Architektur Capriccio Öl auf Leinwand Italien XVIII Jhd

Das Gemälde stellt Clelia dar, die den Tiber überquert. Clelia war eine römische Heldin, die zusammen mit anderen Mädchen dem Etruskerkönig Porsenna während der Friedensverhandlungen mit der Stadt als Geisel übergeben wurde; er konnte jedoch entkommen, indem er über den Tiber schwamm. Porsenna bat die Römer, es zurückzugeben, die zustimmten, aber bewundert von ihrem Heldentum, beschloss er, sie zu befreien, indem er ihr erlaubte, andere Gefangene mitzunehmen, die Clelia unter den Jüngsten auswählte. Der Moment der Darstellung ist genau der der Überquerung des Flusses, dessen Personifikation rechts im Vordergrund zu sehen ist, mit einem älteren grauhaarigen Mann, begleitet von einer jungen Frau mit Füllhorn. Die Szene ist sehr dynamisch, mit Clelia und den anderen Mädchen, die zusammen mit dem Pferd, das von der Protagonistin geritten wird, eine große und lebhafte Gruppe bilden, wie einige Versionen der Geschichte erinnern; dahinter die Zelte des Lagers des etruskischen Königs mit einigen Soldaten. Auf der anderen Seite des Flusses steht eine weitere Frauengruppe, die Überquerung ist bereits fertig, während man im Hintergrund die Weite mit der Kapitolinischen Stadt mit klassischem Gesicht sieht. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle belegt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, dessen Wirkungskreis zwischen Bergamo und Venedig jedoch angenommen werden kann. Die einzigen zwei signierten Werke sind eine "bekehrte Magdalena" und eine "Verkündigung", aber andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Diese Gemälde weisen einen warmen und raffinierten Chromatismus auf, der zusammen mit der Eleganz der Charaktere und der kompositorischen Modalität auf einen venezianischen Aufenthalt von Lucini hindeutet, der an die Atmosphäre von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Präsentiert in einem vergoldeten Rahmen aus dem 17. Jahrhundert, restauriert und doubliert.

Das Modell stammt von einem Stich von Marcantonio Raimondi nach einer Zeichnung Raffaels, die speziell für das grafische Werk angefertigt wurde und von einem Gemälde stammt, das in der Stanza della Segnatura (1513-1515) platziert wurde. Dieses Modell wurde von Hans von Aachen in einem Gemälde aus dem Jahr 1588 aufgegriffen und verändert, das heute im Museum der Kartause von Douai aufbewahrt wird, das wiederum in einem Stich des folgenden Jahres von Raphael Sadeler im Kabinett für Zeichnungen und Drucke aufgegriffen wurde der ‚Accademia Carrara Bergamo. Die fragliche Leinwand ist von dieser letzten Version abgeleitet, die dieselben Änderungen aufweist, die in Bezug auf das raffaelische Original vorgenommen wurden. Im Mittelpunkt der Szene, die sich inmitten einer natürlichen Landschaft abspielt, stehen die drei Göttinnen, die um den Titel der Schönsten wetteiferten: Juno mit dem Pfau, ihrem Symboltier, Venus mit Amor und Minerva daneben Helm, Speer und Schild. Paris überreicht von hinten unter den Augen von Richter Merkur der Liebesgöttin den goldenen Apfel, der den Sieger bestimmt. Zwei Putten umschwirren die Protagonisten, während im Vordergrund, immer von hinten, eine männliche Figur zu sehen ist. Auf dem hinteren Rasen findet ein Landinternat statt. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle belegt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, für den man jedoch den Umfang seiner Tätigkeit zwischen Bergamo und Venedig vermuten kann. Die einzigen zwei signierten Werke sind eine "bekehrte Magdalena" und eine "Verkündigung", aber andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Diese Gemälde weisen einen warmen und raffinierten Chromatismus auf, der zusammen mit der Eleganz der Charaktere und der kompositorischen Modalität auf einen venezianischen Aufenthalt von Lucini hindeutet, der an die Atmosphäre von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Präsentiert in einem vergoldeten Rahmen aus dem 17. Jahrhundert, restauriert und doubliert.

