SELEZIONE ARTE

Jephta und seine Tochter

Öl auf Leinwand. Das Gemälde zeigt Jephthah und seine Tochter, zwei biblische Gestalten aus dem Alten Testament. Das Mädchen ist im Profil dargestellt, gekleidet in der Tracht einer venezianischen Dame des 17. Jahrhunderts: ein tief ausgeschnittenes Kleid, in der Taille mit einem goldenen Gürtel zusammengehalten, und weite Ärmel; ihr blondes Haar ist hochgesteckt und mit Perlenketten geflochten; und baumelnde Ohrringe schmücken ihre Ohren. Mit einer Hand hält sie sich ein Tuch vors Gesicht, um ihre Tränen zu trocknen, während sie mit der anderen die Hand ihres Vaters hält. Jephthah hingegen trägt eine Rüstung, einen schweren roten Mantel über dem rechten Arm, und scheint aus dem Bild herauszudeuten; sein Gesichtsausdruck ist von Schmerz gezeichnet. Die von den Protagonisten zum Ausdruck gebrachten Gefühle – die Verzweiflung des Protagonisten, die an Wahnsinn grenzende Hoffnungslosigkeit, die demütige Resignation des weinenden Mädchens, das die Hand des Mannes hält, als wolle es ihn trösten – illustrieren eindrücklich die tragische Geschichte des siegreichen Kriegers, der durch ein Gelübde gezwungen ist, seine eigene Tochter zu opfern. Laut der Analyse der Kunsthistorikerin Dr. Ludovica Trezzani, deren Gutachten beigefügt ist, handelt es sich bei dem hier untersuchten Gemälde um eine in Größe und Bildausschnitt leicht veränderte Replik einer Komposition von Girolamo Forabosco, auch bekannt als „Medoro und Angelica“, da das Sujet des Gemäldes stets im Kontext von Ariostos Gedicht interpretiert wurde. Dr. Trezzani zeichnet in ihrer Analyse die Abfolge der Hypothesen nach, die zur Interpretation des Werkes als alttestamentarisches Thema führten. Der Experte beschreibt das Gemälde als „wertvoll in seiner Materialität und in vielen Passagen gekonnt, in anderen jedoch weniger gelungen. Daher ist es wahrscheinlich in Foraboscos Werkstatt entstanden, teils unter seiner direkten Mitwirkung, teils aber auch unter der maßgeblichen Verantwortung eines oder mehrerer Gehilfen, wie es in den Werkstätten jener Zeit üblich war.“ Das Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen und Doublierungen auf. Es befindet sich in einem Rahmen.

Zusammenstoß zwischen Soldaten und Guerillas in Spanien

Öl auf Leinwand. Begleitet von der Expertise von Professor Fernando Mazzocca. Das Gemälde gehört zu einer Reihe von Werken des veronesischen Malers Giuseppe Canella, die in Spanien angesiedelt sind, nachdem der Künstler sich zwischen 1820 und 1823 in diesem Land aufhielt und in verschiedenen spanischen Städten Halt machte, zuletzt in Madrid, wo er den Hof besuchte. Von seinen Reisen durch Europa brachte Canella zahlreiche Zeichnungen mit, von denen er sich für die Werke inspirieren ließ, die er anschließend in seinem Atelier in Mailand überarbeitete und die dann oft auf den Ausstellungen der Brera-Akademie präsentiert wurden. In diesem Werk wird auf eine dramatische Periode in der Geschichte Spaniens Bezug genommen, die durch die Verfassungsaufstände gegen König Ferdinand VII. von Bourbon gekennzeichnet war, die eine französische Intervention zur Unterstützung der Monarchie gegen die Rebellen provozierten. In Wirklichkeit ist das historische Ereignis für Canella fast ein Vorwand, um an die Härte und den Charme der Berglandschaft zu erinnern, die als monumentale Kulisse für den Zusammenstoß zwischen der Armee und den Rebellen dient, kleine und kaum erkennbare Figuren. Das Gemälde ist in ausgezeichnetem Zustand, weist nur sehr leichte Farbverluste auf und ist bereits restauriert. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Umworbener Kirschverkäufer und zwei Musiker, ca. 1720

