Paysage surréaliste 1974

Technique mixte sur bois. Signé et daté en bas à droite. Autre signature et date au verso (1973, ne coïncidant pas pendant un an avec celle du verso). Bruno Artioli, artiste originaire de Nocera Umbra, était avant tout un paysagiste, qui interprétait à la fois avec un naturalisme classique et avec une pureté géométrique dans une touche abstraite. Dans cette deuxième clé de lecture, les regards de Bruno Artioli dépassent la réalité phénoménale pour acquérir un caractère totalement objectif, dénué de tout particularisme, les éléments du paysage finissant par se réduire à des formes pures et à des couleurs pures. L'œuvre présentée s'inscrit dans cette conception du paysage, clairsemé, géométrique, net dans chaque ligne ainsi que dans la subdivision des couleurs, qui conservent chacune leur identité propre et occupent un espace bien défini. Dans le cadre.

Visage

Peinture sur pierre. Signè Igor And. au dos. La pierre est tasformé en visage particulier, vif et curieux ; autre décoration sur le côté, avec un paysage de ciel, de terre et de fleurs. Igor Andreev, artiste russe né à Leningrad en 1952, a laissé l'Union soviétique en 1972 lors d'un voyage au Canada, décidant de se consacrer à l'art. En 1981, il s'installe à Paris, où il vit et travaille. Dans ses œuvres, définies comme du Néo-Pop art, il utilise des matériaux et des formes simples pour créer un monde positif, joyeux et coloré.

Citadelle 2001

Sculpture technique mixte : fer, bois et photographies. Designer de renommée internationale, Pierluigi Rolando, diplômé en ingénierie textile et établi principalement dans l'industrie textile cachemire dans l'entreprise familiale, crée des vêtements qu'il définit lui-même comme des « sculptures en cachemire modelées sur le corps humain ». Au début des années 1970, il s'oriente vers le design avec des collections pour le sport actif et contribue à la naissance de la Fila. Dans son temps libre, il alterne intérêts sculpturaux et intérêts picturaux ; il invente des figures en polystyrène expansé et des collages en bois, carton et matériaux divers. Mais la sculpture a toujours été sa grande passion: depuis quarante ans l' art a été « vécu hystériques dans le temps libre », mais depuis 1993 , Rolando a choisi de se consacrer entièrement à l'aide de différents matériaux comme la terre cuite, en fer recyclé, bois, propose. divers sujets, avec des visages grotesques avec des expressions tendues et la souffrance, les mains fortes et caricaturales, symboles d'actes anciens et héroïques d'une époque lointaine, des personnages des religions et la mythologie. Son univers visionnaire est peuplé de guerriers, chefs et empereurs, chevaux totems et . créatures imaginaires, son art est suggestif, conte de fées, enchanté la citadelle présentée ici, qui exprime bien cette passion pour le mélange des matériaux très différents, a été créé après l'effondrement tragique des tours jumelles de New York, en Septembre 2001: les deux tours, symboles de la modernité, restent intacts à l'intérieur d'une plaque de métal tordue de décomposition et de décomposition, créée à travers une plaque de métal torsadée. La sculpture est présentée dans un écrin en plexiglas.

Mouvement, 1982

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Le retour en vedette le titre et la signature. Giuseppe Ajmone, artiste de la Valsesia et formé à l'Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan, a été l'un des signataires du Manifeste du Réalisme en 1946. En plus des natures mortes et des paysages, dominante dans sa première période artistique, Ajmone vous êtes intéressé dans la tendance des nus, qui caractérisent une grande partie de sa production artistique réalisée par le milieu des années Soixante à aujourd'hui. Dans le cadre.

Camisole de force

Sculpture réalisée avec des bonbons. Nausicaa Berbenni, née en 1983 à Trescore Balneario (Bg), vit et travaille à Milan. Formée artistiquement à l'Académie de Brera, elle reprend la pâtisserie de son père et conjugue ses deux passions, celle de la pâtisserie avec celle de l'art figuratif, créant des peintures et des sculptures à base de bonbons et de pâte à sucre. Le travail proposé, une camisole de force grandeur nature présentée sur un buste de mannequin, est fait avec des bonbons ronds avec un trou, « cousu » ensemble: malheureusement , au fil du temps les bonbons ont perdu leurs couleurs d' origine (qui peut être clairement vu dans l'annonce foto authentique ), passant d'un motif de couleurs pastel à un brun presque monochromatique, ce qui donne un aspect beaucoup plus sévère et dramatique à l'œuvre.

