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L'œuvre féminine de Contardo Barbieri
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ARARNO0076630
L'œuvre féminine de Contardo Barbieri

Grand tableau 1954 env.

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L'œuvre féminine de Contardo Barbieri

Grand tableau 1954 env.

Au premier plan, un groupe de personnages féminins est représenté, dans lequel il n'y a qu'un seul personnage masculin, cependant relégué à l'arrière-plan. A droite deux jeunes filles se font face, l'une plus éloignée dessine, tandis que celle vue de dos, aux pieds de laquelle un chat est assis, s'applique à peindre sur une toile posée sur un chevalet. Il observe le modèle à représenter : deux jeunes filles vêtues d'habits à l'ancienne, l'une assise, à demi vêtue d'un long manteau blanc qui lui couvre également la tête et sa compagne, agenouillée devant un panier rempli de fruits et légumes . Aux côtés d'un autre petit groupe, plus hétéroclite. Une jeune femme vêtue de blanc regarde une petite fille qui semble courir vers la petite fille à l'extrême droite, vêtue de vêtements de campagne et portant une corbeille de fruits sous le bras. Parmi celles-ci, adossée à un arbre, se trouve une femme également vêtue à la paysanne qui tient dans ses mains une petite peau, à côté d'elle l'unique figure masculine s'appuie sur un bâton de berger. En arrière-plan un paysage naturel au profil vallonné, parsemé d'arbres, mais aussi de personnages pris dans les activités rurales comme la récolte et le semis. Immergés dans la nature, il y a aussi des maisons rurales, mais aussi des bâtiments industriels avec de hautes cheminées et des constructions plus modernes, comme l'arche puissante, qui agit presque comme une toile de fond architecturale à gauche du tableau. Signé "C. barbiers » à droite.

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Sujet Historique Huile sur Toile - Italie XIX Siècle
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ARAROT0132005
Sujet Historique Huile sur Toile - Italie XIX Siècle

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Sujet Historique Huile sur Toile - Italie XIX Siècle

Huile sur toile. Milieu du XIXe siècle. La grande scène raconte un épisode historique non identifié, se déroulant à l'époque de la Renaissance, dans lequel un archevêque écoute la supplique d'un jeune homme en armes, accompagné de sa mère, qui soutient sa supplique. Le décor est à l'intérieur de la salle de réception du haut prélat, vraisemblablement dans le palais épiscopal, qui de la loggia en arrière-plan donne sur la cathédrale, dont on aperçoit le dôme ; l'évêque est entouré de ses subordonnés et de ses gardes, tandis que différentes personnes du peuple assistent. Particulière est la présence de l'homme assis au premier plan à gauche, qui regarde vers le spectateur et pointe la scène, comme s'il la racontait. L'atmosphère se joue sur les contrastes entre lumières et ombres, entre les couleurs vives des personnages dominants par rapport aux tons ternes et feutrés des personnages environnants, qui ont littéralement tendance à disparaître dans l'ombre aux limites de la scène. L'œuvre s'inscrit dans cette grande production du XIXe siècle qui s'appuyait sur le sujet historique ou littéraire, le reproposant dans une tonalité romantique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un important cadre de la seconde moitié du XIXe siècle, avec quelques manques.

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Tableau Contemporain Felice Carena '900 Huile sur Carton Peinture
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ARARNO0194913
Tableau Contemporain Felice Carena '900 Huile sur Carton Peinture

Les voyageurs 1910

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Tableau Contemporain Felice Carena '900 Huile sur Carton Peinture

