PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Detrémpe et huile sur panneau. École vénitienne-crétoise du XVIIe-XVIIIe siècle. Le terme école vénitienne-crétoise (ou créto-vénitienne) désigne une école picturale importante, également connue sous le nom d'école post-byzantine, mouvement qui a prospéré sur l'île de Crète sous le contrôle de la Sérénissime de Venise entre 1204 et 1669. Merci En raison de la situation politique, notamment après la chute de Constantinople, la Crète devint du XVe au XVIIe siècle le principal centre artistique chrétien d'origine grecque. Dans cet environnement se développe un style pictural particulier marqué par la tradition et les mouvements d'origine tant byzantine que latine. En particulier, compte tenu de la demande importante d’icônes byzantines en Europe, l’île est rapidement devenue un centre de production de ces œuvres d’art. Le style de l'icône byzantine se retrouve dans cette œuvre, qui propose un sujet largement reproposé dans l'art, à savoir l'Adoration des bergers à la naissance de Jésus : les figures de la Sainte Famille et des bergers sont fortement imputables au style traditionnel Représentation iconographique byzantine, mais ils sont placés dans un paysage plus latin, qui s'ouvre largement, avec une profondeur de perspective qui fait référence à la peinture paysagère européenne du XVIIe siècle, sans le fond doré traditionnel mais avec des choix chromatiques qui rappellent encore la divine lumière dorée, en particulier là où un ange annonçant la Gloire de Dieu regarde depuis les cieux ouverts. Le tableau présente un détachement de la peinture dans la partie centrale, correspondant à une restauration antérieure, qui nécessite une récupération ultérieure. Au dos de la plaque se trouve un tampon de cire à cacheter. Le tableau est présenté dans un cadre en bois ancien.

Début du XIXe Siècle

Sculpture d'un philosophe en marbre blanc de Carrare, Italie, première moitié du XIXe siècle. La statue représente un individu masculin vêtu à l'ancienne, identifié comme philosophe grâce à la grande tunique, au stylet placé dans la main droite et à la tablette dans la main gauche. Reposant sur socle. Main droite restaurée.

Scène de la Vie Paysanne 1980

Huile sur verre. En bas à gauche figurent la signature et la date, accompagnées du symbole de l'artiste, la figurine stylisée d'un homme en fauteuil roulant. Il s'agit d'une œuvre sur verre du peintre Mario Previ, qui vit et peint en fauteuil roulant depuis l'âge de dix-huit ans, en raison d'une tétraplégie résultant d'une plongée dans son Taro. Il a dit de lui-même : « Le monde, le passage du temps, de ce point de vue (le fauteuil roulant) enseignent beaucoup de choses. On apprend à se réveiller chaque matin avec un but, même si son corps souffre, si chaque geste génère souffrir et dépendre des autres et abandonner pourrait être une solution facile. Et au contraire, l'art, la peinture, ainsi que la sérénité de mon monde, des amis, me donnent une énergie incroyable. Ils m'ont sauvé, me donnant la force de vivre. En 1974, trois ans après l'accident, inspiré par une émission télévisée sur les peintres naïfs yougoslaves, notamment par les œuvres sur verre de Mijo Kovacic, Previ commence à peindre et apprend l'art de la peinture sur verre en autodidacte, jusqu'à ce qu'il se faire connaître et apprécier pour ses peintures. Dans ses naïfs, Mario Previ raconte une réalité presque disparue, des histoires vraies quoique sur le ton d'un conte de fées, il fait revivre des traditions perdues, des tranches de vie qui ont appartenu à d'autres générations, celles de la civilisation paysanne (dont il est également issu), mais ce qui ressort le plus de ses visions sont les "forë", ceux qu'on pouvait autrefois entendre dans les "firossi", les soirées traditionnelles des hameaux de Parme dédiées aux rencontres pour raconter des anecdotes, des histoires et des curiosités historiques, souvent devant la cheminée. feu, alors qu'il faisait froid et qu'il neigeait dehors. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Incendie dans la Campagne, 1907

Aquarelle sur papier. En bas à droite se trouvent la signature, la date et le lieu Rome. L'artiste romain, fils d'un peintre anglais, était avant tout un peintre paysagiste de la campagne romaine, qui peignait principalement à l'aquarelle. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain en bois, avec des décorations de feston.