Sans titre, 1990

Verre peint sur photo. Signé et daté au dos. Complet avec authentification sur photo avec cachet d'atelier, signature de l'artiste et date. Marco Nereo Rotelli est un peintre et sculpteur vénitien qui crée ses œuvres en faisant appel à des philosophes, des musiciens, des photographes et en interagissant surtout avec la poésie qui, avec le temps, est devenue une référence constante pour son travail, dans lequel il poursuit principalement des recherches sur sur la dimension poétique. Il a créé ou participé à la construction de grandes installations, en Italie et à l'étranger.

De l'idéalisme 1966

Technique mixte sur toile. Signé en haut à droite. En bas à droite de ce dévouement, et de la date de 1966. À l'arrière de la propriété. Giannetto Fieschi, peintre italien de noble origine, né dans le Val Brembana, mais il a reçu sa formation artistique à Gênes, il a entrepris, au cours de ses longs séjours à l'étranger (Paris, Barcelone, New York), les études de sémantique graphiques. Après un rapide informel-l'espace a récupéré l'élément figuratif, d'anticiper les tendances du pop art. Dans ses compositions, présente de fortes suggestions surréaliste signe de la décadente et poétique eschatologique-symbolique, en rapport avec les thèmes allant de la violence, à la connaissance et à l'éros. Il est occupé à toutes les formes d'art , y compris le courrier de l'art, la calligraphie est l'auteur de livres de dessins et d'essais sur l'art religieux contemporain et la valeur éthique de la peinture murale est considéré comme l'intellectuel de l'art. Le travail se fait à partir d'une importante collection de brescia. Il est présenté dans un cadre.

Toi toi 1967

Panneau aux marqueteries colorées avec des acryliques.Griffé et daté à gauche en bas. Sur le derrière autre signature date et le titre. Oeuvre jeune appartient à la période de début de l'artiste. 1967.

Billard, 1990

Sérigraphie sur papier. Signé en bas à droite; numéro de série 57/125 en bas à gauche. L'artiste florentin Luca Alinari a développé sa production artistique, à la fois picturale et graphique, sur une recherche à proximité de la combinaison libre d'objets et de figures dans des atmosphères fantastiques et suspendues, sur la suggestion de Neo-Dada et Pop recherche Art. Techniques de peinture, dans laquelle il couleurs fluorescentes combinées, décalcomanie, collage, transpositions photographiques. Il a exposé dans toute l'Italie et dans le monde. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Paysage avec fossile

Huile sur toile. Signature, date et titre au dos. C'est l'œuvre du peintre milanais Giulio Scapaticci, des artistes du courant pictural-politique qui au tournant des années 1950-1960 se définissait comme « Réalisme Existentiel ». Immédiatement considéré comme un artiste sensible aux questions existentielles, il se met à peindre le Milan des années 50 et 60 avec ses typiques maisons à balustrades, les fenêtres écaillées qui s'ouvrent sur un paysage urbain aux couleurs sombres, les banlieues industrielles grises et désolées, les bœufs écartelés et les poissons suspendus. sur les ongles. Au milieu des années 1970, il quitte Milan et s'installe à l'Oltrepò Pavese, où sa peinture se transforme, dépasse les précédentes expériences introspectives sombres et monochromatiques et dans ses peintures apparaît un monde rural fait de tons plus vifs et lumineux : fermes, natures, natures mortes, insectes, rivières, boucles sablonneuses au repos. De retour à Milan, il revient à partir des années 1980 pour dépeindre une humanité plus douloureuse, avec des insectes qui se transforment et s'installent pour couvrir des sensations de solitude et des silences volontaires. Le travail proposé ici fait partie de la production qui remonte aux années de l'Oltrepò Pavese. La scène est divisée en deux panneaux distincts : à gauche un aperçu de la campagne dominé en arrière-plan par le profil noir d'une ville industrielle, avec la silhouette d'un insecte au premier plan ; à droite, le cadavre d'un poisson, le fossile du titre. Les couleurs sont claires, mais une grisaille domine qui accentue la morosité de la scène. La peinture a un léger dommage en haut à droite. Il est présenté dans un cadre.

