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DIPINTI ONLINE | GALLERIA D'ARTE ANTICA E CONTEMPORANEA | QUADRI ANTICHI

ARTE ANTICA | SPEDIZIONE GRATUITA


Nel nostro catalogo puoi trovare opere d’arte del XVI secolo fino ai giorni nostri. Nella nostra galleria d’arte online è presente un' importante e raffinata selezione di quadri antichi, arte contemporanea, dipinti antichi e sculture con cui potrai arricchire la tua casa. Scoprite la nostra curata selezione di opere che spaziano dall'arte antica all'arte contemporanea, un viaggio attraverso il tempo che offre un'ampia gamma di dipinti antichi, quadri antichi, e pezzi unici di arte antiquariato. Ogni opera nel nostro catalogo è stata attentamente selezionata per rappresentare il meglio dell'espressione artistica attraverso le epoche, garantendo agli amanti dell'arte e ai collezionisti la possibilità di trovare il pezzo perfetto che parli al cuore e all'anima.

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Arte Antica e Antiquariato: Tesori del Passato
 

Esplorate la nostra sezione dedicata all'arte antica e all'arte antiquariato, dove il fascino della storia si fonde con la bellezza estetica. Da dipinti antichi che raccontano storie di civiltà passate a quadri antichi che catturano momenti immortali, ogni pezzo è una finestra aperta su un mondo scomparso. Queste opere antiche non sono solo decorazioni, ma frammenti di storia che arricchiscono qualsiasi ambiente, portando con sé storie di epoche passate.
 

Arte Contemporanea: Espressioni del Presente

Per coloro che cercano qualcosa di attuale, la nostra collezione di arte contemporanea presenta opere di artisti emergenti e affermati. Queste creazioni spaziano da interpretazioni moderne di temi classici a esplorazioni audaci di concetti e materiali nuovi. L'arte contemporanea nel nostro catalogo è pensata per stimolare il pensiero e ispirare conversazioni, rendendola perfetta per ambienti moderni che abbracciano l'innovazione e lo stile.
 

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Che siate alla ricerca di un pezzo storico per completare la vostra collezione o di un'opera moderna per aggiungere un tocco di freschezza alla vostra casa, il nostro catalogo offre qualcosa per ogni gusto ed esigenza. Con filtri facili da usare e descrizioni dettagliate, trovare il vostro prossimo acquisto d'arte antica è semplice e piacevole. Ogni opera è accompagnata da informazioni sulla provenienza, l'epoca e l'artista, assicurando trasparenza e fiducia nell'acquisto.
 

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Grande Succo d'Erba XIX Secolo
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Grande Succo d'Erba XIX Secolo

Le Nove Muse

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Grande Succo d'Erba XIX Secolo

Le Nove Muse

Succo d'erba. In basso a destra compare la parola Euterp. L'enorme succo d'erba raffigura le nove Muse, divinità greche femminili, tutte sorelle, in quanto figlie di Zeus e di Mnemosine, e aventi come guida il dio Apollo. Esse rappresentavano l'ideale supremo dell'Arte, intesa come verità del "Tutto" ovvero l'«eterna magnificenza del divino». Inizialmente considerate in modo generico divinità del canto e delle danze gioconde, deputate a mettere in musica e versi storie quali l'origine del mondo, la nascita degli dei e degli uomini, le imprese di Zeus, e raffigurate spesso accompagnate da vari strumenti musicali, a partire dall'epoca ellenistica vennero loro associate tutte le espressioni canore e musicali comprese quelle tristi e funebri, ed altre arti quali il teatro, e a ciascuna di esse fu associato un genere d'arte specifico, in modo che potessero essere invocate singolarmente per esercitare la loro ispirazione e protezione. La parola "Euterp" rimanda al nome di una di esse, appunto Euterpe, musa della poesia lirica e della musica, tradizionalmente raffigurata con un flauto; ma il nome Euterpe etimologicamente significa "Colei che rallegra" che porta gioia, e si può pensare quindi la scelta di tale nome a titolare l'arazzo voglia rimandare alla più antica funzione delle Muse, quelle di portatrici di gioia attraverso l'arte. In questa presentazione, le muse compaiono mentre danzano, agghindate di veli e tralci fioriti; nelle loro mani o posati accanto, compaiono strumenti o altri oggetti simboli dell'arte che esse ispirano (le maschere teatrali sia tragica che comica, la tavolozza pittorica, vari strumenti musicali...). IL grande dipinto presenta segni di usura e macchie di umidità.

