GEMÄLDE DES 19. JAHRHUNDERTS

Komposition mit Pflanzen

Öl auf Karton. Signiert und datiert (1838?) unten rechts. Giuseppe Palizzi besuchte das Königliche Institut der Schönen Künste in Neapel, wo er mit den Malern der Schule von Posillipo in Kontakt kam und in seinen frühen Werken historische Landschaften bevorzugte. Nach seinem Umzug nach Paris wurde er von der Schule von Barbizon beeinflusst, und sein Malstil entwickelte sich hin zu einer realistischen Landschaftsmalerei mit romantischen Anklängen. Inspiriert wurde er vor allem von der Pariser Landschaft und dem Wald von Fontainebleau, bevölkert von pastoralen Figuren. Das hier gezeigte Gemälde stellt eine Gruppe von Pflanzen und Kräutern dar, möglicherweise aus einem Gemüsegarten, in einem Stil, der noch nicht den realistischen Verismus seiner späteren Jahre erreicht hatte. Das Werk befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Verschneite Alpenlandschaft

Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts. Leonardo Roda, ein Landschaftsmaler aus Turin, war als „Maler des Matterhorns“ bekannt für seine zahlreichen Ansichten des Alpengipfels, die er zu allen Jahreszeiten und Tageszeiten malte. Hier zu sehen ist eine Ansicht der Conca del Breuil, eines großen, schneebedeckten Alpentals am Fuße des Matterhorns: Die Dächer mehrerer Häuser mit einem Glockenturm ragen aus dem Schnee, während im Vordergrund ein Bauer mit einem von zwei Pferden gezogenen Schlitten vorbeifährt. Guillochierter Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Lecco, 1837

Öl auf Leinwand. Signatur, Datierung und Titel unten links. Giuseppe Canella war einer der bedeutendsten Landschafts- und Veilchenmaler Veronas im 19. Jahrhundert. Er unternahm zahlreiche Reisen durch Europa und brachte Eindrücke und Ansichten europäischer Städte mit, die ihm insbesondere das Studium der flämischen Malerei ermöglichten. 1835 kehrte er nach Italien zurück und widmete sich der italienischen Landschaftsmalerei, vor allem lombardischer Städte, die unter flämischem Einfluss durch eine deutliche Abkehr vom strengen klassischen Vedutenismus und durch die Wahl besonderer Licht- und Farbeffekte gekennzeichnet waren. Das hier präsentierte Gemälde ist zwar signiert und in Sujet und Malstil mit Canellas Werk vereinbar, jedoch stilistisch weniger wirkungsvoll, was Zweifel an seiner eindeutigen Zuschreibung auf den Künstler aufkommen lässt; dennoch bleibt es ein Werk von beachtlicher Qualität. Das Gemälde befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Englische Landschaft 1871

Öl auf Leinwand. Signiert und datiert unten links. Holder widmete sich der Landschaftsmalerei und spezialisierte sich auf Ansichten der englischen Landschaft, insbesondere der sanften Hügel und der zerklüfteten Küste seiner Heimat Yorkshire. Sein malerischer Ansatz war sehr konkret; er strebte danach, die Landschaft Yorkshires so getreu wie möglich wiederzugeben, so wie er sie erlebte. Er porträtierte Bauern bei der Feldarbeit, Schafe auf den sanften Hügeln und malerische Dörfer, eingebettet in uralte Bäume. Er schuf keine idealisierten Porträts, sondern ehrliche Darstellungen des Alltagslebens in der Region, durchdrungen von stiller Würde und Respekt vor dem Land.

Öl auf Leinwand. Signiert G. Esposito unten links. Ein klassisches Motiv der neapolitanischen Schule: die Ecke einer blumenreichen Veranda eines Mietshauses an den Hängen mit Blick auf die Küste; eine Frau kümmert sich um den Hahn, während Hühner und Küken herumscharren. Farbenfroh, heiter, lebendig. In einem zeitgenössischen Rahmen.

