Esquisses pour Aida

Technique mixte sur papier. Sept croquis signés et datés, et, en haut, une reproduction de la signature de l'artiste. Il s'agit d'œuvres du célèbre peintre italien Remo Brindisi, dont la peinture, fondée sur une approche descriptive et réaliste dans ses premières œuvres, a ajouté des nuances expressionnistes dans ses œuvres ultérieures, donnant naissance à son propre langage néo-figuratif. Son œuvre est toujours imprégnée d'intentions sociales et politiques. Brindisi a également travaillé comme sculpteur, illustrateur, écrivain, scénographe et commissaire d'exposition. Provient d'une collection privée milanaise. Sa collaboration aux décors et costumes grandioses de la production d'Aïda aux Arènes de Vérone en 1974 est particulièrement remarquable. Une série de sept croquis signés et datés de cette œuvre est présentée ici. Encadrée.

Multiplo in Feltro 1974

Collage de fragments de feutre sur panneau. Signé et daté au dos, portant le numéro de série 28/75. Dorazio peint des tableaux abstraits et géométriques, développant diverses formes au fil des ans : après une première production d'œuvres monochromes, il introduit la couleur au début des années 1960, créant des compositions géométriques sur de grands motifs libres, avec des couches de couleurs plates. À partir de la seconde moitié des années 1960, il travaille sur des situations formelles dynamiques, encadrées par des grilles horizontales ; à partir des années 1970, il épaissit la texture avec des lignes de couleur et de trait minimales, toujours horizontales, utilisant divers matériaux. Encadré.

Grande Fête du Nouvel An 1960

Technique mixte sur papier. Signée et datée en bas à droite. Présentation humoristique et ironique du menu du réveillon du Nouvel An de 1960, par le célèbre scénographe, peintre et illustrateur russe Nicola Benois, qui fut scénographe en chef du Teatro alla Scala de Milan à partir de 1935. L'œuvre comprend la photo d'un mot de remerciement accompagnant l'œuvre, adressé à l'ami avec qui l'artiste a partagé la fête. Œuvre encadrée.

L'homme dans la Cuisine

Technique mixte sur papier. Signé en bas au centre. Le célèbre scénographe, peintre et illustrateur russe Nicola Benois, qui fut scénographe en chef du Teatro alla Scala de Milan à partir de 1935, a contribué en 1977 à l'illustration du livre de Francesco de' Rogati, « La cucina dell' uomo solo » (SM editore, 1977). Le dessin original, qui servit plus tard d'illustration de couverture pour le texte, imprimé en format réduit, est présenté ici. Encadré.

L'Homme dans la Cuisine

Technique mixte sur papier. Signé en bas au centre. Le célèbre scénographe, peintre et illustrateur russe Nicola Benois, qui fut scénographe en chef du Teatro alla Scala de Milan à partir de 1935, a contribué en 1977 à l'illustration du livre de Francesco de' Rogati, « La cucina dell' uomo solo » (SM editore, 1977). Ce dessin original, qui a ensuite servi d'illustration au texte, est imprimé en format réduit. Encadré.

Prêtres avec Démon 1968

Marqueur sur papier. Signé et daté en bas à droite. Sous le dessin se trouve une carte de vœux signée de l'artiste. Surnommé « le peintre des rêves », Gianfilippo Usellini utilise son art pour raconter des épisodes de la vie quotidienne et, surtout, des souvenirs d'enfance. Caractérisées par des couleurs et des formes simples, ses œuvres sont rendues avec un langage ironique et suspendu qui, tout en s'inspirant de l'art du XVe siècle, crée des atmosphères magiques, suspendues, surréalistes et féeriques. Ses thèmes de prédilection ont toujours été « les bibliothèques, les portiques, les cours, les religieuses, les prêtres, les enfants, les cardinaux, les juges, les sirènes, les chiens, les chats, les amoureux »… tout et tous, disait-il, car « ils sont l'image de l'homme moderne ». Encadré.

L'Homme dans la Cuisine

Technique mixte sur papier. Signé en bas au centre. Le célèbre scénographe, peintre et illustrateur russe Nicola Benois, qui fut scénographe en chef du Teatro alla Scala de Milan à partir de 1935, a contribué en 1977 à l'illustration du livre de Francesco de'Rogati, « La cucina dell' uomo solo » (SM editore, 1977). Ce dessin original, qui a ensuite servi di'llustration au texte, est imprimé en format réduit. Encadré.

Esquisse

Crayon sur papier. Signé en bas à droite. Emilio Scanavino, peintre et sculpteur originaire de Gênes, a débuté sa carrière comme artiste figuratif, puis a développé des caractéristiques post-cubistes dans son œuvre, avec des formes progressivement plus stylisées jusqu'à leur dissolution complète au début des années 1950. Encadré.

