GEMÄLDE ONLINE | GALERIE FÜR ALTE UND ZEITGENÖSSISCHE KUNST - Seite 5

Öl auf Leinwand. Die Landschaft einer üppigen Vegetation mit einer Bergkette mit scharfen Gipfeln im Hintergrund wird durch die Anwesenheit dreier Wäscherinnen belebt, die mit Schubkarren voller Wäsche zum Fluss gehen, während ein Reisender die kleine Brücke über den kleinen Bach überquert. Das Werk ist im Stil Antonio Peruzzinis (1650–1724) ausgeführt, vermutlich von einem seiner Schüler oder Anhänger. Peruzzini war eine Schlüsselfigur der Landschaftsmalerei des 17. und 18. Jahrhunderts. Ausgehend vom Ausdruck des 17. Jahrhunderts gelangte er zu einer Interpretation der für das Rokoko typischen Bewegung und Farbgebung, indem er hellere und leuchtendere Töne verwendete und seinen Gemälden eine gewisse Vitalität verlieh. Die Farbgebung ist besonders ausgeprägt, insbesondere in der Schraffur der menschlichen Figuren, die durch dicke, stoffliche Pinselstriche umrissen sind und sich dadurch im Vordergrund aus der Landschaft abheben. Das Gemälde wurde bereits restauriert und unterfüttert und befindet sich in gutem Zustand. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Im Zentrum der Szene, eingebettet in eine üppige Vegetation, ist ein Hirte mit seiner Schafherde in einem Moment der Ruhe dargestellt; dahinter das Bauernhaus mit Stall. Auf der Rückseite befindet sich ein Sammlungsetikett, und auf dem Rahmen ist handschriftlich das Wort „Tedesco“ (Deutsch) eingraviert, vermutlich als Hinweis auf die Herkunft. Das Gemälde befindet sich auf der ersten Leinwand, mit Originalrahmen und neu vergoldetem zeitgenössischem Rahmen.

Ruhe auf der Flucht nach Ägypten

Öl auf Leinwand. XVIII-XIX Jahrhundert. Das sakrale Thema in dieser Szene nimmt eine vertraute Konnotation an, voller sehr irdischer Zärtlichkeit und Intimität: in einem fast exotischen Kontext, der an eine Palmenoase in der Wüste und eine Wasserquelle in einer kargen und hügeligen Landschaft erinnert. Joseph und Maria ruhen sich während ihrer Flucht nach Ägypten aus, um der Verfolgung durch Herodes zu entkommen; die Mutter hält das Jesuskind zärtlich auf den Knien, schaut es zärtlich an und wickelt es, während Josef ihnen zufrieden und entspannt zusieht. Die ganze Szene ist geprägt von der Dominanz braun-ockerfarbener Farben, von denen sich nur Marias Kleid in ihren traditionellen blauen und roten Farben unterscheidet; im Hintergrund ein klarer Himmel in den Farben einer gerade angebrochenen Morgendämmerung mit Rosatönen. Die Leinwand wurde auf einen neuen Rahmen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts aufgebracht und in einen Rahmen aus der gleichen Zeit eingesetzt, der einige Mängel aufweist.

Öl auf Leinwand. Niederländische Schule, spätes 19. Jahrhundert. Unbekannte Signatur und Datierung '80 unten links. Metallplatte am Rahmen mit der Aufschrift „Ashelard Holland 1880“. Die Landschaftsansicht, eine weite, kultivierte Landschaft mit sanften Hügeln, wird von einem Wasserlauf durchzogen, auf dem einige Boote fahren. Am linken Ufer befindet sich eine kleine Häusergruppe mit einer kleinen Kirche; einige Wanderer kreuzen den Weg. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, wird in einem neu vergoldeten Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Die weite, vegetationsreiche nordische Landschaft wird von einem kleinen Bach durchzogen, an dem im Vordergrund eine Kuhherde trinkt. Besonders hervorzuheben ist der Hirte, der am Ufer kniet und ein Gebet spricht; zwei weitere Wanderer in der Nähe beobachten ihn. Auf der Rückseite befindet sich eine Sammlungskartusche, und auf dem Rahmen ist handschriftlich das Wort „Deutsch“ eingraviert, vermutlich als Hinweis auf die Herkunft. Das Gemälde befindet sich auf der ersten Leinwand, mit dem Originalrahmen und einem neu vergoldeten zeitgenössischen Rahmen.