Les voyageurs 1910

Huile sur carton. En bas à gauche se trouve l'inscription autographiée "Bozzetto per una copia", avec la signature et la date Noel 1910 ; le titre en bas à droite. Il s'agit d'un croquis pour une réplique avec des variations de la peinture homonyme réalisée par Carena en 1907, grand monumental (159 x 300 cm), exposé à la Biennale de Venise en 1909 et maintenant conservé dans les Musées Civiques, Galerie d'Art Moderne d'Udine, Certains des figures mouvantes apparaissent dans l'œuvre, précisément des voyageurs, représentant les différentes catégories de l'humanité, hommes et femmes, adultes et enfants, jeunes et vieux, mais tous voyageant dans la même direction. Par rapport à l'original, dans cette esquisse aux traits du visage encore indéfinis, les personnages sont placés dans des positions légèrement différentes, avec le jeune homme enveloppé d'un manteau rouge au centre, et la partie inférieure ainsi que le fond manquent. Les couleurs sont presque dures, vives, étalées en coups de pinceau rapides et aux contours indéfinis. Le tableau appartient à la phase picturale encore symboliste de Carena, inspirée du symbolisme français d'Eugène Carrière, période qui s'achève avec sa participation à la Biennale de 1912. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

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Mentore Silvani Huile sur Toile Italie 1872
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Mentore Silvani Huile sur Toile Italie 1872

Paysage de neige avec personnages 1872

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Mentore Silvani Huile sur Toile Italie 1872

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.

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Tableau Ancien avec Annonciation Huile sur Panneau Italie XVIe Siècle
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ARARPI0197090
Tableau Ancien avec Annonciation Huile sur Panneau Italie XVIe Siècle

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Tableau Ancien avec Annonciation Huile sur Panneau Italie XVIe Siècle

Huile sur panneau en bois. École centrale italienne de la seconde moitié du XVIe siècle. La scène sacrée de l'Annonciation voit les deux personnages protagonistes placés au premier plan dans un intérieur qui correspond à la chambre de Marie. La jeune femme est assise devant un petit bureau en bois, soutenu par des figures d'anges, sur lequel reposent le livre de prières et un vase à petites fleurs ; à ses pieds, le panier à couture. Le corps de Marie est partiellement tourné vers l'arrière, dans un mouvement tordu, presque comme si elle cherchait à s'échapper, comme si elle voulait s'éloigner de l'autre figure, celle de l'Archange Gabriel. Il se tient à droite, majestueux et élégant, une main tenant un lys et l'autre pointée vers le haut au-dessus de lui, là où la colombe blanche, symbole du Saint-Esprit, émerge d'une trouée de lumière. Au fond, de hautes colonnes à tentures surmontent la plateforme sur laquelle repose le lit de Marie. La composition fait référence, dans le style figuratif et dans les choix chromatiques, à la peinture déjà maniériste des écoles de l'Italie centrale : il y a notamment une forte concordance de style et de composition avec certaines œuvres du même sujet du peintre Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525-1530 / 1602), qui vécut et travailla à Pistoia vers 1540. C'est dans cette ville que se trouvent certaines de ses Annonciations : en particulier celle de l'église de Santa Maria delle Grazie (un retable de plus de deux mètres de hauteur), présente de nettes similitudes au niveau formel et compositionnel avec celle présentée ici. . Il y a concordance dans le décor de la scène sacrée : une chambre, au fond de laquelle se trouve un rideau qui recouvre partiellement un lit, meublée des éléments indispensables au récit, le pupitre et le fauteuil richement décorés de cariatides d'angelots ou d'anges. qui semblent sculptés dans le bois. Le schéma de composition correspond, bien qu'avec de légères variations, aux deux figures disposées "en frise" sur la même surface de pose, et les traits somatiques de la Vierge et de l'Archange correspondent également. Cependant, le sol diffère, qui, bien qu'il soit homogène dans notre tableau, dans celui de Pistoia se présente avec une alternance de couleurs en damier, mais il semble que ce dessin du sol ait été ajouté plus tard, à l'occasion de la reconstruction de l'autel en 1637 -1639, en pendant avec celui d'une autre œuvre du même Sebastiano Vini dans la même église, une Conversation Sacrée. Il semble donc assez certain que notre panneau a été peint d'après l'œuvre de Bastiano Veronese, probablement à la demande expresse du client, et avant le changement du sol, remontant donc à la seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau a fait l'objet d'une restauration, avec application de deux renforts au dos du panneau. Il est présenté dans un décor de la fin du XIXème siècle. (Référence pour le retable de Pistoia : Catalogue du patrimoine culturel https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