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Dipinto di Vicente March
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Dipinto di Vicente March

Lezione di canto

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Dipinto di Vicente March

Lezione di canto

Olio su tela. In basso a destra la firma e la localizzazione Roma. Al retro presente sul telaio etichetta con il nome dell'artista e la dicitura "Chez J. Spiridon, Rue Pigalle, Paris". Presente inoltre sulla cornice etichetta con numero di inventario. L'etichetta rimanda al collezionista francese Joseph Spiridon (1845 -1930), che si dedicò a continuare la raccolta di opere d'arte già iniziata dal padre Georges, acquistando in Italia dal Cardinale Fesch, il prelato di stanza a Roma che fu a sua volta un importante collezionista d'arte. La localizzazione del dipinto a Roma corrisponde al lungo periodo che l'artista valenciano Vicente March trascorse nella capitale, ove era giunto ancora giovane per approfondire la sua formazione artistica. Vicente March, appassionato anche di fotografia, aveva l'abitudine di immortalare le sue opere e raccoglierne le immagini in bianco e nero in un album, rimasto poi in eredità alla famiglia, che ne ha realizzato un libro/catalogo e che le ha inserite nel sito dedicato all'artista: anche la foto in bianco e nero della nostra opera compare in tale raccolta (https://www.vicentemarchmarco.es/fotos-de-su-obra-b-n.html.) March si distinse in particolare per i dipinti a soggetti folcloristici e per le scene di genere, seguace del costumbrismo, la corrente artistico-letteraria spagnola che prendeva spunto dai costumi e dalle scene di vita popolare. Le sue opere ottennero ampio successo in tutta Europa, finendo in numerose collezioni private. In questo dipinto, di fine qualità, March propone una scena d'interno di una ricca famiglia, con due fanciulle in abiti settecenteschi che si dilettando suonando il liuto l'una e cantando l'altra; le due figure sono collocate presso una alta finestra lavorata di un un ricco salone, dalle pareti affrescate e arredate con arazzi, con mobili intarsiati e un fine tessuto damascato sul tavolino. Notevole è la capacità di resa pittorica dei particolari e dei dettagli. Il dipinto è presentato in cornice coeva di fine '800.

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Dipinto Allegoria dei Piaceri
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ARARPI0237280
Dipinto Allegoria dei Piaceri

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Dipinto Allegoria dei Piaceri

Olio su tela. Scuola nord-europea del XVIII secolo. La scena allegorica presenta una donna discinta seduta sulle ginocchia di un uomo, presso un tavolo apparecchiato con una brocca, un calice, una tabacchiera ed un sigaro acceso. I due personaggi sono in atteggiamento di scherzosa complicità, intenti entrambi a fumare una lunga pipa. Lo sfondo propone un paesaggio frondoso. Le figure e gli oggetti rimandano ai piaceri materiali e carnali della vita, il fumo, il bere, la compagnia femminile; i personaggi rosei e pasciuti ricordano anche il piacere della buona tavola. Tali soggetti furono ricorrenti nella pittura fiamminga o più generalmente nordica, che li proponeva in chiave ironica e ammiccante. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

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Pannello a Ricamo con soggetto Naturalistico
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Pannello a Ricamo con soggetto Naturalistico

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Pannello a Ricamo con soggetto Naturalistico

Ricamo su tessuto in cotone. Giappone, periodo Meiji (1868 -1912). Il grande pannello in tessuto di cotone ricamato propone un soggetto naturalistico: sono raffigurate aquile e altri uccelli tra montagne stilizzate, e rami di pino e di glicine. Il ricamo è presentato in cornice in stile.