Esquisse pour les Costumes de « Aida » 1974

Fusain sur papier. Signé et daté en bas à droite, avec le nom du modèle. Accompagné dun certificat photographique provenant du Catalogue général et des Archives des œuvres de lartiste. Cette œuvre est lœuvre du célèbre peintre italien Remo Brindisi, dont la peinture, fondée sur une approche descriptive et réaliste dans ses premières œuvres, a ajouté des nuances expressionnistes dans ses œuvres ultérieures, donnant naissance à son propre langage néofiguratif. Son œuvre est toujours imprégnée dintentions sociales et politiques. Brindisi a également travaillé comme sculpteur, illustrateur, écrivain, scénographe et commissaire dexposition. Sa collaboration aux décors et costumes grandioses de la production dAïda aux Arènes de Vérone en 1974 est particulièrement remarquable, dont une esquisse est présentée ici. Lœuvre est présentée encadrée.

Esquisses de Costumes pour « Aida » 1974

Fusain sur papier. Signé et daté en bas à droite, avec le nom du modèle (pour Amneris). Accompagné d'un certificat photographique du Catalogue général et des Archives des œuvres de l'artiste. Cette œuvre est l'œuvre du célèbre peintre italien Remo Brindisi, dont la peinture, fondée sur une approche descriptive et réaliste dans ses premières œuvres, a ajouté des nuances expressionnistes dans ses œuvres ultérieures, donnant naissance à son propre langage néofiguratif. Son œuvre est toujours imprégnée d'intentions sociales et politiques. Brindisi a également travaillé comme sculpteur, illustrateur, écrivain, scénographe et commissaire d'exposition. Sa collaboration aux décors et costumes grandioses de la production d'Aïda aux Arènes de Vérone en 1974 est particulièrement remarquable ; une esquisse pour la princesse Amneris est présentée ici. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Esquisse pour les Costumes de Aida, 1974

Fusain sur papier. Signé et daté en bas à droite, avec le nom du personnage (le Roi dans l'acte I). Accompagné d'un certificat photographique provenant du Catalogue général et des Archives des œuvres de l'artiste. Il s'agit de l'œuvre du célèbre peintre italien Remo Brindisi, dont la peinture, fondée sur une approche descriptive et réaliste dans ses premières œuvres, a ajouté des nuances expressionnistes dans ses œuvres ultérieures, donnant naissance à son propre langage néofiguratif. Son œuvre est toujours imprégnée d'intentions sociales et politiques. Brindisi a également travaillé comme sculpteur, illustrateur, écrivain, scénographe et commissaire d'exposition. Sa collaboration aux décors et costumes grandioses de la production d'Aïda aux Arènes de Vérone en 1974 est particulièrement remarquable ; une esquisse du personnage du Roi est présentée ici. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Céramiques peintes. Dans les années 1970, l'entreprise milanaise « Ceramica Fiori Oscuri » a créé une série d'assiettes décorées de motifs exclusifs de dix peintres contemporains. Limitée à 250 exemplaires, cette série a réuni les artistes suivants : Gianfilippo Usellini, Domenico Cantatore, Domenico Purificato, Remo Brindisi, Gino Meloni, Virgilio Guidi, Pompeo Borra, Roberto Crippa, Franco Gentilini et Gianni Dova. Toutes les assiettes portent la signature de l'artiste au recto, ainsi que le logo et le numéro de série de l'entreprise au verso. Dans ce groupe, les assiettes portent des numéros de série différents, et en particulier celles ornées de motifs de Gianni Dova et de Gianfilippo Usellini portent la mention « Prova di colore » au verso, indiquant que la copie a été réalisée avant l'impression finale, ce qui a été confirmé ultérieurement pour l'assiette signée par Dova, tandis qu'Usellini a ensuite choisi un autre de ses sujets. L'assiette de Borra présente une légère trace de restauration en haut ; L'assiette de Crippa a été recollée.

Esquisse pour les Costumes de « Aida », 1974

Fusain sur papier. Signé et daté en bas à droite, avec le nom du modèle (pour Amneris). Accompagné d'un certificat photographique provenant du Catalogue général et des Archives des œuvres de l'artiste. Cette œuvre est l'œuvre du célèbre peintre italien Remo Brindisi, dont la peinture, fondée sur une approche descriptive et réaliste dans ses premières œuvres, a ajouté des nuances expressionnistes dans ses œuvres ultérieures, donnant naissance à son propre langage néofiguratif. Son œuvre est toujours imprégnée d'intentions sociales et politiques. Brindisi a également travaillé comme sculpteur, illustrateur, écrivain, scénographe et commissaire d'exposition. Sa collaboration aux décors et costumes grandioses de la production d'Aïda aux Arènes de Vérone en 1974 est particulièrement remarquable ; une esquisse pour la princesse Amneris est présentée ici. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Chat, 1969

Crayon sur papier. Signé et daté en haut, avec la mention de Rome. Le dessin faisait partie d'une lettre signée par Gentilini à Elena Pelizzoni, reçue pour l'acompte d'un dessin en trois couleurs destiné à une assiette en céramique qui ferait partie de la série produite ultérieurement par le groupe « Ceramica Fiori Oscuri » avec la collaboration d'artistes contemporains. Une photocopie de la lettre complète est jointe. Le dessin provient d'une collection privée milanaise. Encadré.