Pastell auf Papier, auf Leinwand aufgezogen. Englische Schule, 19. Jahrhundert. Signiert unten links DP Anker. In einem dunklen Gasthaus, links ist die Wirtin zu sehen, die gerade ein Glas füllt, spielen zwei Gäste Schach, während ein dritter sie aufmerksam beobachtet. Das Licht fällt auf den Tisch der Spieler, den Mittelpunkt der Szene. Das Gemälde befindet sich in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule, 19. Jahrhundert. Im Zentrum steht eine kleine Herde Kühe und Schafe, die vor dem Bauernhaus grast. Ein Paar sitzt draußen und wacht über die Tiere; die Frau spinnt, der Mann flechtet einen Korb. Dahinter erheben sich die anderen Häuser des einfachen Dorfes, aus Stein und Stroh errichtet. Das Werk greift auf ältere Beispiele idealisierter Weidelandschaften zurück, spielt jedoch mit den harten Realitäten der Arbeiterklasse. Die Leinwand weist einen kleinen Riss in der Mitte auf. Sie befindet sich in einem Rahmen aus dem späten 19. oder frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule, Mitte des 19. Jahrhunderts. Der weiße, mit kleinen Blümchen verzierte Spitzenschleier sticht in diesem Porträt hervor und gibt den Blick auf die rosa Schleifen in ihrem Haar frei. Die Gesamtwirkung hellt das dunkle, schlichte Kleid der lächelnden jungen Frau auf und mildert es. Das Gemälde befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Signiert unten links „Baldasar“. Das Gemälde zeigt eine an Ägypten erinnernde Landschaft: Im Vordergrund fließt ein Bach, ein breiter Fluss mit vor Anker liegenden Booten. Am Ufer gehen verschleierte Frauen mit Wasserschläuchen auf dem Kopf. Palmen spenden den Häusern am Ufer Schatten, und im Hintergrund, jenseits der Felder, erheben sich mehrere Pyramiden. Der Sonnenuntergang mit seinen rosigen Farbtönen am Himmel erzeugt eine stimmungsvolle Wirkung, die sich im Wasser spiegelt. Das Gemälde ist in einem guillochierten Rahmen gefasst.

Öl auf Leinwand. Unbekannte Signatur und Datierung 1892 unten rechts. Porträt einer strengen Dame mittleren Alters in ihrer charmanten Straßenkleidung mit rosa Schleife und Verzierungen. In einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert. Aus der Sammlung der Firma Campari.

Mädchen mit Blume

Öl auf Leinwand. Signiert mittig (am Halsausschnitt des Kleides des Mädchens). Aus der Sammlung der Firma Campari. Als zentrale Figur der lombardischen Scapigliatura entwickelte Conconi eine raffinierte und experimentelle Bildsprache, die die Forschungen Cremonas und Ranzonis auf die Spitze trieb und später symbolistisch-divisionistisch neu interpretierte. Er schuf zahlreiche Porträts, in denen der Einfluss von Tranquillo Cremona deutlich erkennbar ist, und offenbarte gleichzeitig seine Originalität in Genrebildern, Landschaften und fantastischen, fantasievollen Kompositionen. Das Gemälde befindet sich in einem Rahmen aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule, spätes 19. bis frühes 20. Jahrhundert. Die Szene, die sich in der Nähe eines Brunnens auf einem terrassenförmig angelegten Platz mit Blick auf den Golf von Neapel und dem rauchenden Vesuv im Hintergrund abspielt, zeigt eine Gruppe von Frauen in Tracht, die sich in geselliger Runde vergnügen und Tarantella spielen und tanzen. Das lebendige und farbenfrohe Gemälde schildert eine Episode aus dem neapolitanischen Volksleben – ein sehr beliebtes Sujet. Es befindet sich in einem vergoldeten Rahmen aus der damaligen Zeit.

Berglandschaft

Öl auf Leinwand. Signatur und Datierung (schlecht lesbar, 18…) unten rechts. Ernst Gustav Doerell widmete sich der Landschaftsmalerei und bevorzugte dabei Darstellungen der böhmischen Berge, seiner Heimat. Seine Werke zeichnen sich durch detailreiche und präzise Ansichten aus, die das Spiel des Lichts, das die Farben der Natur sanft umspielt, realistisch einfangen. Das Gemälde befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Frauengesicht