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Dipinto ritratto di Tommaso Francesco di Savoia
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Dipinto ritratto di Tommaso Francesco di Savoia

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Dipinto ritratto di Tommaso Francesco di Savoia

Olio su tela. E' il ritratto del principe Tommaso Francesco di Savoia (1596 -1656), capostipite del ramo Savoia-Carignano. Nel 1620 divenne infatti, per disposizione del padre, Principe di Carignano dando origine alla linea dei Savoia-Carignano, dalla quale discenderanno i futuri Re d'Italia di Casa Savoia. Questo ritratto deriva dall'originale del 1634 realizzato da Antoon Van Dick, oggi conservato alla Gemaldegallerie di Berlino, e successivamente riprodotto anche con acquaforte, da cui deriva probabilmente questa versione. Essa è leggermente diversa dall' originale in alcuni particolari:. è di formato più stretto, il bastone impugnato dal principe è più corto, è meno sviluppata la tenda a drappeggio alle spalle dell'uomo.. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica adattata alla tela.

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Dipinto Allegoria della Vita coniugale
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Dipinto Allegoria della Vita coniugale

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Dipinto Allegoria della Vita coniugale

Olio su tela. Si tratta di copia di dimensioni ridotte dell'omonima opera di Tiziano, realizzata nel 1532 ca. e oggi conservata al Museo del Louvre. In origine si pensava che l'opera ritrasse Alfonso d'Avalos, marchese di Vasto, che si accomiatava dalla moglie prima di andare a combattere i Turchi. Si tratta invece più probabilmente di un prototipo di allegoria matrimoniale che godette di ampio successo a Venezia. Gli sposi sono rappresentati nelle vesti di Marte (in armatura) e Venere , e sono accompagnati da Cupido, divinità protettrice dell'amore, che regge un fascio di frecce, da Vesta, dea del focolare domestico, coronata di mirto, simbolo di fedeltà coniugale, e da Imeneo, divinità degli sponsali che porge un cesto di frutta e fiori. La donna tiene una sfera di cristallo, come se volesse scrutare il futuro. Le espressioni malinconiche dei protagonisti sono state lette come un riferimento alla possibile morte o partenza di uno dei due coniugi. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

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Dipinto Volto di Santo
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Dipinto Volto di Santo

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Dipinto Volto di Santo

Olio su tela. Il dipinto ritrae il volto di un santo, di età avanzata, che tiene in mano un giglio, simbolo di purezza, mentre legge un grosso libro, presumibilmente un testo sacro. Si tratta presumibilmente di una raffigurazione di San Giuseppe: se la tradizione lo vuole solitamente rappresentato con Gesù Bambino tra le braccia, a partire dal Rinascimento Giuseppe iniziò ad essere raffigurato anche assorto nella lettura di un libro, in veste di "filosofo", ovvero di un uomo che attingeva la sapienza di saper fare scelte giuste e sagge dalla lettura dei testi sacri. L'opera è presentata in cornice coeva.

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Apollo del Belvedere Busto in Marmo
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Apollo del Belvedere Busto in Marmo

Italia Fine XIX – Inizio XX Secolo

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Apollo del Belvedere Busto in Marmo

Italia Fine XIX – Inizio XX Secolo

Busto in marmo raffigurante il dio Apollo del Belvedere con volto posto di tre quarti.

