Swatch Irony Victory Ceremony Serie Silber - Schweiz 1996

Anbetung der Hirten

Öl auf Leinwand. Eine Komposition, die von Anhängern und Schülern der Bassano-Schule mehrfach reproduziert wurde, insbesondere ein Werk von Jacopo Bassano (1515–1592). In der Originalszene, die hier mit getreuer Figurenkomposition, aber nicht mit getreuer Farbgebung wiedergegeben wurde, näherte sich Bassano dem Thema einerseits unter Beachtung der Tradition, andererseits mit Neuerungen. Die Szene dient als Kulisse für archäologische Ruinen, ein häufiges Element in der italienischen Ikonographie der Geburt Christi. Hier sehen wir eine Reihe zerbrochener Säulen auf einem hohen Sockel, nach dem Vorbild griechischer Tempel, an die eine Hütte lehnt. Die ungewöhnliche architektonische Struktur symbolisiert die Überwindung des Heidentums und den Aufbau der christlichen Kirche, deren Gründungsakt die Geburt Jesu ist. Die Hirten stehen im Zentrum der Szene, und wäre da nicht die linke Seite des Gemäldes, könnte es wie eine Genreszene mit ländlichem Charakter wirken. Der Hirte kniet von hinten und zeigt seine nackten Füße, eine Erinnerung an seine extreme Demut, und hält ein Lamm, das Opfertier par excellence, ein Hinweis auf die zukünftige Passion Christi. Ganz rechts eine merkwürdige Einfügung: Ein kauernder Junge bläst auf eine brennende Glut, in einem vergeblichen Versuch, die Flamme wieder zu entfachen. In dieser Replik treten die gelben und roten Töne der Gewänder der beiden Hirten in der Mitte und des Jungen rechts hervor, die sogar bei den Figuren der Heiligen Familie in ihrer Lebhaftigkeit vorherrschen und sich von den Ockertönen der Landschaft und der Architektur im Hintergrund abheben. Das Gemälde wurde im 19. Jahrhundert restauriert und neu gefüttert, wobei der Rahmen ersetzt wurde (auf ihm befinden sich zeitgenössische Schriften in englischer Sprache, vermutlich Exportadressen). Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Auf der Rückseite datiert 1759. Das Gemälde ist eine Kopie des zwischen 1583 und 1586 entstandenen Werks von Federico Barocci (1563–1612), das in der Kirche Santa Maria in Vallicella in Rom aufbewahrt wird. Das Werk war ein großer Erfolg und wurde wiederholt von zahlreichen Künstlern aus demselben Kreis oder derselben Werkstatt wie Barocci nachgebildet; zum Beispiel die Kopie des Schülers Viviani, bekannt als der Taube von Urbino (Barocci stammte ebenfalls aus Urbino), die in der Galleria Nazionale delle Marche in Urbino aufbewahrt wird. Die dargestellte Szene ist von großer Intimität und Zärtlichkeit geprägt: Auf der Treppe vor dem Eingang wird die Jungfrau Maria von ihrer betagten Cousine Elisabetta mit einer Umarmung empfangen. Ihre Hände falten sich und ihre Blicke begegnen sich. Direkt dahinter steht Zaccaria, Elisabettas Ehemann, und beobachtet das Bild, während er sich auf der Schwelle befindet und ein wenig hinausbeugt, um besser sehen zu können. Im Vordergrund sind zwei weitere Figuren zu sehen, dues ervitori: Der Mann links ist damit beschäftigt, Marias Sack einzusammeln und sich um den Esel zu kümmern, der die junge Frau trug, während rechts eine Frau lächelnd das Treffen der beiden Cousins ​​beobachtet und dabei eine Taube in einem Korb trägt. Auf der Rückseite der Leinwand befindet sich eine eigenhändige Inschrift in englischer Sprache, die aus der Zeit des Gemäldes stammt: „Giovanni B. Tiepolo, 1759, Die Heimsuchung“. Wahrscheinlich hat der Autor der Replik den Namen des Künstlers mit dem des Originals verwechselt und ihn dem venezianischen Künstler zugeschrieben. Der englische Markt war sehr an dem Originalwerk interessiert und versuchte Mitte des 18. Jahrhunderts, es zu erwerben, was die Verbreitung von Repliken förderte. Das Gemälde, noch auf seiner ursprünglichen Leinwand, wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Küste mit Booten und Figuren

