GEMÄLDE ONLINE | GALERIE FÜR ALTE UND ZEITGENÖSSISCHE KUNST - Seite 5

Öl auf Leinwand. Französische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die Szene, die nachts im Garten einer Villa spielt, von der Sie rechts die reich verzierte Fassade sehen können und in der der von Putten sprudelnde Brunnen hervorsticht, unter einem dunklen Himmel und weiter von schweren Wolken verdeckt, schlägt zwei Figuren vor, die unterhalten einander im Gespräch: ein bescheiden gekleideter älterer Mann ermahnt streng einen sitzenden jungen Mann, reich gekleidet, der stattdessen mit der Hand die Geste des mea culpa zu machen scheint. Die Physiognomie und die Gesten der beiden Charaktere, zusammen mit dem Stil der Kleidung, würden sich auf den Philosophen Aristoteles beziehen, der an den Hof von Mazedonien berufen wurde, um der Erzieher des jungen Alexander zu sein, des zukünftigen Königs, der damals als Alexander der Große bekannt war : Nach dem, was Plutarch in seinen „Parallel Lives“ erzählt, war der junge Alexander ein brillanter Schüler, so sehr, dass er auch in die tiefgründigsten und esoterischsten aristotelischen Lehren eingeweiht wurde, aus denen die Aura des Mysteriums und der tiefen Innerlichkeit erstrahlt in der hier vorgestellten Arbeit durch. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen. Das Gemälde, restauriert

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Das Werk hingebungsvoller Natur sieht die Madonna, die auf den Wolken sitzt und von zwei Engeln unterstützt wird, die ihre Gewänder stützen, von zwei Heiligen verehrt wird, die zu ihren Füßen knien: rechts die junge Frau in fürstlicher Kleidung, zu deren Füßen ist eine königliche Krone ruhend, bezieht es sich auf Elisabeth von Ungarn; auf der linken Seite kann der Heilige, der das Jesuskind in seinen Armen hält, als San Caetano da Thiene identifiziert werden. Besonders ist das Blickspiel zwischen den verschiedenen Charakteren, die sich mit den Positionen und Gesten zu einer fast kreisförmigen Bewegung verflechten. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Es wird in einem alten Rahmen präsentiert, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts restauriert wurde, mit verschiedenen aktuellen Mängeln (zu restaurieren).

Bleistift auf Papier. Unten rechts auf beiden der Schriftzug „Pietro Mulazzi sketched“ mit der Jahreszahl 1883. Von einem unbekannten, aber im Umgang mit Bleistiften geübten Künstler handelt es sich um die Portraits eines bürgerlichen Paares, dessen graue Gesichter sich deutlich vom roten Papiergrund abheben . Sie werden in zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert, mit mehreren Mängeln (zu restaurieren).

Öl auf Leinwand. Es handelt sich um eine Vintage-Kopie des gleichnamigen Stichs von Annibale Carracci (1560-1609), der sofort Erfolg hatte und zu einer Reihe von gedruckten Repliken und gemalten Kopien führte. Es stellt den Moment der Passion dar, in dem Christus mit der Dornenkrone gekrönt wird, dem Folterobjekt, dem abfälligen Symbol seiner Proklamation zum König der Könige, und wird von zwei Figuren, dem römischen Soldaten und dem Juden, repräsentiert die beiden Menschen, die sie am Todesurteil Christi teilnahmen. Die kräftigen und sanguinischen Gestalten, die der beiden Peiniger bleicher und regungsloser als das Opfer, bilden eine verschlungene Komposition von Körpern, wobei sich die des zentralen Jesus den beiden anderen anschließt und sie in der gemeinsamen Verantwortung für das, was sie tun, vereint; Seitlich gestellt, wird Jesus sein Kopf von dem Soldaten, der ihm die Dornenkrone aufsetzt, gewaltsam nach links geneigt, während der Jude rechts das Bambusrohr in seine Hand legt und das Zepter ersetzt. Die Szene wird von düsteren und dunklen Farben dominiert, unter denen nur das leuchtende Rot des Gewandes Christi hervorsticht, ein Symbol seiner leidenden Menschlichkeit. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Es präsentiert sich in einem schönen zeitgenössischen Rahmen mit Mängeln.