Öl auf Leinwand. Dem Gemälde liegt eine Expertise des Kunsthistorikers Dr. Giuseppe Sava bei. Der Protagonist der Freiluftmarktszene ist ein Kirschverkäufer, der einen auffälligen Strohhut trägt und neben einem Korb mit diesen Früchten sitzt, der auf einer Holzbank neben einem Stein steht, auf dem der Stahlhof ruht. Mit lächelndem, fast augenzwinkerndem Blick dem Betrachter zugewandt, nimmt sie die Annäherungsversuche des Mannes entgegen, der hinter ihr mit laszivem Blick eine Hand auf ihre Schulter legt, während zwei Musiker auf der linken Seite ein Konzert improvisieren. Die zusammengesetzte und fröhliche Gruppe bezieht sich auf das Schaffen von Giacomo Francesco Cipper, bekannt als Todeschini (1664–1736), einem Maler österreichischer Herkunft, aber lombardischer Ausbildung und Bildstil, der ein „Sänger der Bauern und Straßenverkäufer war, die auf ihr tägliches Leben bedacht waren“. Berufe oder in der Freizeit", Spezialist für Marktszenen, Open-Air-Konzerte, Kartenspieler, Szenen des einfachen Alltagslebens, geschaffen mit lachender, karikaturhafter Kraft und der Suche nach Wirkung komisch. Cipper bezog diesen Erzählstil auf den dänischen Maler Monsù Bernardo, der lange Zeit in Italien zwischen Bergamo und Mailand tätig war: Von ihm stammt insbesondere die Vorliebe für Alltagsgeschichten und bescheidene Charaktere sowie die unverschämte Natur dieser Charaktere. die die Aufmerksamkeit des Betrachters durch einen auf ihn gerichteten Blick suchen. Auch in diesem Gemälde richtet die Protagonistin ihren schelmischen Blick auf den Betrachter und lächelt mit Komplizenschaft und Ironie über das Werbespiel, in dem die drei Männer sie zur Protagonistin machen, was einen „Markt“ impliziert, der nicht mehr nur der von Kirschen ist. In seiner Expertise unterstreicht Dr. Sava die stilistischen und typologischen Beziehungen dieses Gemäldes zu anderen Figuren in Cipper, um die Zuschreibung zu stützen; Auch die stilistische Entwicklung der formalen und technischen Aspekte seiner Werke wird erklärt – die Farben, die aufhellen, mit einer offensichtlichen Vorliebe für Ocker, Haselnuss, Salbeigrün, unter denen sich Puderblau einschleicht; die milchigen Hintergründe, die durchdringendere Helligkeit und das weniger plastische Hell-Dunkel, eine Entwicklung, die es uns ermöglicht, das Werk in seine Produktion des frühen 18. Jahrhunderts einzuordnen. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert. Es wird in einem angepassten antiken Rahmen präsentiert.