Enfant à Cheval

Huile sur toile. Signée MAGO en bas à droite. Maurizio Goracci, dit Mago, est un peintre romain de sujets figuratifs. Ses figures, bien que bien définies, se détachent toujours sur un fond surréaliste, aux nuances acidulées, conférant une dimension fantastique. Un thème récurrent est une figure à cheval, celle d'un enfant, dont le visage et les membres sont reconnaissables, tandis que le corps entier, ainsi que la silhouette du cheval, sont recouverts de tissus floraux aux couleurs vives, se détachant sur un fond sombre et indéfini. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Technique mixte sur toile. Signée en bas à droite. Après sa phase initiale futuriste, la peinture de Sordini laisse la matière prendre le dessus et se raréfie progressivement. Son intérêt pour le signe grandit et se précise : un signe fin et dépouillé, primaire mais sinueux, décliné dans une palette douce, délicate, presque impalpable. Sordini « utilise une technique entièrement graphique pour créer sur la toile des traces de couleur rares et subtiles, dominées par une teinte unique, qui évoquent des images anthropoïdes filamenteuses. »

In Nome della Pace sulla Terra 1969

Huile sur toile. Signature, titre et date en cyrillique au dos. Viktor Petrovich Rudametkin est un artiste ukrainien reconnu comme paysagiste et coloriste. Dans cette œuvre, usant de sa palette vibrante caractéristique, il représente une paysanne au milieu d'un champ de tournesols, symbole de vie et de paix, contrastant avec les images d'avions militaires filant dans le ciel. Créée pendant les années où l'Ukraine était sous l'Union soviétique, cette image peut être considérée comme un appel à la paix et un message d'espoir pour la terre natale de l'artiste, encore déchirée par le grave conflit avec la Russie.

Mère avec Enfant

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Au dos, un cartouche d'authentification de « Meeting Art Roma » indique les données de l'œuvre et un cachet de provenance du « Centro Artistico Mercurio, Milan ». Giuseppe Migneco, originaire de Messine mais installé à Milan dans sa jeunesse, fut l'un des principaux représentants, avec Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari et Renato Guttuso, du groupe Corrente, ouvert aux avant-gardes artistiques européennes. Privilégiant une peinture engagée, il explore la réalité avec un regard critique, objectif et historique. Ses personnages aux visages durs et carrés, marqués par un travail acharné et rendus par des tons vifs et forts, évoquent sa Sicile aux traits violents et nets, mais aussi le réalisme social des muralistes mexicains. Dans cette œuvre apparaissent ses personnages caractéristiques (qui pourraient appartenir à la fois à la Sicile et au Mexique !) engagés dans une activité très prosaïque et réaliste de la vie quotidienne populaire, à savoir une mère qui peigne et nettoie la tête de son fils, probablement infestée de parasites. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications de matière et de plaque. Au dos se trouve une étiquette d'un service de transport d'art parisien, avec le nom de l'artiste : les œuvres d'ORAZI ont participé à de nombreuses expositions dans la capitale française, tant personnelles que collectives. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. Ces œuvres font souvent référence à l'activité volcanique et à la matière qu'elle produit, parfois exprimées par des titres tels que « Coulée de lave », « Sables volcaniques », « Plages volcaniques ». L'œuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. Signé en bas à droite. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Jehovah Ordonnant de sa Main Puissante une Famille Cosmique, 1970

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Dans la phase picturale abstraite d'ORAZI, sa forte inclination à créer des formes circulaires, souvent nouées ou concentriques, s'exprime souvent. Cette tendance devient centrale dans la phase picturale des années 1970-1977, appelée Ligne Circulaire, dans laquelle il abandonne les créations en relief et la référence aux formes et aux événements impressionnants de la nature, pour représenter à la place la dimension harmonieuse de l'univers, la naissance et le mouvement des planètes, l'immensité du firmament. Les couleurs s'adoucissent, elles sont riches et en même temps tendres. Dans certaines peintures, ORAZI dépeint également de fascinantes représentations de la Terre Mère embrassant ses créatures (insectes, oiseaux, fleurs) ou de la Lune. Ou comme dans cette œuvre, il exprime une référence directe dans le titre à la création divine, représentant « Dieu qui ordonne la famille cosmique avec sa main puissante ». L'œuvre provient de la collection familiale de l'artiste. Il est présenté dans un cadre.

Tête-Paysage 1970 ca.

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le tableau appartient à la production d'ORAZI de 1970 à 1977. Dans cette phase, l'artiste abandonne complètement la peinture abstraite et en relief et revient à la peinture figurative, rendue cependant avec des lignes simplifiées et déformées. Il a créé notamment la série intitulée Lignes Circulaires et celle à laquelle appartient cette œuvre, les tableaux dits Têtes-Paysage, dans lesquels il crée des compositions qui figurent de mystérieuses têtes humaines ou celles de faunes et de figures mythologiques (parfois accompagnées de leurs compagnons insectes) : les lignes, dans ces tableaux, s'entrelacent pour former simultanément des compositions, des entrelacs de corps, ou comme dans cette œuvre, cachent une tête ou un visage, souvent « faunique ». L'œuvre provient de la collection privée de la famille de l'artiste.