Reduzierte Version eines Altarbildes von Girolamo Mazzola Bedoli

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Ganz im Vordergrund diese Szene einer Gruppe heiliger Figuren, die die Gesichter von Maria und dem Jesuskind in der Mitte darstellt, umgeben von dem jungen San Giovanni unten links und drei Engeln, die eine Krone bilden. Alle Figuren sind glücklich und lächeln, trotz der Anspielung auf die Leidenschaft, die der Stock mit dem Kreuz darstellt, den Johannes Jesus darbringt.Die Bewegung der Körper und die leuchtenden Farben lassen die Szene lebendig werden. Das Gemälde befindet sich noch auf der ersten Leinwand, ohne Anzeichen einer früheren Restaurierung. Es gibt mehrere Farbtropfen, die sich vor allem am unteren Rand und an den beiden Seiten verteilen. Es wird in einem antiken lackierten Holzrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des 17. Jahrhunderts. Der klassischen Ikonographie zufolge wird die reuige Magdalena mit Tränen in den Augen, offenem Haar und unbekleidet dargestellt. Sie hält das Gefäß mit dem Salböl, mit dem sie Jesus in der Episode aus dem Evangelium gesalbt hat, und den Totenkopf, das Memento mori schlechthin, dicht bei sich. Über ihr zeigt ein kleiner Engel zum Himmel. Die malerischen Mittel weisen große Ähnlichkeiten mit einem ähnlichen Werk von Panfilo Nuvolone (1581–1651) auf, einem zwischen der Lombardei und der Emilia tätigen italienischen Maler, einem Interpreten eines überholten Spätmanierismus, der von den Vorgaben der Gegenreformation inspiriert war und der für seine Stillleben bekannt ist, aber auch als Autor ähnlicher Figuren wie diesem gilt. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem antiken vergoldeten Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Figuren sind im Vordergrund als Halbfiguren dargestellt, in der Mitte ist Maria mit dem Jesuskind im Arm platziert. Dahinter links der Heilige Josef und unter ihm der kleine Johannes der Täufer, in einen Pelz gekleidet und mit dem traditionellen kreuzförmigen Stab mit dem Band mit der Aufschrift „Ecce Agnus Dei“. Der Blick dieser vier Figuren ist nach links gerichtet, wo die Heilige Katharina von Siena erscheint, erkennbar an der schwarzen Kutte der Dominikanerinnen und ihren ikonographischen Attributen, der Dornenkrone, den Wundmalen und der Lilie. Jesus streckt seine Hände nach ihr aus, um jene mystische Ehe zu schließen, die den Heiligen auszeichnete. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Es weist großflächig kleine Farbverluste auf. Es wird in einem wiederverwendeten Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Porträt eines stolzen Edelmannes, dessen Hand auf dem Griff seines Schwertes ruht und der einen mit Hermelin gefütterten Umhang trägt. Oben rechts ist das Wappen seines Hauses zu sehen, das einen roten Löwen mit Krone und einem Schwert in der Hand zeigt. über ein Band mit drei Kugelgruppen, die in Blumenform angeordnet sind. Ein ähnlicher steigender Löwe findet sich im Wappen einiger Städte in Mittelitalien, beispielsweise in Faenza. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem modernen geschnitzten und lackierten Holzrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das große Gemälde mit achteckiger Form zeigt eine Landschaft in einem mit Friesen bemalten Rahmen und fällt in die Kategorie der für Einrichtungszwecke konzipierten Gemälde des 18. Jahrhunderts. Die Szenerie wird von einem Fluss bestimmt, an dessen Ufern sich architektonische Ruinen klassischer Bauwerke erheben, die majestätisch über den Figuren beliebter Charaktere thronen, die die Szene beleben. Das bereits restaurierte und doublierte Gemälde weist mehrere kleine Löcher, Farbverluste und großflächige Flecken auf.

Öl auf Leinwand. Das große, achteckige Gemälde zeigt eine Landschaft in einem mit Friesen bemalten Rahmen und fällt in die Kategorie der für Einrichtungszwecke konzipierten Gemälde des 18. Jahrhunderts. Die Landschaft zeichnet sich links durch kahle Felsen aus, aus denen ein kleiner Wasserfall fließt, während sich rechts die Ruinen eines Bauwerks befinden, vor denen sich zwei Frauen in traditioneller Volkskleidung unterhalten. Die bereits in der Vergangenheit restaurierte und doublierte Leinwand weist großflächig kleine Löcher, Farbverluste und Flecken auf. Die Leinwand fällt in die Kategorie der Einrichtungsbilder des 18. Jahrhunderts.

Öl auf Leinwand. Das große Gemälde mit achteckiger Form zeigt eine Landschaft in einem mit Friesen bemalten Rahmen und fällt in die Kategorie der für Einrichtungszwecke konzipierten Gemälde des 18. Jahrhunderts. Die Landschaft zeigt ein Dorf in Küstennähe mit Fischerbooten am Ufer. links dominieren im Vordergrund die Ruinen einer Kolonnade, unter der sich zwei Figuren unterhalten. Die bereits in der Vergangenheit restaurierte und neu dotierte Leinwand weist großflächige Farbverluste, kleine Löcher und Flecken auf.

Öl auf Leinwand. Französische Schule der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Wahrscheinlich das Werk eines Anhängers von Claude Joseph Vernet (1714–1789), einem auf Meeresszenen spezialisierten französischen Maler, der oft Einblicke in Stürme und Schiffbrüche gab. Die Szene spielt an einer felsigen Küste, in der Nähe eines Dorfes, das auf der darüber liegenden Klippe erbaut wurde. Es tobt ein starker Sturm, der einen Blitz auslöst, der von oben rechts über einige verängstigte Reisende hinweg auf das Segelschiff schießt, das dem starken Wellengang ausgeliefert ist. Der Himmel ist voller schwarzer Wolken, doch in der Ferne scheint sich bereits ein blauer Fleck aufzutun. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. In einem Gasthof, der fast wie in eine Höhle gehauen wirkt und sich zu einer eher kargen Landschaft hin öffnet, essen und trinken einige Männer und entspannen sich am Tisch neben dem Feuer, während eine Frau auf dem Boden sitzt und ihnen beim Essen amüsiert zusieht. Die Figuren sind grotesk, fast karikaturhaft, die Farben erdig, um den bäuerlichen Hintergrund der Szene zu unterstreichen. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. In einem Gasthaus spielen einige Gäste Karten: Der Mann, der links sitzt, schummelt, indem er eine Karte im Kragen seiner schäbigen Jacke versteckt, während der hinzukommende Wirt ihn belustigt ansieht. Die Figuren wirken grotesk, fast karikaturhaft; Die Farben sind überwiegend erdig gehalten, um die volkstümliche Atmosphäre zu unterstreichen. Das restaurierte und doublierte Gemälde (auf der Rückseite befindet sich ein Restaurierungsetikett mit dem Datum 1952) wird in einem antiken Rahmen präsentiert.