Mischtechnik auf Karton. Signiert unten links. Antonio Mancini war ein Maler mit realistischen Einflüssen, ausgebildet in der neapolitanischen Schule von Morelli und Palizzi und später in Paris. Er widmete sich vorwiegend der Porträtmalerei und Genreszenen mit volkstümlichem oder anekdotischem Charakter. Während er anfangs dem Naturalismus des 19. Jahrhunderts nahestand und daher populäre, von Traurigkeit geprägte Figuren (seine Straßenkinder) darstellte, experimentierte er später mit verschiedenen Techniken. Er verwendete leuchtende Lichtblitze, die er in Klumpen heftiger Farben und lebhaften Tropfen auf die Leinwand auftrug, und setzte sogar nicht-bildnerische Materialien wie Buntglas ein. Seine Darstellungen zeigen aufgewühlte Figuren, manchmal in fantasievollen Verkleidungen – ein Ausdruck seiner tiefen psychischen Belastung. In dieser Zeichnung, vermutlich einer Vorstudie, liegt der Fokus nicht auf den physiognomischen Zügen des weiblichen Gesichts, sondern auf der explosiven Ausdruckskraft des Körpers. Dessen Oberkörper scheint sich in einer seitlichen Drehung nach oben zu erheben und hebt sich so aus den verschwommenen und undefinierten Konturen der Umgebung hervor. Dieses Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Belagerungsszene

Öl auf Leinwand. Außerhalb der Befestigungsanlagen einer Stadt ist ein Anführer, umgeben von seinen Soldaten, im Begriff, den Zünder der Kanone zu entzünden. Die Armee verteidigt die Zitadelle außerhalb der Mauern und die Soldaten scannen den Horizont nach unten: Das führt uns die Szene auf den Befestigungen der Stadt zu platzieren, insbesondere solche von Genua , dass Aufstieg auf den Bergen hinter und von denen die Genuesen die Stadt verteidigt vor Angriffen aus dem Meer; Die Lage in Genua wird durch das Banner, das über die Mauern weht, das Croce di San Giorgio (rotes Kreuz auf weißem Hintergrund) der Republik Genua, bestätigt. Die Form von Rüstung, Waffen und Kleidung würde auf die Belagerung von Genua im Jahr 1522 verweisen. Es handelt sich also um die Darstellung einer historischen Episode aus dem 19. der neue historische Roman von der Literatur vorgeschlagen. Auf der Rückseite des Rahmens steht der Name G. Boni, zusammen mit einer Zahl, die auf die Teilnahme an einer offiziellen Ausstellung hinweist. Giovanni Boni war ein Schüler der Brera-Akademie, insbesondere ein Anhänger von Giuseppe Sogni, einem Künstler, der zu den ersten bevorzugten historischen Gemälden in ihren innovativen romantischen Deklinationen gehörte. Über Boni ist nicht viel bekannt, weder aus biografischer Sicht noch aus seiner Produktion. Von seiner sicheren Zuschreibung kennen wir nur den Akt des Menschen (gemalte Akademie), mit dem er 1852 den ersten Preis für die Scuola del Nudo in Brera gewann. die Charaktere im Vordergrund sind in ihren Posen, Gesichtsausdrücken, in den Details der Kleidung und Waffen sehr gut charakterisiert, während die anderen Figuren in den Hintergrund treten und die Anwesenheit einer großen Armee andeuten. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigt kleine diffuse Farbtropfen. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Holz, Porträt einer jungen Frau aus dem 16. Jahrhundert, ausgeführt in einer von der venezianischen Porträtmalerei des 16. Jahrhunderts inspirierten Maltechnik. Die Frau, in einem Kleid mit tiefem Ausschnitt, der eine Schulter freilässt, ist von hinten dargestellt, ihr Gesicht dem Betrachter zugewandt in einer konzentrierten Pose. Ihr Kopfschmuck ist mit Perlen und Federn verziert, typischen Dekorationselementen der Epoche. Die Komposition vereint die typischen Merkmale der Porträtmalerei mit dem Idealbild und entspricht damit der künstlerischen Tradition der Zeit. Das Werk ist in einem zeitgenössischen Rahmen gefasst.

