PEINTURE ANCIENNE

Huile sur toile. Composition naturaliste vivante de fleurs multicolores dans des vases en céramique bleue, qui rappellent la couleur du ciel de la partie supérieure du fond, qui s'estompe ensuite dans une couleur terreuse dans la partie inférieure ; à gauche, une perruche se distingue par sa couleur sombre inhabituelle. Le tableau présente de légères pertes de couleur, notamment dans l'arrière-plan. Il est présenté dans un cadre contemporain redoré.

Huile sur toile. École du nord de l'Italie du milieu du XVIIe siècle. L'homme représenté est vêtu d'une grande cape noire, sévère mais bordée de dentelle blanche aux poignets, assis à un bureau tout en relisant une lettre, avec l'encrier et la plume posés sur la surface devant lui, pour indiquer sa culture et son rôle élevé. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre laqué noir de la fin du XIXe siècle, mais avec plusieurs couleurs manquantes.

Huile sur toile, appliquée sur plaque de bois. La Sainte est représentée au premier plan, à mi-corps : le torse nu du corps est partiellement recouvert d'un manteau de fourrure tombant des épaules, sur lequel s'étendent ses longs cheveux ; Marie-Madeleine tient les yeux tournés vers le ciel, dans un état contemplatif, avec le crâne dans les mains, Memento mori, et à ses côtés un morceau de pain, sa seule nourriture dans sa vie de pénitence. Derrière la figure se trouve un fond sombre, d'où émerge un faisceau de lumière pour créer un halo autour de sa tête et accentuer le pathétique de son expression. Le tableau présente de légères décolorations, notamment le long de la marge droite. Il est présenté dans un cadre de style,

Huile sur toile. École flamande du XVIIe siècle. Il y a une étiquette de collection au dos. Dans un paysage vallonné de rochers et de bosquets d'arbres, surplombant un petit village sur la gauche, un ruisseau coule pour former une cascade écumante ; sur les rives quelques figures de paysans en transit ou en conversation ; à droite se détache l'oiseau à longue queue, perché sur un arbuste sec. En arrière-plan, les collines se fondent dans le ciel chargé de nuages. Le tableau est présenté dans un cadre redoré de la fin du XIXe siècle.

Tête de femme

Detrémpe sur panneau représentant une figure féminine à mi-corps ; elle porte une robe rouge sur une tunique claire. rouge sur une tunique claire, tandis que sur son épaule droite repose un drapé vert. Un drapé vert repose sur son épaule droite. Ses cheveux roux sont rassemblés dans une raie centrale et sont en partie recouverts d'un manteau blanc comme la neige. couverts en partie par une coiffe blanche comme neige ; le visage entier a une expression absorbée : le regard pensif. expression : le regard pensif, les sourcils arqués et les lèvres légèrement froncées. lèvres froncées. Présenté dans un cadre composé de parties d'un cadre antique plus grand. de plus grandes dimensions.

Huile sur toile. École italienne de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle. Le paysage romantique présente une rivière qui coule entre des rives rocheuses surmontées d'arbres feuillus ; Sur la rive, au premier plan à gauche, deux pêcheurs jettent leurs lignes dans une mare d'eau calme créée par une petite crique. Le tableau porte sur le cadre une étiquette l'attribuant à Domenico Pecchio (1693 -1760). Restauré, il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. Dans un grand paysage classique, riche en végétation et à l'atmosphère rosée, se trouve un petit groupe de soldats : certains, posés sur un rocher surplombant un ruisseau, observent l'un d'eux qui se baigne, après avoir placé son armure dans l'eau. Le tableau a été présenté à la vente aux enchères Lempertz en 2017 avec une attribution à Andrea Locatelli (1695 -1741) et une estimation de 7/9 mille € ; Les méthodes picturales de l'œuvre apparaissent également plus proches de celles de Marco Ricci (1676 -1730), largement reprises par d'autres auteurs de l'espace vénitien. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Située dans un paysage classique, riche en végétation, la scène représente l'épisode biblique tiré du livre de la Genèse qui raconte comment le peuple d'Israël, qui traverse le désert du Sinaï pour atteindre la Terre Promise, se retrouve sans eau : Moïse invoque l'aide de Dieu et accomplit le miracle de faire jaillir l'eau d'un rocher. Dans la scène, le peuple d'Israël se réjouit et célèbre le miracle, se précipitant pour se baigner et étancher sa soif dans le bassin d'eau évoqué par Moïse, que l'on aperçoit debout à gauche du tronc sec au premier plan, symbole de l'aridité de la terre. Les branches des arbres agitées par un vent fort et le ciel plein de nuages ​​sombres qui commencent à se déchirer, évoquent la présence de Dieu. Les multiples figures, rendues avec des détails précis, créent du mouvement et de l'action. Ce tableau a déjà été présenté à la vente Lempertz avec une attribution à Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), un artiste qui a développé une combinaison parfaite entre passé et modernité, grâce à un profond intérêt pour le classicisme, rendu cependant avec une précision de perspective efficace dans le paysage et une grande précision des détails dans les figures. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. En haut à droite figurent le nom de l'homme représenté et son âge, 78 ans. L'habit de l'homme et l'attitude de prière, devant le Crucifix, le livre de méditation à la main, l'identifient comme prélat. Le patronyme Albertoni est largement répandu en Italie, dans diverses familles qui sont parties de la Lombardie pour s'étendre à Parme puis à Rome. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. L'œuvre à caractère dévotionnel, voit la Madone, assise sur les nuées et assistée de deux anges qui soutiennent ses vêtements, est vénérée par deux saints, agenouillés à ses pieds : à droite la jeune femme en habit princier, aux pieds de laquelle se trouve reposant une couronne royale, il fait référence à Elisabeth de Hongrie ; à gauche, le saint tenant l'Enfant Jésus dans ses bras peut être identifié comme San Caetano da Thiene. Particulier est le jeu de regards entre les différents personnages, qui s'entremêlent avec les positions et les gestes, pour créer un mouvement presque circulaire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien restauré au début du XXe siècle, avec divers manques actuels (à restaurer).