Le Jugement Dernier

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est probablement la peinture préparatoire et de présentation au client de la fresque réalisée par Moretti Larese pour la voûte de l'église de Volpago del Montello (Trévise), dédiée à Santa Maria Maddalena. Le Jugement dernier décrit le Ciel sur les nuages, rassemblés autour du Christ assis sur le trône du juge. En arrière-plan se compose l'image trinitaire, avec Dieu le Père en vol et la colombe du Saint-Esprit, parmi les chœurs des anges et des anciens de l'Apocalypse. Le Christ juge est flanqué de sa mère Marie, dans le rôle d'intercesseur, et des quatre évangélistes qui ont entre les mains les Évangiles dont ils sont les auteurs et aux côtés des symboles traditionnels. Les saints de l'Ancien Testament sont alignés sur les côtés (David avec la harpe, Moïse avec les tables de la loi, Jean-Baptiste avec la croix de procession) et les apôtres Pierre (avec les clés) et Paul (avec l'épée de martyre). La terrasse en contrebas est occupée par les autres apôtres (André avec la croix) et les saints. Les trois Vertus de Foi, d'Espérance et de Charité, avec leurs symboles, montrent aux ressuscités la croix du sacrifice de Jésus. L'ange au haut-de-forme réveille les morts et leur montre le juge. L'archange Michel, avec son épée flamboyante et sa balance à double plateau, décide du sort individuel des ressuscités. En bas, les élus (y compris les mères avec leurs enfants) montent au ciel avec l'aide des anges. Les damnés finissent dans les flammes de l’Enfer. Le tableau présente des traces évidentes du dessin au crayon sous-jacent et, par rapport à la fresque définitive, quelques petites différences dans les postures de certains personnages et surtout dans les couleurs non définitives. Moretti Largese était surtout apprécié comme décorateur d'édifices publics et privés, mais il créa également quelques fresques religieuses. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur panneau. Le grand paysage campagnard, avec des arbres feuillus et des collines, montre une dame et des chevaliers engagés dans une partie de chasse, accompagnés de chiens dans la course. Le tableau est présenté dans un cadre en bois, recouvert en façade de stuc doré.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIIème siècle. Le tableau représente la mort de saint Joseph qui, selon les évangiles apocryphes, s'est produite assistée de Marie et de Jésus : le mourant repose en effet sur son lit d'agonie, soutenu affectueusement par son fils putatif Jésus et son épouse Marie, tandis que plusieurs anges assister, soit au pied du lit, soit d'en haut là où le ciel s'ouvre déjà pour accueillir l'âme du saint. La mort de Joseph est considérée comme la forme la plus désirable et la plus paisible de la mort, de la vieillesse, dans son lit et entouré de ses proches, et c'est pour cette raison que le Saint est considéré comme le saint patron des mourants et de la douce mort. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté avec un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIème siècle. Le Saint est représenté dans son bureau, occupé à lire et à étudier les textes sacrés, mais en costume pénitentiel, c'est-à-dire vêtu uniquement d'un tissu rouge drapé autour de son corps nu. Le tableau, regarni, présente une fissure importante ; Il est placé dans un cadre contemporain en bois doré.

Huile sur panneau dur. Au revers figure une inscription au crayon avec la date « 29 juin 1931 » et la signature Amos Campaioli. Le grand paysage campagnard, avec des arbres feuillus et un étang, voit au premier plan une dame à cheval flanquée d'un homme avec ses chiens. Le tableau est présenté dans un cadre en bois, recouvert en façade de stuc doré.