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Dipinto Paesaggio boschivo con Figure
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Dipinto Paesaggio boschivo con Figure

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Dipinto Paesaggio boschivo con Figure

Olio su tavoletta. Il piccolo scorcio rappresenta uno scorcio boschivo, frondoso e ombreggiato, nel quale passeggiano e si dilettano diverse figurine. In basso al centro compare la firma A.J. Garnier, che rimanda all'artista francese Alfred Jean Garnier (1848 -1908), smaltatore, pittore e incisore. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

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Dipinto Coppia di Nature morte
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Dipinto Coppia di Nature morte

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Dipinto Coppia di Nature morte

Olio su tela. Le due nature morte propongono delle composizioni di oggetti poggiati su tavoli lignei ricoperti di tessuti damascati e sormontati da tende a drappeggio. Tra gli oggetti raffigurati sono presenti in entrambe le scena degli spartiti musicali, in un caso anche un flauto, e dei calici di fogge particolari, ripieni di vini, affiancati da brocche in metallo sbalzato. Compaiono inoltre dei libri, un melograno e un vaso in cristallo con dei fiori in un quadro; un piatto di ciliege con coppetta in in ceramica, un limone e un ramo di lamponi nell'altra tela. Le due opere sono presentata in cornice dorate di inizio '900.

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Gruppo di quattro Foto di Eva Barrett
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Gruppo di quattro Foto di Eva Barrett

Ritratti di Bambini 1930

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Gruppo di quattro Foto di Eva Barrett

Ritratti di Bambini 1930

Fotografie ritoccate a pastelli. Firmate in basso a destra. Al retro di tre di esse la data 11 novembre 1930. E' proposta una sequenza fotografica del ritratto di tre bambini, che cambiano leggermente la posa o l'espressione. Sono opera della fotografa britannica Eva Barrett che, dopo una prima esperienza come pittrice, decise di dedicarsi alla fotografia, pensando che "fosse meglio essere una fotografa di prim'ordine che una [pittrice] di seconda qualità". Trasferitasi a Roma nel 1913, stabilì qui il suo laboratorio. Pittorialista, con una macchina di piccole dimensioni, Eva Barrett creò un proprio metodo fotografico che ricordava gli schizzi dei disegni: applicava pochi leggerissimi tratti di matita riuscendo a realizzare immagini sottotono ma dai neri particolarmente densi, mantenendo così le caratteristiche della fotografia e del ritratto. In questo modo ebbe notevole successo e la sua carriera decollò. Eva Barrett fotografò la famiglia reale italiana, le mogli e i figli di ambasciatori stranieri, nonché ricevette numerose commissioni dai reali europei in Belgio, Svezia, Grecia. I quattro ritratti sono presentati in cornici in stile.

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Dipinto Tanzio da Varallo, bottega di
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Dipinto Tanzio da Varallo, bottega di

Martirio dei Francescani a Nagasaki

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Dipinto Tanzio da Varallo, bottega di

Martirio dei Francescani a Nagasaki

Olio su tela. L'opera è una copia fedele dell'omonimo capolavoro di Tanzio da Varallo (1580-82 /1633), realizzato dal pittore della Valsesia per il convento francescano di Santa Maria delle Grazie a Varallo, e attualmente conservato presso la Pinacoteca di Brera. Il dipinto raffigura il martirio avvenuto nel 1597 a Nagasaki di ventitrè frati francescani, che vennero successivamente beatificati nel 1627, data che permette di collocare l'opera negli ultimi anni di attività dell'artista. Tanzio da Varallo si ispirò probabilmente per la sua realizzazione al testo "Vita e imprese dei Martiri del Giappone" del francescano spagnolo Marcello di Ribadeneira; del dipinto di Brera si conoscono un disegno preparatorio parziale (conservato presso la Pinacoteca di Varallo), un disegno a sanguigna pubblicato da Testori (1964) e una tela (di una collezione privata di Borgosesia)) pubblicata da Ferro. La replica qui proposta è fedele all'originale, anche nelle dimensioni, inferiori solo per pochi centimetri in altezza, probabilmente persi durante le ritelatura dell'opera. Pur trattandosi di una copia di notevole qualità, ove in particolare spicca la ricchezza di lumeggiature che risaltano sulla tonalità più calda e scura degli incarnati, si nota rispetto all'originale una minor finezza esecutiva, una tendenza alla semplificazione e un'accentuazione patetica, che depongono per la mano di un copista preoccupato di riprodurre il modello in ogni dettaglio, senza concedersi alcuna licenza. Tale copista peraltro sembra avesse grande dimestichezza con lo stile di Tanzio, al punto da imitarne perfettamente anche le mani ad uncino. Si può quindi pensare ad un allievo di Tanzio o della sua bottega (che alla morte di Tanzio fu portata avanti dal fratello Melchiorre), o ad artista che vide e apprezzò le sue opere, quale fu per esempio Pietro Francesco Gianoli, che lavorò soprattutto nelle chiese della Valsesia e nel Novarese e di cui si conoscono altre repliche di opere di Tanzio da Varallo, quale il Davide con la testa di Golia. Poichè peraltro l' opera qui presentata, prima di essere acquisita da un collezionista privato, rimase collocata per secoli presso un convento francescano lombardo, è plausibile che essa sia una copia di quella di Tanzio commissionata dall' Ordine stesso, per un altro monastero, da un pittore che si avvicinava stilisticamente a Tanzio e poteva guardare all'originale. Il dipinto è stato ritelato e restaurato. E' presentato in cornice di fine '800- inizio '900.