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'époque de la gravure du même nom réalisée par Annibale Carracci (1560-1609), qui connut un succès immédiat et donna lieu à une série de répliques imprimées et de copies peintes. Il présente le moment de la Passion où le Christ est couronné de la couronne d'épines, objet de torture, symbole dénigrant de sa proclamation comme Roi des rois. L'acte est accompli par deux personnages, le soldat romain et le Juif, représentant les deux personnes qui ont participé à la condamnation à mort du Christ. Les figures, vigoureuses et sanguines, celles des deux bourreaux plus pâles et plus inertes que la victime, créent une composition entrelacée de corps, celle du Jésus central rejoignant les deux autres, les unissant dans la responsabilité partagée de ce qu'ils font ; placé de côté, Jésus a la tête inclinée de force vers la gauche par le soldat qui lui impose la couronne d'épines, tandis que le Juif de droite place la canne de bambou dans sa main, remplaçant le sceptre. La scène est dominée par des couleurs sombres et sombres, parmi lesquelles seul ressort le rouge vif de la robe du Christ, symbole de son humanité souffrante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, avec des défauts.

Version réduite d'un retable de Girolamo Mazzola Bedoli

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe siècle. Entièrement au premier plan, cette scène d'un groupe de personnages sacrés, qui présente les visages de Marie et de l'Enfant Jésus au centre, entourés du jeune San Giovanni en bas à gauche, et trois anges formant une couronne autour. Tous les personnages sont joyeux et souriants, malgré la référence à la passion donnée par le bâton surmonté de la Croix que Jean offre à Jésus.Le mouvement des corps et les couleurs vives animent la scène. La peinture est toujours sur la première toile, sans aucun signe de restauration antérieure. Il y a plusieurs gouttes de couleur, réparties surtout le long de la marge inférieure et des deux côtés. Il est présenté dans un cadre en bois laqué antique.

Huile sur toile. École lombarde du XVIIe siècle. Selon l'iconographie classique, la Madeleine pénitente est représentée avec les larmes aux yeux, les cheveux dénoués, les vêtements dévêtus, tenant près d'elle le pot de parfum avec lequel elle a oint Jésus dans l'épisode évangélique, et le crâne, le Memento mori par excellence. Au dessus d'elle, un petit ange pointe vers le ciel. Les procédés picturaux sont très proches d'une œuvre similaire de Panfilo Nuvolone (1581 -1651), peintre italien actif entre la Lombardie et l'Émilie, interprète d'un maniérisme tardif suranné inspiré des diktats de la Contre-Réforme, connu pour ses natures mortes mais aussi auteur de figures similaires à celle-ci. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré ancien.

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIe siècle. Les personnages, représentés au premier plan à mi-corps, voient Marie placée au centre avec l'enfant Jésus dans ses bras ; derrière eux à gauche se trouve saint Joseph et au-dessous de lui le petit Jean-Baptiste, vêtu de fourrures et avec le bâton traditionnel en forme de croix avec la bande portant l'inscription "Ecce Agnus Dei". Le regard de ces quatre figures est tourné vers la gauche, où apparaît sainte Catherine de Sienne, reconnaissable à l'habit noir des dominicaines, et à ses attributs iconographiques, la couronne d'épines, les stigmates et le lys. Jésus étend ses mains vers elle, pour établir ce mariage mystique qui caractérisait le saint. Restauré et rentoilé, le tableau présente de petites pertes de couleur généralisées. Il est présenté dans un cadre du XIXe siècle reconverti.

Huile sur toile. Portrait d'un noble, fier, la main posée sur la poignée de son épée et vêtu d'un manteau doublé d'hermine. En haut à droite apparaît le blason de sa maison, qui représente un lion rouge rampant couronné et tenant une épée ; à travers une bande avec trois groupes de boules disposées en forme de fleur. Un lion rampant semblable à celui-ci se retrouve dans les armoiries de certaines villes du centre de l'Italie, comme Faenza. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain en bois sculpté et laqué.

Huile sur toile. De grande taille et de forme octogonale, la toile présente un paysage inscrit dans un cadre peint de frises, entrant dans la catégorie des peintures du XVIIIe siècle conçues à des fins d'ameublement. La scène se déroule au bord d'une rivière, sur les rives de laquelle s'élèvent des ruines architecturales de structures classiques, qui dominent majestueusement les figurines de personnages populaires qui animent la scène. Le tableau, déjà restauré et rentoilé, présente plusieurs petits trous, manques de peinture et taches généralisées.

Huile sur toile. De grande taille et de forme octogonale, la toile présente un paysage inscrit dans un cadre peint de frises, entrant dans la catégorie des peintures du XVIIIe siècle conçues à des fins d'ameublement. Le paysage présente à gauche quelques rochers nus d'où coule une petite cascade, tandis qu'à droite les ruines d'une structure architecturale, devant laquelle deux femmes en vêtements folkloriques traditionnels conversent. La toile, déjà restaurée et rentoilée par le passé, présente de nombreux petits trous, des manques de peinture et des taches. La toile entre dans la catégorie des tableaux d'ameublement du XVIIIe siècle.