Französische Schule. Mitte des 18. Jahrhunderts

Öl auf Holzbrett. Französische Schule. Mitte des 18. Jahrhunderts. Die Szene zeigt eine Party in einem Park, der von Mauern mit gewölbten Gängen umgeben ist, die sich zur Landschaft öffnen, und rechts mit einer Amphore auf einer Säule und in der Mitte hinter den Figuren mit einem sprudelnden Brunnen, mit Puttenstatuen und anderen geschmückt ist Muscheln. Zwei Paare reich gekleideter Damen und Herren unterhalten sich galant, umgeben von Dienern; Einer der Männer spielt Geige und kauert vor seiner Dame, die, flankiert von der Brautjungfer, der Melodie auf der Partitur folgt, die der junge Mann an ihrer Seite hält, während zwei Musiker das Spiel mit der Flöte und einer Mandoline begleiten; Das andere Paar hört links in einer Haltung des innigen Dialogs zu, während rechts der von der Jagd zurückkehrende Jäger ebenfalls die Szene beobachtet. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Büßende Magdalena, ca. 1750.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Figur der Magdalena wird hier der Überlieferung nach mit langen roten Haaren dargestellt; Mit einer Geste schmerzlicher Hingabe richtet er seinen Blick auf das Kruzifix, das er mit der linken Hand an den rechten Arm drückt, der wiederum zum Zeichen gesammelter Buße gefaltet ist. Der gesamte Körper wird mit einer herrlichen gegensätzlichen Drehung dargestellt, die den Betrachter die Spannung des Augenblicks spüren lässt, den der Heilige erlebt. Links von ihr ist der Schädel zu sehen, ihr traditionelles Attribut, und im Hintergrund können wir die Umrisse der Höhle erkennen, in der sie untergebracht ist. Der Körperteil tritt dank der intensiven Helligkeit der Arme hervor, verbunden mit den roten Ockertönen der Haare und des Gesichts, und betont so auch den erotischen Charakter der Szene, der an die üppige Malerei von Rubens erinnert, die einen großen Einfluss auf Crespis Werk hatte arbeiten . Diese fesselnde und sehr sympathische Figur der Magdalena folgt dem im 17. und 18. Jahrhundert weit verbreiteten Trend, Heilige vor einem Hintergrund menschlicher Sinnlichkeit darzustellen, und verdeutlicht die Vorliebe der Auftraggeber für sakrale Themen mit profanen Elementen. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. und frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Die reuige Magdalena und der heilige Johannes der Täufer

Öl auf Schiefer. Hier sehen Sie zwei Beispiele für Ölmalerei auf Stein, ein Genre, das sich in der Republik Venedig im 16. und 17. Jahrhundert besonderer Beliebtheit erfreute. Die Wahl des dunklen Steins als Hintergrund war nicht nur praktisch begründet (die Nähe der Bergwerke von Brescia und des Brembana-Tals), sondern, wie unsere beiden Werke deutlich zeigen, entsprach das Hervortreten der Figuren aus dem dunklen Hintergrund ins Licht auch den neuen Anforderungen der zeitgenössischen Malerei. Im Klima der Gegenreformation drückten die Maler nicht mehr die idealisierten existentiellen Gewissheiten der Hochrenaissance aus, sondern auch die Ängste und die Öffnung zu neuen Phasen. Diese Tendenzen, die sich bereits bei Tintoretto zeigten, führten zu einer stärkeren Auseinandersetzung mit der Realität und den Lichtkontrasten und mündeten schließlich im 17. Jahrhundert in die intensive Beschäftigung mit dem Spiel von Licht und Schatten. Die beiden hier präsentierten Werke, die typisch für die Kunstproduktion der Region Venetien im frühen 17. Jahrhundert sind, zeigen zwei Heilige, beide Eremiten, vor einem dunklen, kaum sichtbaren naturalistischen Hintergrund. Maria Magdalena tritt aus der Dunkelheit hervor und lehnt sich an die Rundung des Steinsockels. Sie ist fragend in die Dunkelheit gewandt, als lausche sie, die linke Hand erhoben, die andere ruht auf dem Memento mori, kunstvoll verkürzt dargestellt. Vor ihr liegen eine Geißel und ein Salbengefäß. Johannes der Täufer, en pendant gemalt, ist als junger Mann mit einem Lamm zu seinen Füßen dargestellt. Er hält das Prozessionskreuz mit dem Banner „Ecce agnus Dei“ und schöpft mit der rechten Hand Wasser aus dem Brunnen, eine Anspielung auf die Taufe Jesu Christi. In beiden Gemälden heben sich die Figuren durch das Schwarz der Schiefertafel, auf der sie abgebildet sind, kraftvoll und prägnant hervor. Die beiden ovalen Gemälde befinden sich in schwarzen Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.