Öl auf Leinwand. Mitte 19. Jahrhundert. Die große Szene erzählt eine nicht identifizierte historische Episode, die in der Renaissancezeit spielt, in der ein Erzbischof die Bitte eines jungen Mannes in Waffen anhört, begleitet von seiner Mutter, die seine Bitte unterstützt. Die Kulisse befindet sich im Empfangssaal des Hochprälaten, vermutlich im Bischofspalast, der von der Loggia im Hintergrund den Dom überblickt, dessen Kuppel zu sehen ist; Der Bischof ist von seinen Untergebenen und Wachen umgeben, während verschiedene Leute des Volkes anwesend sind. Besonders ist die Anwesenheit des links im Vordergrund sitzenden Mannes, der zum Betrachter blickt und auf die Szene zeigt, als würde er sie erzählen. Die Atmosphäre wird durch die Kontraste zwischen Licht und Schatten gespielt, zwischen den leuchtenden Farben der dominierenden Charaktere im Vergleich zu den stumpfen und verschwommenen Tönen der umgebenden Figuren, die buchstäblich dazu neigen, an den Grenzen der Szene im Schatten zu verschwinden. Das Werk ist Teil dieser großen Produktion des 19. Jahrhunderts, die sich auf das historische oder literarische Thema stützte und es in einer romantischen Tonart neu vorschlug. Das restaurierte und doublierte Gemälde präsentiert sich in einem bedeutenden Rahmen aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit einigen Mängeln.

Meereslandschaft

Ölgemälde auf Holz, signiert unten rechts, von dem in Ancona geborenen Maler Carlo Viriglio, bekannt für seine Landschaften und Ansichten, die sich durch lyrischen Naturalismus auszeichnen. Das Werk zeigt eine Küste unter einem wolkenverhangenen Himmel, durch den ein Mondstrahl bricht und sich auf dem Wasser spiegelt, wodurch stimmungsvolle Lichteffekte entstehen. Die Szene verdeutlicht Viriglios Gespür für Lichteffekte und zeitliche Veränderungen, charakteristische Merkmale seines Malstils. Das Gemälde befindet sich in einem modernen Rahmen mit angepassten Maßen.

Tempera auf Holz. Diese Ikone, typisch für den äthiopisch- und koptisch-orthodoxen Gottesdienst, zeigt Maria mit dem Jesuskind im Arm im Zentrum, flankiert von zwei Engeln mit Schwertern. Um sie herum, in neun separaten Feldern, befinden sich Figuren von Heiligen (der heilige Georg unten in der Mitte) und anderen Engeln; oben in der Mitte ist Gottvater in drei identischen Gestalten dargestellt, die traditionelle Darstellung der Heiligen Dreifaltigkeit, und in den Ecken des Feldes befinden sich die vier symbolischen Figuren der Evangelisten. Das Feld weist kleinere Farbabplatzungen auf.

Frauenporträt

Öl auf Leinwand, signiert unten rechts vom Mailänder Künstler Roberto Fontana, der seine Karriere in der historischen Romantik begann und sich später der Genremalerei zuwandte. Das Porträt einer jungen Frau zeigt eine elegante Gestalt, die sich aus einem dunklen Hintergrund erhebt und ein ausdrucksstarkes, leuchtendes Gesicht hervorhebt. Das Licht umspielt sie sanft und wird durch den rosigen Teint, der durch die elegante Spitze ihres schwarzen Kleides schimmert, noch verstärkt, was dem Porträt zusätzliche Leuchtkraft verleiht. Fontana, beeinflusst von der Scapigliatura und dem nuancierten Luminismus Tranquillo Cremonas, gelingt es, die Feinheit der Details in einem Werk einzufangen, das Technik und Sensibilität vereint. Das Gemälde ist im Stil der damaligen Zeit gerahmt.