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Cesare Gheduzzi, Sohn eines Künstlers, etablierte sich als Landschaftsmaler. Obwohl er in Turin lebte, verbrachte er lange Zeit an der ligurischen Riviera und schuf weite Ansichten des Meeres, der Küstenlandschaften und der arbeitenden Fischer, die er mit Treue und Eleganz wiedergab. Dabei bevorzugte er kühle Farben, um emotionale Distanz zu erzeugen und die szenografische Wirkung zu begünstigen (geerbt von seinem Vater, der Bühnenbildner am Teatro Regio in Turin war). Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Szene mit Wachen in der Stadt, 1875

Öl auf Leinwand. Links unten signiert und datiert. Der englische Maler George Goodwin Kilburne spezialisierte sich auf Genreszenen aus dem Leben der viktorianischen Oberschicht, darunter Jagdszenen und Wohnzimmerszenen, die sich alle durch Eleganz und die Liebe zum Detail, insbesondere der weiblichen Figuren, auszeichnen. 1875 hielt sich Kilburne einige Monate in Rom auf und bereiste anschließend weitere italienische und europäische Städte. Die hier dargestellte Szene, die tatsächlich aus dem Jahr 1875 stammt, scheint in Rom angesiedelt zu sein: Auf einem Wachposten in der Stadt, wie der Blick durch die offene Tür deutlich macht, ruhen sich einige Soldaten in der Uniform der vatikanischen Garde aus. Das Werk wird in einem Rahmen aus dem späten 19./frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

"L'Avenir de Pierre" 1975

Tusche auf Papier. Rechts unten signiert und datiert, dort befindet sich auch der Titel. (Die steinerne Zukunft). Links unten die eigenhändige Widmung „A mon ami Osvaldo“. Es handelt sich um eine Zeichnung des Künstlers, der zu den bedeutendsten Vertretern des weltweiten Surrealismus zählte, Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Illustrator. Seit Ende der 1960er Jahre lebte Henry dauerhaft in Mailand und gab seine Tätigkeit als humorvoller Illustrator auf, um sich fast ausschließlich der Malerei zu widmen. Dennoch schuf er weiterhin zahlreiche Zeichnungen für Freunde und Bekannte, hauptsächlich mit Tusche auf Papier, satirisch-humorvoller Natur. Diese Zeichnung gehört zu diesem Werk, das den sicheren, linearen und klaren Stil von Maurice Henry und seine satirische, wenn auch pessimistische Vision einer Welt offenbart, die sich in Richtung Verödung entwickelt. Das Werk wird in einem Sichtrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene der bekannten evangelischen Episode der Anbetung der Heiligen Drei Könige spielt in einem ungewöhnlichen Rahmen: Die Heilige Familie befindet sich nicht in einer Hütte oder einem Stall, sondern vor den architektonischen Überresten eines imposanten Marmorgebäudes; auf einem Hügel gelegen, sieht sie im Hintergrund eine flache, vegetationsreiche Landschaft mit Dörfern und zahlreichen Kirchtürmen. Die Figuren der Könige und der Familie sind mit zarten Linien, leuchtenden, aber abgestuften Farben und detaillierten Details dargestellt; außerdem erscheint in der rechten Ecke der Szene eine abgemagerte, arme, undeutliche Gestalt, ein Bettler, der sich, verborgen im Schatten des Palastes, verbeugt, um dem kleinen Jesus zu huldigen, auf Augenhöhe mit den reichen und mächtigen Königen in seiner demütigen Hingabe. Auf der Rückseite der Leinwand finden sich Spuren kleiner Restaurierungen. Unten rechts befindet sich ein leichter Schnitt. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Jesus auf dem Weg nach Golgatha

Öl auf Leinwand. Das Werk ist eine Replik des von Pierre Mignard geschaffenen und Ludwig XIV. geschenkten Werks, das heute im Louvre in Paris aufbewahrt wird. Die dramatische Szene spielt sich unmittelbar vor den Mauern Jerusalems ab; eine Prozession begleitet Jesus auf seinem Weg zum Kalvarienberg, der im Hintergrund rechts mit den bereits aufgestellten Kreuzen der beiden Verbrecher zu erkennen ist. Das Kreuz Christi wird hingegen von Simon von Cyrene getragen, der nach Jesu x-tem Sturz von den Wachen gezwungen und mit einer Peitsche grob zum Aufstehen gezwungen wird. Vor Christus schreiten die beiden gefesselten Verbrecher, begleitet von einigen Dienern; links steht die Gruppe frommer Frauen, die Maria, die von Trauer gebrochen ist, begleiten und ihr beistehen. Im Gegensatz zu dieser Gruppe steht rechts eine weitere Gruppe von Frauen aus dem Volk, die in frommer Anteilnahme zusehen und die Blicke ihrer Kinder von dem schrecklichen Schauspiel abwenden. Die Landschaft im Hintergrund ist karg und öde, unter einem Himmel, der sich mit grauen und dunklen Wolken füllt. Das Werk wurde Mitte des 20. Jahrhunderts restauriert, neu gefüttert und auf einen neuen Rahmen montiert. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Das Letzte Abendmahl 1962