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Dipinto di Filippo Carcano
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Dipinto di Filippo Carcano

Bice e Ottorino visconti

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Dipinto di Filippo Carcano

Bice e Ottorino visconti

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro sul telaio il titolo. Il pittore milanese Filippo Carcano, che fu allievo di Hayez all'Accademia di Brera, si dedicò alla produzione di soggetti storici e storico-letterari soprattutto all'inizio della sua carriera, passando poi alle scene di genere e di interesse sociale e poi al paesaggio. Qui propone i ritratti a cavallo di due personaggi tratti dal romanzo Marco Visconti di Tommaso Grossi, che racconta l'amore impossibile tra Bice del Balzo e Ottorino Visconti sullo sfondo della Lombardia del Trecento, tra Limonta, sul Lago di Como, Milano e il castello di Rosate. Il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

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Dipinto Paesaggio con Scorcio Marino
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Dipinto Paesaggio con Scorcio Marino

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Dipinto Paesaggio con Scorcio Marino

Olio su tela. Scuola francese fine '700 - inizio '800. L'ampia veduta inquadra un paesaggio collinare ricco di vegetazione e prati, in prossimità della costa marittima, animata da diverse imbarcazioni; inserito a sinistra vi è un piccolo villaggio, verso il quale si dirigono due viandanti sul sentiero. Di sfondo si ergono alcuni tratti rocciosi bianchi e ripidi, che rimandano alle coste del Nord della Francia. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di inizio '900.

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Gruppo di sei Miniature Iraniane dipinte su Carta
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Gruppo di sei Miniature Iraniane dipinte su Carta

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Gruppo di sei Miniature Iraniane dipinte su Carta

Dipinti su carta. Iran, prima metà del '900. Le miniature raffigurano sei personaggi maschili, intenti in attività differenti, dipinti ad imitazione dello stile di Reza Abbasi miniaturista, pittore e calligrafo persiano (1565 – 1635). Le figure sono inscritte in una cornicetta cartacea applicata, e contornate da decori fogliacei e floreali monocromatici. Sono presentate in cornici in stile.

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Dipinto Cristo e l'Adultera
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Dipinto Cristo e l'Adultera