Reliefmalerei '58-'68

Mischtechnik auf Leinwand, mit Materialanwendungen. Von 1958 bis 1968 widmete sich ORAZI, der bereits von der figurativen zur abstrakten Phase übergegangen war, der Schaffung von Reliefkompositionen: Er sammelte und verwendete Materialien und Fasern verschiedener Art, vor allem natürliche Materialien und Fasern wie winzige Sandkörner, Samen, Pflanzenfäden und Rindenfragmente, mit denen er Reliefformen schuf, die aus der Oberfläche der Leinwand hervortraten. Grundlage dieser künstlerischen Erfahrung, die Peinture en Relief genannt wird, ist die Erforschung der Natur, ihrer Bestandteile und Phänomene (Blumen, Pflanzen, Sand, Felsen, Vulkanlava, Küsten und Meeresböden, Eruptionen, Stürme, versteinerte Meteoriten). Die Werke dieser Zeit waren zunächst durch ein noch eher flaches Relief gekennzeichnet; Doch mit der Zeit wurde das Relief immer ausgeprägter und ging oft so weit, dass es über den Umfang des Trägers hinausragte, bis zu dem Punkt, dass die Figuren eher wie Statuen als wie Gemälde wirkten. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert. Aus der Familiensammlung des Künstlers.

Reliefmalerei '58-'68

Mischtechnik auf Leinwand, mit Stoff- und Plattenapplikationen. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett eines Pariser Kunsttransportdienstes mit dem Namen des Künstlers: Die Werke von ORAZI nahmen an zahlreichen Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen in der französischen Hauptstadt teil. Von 1958 bis 1968 widmete sich ORAZI, der bereits von der figurativen zur abstrakten Phase übergegangen war, der Schaffung von Reliefkompositionen: Er sammelte und verwendete Materialien und Fasern verschiedener Art, vor allem natürliche Materialien und Fasern wie winzige Sandkörner, Samen, Pflanzenfäden und Rindenfragmente, mit denen er Reliefformen schuf, die aus der Oberfläche der Leinwand hervortraten. Grundlage dieser künstlerischen Erfahrung, die Peinture en Relief genannt wird, ist die Erforschung der Natur, ihrer Bestandteile und Phänomene (Blumen, Pflanzen, Sand, Felsen, Vulkanlava, Küsten und Meeresböden, Eruptionen, Stürme, versteinerte Meteoriten). Die Werke dieser Zeit waren zunächst durch ein noch eher flaches Relief gekennzeichnet; Doch mit der Zeit wurde das Relief immer ausgeprägter und ging oft so weit, dass es über den Umfang des Trägers hinausragte, bis zu dem Punkt, dass die Figuren eher wie Statuen als wie Gemälde wirkten. Diese Werke beziehen sich oft auf vulkanische Aktivitäten und das dabei entstehende Material, was manchmal in Titeln wie „Lavastrom“, „Vulkansand“, „Vulkanstrände“ zum Ausdruck kommt. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert. Aus der Familiensammlung des Künstlers.

Reliefmalerei '58-'68

Mischtechnik auf Leinwand, mit Materialanwendungen. Unten rechts signiert. Von 1958 bis 1968 widmete sich ORAZI, der bereits von der figurativen zur abstrakten Phase übergegangen war, der Schaffung von Reliefkompositionen: Er sammelte und verwendete Materialien und Fasern verschiedener Art, vor allem natürliche Materialien und Fasern wie winzige Sandkörner, Samen, Pflanzenfäden und Rindenfragmente, mit denen er Reliefformen schuf, die aus der Oberfläche der Leinwand hervortraten. Grundlage dieser künstlerischen Erfahrung, die Peinture en Relief genannt wird, ist die Erforschung der Natur, ihrer Bestandteile und Phänomene (Blumen, Pflanzen, Sand, Felsen, Vulkanlava, Küsten und Meeresböden, Eruptionen, Stürme, versteinerte Meteoriten). Die Werke dieser Zeit waren zunächst durch ein noch eher flaches Relief gekennzeichnet; Doch mit der Zeit wurde das Relief immer ausgeprägter und ging oft so weit, dass es über den Umfang des Trägers hinausragte, bis zu dem Punkt, dass die Figuren eher wie Statuen als wie Gemälde wirkten. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert. Aus der Familiensammlung des Künstlers.