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Caprice Architectural Huile sur Toile Italie XVIII Siècle
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Caprice Architectural Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

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Caprice Architectural Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIIe siècle. La scène, située près de la mer, est dominée par un grand complexe de ruines architecturales, avec des statues, des arcs, des jardins suspendus, et animé par de nombreuses figurines de roturiers avides d'activités diverses. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

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Sculpture l'Allegorie de l'Automne Marble Blanc Italie XIXe Siècle
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Sculpture l'Allegorie de l'Automne Marble Blanc Italie XIXe Siècle

Italie, Moitié du XIXe Siècle

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Sculpture l'Allegorie de l'Automne Marble Blanc Italie XIXe Siècle

Italie, Moitié du XIXe Siècle

Sculpture féminine en marbre statuaire blanc, personnification allégorique de l'automne, Italie milieu du XIXe siècle. Figure entière habillée à l'ancienne avec toge, coiffe de feuilles de vigne et grappes de raisin, cette dernière également placée le long du côté gauche; avec son bras droit, il tient des fruits d'automne. Reposant sur une base circulaire. Petites pauses.

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Hieronymus III Francken (1611-1661), Le déni de Peter
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Hieronymus III Francken (1611-1661), Le déni de Peter

Le reniement de Pierre

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Hieronymus III Francken (1611-1661), Le déni de Peter

Le reniement de Pierre

Huile sur chêne, provenant d'une importante collection historique florentine. La collection a commencé par un ancêtre de la famille qui était à Vienne en 1798 et ensuite à Wurzburg jusqu'en 1813, en tant que compagnon de l'exil du Grand-Duc de Toscane Ferdinand III. La collection a été transférée à Florence après la chute de Napoléon, et son importance est prouvée par une copie d'un inventaire compilé en 1881. Au numéro 14 (correspondant à celui figurant sur le cartouche au fond de la table) Description du compilateur: ... un pied de lit en bois de deux pieds et quatre pouces de long, et un pied et huit pieds et demi, représentant Pierre qui renie Jésus-Christ devant la jeune fille dans la maison d'Anna. Nous voyons le Sauveur lointain porté à ce pontife pour être examiné, au milieu d'une foule et d'une quantité de soldats. Dans les années 1960, une attribution initiale à Bruegel a été refusée et déménagée à Francken. La composition a évidemment été couronnée de succès parce que d'autres versions de l'atelier étaient connues (voir, par exemple, une huile sur le cuivre avec un sujet et des dimensions identiques dans l'enchère de Koller le 18/09/2015). Présenté dans un cadre remis à neuf.

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Tableau Fin '700 - Début '800 Moïse et les Filles de Jetro
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Tableau Fin '700 - Début '800 Moïse et les Filles de Jetro

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Tableau Fin '700 - Début '800 Moïse et les Filles de Jetro

Tempera sur papier, appliquée sur panneau dur. L'épisode biblique représenté, raconté dans le livre de l'Exode, raconte comment le jeune Moïse, à la cour du pharaon d'Égypte, défend les sept jeunes filles du prêtre Jetro, harcelées par certains bergers madianites alors qu'ils tirent de l'eau du puits. Suite à cette intervention, Moïse recevra comme épouse l'une des filles de Jetro, Sefora. Sujet largement re-proposé dans l'art, il est ici présenté avec une attention particulière à la composante portrait, avec une exacerbation particulière des traits expressifs, tant dans les visages que dans les poses, des personnages. La scène est très animée, avec la figure de Moïse au centre, vigoureux et combatif, qui sépare le champ en deux: à sa gauche les sept filles, chacune caractérisée par un comportement différent; à droite les bergers importuns, qui souffrent de la colère de Moïse. En arrière-plan, un paysage typique des productions du XVIIIe siècle, avec une ruine architecturale derrière le puits. L'œuvre est présentée dans un cadre en style.