Insecte dans le paysage, 1973

Huile sur toile. Au verso on retrouve la signature, le titre et la date de l'oeuvre. C'est l'œuvre du peintre milanais Giulio Scapaticci, des artistes du courant pictural-politique qui au tournant des années 1950-1960 se définissait comme « Réalisme Existentiel ». Immédiatement considéré comme un artiste sensible aux questions existentielles, il se met à peindre le Milan des années 50 et 60 avec ses typiques maisons à balustrades, les fenêtres écaillées qui s'ouvrent sur un paysage urbain aux couleurs sombres, les banlieues industrielles grises et désolées, les bœufs écartelés et les poissons suspendus. sur les ongles. Au milieu des années 1970, il quitte Milan et s'installe à l'Oltrepò Pavese, où sa peinture se transforme, dépasse les précédentes expériences introspectives sombres et monochromatiques et dans ses peintures apparaît un monde rural fait de tons plus vifs et lumineux : fermes, natures, natures mortes, insectes, rivières, boucles sablonneuses au repos. De retour à Milan, à partir des années 1980, il revient pour dépeindre une humanité plus douloureuse, avec des insectes qui se transforment et s'installent pour couvrir des sensations de solitude et de silences volontaires. L'œuvre proposée ici fait partie de la production attribuable aux années d'Oltrepò Pavese, avec la grande ferme lombarde à gauche, un aperçu de la plaine ensoleillée et, au premier plan, un insecte. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Composition naturaliste 1927

Technique mixte sur papier. Signé et daté en bas à gauche. L'artiste turinois Mario Sturani a rejoint le mouvement futuriste dans sa jeunesse. À partir de 1927, il commence sa collaboration avec la fabrique de céramiques Lenci, où il parvient à renouveler le répertoire formel et décoratif de la céramique Lenci dans une tonalité anti-rhétorique, en évitant les traits stylistiques de l'art du régime. Même dans le domaine de la reproduction en série, Sturani a su exprimer la liberté inventive de l'inspiration artistique : sur les surfaces des vases, par exemple, il a transposé les sujets naturalistes qui lui étaient chers, les transfigurant parfois dans des tons fabuleux ; dans d'autres cas un certain goût déco, les rythmes dynamiques d'ascendance futuriste ou les décompositions cubistes, comme les élégantes stylisations du XXe siècle. Entre 1928 et 1930, Sturani peint une série de petits tableaux, aux tonalités intimistes, représentant des paysages ou des natures mortes. Pendant plus de trente ans, Sturani a également travaillé comme entomologiste, au sein de l'Institut d'entomologie agricole de l'Université de Turin, et ses études ont été largement appréciées également par le monde académique pour la valeur scientifique et la rigueur méthodologique avec lesquelles elles ont été menées. . Le petit dessin présenté ici appartient à la première production de Sturani, avant même la collaboration avec la manufacture Lenci. Dans ce petit dessin de ses premières années, Sturani est encore marqué par sa proximité avec le futurisme. Dans le cadre.

Studio per Affresco 1965

Technique mixte sur papier. Ci-dessous, la signature, la date et le titre. C'est un hommage au grand entrepreneur polonais, fondateur de la maison de cosmétiques homonyme Helena Rubinstein, réalisé l'année de sa mort. Giorgio Bellandi, né à Milan en 1931, était un peintre de décors très talentueux. Passionné d'art dès son plus jeune âge, il fréquente l'Académie de Brera et devient une partie active du milieu artistique milanais de ces années. Bellandi a travaillé comme scénographe au Teatro alla Scala de Milan et a fait ses débuts en tant que peintre dans les années 1950 en rejoignant le réalisme existentiel, un mouvement artistique très actif à Milan dans la seconde moitié des années 1950, devenant l'un des représentants de ce courant. Le réalisme existentiel était à l'origine basé sur la recherche de quelque chose de différent, une alternative à la fois à la peinture informelle et aux effets de l'existentialisme, notamment politique, qui s'était installé en raison des dégâts causés par la Seconde Guerre mondiale. Idéologiquement ces artistes avaient en commun le refus des autoritarismes et des conformismes sociaux et politiques, dans un milieu globalement orienté à gauche. Bellandi est un artiste doué de talent et de créativité, amoureux de la liberté d'expression et de la beauté, et interprète des œuvres d'une lecture intéressante avec des tons chromatiques intenses mais harmonieux. Passionné par le lac de Côme, il est souvent venu au Lario en quête de détente et d'inspiration. En 1964, il participe à la Biennale de Venise et en 1965, il est invité à la IX Quadriennale de Rome. Peintre très actif, il réalise de nombreuses expositions sur le territoire national et international, jusqu'à sa maladie qui lui fut malheureusement fatale, en 1976. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Studi per le "Persecuzioni" 1964