Der Trinker

Öl auf Leinwand. Das Gemälde erinnert in seinem Bildstil und seiner Thematik an die Werke von Giacomo Francesco Cipper, genannt Todeschini, einem Künstler österreichischer Herkunft, der sich in Mailand niederließ. Er war ein Spezialist für Marktszenen, Open-Air-Konzerte, Kartenspieler und Szenen aus dem bescheidenen Alltagsleben, die er mit einem lachenden, karikaturhaften Akzent und der Suche nach komischen Effekten schuf. Wie in diesem Werk, das einen einfachen Mann darstellt, der Wein trinken möchte: Trotz der Elendigkeit, die seine Kleidung erkennen lässt, wirkt der Mann fröhlich und lachend, vielleicht aufgrund übermäßigen Alkoholkonsums, und soll nicht die Trostlosigkeit, sondern die Vitalität und den Spaß des Alltagslebens darstellen, so elend es auch sein mag. Das Gemälde wurde restauriert und neu gefüttert und verfügt auf der Rückseite des Rahmens über eine kleine Kartusche mit Einzelheiten zur durchgeführten Restaurierung. Es wird in einem restaurierten antiken Rahmen präsentiert.

Tête-Paysage 1970 ca.

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Das Gemälde gehört zur Produktion von ORAZI von 1970 bis 1977. In dieser Phase gibt der Künstler die völlig abstrakte und reliefartige Malerei auf und kehrt zur figurativen Malerei zurück, die er jedoch mit vereinfachten und verzerrten Linien wiedergibt. Er schuf insbesondere die Reihe „Lignes Circulaires“ und die Reihe, zu der dieses Werk gehört, die Gemälde mit dem Titel „Têtes-Paysage“, in denen er Kompositionen schafft, die mysteriöse menschliche Köpfe oder die von Faunen und mythologischen Figuren (manchmal in Begleitung ihrer Insektengefährten) darstellen: Die Linien in diesen Gemälden verflechten sich, um gleichzeitig Kompositionen zu bilden, Verflechtungen von Körpern, oder, wie in diesem Werk, einen Kopf oder ein Gesicht zu verbergen, oft „faunal“. Das Werk stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Figuren der Liebenden 1975

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Gemälde gehört zur Produktion von ORAZI aus den 70er Jahren. In dieser Phase gibt der Künstler die völlig abstrakte und reliefartige Malerei auf und kehrt zur figurativen Malerei zurück, die er jedoch mit vereinfachten und verzerrten Linien wiedergibt. Er schuf insbesondere die Reihe der Linien rund um den Kreis und die Reihe, zu der auch dieses Werk gehört, die Gemälde mit dem Titel Têtes-Paysage, für die er Kompositionen schuf, die geheimnisvolle menschliche Köpfe oder die von Faunen und mythologischen Figuren (manchmal in Begleitung ihrer Insektengefährten) zeigen, oft sich küssende Liebespaare: Die Linien in diesen Gemälden verflechten sich und bilden gleichzeitig Kompositionen, in denen sich Körper, oft in erotischer Pose, verflechten. Das Werk stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Figuren, 1975 ca.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde gehört zur Produktion von ORAZI aus den 70er Jahren. In dieser Phase gibt der Künstler die völlig abstrakte und reliefartige Malerei auf und kehrt zur figurativen Malerei zurück, die er jedoch mit vereinfachten und verzerrten Linien wiedergibt. Er schuf insbesondere die Reihe der Linien rund um den Kreis und die Reihe, zu der auch dieses Werk gehört, die Gemälde mit dem Titel Têtes-Paysage, für die er Kompositionen schuf, die geheimnisvolle menschliche Köpfe oder die von Faunen und mythologischen Figuren (manchmal in Begleitung ihrer Insektengefährten) zeigen, oft sich küssende Liebespaare: Die Linien in diesen Gemälden verflechten sich und bilden gleichzeitig Kompositionen, Verflechtungen von Körpern. Hier können wir einen Blick auf einige Figuren, Menschen und Tiere, wahrscheinlich aus der Mythologie, werfen, die in eine erotische Handlung verwickelt sind. Das Werk stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Komposition 1933