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Allégorie de l'Amour Huile sur toile - Europe XVII-XVIII Siècle
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Allégorie de l'Amour Huile sur toile - Europe XVII-XVIII Siècle

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Allégorie de l'Amour Huile sur toile - Europe XVII-XVIII Siècle

Huile sur toile. École nord-européenne. C'est une drôle de scène allégorique d'amour profane, qui vise à démontrer comment toutes les personnes, de toute classe sociale et de tous âges, peuvent tomber dans le piège de tomber amoureux. Le fond de la toile est occupé par un énorme filet de garde, le filet de panier utilisé dans certains types de pêche, au-dessus de l'embouchure duquel se trouve un putto violoniste, déterminé à jouer; le piège est bondé de couples, tandis qu'un défilé d'autres le dépasse pour atteindre son entrée. Parmi eux se trouvent des couples de personnes âgées et de jeunes, des couples de riches et de pauvres, des nobles, des bourgeois et des prolétaires: tous ont des expressions joyeuses et légères, se regardent avec amour ou regardent avec bienveillance le bonheur des autres. À l'intérieur du pot, il y a même un couple de membres de la famille royale, qui correspondent en traits et en vêtements à l'électeur palatin de Rhénanie, Giovanni Guglielmo du Palatinat-Neuburg et à sa deuxième épouse Anna Maria Luisa de'Medici. Au dos du tableau se trouve une étiquette portant une attribution historique à Jan Frans Douven (1656-1727): l'artiste hollandais qui à partir de 1682 s'installe à Düsseldorf en tant que peintre officiel à la cour de l'électeur palatin de Rhénanie, créant principalement des scènes de la vie quotidienne du prince et de sa seconde épouse. L'étiquette confirmerait donc la zone d'attribution à un artiste du XVIIe-XVIIIe siècle du nord de l'Europe. La peinture provient d'une collection historique milanaise. Il a des traces de restaurations et un patch. Dans un cadre élégant.

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Portrait de Bartolomeo de Olevano, Huile sur Toile, Italie, '500.
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ARARPI0097144
Portrait de Bartolomeo de Olevano, Huile sur Toile, Italie, '500.

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Portrait de Bartolomeo de Olevano, Huile sur Toile, Italie, '500.

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde. C'est le portrait debout d'un homme en armure, dans une attitude fière, presque en mouvement, la main posée sur la poignée de son épée; en haut à gauche un blason; en bas à droite un cartouche peint avec une longue écriture en latin, qui identifie l'homme. Il s'agit de Bartolomeo III Olevano, appartenant à la puissante famille des nobles Olevano, seigneurs féodaux de nombreuses villes de Pavie et de Lomellina (où leur château existe toujours), qui ont eu une grande voix dans les événements de Pavie et de sa campagne jusqu'au 18. siècle. Bartolomeo III, né en 1512, se consacra à l'art de la guerre pendant quarante ans, accomplissant de nombreux et très honorables actes, fut préfet de Mortara et Novara sous la domination de Charles Quint, maître des soldats et ambassadeur de Philippe II. Ses réalisations les plus importantes sont résumées dans le cartouche: une traduction du texte est disponible. Le blason représenté montre à gauche l'olivier dont la famille tire son nom. La peinture provient d'une importante collection historique familiale lombarde.

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G. Boni Huile sur Toile Italie XIX Siècle
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G. Boni Huile sur Toile Italie XIX Siècle

Scène de siège

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G. Boni Huile sur Toile Italie XIX Siècle

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

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Portrait d'un Monarque Écossais Huile sur Toile - XIX Siècle
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Portrait d'un Monarque Écossais Huile sur Toile - XIX Siècle

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Portrait d'un Monarque Écossais Huile sur Toile - XIX Siècle

Huile sur toile. Intense et de qualité, le tableau représente un monarque de la maison royale d'Écosse. Autour du portrait, dans un cadre ovale peint, il y a quelques écritures : le nom Rober (t) apparaît en haut à gauche, le titre Rex en bas à gauche et l'abréviation Scot à droite, qui signifie Scotorum ; l'écriture en haut à droite n'est pas identifiable, mais il semble qu'il s'agisse d'un acronyme. L'homme représenté porte un chapeau et une veste ornés de fourrure d'hermine, considérée comme la fourrure la plus noble réservée à la royauté. Il porte un pendentif en or autour du cou, qui représente deux feuilles avec le fruit du chardon, qui en héraldique symbolise l'Écosse. L'écriture et le pendentif font donc référence à un Robert d'Ecosse, probablement de la dynastie qui régna au XIVe siècle. Le portrait a également été exécuté dans la période romantique du XIXe siècle, en utilisant probablement des gravures anciennes pour s'inspirer. Restaurée et regarnisée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