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Auf der Rückseite befindet sich ein handgeschriebenes und signiertes Gebet an Jesus in portugiesischer Sprache des Künstlers. Malangatana war ein mosambikanischer Künstler (Dichter, Maler, Musiker) sowie politischer Aktivist für sein Land. Das Werk gehört zu Malangatanas erster künstlerischer Periode, dessen politisches Engagement noch nicht offensichtlich war, und greift das Thema des letzten Abendmahls auf, mit dem er sich in denselben Jahren bereits bei anderen Gelegenheiten befasst hatte. In diesem religiösen Thema offenbart Malangatana deutlich seine Nähe zur rituellen und Stammeskultur seines Landes, aber auch seine Kenntnisse der Religion sowie der westlichen Kunst, sowohl in der Komposition der Figuren, die ähnliche westliche Themen betrachten, als auch in den Kompositionen der Objekte, insbesondere der zahlreichen und vielfältigen Elemente, die den Tisch mit einem Obstkorb in der Mitte füllen und an unsere Stillleben erinnern. Seine Figuren werden als sich überlappende und ineinander verschlungene Körper dargestellt und von Gesichtern dominiert, in denen lange Augen mit durchdringendem Ausdruck hervorstechen, die dann zu gequälten und leidenden Blicken werden, ein Symbol für das Leiden eines unterdrückten Volkes.

Kampfszene, 1871

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Der Schweizer Maler Charles Humbert schuf vor allem Landschaften mit grasenden Herden, aber auch mehrere Schlachtszenen, die jedoch von einem realistischen Manierismus geprägt waren, durch die sorgfältige Untersuchung der veristischen Details, die in eine noch romantische Gesamtvision eingebettet waren. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Tauben 1976

Bleistift auf Papier. Unten links signiert und datiert. Floriano Bodini, ein bekannter Bildhauer, Graveur und Medailleur, der als eine der Seelen des Existenziellen Realismus gilt, hat sich während seiner gesamten Karriere auch der Grafik gewidmet. Sein Werk zeichnet sich durch wiederkehrende Motive aus – Bischöfe, Kardinäle, Requiems, Päpste, Tauben, Ambos –, die Nachdenken, Beklommenheit, manchmal Angst, aber auch Vertrauen, Zuversicht und Glauben ausdrücken. Insbesondere die Taube stellt für Bodini ein konstantes ikonografisches Element in seiner künstlerischen Forschung dar, ein Thema, das seit Ende der 1960er Jahre in all seinen nicht nur grafischen Werken präsent ist, bis hin zu seinem letzten Beispiel aus dem Jahr 2004, das emblematisch als sein letztes Kupferstichwerk gilt. Das Interesse an diesem Bild wird unter anderem durch seine Sammlung von Objekten bestätigt, die Tauben darstellen oder an deren Form sie erinnern. Als Ergebnis einer Recherche, die reich an Anregungen aus verschiedenen Quellen, sowohl aus dem kulturellen als auch aus dem populären Bereich, war die Wahl dieses Bildes nie trivial, sondern behielt stets seine hohe symbolische und formale Würde. Das hier vorgeschlagene Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Holz. Mitteleuropäische Schule der Mitte des 19. Jahrhunderts. Das Werk geht auf ein Gemälde von Christian Wilhelm Ernst Dietrich (1712–1774) zurück, das heute in der National Gallery in London aufbewahrt wird. Der deutsche Maler schuf es 1745, wobei er sich an der Malweise des flämischen Künstlers Adriaen Van Ostade orientierte, der Szenen des alltäglichen Lebens malte. Dietrichs Gemälde wurde durch den Kupferstich von Jean George Wille bekannt. Die Szene, eingerahmt unter einem Torbogen, der zu einem Haus führt, zeigt im Vordergrund zwei Straßenmusikanten, die Geige und Dudelsack spielen und von mehreren neugierigen Passanten begleitet werden. Das Werk wird in einem Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.