Öl auf Leinwand. Emilianische Schule. Die großen Gemälde stammen aus der Mischung eines Werk von Guido Reni (1575-1642), „Jungfrau Maria an der Nähschule“, jetzt verloren , aber für die Werkstatt Kopien und Stiche bekannt, und eine andere Version, unvollendet gelassen. Von Reni selbst und dann von Gianandrea Sirani (1610-1670) abgeschlossen, jetzt in der Eremitage in Petersburg aufbewahrt: der Kunsthistoriker Massimo Pulini hat sich gut über diese zweite Version und die Endbearbeitung von Sirani geschrieben, in Artikel „Gianandrea Sirani Maler von Rezitativen und Vollender des unfertigen Reniani " Die hier vorgestellte Arbeit bezieht sich auf die Version von Sirani in der Komposition, die die gesamte Szene der an der Schule teilnehmenden weiblichen Figuren einnimmt, zu der der kleine Hund unten hinzugefügt wird (jedoch von links nach rechts verschoben), während die Version von Reni im wesentlichen bezieht sich auf die Präsenz auf der rechten Seite des Mädchens von ihrer Mutter begleitet. Darüber hinaus erscheint in dieser Arbeit ein völlig neues Element, das diese Leinwand zu einer zusätzlichen Version macht: das Vorhandensein der Landschaft, die sich im Hintergrund in der Mitte öffnet und zwischen den beiden schweren Vorhängen eingerahmt ist. Die Arbeit wurde restauriert und unterfüttert. Es wird in einem Rahmen aus dem 18. Jahrhundert präsentiert, restauriert und angepasst.

Jesus vor Kaiphas

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde basiert auf dem Werk des niederländischen Meisters Gerrit Van Honthorst, das 1617 entstand und heute in der National Gallery in London aufbewahrt wird. Der gebürtige Niederländer van Honthorst kam kurz nach dem Tod von Caravaggio nach Rom, dessen Stil er assimilierte, was ihm den Spitznamen „Gherardo delle Notti“ einbrachte. In Rom war der Künstler bei der Familie Giustiniani zu Gast, die das Werk für seine Privatsammlung in Auftrag gab, wo es bis 1804 verblieb. Zunächst in die Sammlung Bonaparte nach Paris gebracht, gelangte es nach weiteren Besitzerwechseln schließlich 1922 nach London. Das Gemälde erzählt die dramatische Episode der Begegnung zwischen dem Priester Kaiphas und Jesus während seiner Hingabe. Der gesamte obere Teil ist von Dunkelheit eingenommen: Die Leere, das Nichts, lenkt die Aufmerksamkeit auf die beiden Protagonisten und auf das Drama, das sich entfaltet. Die Szene ist sehr statisch, fast eingefroren in einem präzisen Moment, der anklagenden Handlung des Priesters gegen Christus, was die Intensität des zutiefst schmerzhaften inneren Dramas unterstreicht. In der Szene sitzt Kaiphas links am Tisch, auf dem das Buch des jüdischen Gesetzes liegt, und hebt in anklagendem Ton den Finger; Jesus steht rechts, mit gefesselten Händen, in demütiger Haltung. In der Mitte eine Kerze, die einzige Lichtquelle, die als Bindeglied zwischen dem Gesicht von Kaiphas und dem von Jesus fungiert, die sich in einem Blickspiel entlang einer diagonalen Linie begegnen und deren Ausdruck durch das künstliche Licht gnadenlos unterstrichen wird. grotesker Kontrast und wütend das des Priesters, leidend, aber leuchtend und komponiert das von Christus. Im Hintergrund stehen hinter den beiden Protagonisten die Figuren weiterer Hohepriester. Sie sind nur Schatten in der Dunkelheit, die auf ihr Urteil warten, und ihre Gesichter sind in Dunkelheit gehüllt, was die Spannung erhöht. Im Kontrast von Licht und Schatten, in der Intensität der Blicke ist die Caravaggeske Prägung deutlich zu erkennen. Die hier vorgeschlagene Leinwand, etwa halb so groß wie das Original, aber treu in ihren stilistischen und interpretativen Formen, wurde wahrscheinlich in kleineren Größen von denen in Auftrag gegeben, die das Original im Palazzo Giustiniani geschätzt hatten. Es wurde im 19. Jahrhundert restauriert und neu ausgekleidet. Einige Namen sind auf der Rückseite geschrieben, was auf den Besitz hinweist. Stilrahmen.

