Técnica mixta (lápiz, bolígrafo, tinta marrón y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. La escena representa el encuentro entre un sumo sacerdote y un líder: si a él lo sigue todo su ejército, con soldados sombríos y armados de diferentes rangos, al sacerdote lo siguen todo el pueblo que alaba al vencedor, mientras dos mujeres jóvenes a su lado De rodillas ofrecen coronas de flores. Detrás de escena, los imponentes muros con la puerta de entrada a una ciudad, hacia la que señala el sacerdote, casi como entregándosela al líder. La vestimenta del sacerdote, en particular la presencia del pectoral llamado "Decisión" que porta, hace referencia a un sacerdote israelita, y por tanto la ciudad podría ser Jerusalén; en cambio, la vestimenta del líder victorioso, con el casco coronado por dos caballos, hace referencia a Alejandro Magno, quien efectivamente conquistó la ciudad en el 332 a.C. El dibujo se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

El adiós de Ludovico il Moro a su esposa.

Técnica mixta (lápiz, pluma, tinta parda y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. Ludovico Maria Sforza llorando ante la tumba de su joven esposa Beatrice d'Este (1475 -1497); a su alrededor los frailes de Santa Maria delle Grazie y a su izquierda Bramante y Leonardo. En el lado corto del dosel de mármol de la tumba se encuentra el escudo de armas de los Sforza con dos serpientes y dos águilas. El moro quedó profundamente conmocionado por la prematura muerte en el parto de su jovencísima esposa Beatrice, compañera en su vida privada pero también en la política, así como mecenas de los genios del arte de su corte, como Leonardo da Vinci y Bramante, autores de numerosas obras pictóricas y arquitectónicas de la corte Visconti-Sforza. Se conocen varias versiones de este episodio, principalmente del siglo XIX, desde la de Giovanni Battista Cigola, de 1815, conservada en la Pinacoteca Ambrosiana, hasta la de Alessandro Reati, de hacia 1850. El cuadro se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

Paisaje fluvial con figuras 1878

Acuarela y lápiz sobre papel. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Conocemos varias vistas de paisajes de la campiña inglesa del pintor inglés Henry Clifford Warren, en su mayoría pintadas en acuarela. Aquí hay una vista de un campo boscoso atravesado por un ancho río, con un pastor llevando a sus vacas a pastar en la colina en primer plano. Presentado en un marco.

El anuncio de la derrota en Waterloo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XIX. La escena, ambientada en el pobre dormitorio de un anciano veterano de guerra, que llora en su cama, ve a su familia contándole la triste noticia de la derrota en Waterloo, como se deduce de la hoja de periódico que la mujer tiene en las manos, el que toma el nombre del lugar histórico donde Napoleón Bonaparte fue definitivamente derrotado. El lienzo presenta signos de restauraciones anteriores, en particular es claramente visible el parche correspondiente a la figura femenina. Se presenta en un entorno de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena representa un episodio histórico, no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven de armas tomar, acompañado de su madre, que apoya su petición. El escenario se sitúa en el salón de recepciones del alto prelado, presumiblemente en el palacio episcopal, que, desde la logia del fondo, domina la catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado por sus subordinados y guardias, mientras varias personas del pueblo observan. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera narrando. La atmósfera se juega en los contrastes entre luces y sombras, entre los colores vivos de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y suaves de las figuras del contorno, que tienden literalmente a desaparecer en las sombras al borde de la escena. La obra se inscribe en la amplia producción del siglo XIX que recurría a temas históricos o literarios, reproponiéndolos en clave romántica. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un importante marco de la segunda mitad del siglo XIX, con faltantes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de principios del siglo XIX. El cuadro, según el gusto del siglo XIX, pretende proponer más una escena de género que un paisaje: en primer plano, en un paisaje rural árido con restos de nieve, destacan las figuras de una pequeña familia que desciende de una especie de trineo. .. hecho de madera, relleno de paja y tirado por un caballo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un elegante marco de madera dorada, con varios defectos.

Escena de Asedio

Óleo sobre lienzo. En el exterior de las fortificaciones de una ciudad, un comandante, rodeado de sus soldados, se dispone a encender la mecha de un cañón. El ejército defiende la ciudadela extramuros y los soldados otean el horizonte mirando hacia abajo, lo que induce a situar la escena en las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova, que se alzan sobre las montañas que hay detrás y desde las que los genoveses defendían la ciudad de los ataques procedentes del mar; la localización en Génova se apoya en el estandarte que ondea en las murallas, la Cruz de San Jorge (cruz roja sobre campo blanco), estandarte de la República de Génova. El estilo de las armaduras, armas y vestimentas haría referencia al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de una representación decimonónica de un episodio histórico, que se inscribe así en la producción pictórica generalizada en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesta por la literatura. En el reverso del marco figura el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera y, en particular, seguidor de Giuseppe Sogni, artista que fue uno de los primeros en favorecer la pintura de tema histórico en sus innovadoras declinaciones románticas. No se sabe mucho de Boni, ni biográficamente ni en cuanto a su producción. Sólo se sabe que se le atribuye el Nudo d'uomo (Academia pintada), con el que ganó el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra representa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; las figuras del primer plano están muy bien caracterizadas en sus poses, expresiones, detalles de vestimenta y armas, mientras que las otras figuras se difuminan en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. El cuadro, todavía en primer lienzo, presenta pequeños difuminados de color. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Interior del Establo

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La obra fue adquirida anteriormente en la subasta de Sotheby's en Milán el 10/12/2007. Fue expuesta en 1991 en la exposición «Giovanni Sottocornola. Immagini da una collezione» celebrada en Milán en la Galería Silbernagl. Tras una primera fase pictórica dedicada a retratos y naturalezas muertas, Giovanni Sottocornola se acercó en la década de 1880 a los temas sociales, que se estaban convirtiendo en los temas preferidos de los jóvenes pintores lombardos atentos a los aspectos más miserables de la sociedad, vinculados a la adopción de técnicas artísticas originales. Sottocornola abrazó la práctica de la pintura divisionista, de la que escribió en 1895: «Por ahora, estoy convencido de que no hay otra pintura más capaz de transmitir ciertas sensaciones que ésta». Este tipo de pintura, sin embargo, permaneció en la mente del artista totalmente centrada en la luz, en sus inciertas vibraciones tonales, como en Interno di stalla (Interior de un establo), pintado hacia finales de la década de 1880, donde es el juego de luces y sombras el que juega y crea los efectos visuales en las pinceladas de color jugadas sobre unas pocas gamas cromáticas, las de los marrones, expresadas en una amplia variedad de tonos. La opea se presenta en un marco estilizado.

Lápiz, carboncillo y albayalde sobre papel. Firmado (¿Amalia Bianchi?) Y fechado en la parte inferior derecha. El uso de diferentes pigmentos pictóricos es muy efectivo, creando un juego de luz y oscuridad y subrayando bien los elementos de la figura. El retrato se presenta en un marco de madera del siglo XIX, adornado con inserciones de cuero en forma de hojas y flores, con algunas pequeñas caídas y deficiencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa de finales del siglo XIX. Rastro de firma no identificada en la parte superior derecha. En primer plano, los rostros de dos personajes populares que parecen caricaturizados, quizás personajes de una representación teatral: parece el escenario de un cortejo satírico, con el hombre que mira con lascivia a la mujer, ciertamente no joven y atractiva, que sostiene un ramo de flores con una expresión entre resignada y confusa. La pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.