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Sculpture Ancienne Ange Début du '700 Tilleul Peint
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Sculpture Ancienne Ange Début du '700 Tilleul Peint

Lombardie Début XVIIIe Siècle

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Sculpture Ancienne Ange Début du '700 Tilleul Peint

Lombardie Début XVIIIe Siècle

Sculpture d'ange baroque tenant un vase en bois de tilleul sculpté et entièrement repeint en noir à une époque ultérieure, Lombardie, début XVIIIe siècle. Le personnage, vêtu d'une robe ornée de lambrequins, est posé sur un socle soutenu par quatre pieds sauvages. Les dégustations réalisées ont mis en lumière les couleurs originales.

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Adoration de l'Enfant Jésus Huile sur Toile XVII Siècle
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Adoration de l'Enfant Jésus Huile sur Toile XVII Siècle

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Adoration de l'Enfant Jésus Huile sur Toile XVII Siècle

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

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Tableau Ancien G. Muzzioli '800 Portrait Bacchus Ivre Huile sur Toile
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Tableau Ancien G. Muzzioli '800 Portrait Bacchus Ivre Huile sur Toile

Bacchus Ivre

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Tableau Ancien G. Muzzioli '800 Portrait Bacchus Ivre Huile sur Toile

Bacchus Ivre

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Le dieu est représenté debout sur la scène, uniquement vêtu d'un tissu autour des reins et de feuilles de lierre placées sur les hanches et la tête, tenant un calice d'une main ; son regard est vide et hébété. Derrière lui, un putto semi-allongé joue avec du lierre. Tout autour, des nuages blancs, tout comme le sol est blanc, avec des éclats de ciel bleu et un buisson vert qui créent les seuls contrastes. Au dos de l'œuvre figure l'étiquette "Mario Galli Collezione d'Arte", avec le numéro de catalogue 64 et l'inscription autographe de l'artiste. L'œuvre représente bien la peinture de cet artiste, né à Modène mais formé artistiquement d'abord à Rome puis à Florence, où il passa la plus grande partie de sa vie. Sa riche production propose d'abord des sujets historiques, puis des portraits et enfin des paysages. Son originalité se reconnaît dans sa capacité à passer de sujets historiques, souvent situés dans des décors de l'ancienne Pompéi, au naturalisme à la Macchiai de sa deuxième période, dans laquelle Muzzioli recherche une perception significative de l'atmosphère et de la lumière dans des sujets inspirés de l'environnement rural toscan, souvent situés dans l'antiquité. Dans cette œuvre, un portrait d'un personnage mythologique, l'intention luministe de l'artiste transparaît fortement, la recherche de l'effet de la lumière jouant sur les corps nus du dieu et du putto, avant de s'effacer dans l'arrière-plan. L'étiquette de la galerie d'art renvoie au Florentin Mario Galli (1877 -1946), sculpteur qui fut également un important collectionneur d'œuvres, notamment de Macchiaioli. L'œuvre présente une fissure importante et a été retouchée. Elle est présentée dans un cadre élégant.