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Auf der Rückseite befindet sich ein Teiletikett der Galerie Pesaro in Mailand. Das Werk gehört zur ersten Schaffensperiode des französischen Künstlers ORAZI (ein Name, den er in Großbuchstaben schreiben wollte), einer Periode, die noch der figurativen Malerei verbunden war und von den historischen Avantgarden, insbesondere dem Postimpressionismus, beeinflusst wurde; Bereits in dieser ersten Phase nimmt die Erforschung der Farbe bei der Darstellung von Figuren und Objekten einen dominierenden Platz ein. In dieser Komposition heben sich die roten und blauen Farbtöne der Bücher, des Flaschenetiketts und der Feder von den sanften, homogenen Farben der übrigen Gegenstände ab, unter denen die Steinmaske das linke Halbfeld dominiert. Das Werk stammt aus der Herkunftsfamilie des Künstlers. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Szene mit Figuren, 1950 ca.

Öl auf Leinwand. Es gehört zu einer Werkgruppe namens Jeux de Symboles, die etwa zwischen 1945 und 1950 entstand und in deren Verlauf sich ORAZIs Malerei in Richtung der sogenannten Peinture du Mouvement bewegte, die durch die Arbeit an den dynamischen Effekten des menschlichen (und tierischen) Körpers in Bewegung gekennzeichnet ist, die durch die Kraft der Farbe hervorgehoben werden. In dieser Szene dominieren kräftige, säuerliche, leuchtende Farben, die beinahe geometrische Menschen- und Tierfiguren mit ausgeprägten, klaren Konturen umreißen, in denen sich im Vergleich zwei unterschiedliche Volksgruppen abzuzeichnen scheinen. Die Leinwand weist kleine Farbverluste auf. PR stammt aus der Familiensammlung des Künstlers.

Das Schal Porträt einer Mexikanerin, ca. 1950

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Der französische Maler ORAZI hielt sich 1955 und dann 1956–57 in Mexiko auf, einer Welt, die für Intellektuelle und Künstler dieser Zeit außerordentlich attraktiv war. Die Naturlandschaften sowie die Sitten und Bräuche der einheimischen Bevölkerung waren die Themen, die in der Gemäldereihe „Peintures sur le Mexique“ zusammenliefen: Landschaften, Kompositionen und Porträts, ohne dabei dem Geschmack für das Exotische nachzugeben, mit äußerst sorgfältiger Farbarbeit, um ohne Deskriptivismus die Elemente der Natur und die bereits in Richtung Abstraktion projizierten Figuren von Männern und Frauen darzustellen. Diese aus 35 Stücken bestehende Bilderserie wurde dann 1957 nach seiner Rückkehr nach Frankreich in der Galerie Vendôme in Paris ausgestellt. Das Gemälde stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Porträt einer Frau 1951

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Das Werk ist aufgrund seiner Datierung in die Zeit einzuordnen, in der ORAZI sich bereits einer weniger realistischen Malerei zuwandte und ein Porträt schuf, das sich durch sehr ausgeprägte, fast geometrische physiognomische Züge und eine Farbgebung auszeichnet, die mit der Variation einer einzigen Farbpalette spielt. Bei der dargestellten Figur handelt es sich um eine ältere Frau aus dem bäuerlichen Umfeld.

Mexikanische Bauernfigur 1956

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert 1956. Der französische Maler ORAZI hielt sich 1955 und dann 1956-57 in Mexiko auf, einem für Intellektuelle und Künstler der damaligen Zeit außerordentlich attraktiven Land. Die Naturlandschaften, die Sitten und Bräuche der lokalen Bevölkerung waren die Themen, die in der Gemäldeserie mit dem Titel Peintures sur le Mexique zusammenflossen, Landschaften, Kompositionen und Porträts, ohne dem Geschmack für das Exotische nachzugeben, mit einer äußerst sorgfältigen Farbgebung, um ohne Deskriptivismus die Elemente der Natur und die bereits in Richtung Abstraktion tendierenden Figuren von Männern und Frauen darzustellen. Diese aus 35 Werken bestehende Bilderserie wurde dann 1957, nach seiner Rückkehr nach Frankreich, in der Galerie Vendôme in Paris ausgestellt. Das Gemälde stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Öl auf Leinwand. Die Adlige ist reich gekleidet; ein eleganter roter Umhang liegt über ihren Schultern, sodass ihr mit Spitze besetztes Kleid unbedeckt bleibt. die Frisur ist mit Perlen verziert. Oben rechts auf der Leinwand ist auch das Wappen der Familie der Frau zu sehen: Es ist dreiteilig und zeigt zwei einander zugewandte, aufgerichtete und gekrönte Löwen, darüber ein plausibler Blumenschmuck. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Holz. Die Szene zeigt vermutlich die Heilige Familie während der Flucht nach Ägypten, in einem Moment der Ruhe während der Reise. Tatsächlich erscheint neben den Figuren der Familie unten ein Engel, erkennbar an den angedeuteten Flügeln, der einen Teller mit Essen anbietet, von dem Josef sich, wie die apokryphen Versionen der Evangelien berichten, bereits einige Kirschen genommen hat. Das Brett weist einige kleine Holzwurmlöcher auf. Es wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts. Intensives Nahaufnahmeporträt eines Mannes, vermutlich Nordafrikaner, das der als orientalistisch definierten Kunstepoche angehört, also jener künstlerischen Produktion, die nach den im 19. Jahrhundert in Mode gekommenen zahlreichen Reisen in die warmen und exotischen Länder Westasiens von der östlichen Welt fasziniert war. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Groteske mit Engel

