Das Werk hingebungsvoller Natur sieht die Madonna, die auf den Wolken sitzt und von zwei Engeln unterstützt wird, die ihre Gewänder stützen, von zwei Heiligen verehrt wird, die zu ihren Füßen knien: rechts die junge Frau in fürstlicher Kleidung, zu deren Füßen ist eine königliche Krone ruhend, bezieht es sich auf Elisabeth von Ungarn; auf der linken Seite kann der Heilige, der das Jesuskind in seinen Armen hält, als San Caetano da Thiene identifiziert werden. Besonders ist das Blickspiel zwischen den verschiedenen Charakteren, die sich mit den Positionen und Gesten zu einer fast kreisförmigen Bewegung verflechten. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Es wird in einem alten Rahmen präsentiert, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts restauriert wurde, mit verschiedenen aktuellen Mängeln (zu restaurieren).

Öl auf Leinwand. Es handelt sich um eine Vintage-Kopie des gleichnamigen Stichs von Annibale Carracci (1560-1609), der sofort Erfolg hatte und zu einer Reihe von gedruckten Repliken und gemalten Kopien führte. Es stellt den Moment der Passion dar, in dem Christus mit der Dornenkrone gekrönt wird, dem Folterobjekt, dem abfälligen Symbol seiner Proklamation zum König der Könige, und wird von zwei Figuren, dem römischen Soldaten und dem Juden, repräsentiert die beiden Menschen, die sie am Todesurteil Christi teilnahmen. Die kräftigen und sanguinischen Gestalten, die der beiden Peiniger bleicher und regungsloser als das Opfer, bilden eine verschlungene Komposition von Körpern, wobei sich die des zentralen Jesus den beiden anderen anschließt und sie in der gemeinsamen Verantwortung für das, was sie tun, vereint; Seitlich gestellt, wird Jesus sein Kopf von dem Soldaten, der ihm die Dornenkrone aufsetzt, gewaltsam nach links geneigt, während der Jude rechts das Bambusrohr in seine Hand legt und das Zepter ersetzt. Die Szene wird von düsteren und dunklen Farben dominiert, unter denen nur das leuchtende Rot des Gewandes Christi hervorsticht, ein Symbol seiner leidenden Menschlichkeit. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Es präsentiert sich in einem schönen zeitgenössischen Rahmen mit Mängeln.