Betrunkener Bacchus

Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts. Der Gott ist auf der Szene stehend dargestellt, nur mit einem Tuch um die Lenden und mit Efeublättern auf den Hüften und auf dem Kopf bekleidet, während er in einer Hand einen Kelch hält; sein Blick ist leer und benommen. Hinter ihm spielt ein halb liegender Putto mit Efeu. Ringsherum sind weiße Wolken zu sehen, ebenso wie der Boden weiß ist, nur der blaue Himmel und ein grüner Busch bilden einen Kontrast. Auf der Rückseite des Werks befindet sich das Etikett "Mario Galli Collezione d'Arte" mit der Katalognummer 64 und der eigenhändigen Widmung des Künstlers. Das Werk ist ein gutes Beispiel für die Malerei dieses Künstlers, der in Modena geboren wurde, aber seine künstlerische Ausbildung zunächst in Rom und dann in Florenz absolvierte, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte. Die Einzigartigkeit des Künstlers liegt in seiner Fähigkeit, von historischen Themen, die oft im antiken Pompeji angesiedelt sind, zum Naturalismus des Macchiaioli-Stils seiner zweiten Periode überzugehen, in der Muzzioli nach einer bedeutenden Wahrnehmung der Atmosphäre und des Lichts in Themen suchte, die von der ländlichen Umgebung der Toskana inspiriert sind und oft in der Antike spielen. In diesem Werk, dem Porträt einer mythologischen Figur, kommt die luministische Absicht des Künstlers stark zum Ausdruck, die Suche nach der Wirkung des Lichts, das auf den nackten Körpern des Gottes und des Putto spielt und dann in den Hintergrund tritt. Das Etikett der Kunstgalerie verweist auf den Florentiner Mario Galli (1877-1946), einen Bildhauer, der auch ein bedeutender Sammler von Werken insbesondere von Macchiaioli war. Das Werk weist einen bedeutenden Riss auf und ist retuschiert worden. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Die Vision des Ezechiel, 1825

Radierung von Paolo Caronni mit der Darstellung der „Vision des Ezechiel“, nach dem gleichnamigen Gemälde Raffaels, entstanden zwischen 1516 und 1518. Das Werk zeigt die Erscheinung Gottes am Himmel, wie sie im biblischen Buch Ezechiel geschildert wird. Umgeben von zwei Cherubim und getragen von den vier Figuren des Tetramorphs, die die Symbole der vier Evangelisten repräsentieren: den Engel des Matthäus, den Löwen des Markus, den geflügelten Stier des Lukas und den Adler des Johannes. Am unteren Rand symbolisiert eine von einem Lichtstrahl umhüllte Figur Ezechiel. Die Radierung trägt unten rechts die Signatur des Kupferstechers Paolo Caronni. In der Mitte findet sich der Name von Vincenzo Raggio, einem Zeichner, der für seine Meisterschaft in der Hell-Dunkel-Malerei und die detailgetreue Wiedergabe von Renaissance-Ikonografie bekannt war. Die Radierung befindet sich in einem zeitgenössischen Holzrahmen aus dem 19. Jahrhundert, der leichte Abnutzungsspuren der Vergoldung aufweist.

Frauenporträt

Öl auf Leinwand. Rechts in der Mitte der Leinwand signiert. Es handelt sich um das Porträt einer trauernden Frau, einer jungen Witwe, wie nicht nur aus dem schwarzen Kleid, sondern auch aus dem Kopfschmuck und vor allem aus der Kamee mit männlichem Porträt hervorgeht, die sie um den Hals hängt. Achille Zo war ein französischer Künstler (aus Bayonne, einer Stadt in den Pyrenäen, die unter dem kulturellen Einfluss des Baskenlandes stand), der, obwohl er sich wiederholt in Paris und Bordeaux aufhielt, wo er sich künstlerisch ausbildete, anschließend mehrere Reisen nach Spanien unternahm Er reiste nach Madrid (1856) und nach Andalusien (1860) und produzierte mehrere Jahre lang Werke zu historischen Themen oder spanischen Genreszenen. Ende der 1960er Jahre wandte er sich stattdessen dem Orientalismus zu. Es gibt auch mehrere Porträts in seiner Produktion. Das hier vorgeschlagene Gemälde auf der ersten Leinwand wird in einem wunderschönen zeitgenössischen Rahmen aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Blick auf Korfu mit kleiner Kirche und Mönch

Aquarell auf Papier. Unten links signiert. Der auf Korfu geborene Angelos Giallinas zeichnete sich durch zahlreiche Ansichten seiner Heimatinsel aus, obwohl seine Landschaftsproduktion auch Einblicke in Griechenland, andere griechische Inseln sowie italienische und orientalische Städte umfasst. Seine aquarellierten Ansichten sind von einer schwebenden, verschleierten Atmosphäre durchdrungen. Das Gemälde weist leichte Kratzer auf. Im Rahmen.