Scuola fiamminga XVI Secolo

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Dipinto Cristo e l'Adultera

Scuola fiamminga XVI Secolo

Olio su tavola. Scuola fiamminga del XVI secolo. L'opera riporta alla base una targhetta attributiva a Lambert Van Noort (1520 -1571), giustificata dalla vicinanza ai suoi modi pittorici che si riscontra nei volti di Gesù e della Maddalena, ma non confermabile per le altre parti del dipinto. L' opera racconta l'episodio del Vangelo di Giovanni in cui gli scribi e i farisei portarono da Gesù una donna accusata di adulterio, per mettere alla prova la sua osservanza della legge di Mosè, che prevedeva la lapidazione. Ma Gesù, chinatosi a terra, si mise a scrivere con il dito nella polvere, poi sollecitato, pronunciò le parole "Chi di voi è senza peccato scagli la prima pietra" , salvando la donna e successivamente perdonandola. La grande scena è gremita da un folto e serrato gruppo di personaggi. Gesù al centro, è l'unica figura china per terra, estraniato dal resto del gruppo e fisso nel suo gesto di scrivere con un dito; in piedi dietro di lui, con un preciso allineamento verticale del suo viso con quello del Cristo, vi è la donna accusata, che si copre il corpo con il mantello osservando il gesto di Crsito, mentre attende la sentenza; tutto intorno gli scribi, i farisei, alcuni soldati, che invece parlano animatamente tra loro, si agitano, si confrontano indicando ciò che Gesù sta facendo. Il soggetto fu ampiamente rappresentato nella pittura fiamminga, con modalità interpretative differenti. Se in questo dipinto la scuola fiamminga si percepisce bene nei volti dai tratti duri e nei corpi piuttosto rigidi nei movimenti degli scribi e dei farisei, così come nella rappresentazione dell'edificio di sfondo e nella meticolosa raffigurazione dei calzari in primo piano destra, le due figure di Gesù e della donna risentono invece dell' influenza italiana, che addolcì i tratti dei visi, diede ai movimenti del corpo una maggior compostezza e leggiadria, e con l'aiuto di un colore più luminoso li fece risaltare in mezzo alle altre figure. La tavola del dipinto è stata sottoposta a restauro e parchettata nella prima metà del '900. Il dipinto è presentato in cornice antica adattata.

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Dipinto Ritratto Femminile
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Dipinto Ritratto Femminile

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Dipinto Ritratto Femminile

Olio su tela. Ritratto di donna di mezza età, vestita completamente di nero forse per un lutto. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata coeva.

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Dipinto Ritratto maschile 1833
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Dipinto Ritratto maschile 1833

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Dipinto Ritratto maschile 1833

Olio su tela. Scuola francese. In basso a sinistra sono presenti la firma e la data scritte al contrario; la firma è leggibile come H. Faillade. In basso a destra è presente invece la scritta latina "Quando ex exilio redibit!!!" (Quando tornerà dall'esilio!). Tale scritta sottolinea il legame dell'uomo ritratto con il giovane generale raffigurato nel quadretto che egli tiene in mano, probabilmente suo parente e legato alla monarchia di Carlo, ultimo sovrano della dinastia Borbone-Francia, monarca assolutista ed antiliberale, rovesciato dal trono e fuggito in esilio nel 1830 durante la Rivoluzione di Luglio, detta la Seconda rivoluzione francese. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

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Dipinto con Soggetto Storico
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Dipinto con Soggetto Storico

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Dipinto con Soggetto Storico

Olio su tela. La scena si svolge presso un accampamento militare: fuori da una tenda sulla sinistra un condottiero di un esercito, probabilmente greco, sta ricevendo le offerte di un gruppo di uomini, poveri e laceri, che si prostrano davanti al nuovo padrone; il primo porge dei pani, un altro sta tirando fuori qualcosa da un sacco, il terzo mostra le piaghe del corpo per invocare pietà; alle loro spalle si stanno avvicinando altre figure di questuanti, che formano una fila sparpagliata sul sentiero sfumante in lontananza sulla destra. Sullo sfondo a sinistra ferve la vita nell'accampamento militare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato.

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Dipinto di Henry Clifford Warren
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Dipinto di Henry Clifford Warren

Paesaggio fluviale con Figure 1878

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Dipinto di Henry Clifford Warren

Paesaggio fluviale con Figure 1878

Acquarello e matita su carta. Firmato e datato in basso a sinistra. Del pittore inglese Henry Clifford Warren si conoscono diversi scorci paesaggistici della campagna inglese, realizzati prevalentemente ad acquarello. Qui è proposta la veduta di una campagna boschiva attraversata da un ampio fiume, con un pastore che conduce le sue mucche al pascolo sulla collina in primo piano. Presentato in cornice.

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