Paysage avec Figures

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Achille Vertunni est né et s'est formé artistiquement à Naples, mais a ensuite déménagé à Rome où, à son âge mûr, son atelier de la Via Margutta était un point de référence pour de nombreux critiques et artistes italiens et étrangers (D'Annunzio, De Sanctis, Franz Listz , pour n'en citer que quelques-uns) et était fréquenté par la noblesse et les hommes politiques de l'époque, les figures du Risorgimento et les visiteurs du "Grand Tour". Ses premiers thèmes s'inspirent d'événements historiques, mais il se consacre ensuite au paysage qui, à partir des années soixante-dix, devient le sujet quasi exclusif de ses peintures. Ses couchers de soleil dans la campagne romaine et dans les marais pontins sont caractéristiques, parfois animés par des butteri et des troupeaux de buffles. Ce tableau montre deux personnages en vêtements traditionnels du Latium, un couple d'agriculteurs se reposant près d'une petite chapelle votive le long de la route ; à droite, le paysage côtier s'ouvre le long du Tibre, au bout duquel se détache le profil de Rome, avec le Dôme de Saint-Pierre et le Château Saint-Ange. Surtout, l'ambiance typiquement romantique d'un coucher de soleil, avec ses jeux de lumières douces et roses. Le tableau, rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Scène de Chasse

Eaux-fortes à l'aquarelle. Tirées d'une édition posthume de Nicolas Bonnart (1636 -1718), telles qu'écrites en bas à gauche, les quatre scènes sont titrées en bas en français, et représentent un groupe de chevaliers qui s'essayent à la chasse à différents animaux: l'ours, cerfs, sangliers et oiseaux. Les plis centraux du livre sont évidents, il y a des taches d'humidité. Ils sont présentés dans un cadre élégant, en bois peint à l'ancienne.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIème siècle. Au centre de la scène se trouve le Christ, agenouillé dans l'eau du Jourdain, les bras rassemblés vers son corps dans une attitude introspective ; à côté de lui, Jean-Baptiste verse l'eau du baptême sur sa tête. À gauche, trois anges assistent, tenant le tissu prêt à sécher le corps du Christ, mais leur regard est dirigé vers le haut, pour contempler la descente du Saint-Esprit. Un paysage riche en végétation constitue la toile de fond de la scène. Sur la première toile, le tableau présente quelques taches au dos. La fissure est marquée et il y a quelques très petits trous. Le tableau est présenté dans un cadre doré du XIXème siècle (à gauche manquant).

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du début du XVIIe siècle. La Vièrge sur le trône, couronnée par deux anges, tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui offre à saint François la pauvre ceinture nouée, symbole de pauvreté ; sont témoins de la scène un saint évêque, saint Jean-Baptiste et deux saintes, sainte Claire à gauche, sainte Catherine d'Alexandrie à droite. Le tableau, toujours sur la première toile, présente une fissure bien visible avec de petites gouttes de couleur ; soumis à restauration (il y a d'anciennes pièces au dos), il a été fixé sur un cadre en bois non contemporain et monté dans un cadre florentin contemporain, en bois peint en noir avec des décorations dorées.

Peinture à l'huile sur toile. Portrait d'un jeune monsieur. Il présente plusieurs gouttes de couleur. Il est présenté dans un cadre laqué contemporain.

Les Mois de l'Année

Gravures à l'aquarelle. Série de douze feuilles volantes gravées et coloriées à la main, avec légende et nom du mois concerné en bas, représentant des scènes typiques liées à chaque mois de l'année. Réalisées d'après des dessins de Giuseppe Zocchi (1711 -1767), les gravures de Giovanni Battista Cecchi (1748 -1819) furent imprimées entre 1750 et 1799 par les éditeurs florentins Giacomo Moro et Giuseppe Bardi. La série est en bon état, avec des petites taches d'humidité et des défauts mineurs. Les gravures sont présentées dans des cadres de style.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIIème siècle. portrait d'une noble en riche robe de soirée, avec un manteau d'hermine drapé sur ses épaules, indiquant sa haute lignée. Reliné, le tableau est présenté dans un cadre doré ancien.

Village Triste

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos sur le cadre le titre au crayon. L'artiste siennois Guido Ferroni, après des débuts impressionnistes, arrive à une peinture aux tons intimes, caractérisée par une réduction des gammes chromatiques et une atmosphère de vie quotidienne villageoise calme, liée à la tradition toscane. Le tableau est présenté dans un cadre doré contemporain.

Technique mixte sur papier. Au dos le cachet de l'artiste avec la signature, le titre (non déchiffré) et la date de l'œuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Travail dans le cadre.