Ensemble de quatre techniques mixtes sur papier, signées individuellement et datées du 8/10/64, et autre signature avec titre sous la composition encadrée. Il s'agit d'esquisses préparatoires aux œuvres que l'artiste expose à l'exposition, conçues et réalisées en 1967-68 avec son ami Amilcare Rambelli à la Galleria del Grattacielo de Milan. Giorgio Bellandi, né à Milan en 1931, était un peintre de décors très talentueux. Passionné d'art dès son plus jeune âge, il fréquente l'Académie de Brera et devient une partie active du milieu artistique milanais de ces années. Bellandi a travaillé comme scénographe au Teatro alla Scala de Milan et a fait ses débuts en tant que peintre dans les années 1950 en rejoignant le réalisme existentiel, un mouvement artistique très actif à Milan dans la seconde moitié des années 1950, devenant l'un des représentants de ce courant. Le réalisme existentiel était à l'origine basé sur la recherche de quelque chose de différent, une alternative à la fois à la peinture informelle et aux effets de l'existentialisme, notamment politique, qui s'était installé en raison des dégâts causés par la Seconde Guerre mondiale. Idéologiquement ces artistes avaient en commun le refus des autoritarismes et des conformismes sociaux et politiques, dans un milieu globalement orienté à gauche. Bellandi est un artiste doué de talent et de créativité, amoureux de la liberté d'expression et de la beauté, et interprète des œuvres d'une lecture intéressante avec des tons chromatiques intenses mais harmonieux. Passionné par le lac de Côme, il est souvent venu au Lario en quête de détente et d'inspiration. En 1964, il participe à la Biennale de Venise et en 1965, il est invité à la IX Quadriennale de Rome. Peintre très actif, il réalise de nombreuses expositions en territoire national et international, jusqu'à la maladie qui lui fut malheureusement fatale, en 1976.

Sans titre 1958

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. L'œuvre à fort impact émotionnel propose un fond violet presque monochromatique, dans lequel quelques traits noirs et blancs s'insèrent pour définir une silhouette recroquevillée à gauche, peut-être une forme humaine, ramassée et refermée sur elle-même. Né en 1934 à Viareggio, où il vit toujours, le peintre et sculpteur Mario Francesconi est considéré comme l'un des rares survivants du dadaïsme qui, depuis la fin des années 1950, a traversé les saisons de l'art italien et européen dans une recherche résolument personnelle de formes et techniques. À partir de sa première exposition personnelle en 1959, il développe un parcours artistique qui passe par différentes phases, souvent attribuables à une passion pour les matériaux pauvres et recyclés. Son activité artistique se déplace entre les domaines de la peinture, de la sculpture, du collage et de l'installation et confine aux domaines adjacents de la poésie et de la littérature, également grâce à des amitiés et des relations professionnelles avec certaines des figures les plus importantes du monde intellectuel. du siècle dernier, d'Emilio Villa à Cesare Garboli, de Leonardo Sciascia à Mario Luzi, de Cesare Zavattini à Pier Paolo Pasolini, d'Alfonso Gatto à Sandro Penna en passant par Venturino Venturi. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Impression sur papier. Rare affiche antiraciste qui, comme indiqué ci-dessous, a été publiée en supplément du magazine "MAI" de juin 68, dans la série "I manifesti di MAI di Giò" (Giorgio Tavaglione). C'est un manifeste des mouvements beat qui se sont répandus en Italie dans les années 1967-1968 : grâce à l'utilisation du polycographe, qui a permis l'impression de nombreux flyers, affiches, anthologies poétiques, petites plaquettes et surtout magazines, les jeunes beatniks qu'ils a créé une chaîne d'information alternative qui représentait le principal vecteur de diffusion des principes qui animaient le mouvement beat, par opposition aux circuits officiels de culture et de communication. Au sein des revues, et en général dans les diverses activités de beat, l'écriture poétique a assumé un rôle essentiel comme partie intégrante de la pratique de la dissidence, puisqu'elle représentait l'une des principales formes d'expression et d'affirmation d'un idéal de vie différent, ainsi que comme d'une autre idée de la collectivité. Giorgio Tavaglione était l'un des représentants artistiques les plus connus du mouvement beat : en tant que Giò autodidacte complet, il a conçu les affiches, les dépliants et les couvertures des premiers magazines underground italiens des années 1960 ; disparu pendant des années après un voyage en Inde, il réapparut par la suite comme dessinateur de tarots et de talismans dans la création desquels il transféra son excellente qualité graphique, son style typique minutieux et imaginatif, ésotérique et visionnaire. Travail en cadre.