Gefälschtes Fresko auf Leinwand. In Anlehnung an klassische Fresken weist die Leinwand eine groteske Dekoration auf, die durch imaginäre Pflanzenformen gekennzeichnet ist, die mit menschlichen Figuren, Tieren oder bizarr deformierten Masken, in diesem Fall Engeln und Vögeln, verflochten sind und in architektonische Bezüge, wie in diesem Fall den falschen Trägersockel, eingefügt sind.

Landschaft mit Fluß und Hirten

Öl auf Leinwand. In einer grünen Hügellandschaft, durch die ein Bach fließt, sitzen einige Hirten pfeifend im Schatten der Bäume, während sie nach ihrer Herde beim Trinken sehen. Dicke, dunkle Wolken ziehen am Himmel auf. Der Stil geht auf die Werke von Marco Ricci zurück, einem Maler aus Belluno, der für sein unbestrittenes Talent zur naturalistischen und architektonischen Darstellung berühmt wurde. Seine Landschaften, die noch immer einen deutlichen Geschmack des 17. Jahrhunderts aufweisen, werden bereits von kraftvollen und emotionalen Lichtern erhellt, von trockenen und verdrehten Bäumen, Felsen und Türmen, von Kumuluswolken, die plötzlich in vagen blauen Blitzen zerreißen, ein komplexes Repertoire, das die Natur in eine dramatische und ruhelose Darstellung verwandelt. Er wurde zu einem Bezugspunkt für mehrere andere Künstler seiner Zeit, die seinen Stil aufgriffen, wie in diesem Werk. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Winterlandschaft mit Figuren

Öl auf Leinwand. In einer winterlichen, schneebedeckten Landschaft, in der kahlen, dunklen und trockenen Natur, schlängelt sich ein Weg durch völlig kahle Bäume, der zum Dorf führt, und einige Wanderer gehen auf ihm vorbei, während am Rand einige Holzfäller bei der Arbeit sind. Über allem schwebt ein Himmel voller dunkler Wolken, obwohl auf der linken Seite ein Fleck Blau zu sehen ist. Der Stil geht auf die Werke von Marco Ricci zurück, einem Maler aus Belluno, der für sein unbestrittenes Talent zur naturalistischen und architektonischen Darstellung berühmt wurde. Seine Landschaften, die noch immer einen deutlichen Geschmack des 17. Jahrhunderts aufweisen, werden bereits von kraftvollen und emotionalen Lichtern erhellt, von trockenen und verdrehten Bäumen, Felsen und Türmen, von Kumuluswolken, die plötzlich in vagen blauen Blitzen zerreißen, ein komplexes Repertoire, das die Natur in eine dramatische und ruhelose Darstellung verwandelt. Er wurde zu einem Bezugspunkt für mehrere andere Künstler seiner Zeit, die seinen Stil aufgriffen, wie in diesem Werk. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18. Jahrhunderts. Die eher karge Landschaft mit schneebedeckten Berggipfeln im Hintergrund umrahmt im Vordergrund eine Hirtenfamilie, die am Straßenrand außerhalb des Dorfes sitzt und sich ausruht, während ihre Herde aus dem nahegelegenen Bach trinkt. In der Zwischenzeit unterhalten sie sich und fragen die Bürgerliche, die mit ihrem Korb unter dem Arm den Weg entlanggeht, nach dem Weg. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.