Reduzierte Version eines Altarbildes von Girolamo Mazzola Bedoli

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Ganz im Vordergrund diese Szene einer Gruppe heiliger Figuren, die die Gesichter von Maria und dem Jesuskind in der Mitte darstellt, umgeben von dem jungen San Giovanni unten links und drei Engeln, die eine Krone bilden. Alle Figuren sind glücklich und lächeln, trotz der Anspielung auf die Leidenschaft, die der Stock mit dem Kreuz darstellt, den Johannes Jesus darbringt.Die Bewegung der Körper und die leuchtenden Farben lassen die Szene lebendig werden. Das Gemälde befindet sich noch auf der ersten Leinwand, ohne Anzeichen einer früheren Restaurierung. Es gibt mehrere Farbtropfen, die sich vor allem am unteren Rand und an den beiden Seiten verteilen. Es wird in einem antiken lackierten Holzrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des 17. Jahrhunderts. Der klassischen Ikonographie zufolge wird die reuige Magdalena mit Tränen in den Augen, offenem Haar und unbekleidet dargestellt. Sie hält das Gefäß mit dem Salböl, mit dem sie Jesus in der Episode aus dem Evangelium gesalbt hat, und den Totenkopf, das Memento mori schlechthin, dicht bei sich. Über ihr zeigt ein kleiner Engel zum Himmel. Die malerischen Mittel weisen große Ähnlichkeiten mit einem ähnlichen Werk von Panfilo Nuvolone (1581–1651) auf, einem zwischen der Lombardei und der Emilia tätigen italienischen Maler, einem Interpreten eines überholten Spätmanierismus, der von den Vorgaben der Gegenreformation inspiriert war und der für seine Stillleben bekannt ist, aber auch als Autor ähnlicher Figuren wie diesem gilt. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem antiken vergoldeten Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Porträt eines stolzen Edelmannes, dessen Hand auf dem Griff seines Schwertes ruht und der einen mit Hermelin gefütterten Umhang trägt. Oben rechts ist das Wappen seines Hauses zu sehen, das einen roten Löwen mit Krone und einem Schwert in der Hand zeigt. über ein Band mit drei Kugelgruppen, die in Blumenform angeordnet sind. Ein ähnlicher steigender Löwe findet sich im Wappen einiger Städte in Mittelitalien, beispielsweise in Faenza. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem modernen geschnitzten und lackierten Holzrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Französische Schule der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Wahrscheinlich das Werk eines Anhängers von Claude Joseph Vernet (1714–1789), einem auf Meeresszenen spezialisierten französischen Maler, der oft Einblicke in Stürme und Schiffbrüche gab. Die Szene spielt an einer felsigen Küste, in der Nähe eines Dorfes, das auf der darüber liegenden Klippe erbaut wurde. Es tobt ein starker Sturm, der einen Blitz auslöst, der von oben rechts über einige verängstigte Reisende hinweg auf das Segelschiff schießt, das dem starken Wellengang ausgeliefert ist. Der Himmel ist voller schwarzer Wolken, doch in der Ferne scheint sich bereits ein blauer Fleck aufzutun. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. In einem Gasthof, der fast wie in eine Höhle gehauen wirkt und sich zu einer eher kargen Landschaft hin öffnet, essen und trinken einige Männer und entspannen sich am Tisch neben dem Feuer, während eine Frau auf dem Boden sitzt und ihnen beim Essen amüsiert zusieht. Die Figuren sind grotesk, fast karikaturhaft, die Farben erdig, um den bäuerlichen Hintergrund der Szene zu unterstreichen. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. In einem Gasthaus spielen einige Gäste Karten: Der Mann, der links sitzt, schummelt, indem er eine Karte im Kragen seiner schäbigen Jacke versteckt, während der hinzukommende Wirt ihn belustigt ansieht. Die Figuren wirken grotesk, fast karikaturhaft; Die Farben sind überwiegend erdig gehalten, um die volkstümliche Atmosphäre zu unterstreichen. Das restaurierte und doublierte Gemälde (auf der Rückseite befindet sich ein Restaurierungsetikett mit dem Datum 1952) wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Anbetung der Hirten, ca. 1620

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 17. Jahrhunderts. Mit Blick auf die von Jacopo Bassano verbreiteten Modelle zeigt das Gemälde eine Szene mit vielen Figuren und Umgebungselementen, die typisch für das Hirtenleben sind, elegant, aber dennoch von ländlicher Schlichtheit. Die Hirten bilden zusammen mit Maria und Josef einen Figurenkreis, der das Jesuskind anbetet. An diesem Kreis nehmen auch die Tiere, der Ochse und das Schaf teil, während die kleinen Engel, die oben kreisen, die Szene vervollständigen. Das Werk geht auf Baldassarre D'Anna zurück, einen in Venedig geborenen Maler, der bei Leonardo Corona ausgebildet wurde, dessen chromatische Lebendigkeit und Hell-Dunkel-Malerei er reproduzierte und anschließend in Venedig, in Dalmatien, in Istrien und im gesamten Friaul-Gebiet arbeitete. Es ist in die beste Phase des Künstlers zwischen 1610 und 1620 einzuordnen. Insbesondere finden sich dieselben Charakteristika und viele Charaktere wie in der Serie von acht Gemälden, die um 1620 für das Santuario delle Grazie in Cordovado in der Provinz Pordenone entstanden: Ähnlich sind die lebhaften Farben auf klaren Hintergründen und mit scharfen Drapierungen, die energischen Konturen und die strengen und ausgeprägten Physiognomien, die sowohl bei den Hirten als auch bei der knienden Madonna zu finden sind. Darüber hinaus weist das Werk realistische Akzente „à la Bassano“ auf, wie etwa den Eierkorb, aus dem eine Serviette hervorragt, und die Architektur ohne jegliche Monumentalität. Aufgrund der geringen Größe kann es sich bei dieser Leinwand um einen privaten Auftrag handeln, der zur persönlichen Andacht oder zum Sammeln bestimmt war. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem stilvollen vergoldeten Rahmen präsentiert. Dem Gemälde liegt eine Expertise bei.