Affiche imprimée à Cologno Monzese en 1967, en édition limitée à 500 exemplaires. C'est la copie n°. 7/500, rehaussée de la dédicace et de la signature autographe du graphiste Giorgio Tavaglione, auteur de l'affiche. C'est le premier manifeste du mouvement beat et de la culture underground italienne, promu à Milan depuis 1966. A cette date, le magazine "Mondo Beat" est né, avec le réalisateur Melchiorre Gerbino, inspiré par les mouvements de protestation pacifistes du néerlandais PROVO , et proche des mouvements anarchistes italiens. Les jeunes beatniks créent une chaîne d'information alternative qui représente le principal vecteur de diffusion des principes qui animent le mouvement beat, par opposition aux circuits officiels de culture et de communication. Au sein des revues, et en général dans les diverses activités de beat, l'écriture poétique a assumé un rôle essentiel comme partie intégrante de la pratique de la dissidence, puisqu'elle représentait l'une des principales formes d'expression et d'affirmation d'un idéal de vie différent, ainsi que comme d'une autre idée de la collectivité. Giorgio Tavaglione était l'un des représentants artistiques les plus connus du mouvement beat : en tant que Giò autodidacte complet, il a conçu les affiches, les dépliants et les couvertures des premiers magazines underground italiens des années 1960 ; disparu pendant des années après un voyage en Inde, il réapparut par la suite comme dessinateur de tarots et de talismans dans la création desquels il transféra son excellente qualité graphique, son style typique minutieux et imaginatif, ésotérique et visionnaire. L'oeuvre est encadrée.

Décor peint des portes d'armoires

Huile sur table. Signé sur la première porte en bas à droite. C'est la décoration picturale des huit portes d'une armoire, réalisée sur mesure pour la famille du client, qui composent une grande scène abstraite - presque une scénographie ! - dans des couleurs pastel très délicates, où s'entrevoient des figures déconstruites, rêveuses, flottantes. Giorgio Bellandi, né à Milan en 1931, était un peintre de décors très talentueux. Passionné d'art dès son plus jeune âge, il fréquente l'Académie de Brera et devient une partie active du milieu artistique milanais de ces années. Bellandi a travaillé comme scénographe au Teatro alla Scala de Milan et a fait ses débuts en tant que peintre dans les années 1950 en rejoignant le réalisme existentiel, un mouvement artistique très actif à Milan dans la seconde moitié des années 1950, devenant l'un des représentants de ce courant. Le réalisme existentiel était à l'origine basé sur la recherche de quelque chose de différent, une alternative à la fois à la peinture informelle et aux effets de l'existentialisme, notamment politique, qui s'était installé en raison des dégâts causés par la Seconde Guerre mondiale. Idéologiquement ces artistes avaient en commun le refus des autoritarismes et des conformismes sociaux et politiques, dans un milieu globalement orienté à gauche. Bellandi est un artiste doué de talent et de créativité, amoureux de la liberté d'expression et de la beauté, et interprète des œuvres d'une lecture intéressante avec des tons chromatiques intenses mais harmonieux. Passionné par le lac de Côme, il est souvent venu au Lario en quête de détente et d'inspiration. En 1964, il participe à la Biennale de Venise et en 1965, il est invité à la IX Quadriennale de Rome. Peintre très actif, il réalise de nombreuses expositions sur le territoire national et international, jusqu'à sa maladie qui lui fut malheureusement fatale, en 1976. Il est possible d'effectuer l'intervention de détachement des portes du meuble de la structure et leur remontage sur un panneau unitaire.

Paire de dessins à l'encre

Encre sur papier. L'un des deux est signé en bas à droite. Les œuvres de l'artiste russe Vyacheslav Sawich Mikhailov sont exposées dans des musées prestigieux tels que la galerie Tretiakov ou le musée d'art moderne de Moscou, le musée national d'art russe, le musée d'art non conformiste de Saint-Pétersbourg. Considéré comme un auteur expressionniste, il crée des scènes de drame intense avec différentes techniques. Le dessin proposé ici fait partie d'une série de scènes pleines de personnages dramatiquement entrelacés dans des contorsions du corps, avec des éléments allégoriques et des taches de couleur souvent rouge, évoquant le sang. Dans le cadre.