Öl auf Leinwand. Die Madonna mit dem Kind im Arm sitzt auf den Wolken, während zwei Engel ihr die Krone aufsetzen, ein Symbol des Königtums; Maria hält in der einen Hand einen Korb, der nach unten hinabsteigt, wo einige Büßer ihre Hilfe anrufen: Es ist wahrscheinlich das Symbol der Fürbitte Marias auf die Bitten der Menschen. Das Werk zeigt Restaurierungs- und Unterfütterungsspuren.

Öl auf Leinwand. Oben rechts steht der Name des Porträtierten und sein Alter, 78 Jahre alt. Die Kutte und die Gebetshaltung des Mannes vor dem Kruzifix, mit dem Meditationsbuch in der Hand, weisen ihn als Prälaten aus. Der Nachname Albertoni ist in Italien weit verbreitet, in verschiedenen Familien, die von der Lombardei aus nach Parma und dann nach Rom reichten. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. XVIII Jahrhundert. Die beiden Landschaften entlang der Meeresküste sind mit zahlreichen festgemachten Booten gefüllt, zwischen denen Sie sowohl Kriegsgaleonen als auch Fischerboote sehen können, und werden von zahlreichen Figuren belebt, die bei ihren maritimen Aktivitäten beschäftigt sind. In einem der beiden sticht rechts die Ruine einer kleinen Burg hervor. Diese Gemälde sind Teil einer großen Landschaftsproduktion des 18. Jahrhunderts, die es liebte, Ruinen und Überreste einer vergangenen Epoche, insbesondere der klassischen, in Landschaften und Einblicke in das gegenwärtige Leben einzufügen; Die Bildgattung des architektonischen Capriccio wollte eine Welt vorschlagen, die zwischen Realität und rastloser Fantasie schwebt, in der die kleinen und skizzenhaften Figuren in einem unwirklichen Szenario leben, weil sie archaisch und veraltet sind und die Armut und Einfachheit der Gegenwart im Kontrast zur Opulenz von stehen the vestiges of the past. Die beiden restaurierten und doublierten Gemälde werden in zeitgenössischen Rahmen aus geschnitztem und vergoldetem Holz präsentiert.

Öl auf Leinwand. XVIII Jahrhundert. Die beiden Gemälde bieten Ansichten, die von imposanten architektonischen Ruinen dominiert werden, die von populären Persönlichkeiten belebt werden; in einem, in der Nähe eines Seehafens, ragt in der Mitte ein Obelisk hervor, der parallel zu den Masten der dahinter liegenden Boote und zur Säule mit der Statue eines Ritters auf der rechten Seite steht; Auf dem anderen Gemälde dominieren die imposanten Überreste einer klassizistischen Palastruine die sanfte Flusslandschaft. Die beiden Gemälde sind Teil einer großen Produktion aus dem 18. Jahrhundert, die vor allem in Venetien verbreitet war und eine Welt vorschlug, die zwischen Realität und rastloser Fantasie schwebte, in der die kleinen und skizzenhaften Figuren in einem unwirklichen Szenario leben, weil sie archaisch, veraltet und unwirklich sind poverty and simplicity of the present contrasts with the opulence of the vestiges of the past. Die restaurierten und doublierten Gemälde werden in zeitgenössischen Rahmen aus geschnitztem und vergoldetem Holz präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. XVIII Jahrhundert. Die Szene, animiert durch zahlreiche Figuren von Wanderern und Bürgern. es wird im linken Halbfeld von der wichtigen architektonischen Struktur eines alten klassischen Palastes dominiert, der in Trümmern liegt, aber immer noch imposant ist; rechts eine weite Landschaft, durchzogen von einem Bach. Das Gemälde ist Teil der großen Produktion dieses Bildthemas, die sich im 18. Jahrhundert vor allem im Veneto verbreitete und eine Welt vorschlug, die zwischen Realität und rastloser Fantasie schwebte, in der die kleinen und skizzenhaften Figuren in einem unwirklichen, weil archaischen Szenario leben , outdated, and the poverty and simplicity of the present contrasts with the opulence of the vestiges of the past. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen aus geschnitztem und vergoldetem Holz präsentiert.