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Huile sur Toile Paysage avec Figures Italie XVIII Siècle
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Huile sur Toile Paysage avec Figures Italie XVIII Siècle

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Huile sur Toile Paysage avec Figures Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Dans la grande scène se déroulant à l'extérieur, le laboratoire d'un maréchal-ferrant se dresse sur le côté gauche, avec l'intention avec ses aides de travailler les fers d'un cheval pendant que le propriétaire s'occupe de lui ; au centre arrivent d'autres chevaliers avec leurs serviteurs qui se rendent chez l'artisan ; à droite quelques personnages populaires se reposant au bord de la route. En arrière-plan, un grand paysage fluvial s'ouvre à droite, tandis qu'à gauche, l'accès au village, dominé par un bâtiment délabré, avec diverses figures populaires occupées à leurs activités : la femme qui s'apprête à allaiter un enfant , tandis que l'autre fils se enfuit l'escalier, une autre femme accrocher les vêtements sur le balcon de la maison construite sur pilotis sur le rocher, tandis qu'un homme monte l'échelle. Il s'agit d'une œuvre réalisée avec une grande probabilité par un auteur flamand travaillant en Lombardie. Certaines références aux vêtements et à la construction indiquent certainement une contamination nord-européenne, tandis que d'autres détails indiquent l'emplacement de la construction lombarde. Le tableau provient d'une prestigieuse résidence historique d'une famille noble lombarde. Toujours sur la première toile, il présente quelques coupures et un trou dans la bande inférieure ; au dos quelques écussons d'une ancienne restauration. Il est présenté dans un mince cadre contemporain.

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Dessin Contemporain Fausto Melotti Tableau Crayons sur Papier Cadre
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ARARCO0190584
Dessin Contemporain Fausto Melotti Tableau Crayons sur Papier Cadre

Projet de Sculptures

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Dessin Contemporain Fausto Melotti Tableau Crayons sur Papier Cadre

Projet de Sculptures

Crayon sur papier filigrané. Signé en bas à gauche. Le dessin est accompagné d'une authentification sur photo des archives Fausto Melotti, avec le code DIS 36 015, indiquant les données de l'œuvre. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir seulement une vision partielle de sa vision artistique. Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement précis, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

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Sculpture Baroque en Noyer Sculpté du XVIIe-XVIIIe Siècle Italie
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ARARAR0190516
Sculpture Baroque en Noyer Sculpté du XVIIe-XVIIIe Siècle Italie

Italie centrale XVIIe siècle

ARARAR0190516
Sculpture Baroque en Noyer Sculpté du XVIIe-XVIIIe Siècle Italie

Italie centrale XVIIe siècle

Sculpture baroque en noyer, Italie centrale XVIIe siècle. La figure masculine, créée pour être vue dans une position élevée par rapport à l'observateur et faisant à l'origine partie d'un groupe sculptural plus large, se caractérise par des cheveux et une barbe ondulés, le bras droit ramené au menton tandis que le gauche dans une position enveloppante, dans le action de soutenir un objet ou de s'accrocher à un élément de support ; vêtu d'un riche drapé qui laisse découvert le haut du buste et les jambes, l'une fléchie et l'autre allongée. Le volume et la plasticité du corps, combinés au sens du mouvement transmis par la torsion, ressemblent à la production sculpturale du baroque romain.

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Deux Dessins par Jean Cocteau Gouaches sur Papier France XXe Siècle
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ARARCO0189007
Deux Dessins par Jean Cocteau Gouaches sur Papier France XXe Siècle

Trois Visages 8 Feuilles

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Deux Dessins par Jean Cocteau Gouaches sur Papier France XXe Siècle

Trois Visages 8 Feuilles

Gouaches sur papier. Au dos se trouvent des autocollants de Sotheby's Auction avec le nom de l'artiste et le titre original "Three faces eight leaves". Ce sont deux dessins similaires, avec le même sujet mais avec de petites différences, et coloriés avec des techniques différentes. Jean Cocteau était un artiste aux multiples facettes : écrivain, dramaturge, dramaturge, il a aussi touché aux arts plastiques, aimant expérimenter toutes les avant-gardes de son siècle. Jean Cocteau publie son premier livre de dessins en 1923, à seulement 36 ans. Le poète y dépeint ses amis Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, mais aussi de nombreuses scènes de la vie quotidienne parisienne, les ballets russes de Nijinski, des allégories, des caricatures, des images poétiques. Cocteau se révèle être un dessinateur de talent, mais surtout un artiste capable de capter l'essence des visages, des comportements et des faiblesses humaines. Ouvrage encadré.

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5950,00€

Expédition pour l'Italie: Gratuite
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