Gemälde von Giovanni Caldana - Figur in Landschaft 1920

Pferd in der Landschaft der 1950er Jahre

Marker auf Reispapier, auf Karton geklebt. Unten signiert. Darunter befindet sich eine Widmung des Künstlers (Liebe Grüße – Aligi). Dem Werk liegt ein Fotozertifikat der Sassu-Stiftung bei, Archivnummer PNV49. Der Protagonist dieser Zeichnung ist erneut das Pferd, das Lieblingstier des Künstlers. Er war fasziniert von der Energie und dynamischen Kraft dieser Tiere, die das Leben selbst und die Freiheit repräsentierten, die Sassu durch die Verdrehung ihrer Figuren zum Ausdruck brachte. Sassus Werke, darunter Gemälde, Skulpturen und Keramiken, zeigen die Kraft der Pferde in Renn- und Schlachtszenen oder inmitten der Natur, oft mit Betonung auf Dynamik und plastischer Energie. Gerahmtes Werk.

Strand mit Figuren und Vieh

Öl auf Leinwand. Das unten rechts mit Sorolla signierte und 1928 datierte Werk erinnert an den Stil von Joaquim Sorolla y Bastida (1863–1923), dem berühmten valencianischen Maler, der das mediterrane Licht in den Alltagsszenen seiner Stadt widerspiegelte und dabei einen einzigartigen Stil entwickelte, der als Luminismus bekannt ist. Seine Werke zeichnen sich durch ihre Freilichtmalerei aus. Sie zeigen einfache Menschen, oft in Fischer- und Seeszenen eingerahmt, und fangen Bräuche und Traditionen sowie die Freiheit ein, mit der sie Licht und Farbe wiedergeben. Insbesondere die Stadtstrände Valencias, belebt von zahlreichen Figuren, darunter Badende und andere, waren ein wiederkehrender Schauplatz in vielen seiner Gemälde. In diesem Werk handelt es sich tatsächlich um einen Strand, an dem Figuren mit etwas Vieh vorbeiziehen, während im Hintergrund gestrandete Boote und Badende zu erkennen sind. Das Werk, das trotz seiner großen Nähe zu Sorollas Manier und Stil malerisch wirkt, wird vom offiziellen Archiv des Künstlers nicht als authentisch anerkannt. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Figur in Rest 1969

Stift auf Papier. Unten rechts signiert. Mit Foto-Authentifizierung aus dem Mario-Tozzi-Archiv. In der umfangreichen Produktion von Maestro Tozzi gibt es viele Zeichnungen, wie diese hier, die mit verschiedenen Techniken (Tinte, Pastell, Bleistift, Rötel) angefertigt wurden und der menschlichen Figur gewidmet sind: In seinem trockenen und stilisierten Stil skizziert Mario Tozzi stilisierte, raffinierte Umrisse Figuren in ihrer stillen und diskreten Geometrie, begünstigt durch die Abwesenheit von Farbe, die die Formen auf dem weißen Papier hervorhebt. Auch in seiner malerischen Produktion sind Mario Tozzis Lieblingssujets klassischerweise Figuren und Stillleben, aber sowohl Figuren als auch der Tod eine Reihe fester geometrischer Elemente, die Kugel, der Zylinder, der Kegel usw. Die Körper sind elementar, essentiell in den Linien und Details, kraftvoll, statuarisch, bestehend aus nur modellierten Körpern, während die Stillleben eine Hommage an die euklidische Geometrie sind, wie etwa die Krüge, Schüsseln und Flaschen, die Musterbeispiele für Volumen und geometrische Strenge sind. Mario Tozzis Kompositionen sind für bestimmte Schnitte vom Kubismus, für bestimmte architektonische Einfügungen von der Metaphysik und für die Einfügung geometrischer Figuren vom Abstraktismus beeinflusst. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Winterlandschaft

Pastelle auf Papier auf Leinwand aufgetragen. Unten links signiert. Die große Landschaft wird vollständig vom Farbspiel dominiert: In zwei vom Himmel und von der Erde vorgegebene Halbfelder (ein bergiges Land, in dem vereinzelt Tannen sprießen) unterteilt, sieht man oben das rosa Blau des Himmels vorherrschen, unter dem grünlichen Blau des Himmels der Schnee auf dem Boden, zwei Farbtöne der gleichen Farbpalette, die sich dann in der Skyline der Berge treffen. Cinotti war ein Landschaftsmaler und Vertreter des italienischen Divisionismus, dessen Malerei durch einen materiellen und pastösen Auftrag mit gespatelten Farbtupfern gekennzeichnet ist. Im zeitgenössischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Die Szene der bekannten evangelischen Episode der Anbetung der Heiligen Drei Könige spielt in einem ungewöhnlichen Rahmen: Die Heilige Familie befindet sich nicht in einer Hütte oder einem Stall, sondern vor den architektonischen Überresten eines imposanten Marmorgebäudes; auf einem Hügel gelegen, sieht sie im Hintergrund eine flache, vegetationsreiche Landschaft mit Dörfern und zahlreichen Kirchtürmen. Die Figuren der Könige und der Familie sind mit zarten Linien, leuchtenden, aber abgestuften Farben und detaillierten Details dargestellt; außerdem erscheint in der rechten Ecke der Szene eine abgemagerte, arme, undeutliche Gestalt, ein Bettler, der sich, verborgen im Schatten des Palastes, verbeugt, um dem kleinen Jesus zu huldigen, auf Augenhöhe mit den reichen und mächtigen Königen in seiner demütigen Hingabe. Auf der Rückseite der Leinwand finden sich Spuren kleiner Restaurierungen. Unten rechts befindet sich ein leichter Schnitt. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Innenraum mit Figuren und Tieren, 1917

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. In der umfangreichen Produktion von Giuseppe Solenghi, die reich an Lyrik ist und mit zarten und raffinierten Tönen und Zügen zum Ausdruck kommt, überwiegen die Stadtlandschaften Mailands oder die Ausblicke auf die Lagune von Venedig, es gibt jedoch auch zahlreiche Ausblicke auf die Landschaft, vor allem die Lombardei, sowie rustikale Innenräume. In diesem Werk porträtiert der Künstler das Innere eines Bauernhauses, in dem Mensch und Tier koexistieren: Die Szene ist von einer heiteren Atmosphäre des Familienalltags durchdrungen, in der das warme Licht der Sonne, das durch die offene Tür fällt, Licht- und Schattenspiele auf den Erdtönen des Innenraums erzeugt. Das Gemälde wird in einem Rahmen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts präsentiert.

Landschaft mit Figuren

Mischtechnik auf Karton. Unten links signiert. Atelierstempel des Künstlers auf der Rückseite. Der Maler apulischer Herkunft Giuseppe Casciaro, Maler und Lehrer am Institut der Schönen Künste in Neapel, wo er ausgebildet wurde, war im Wesentlichen ein Landschaftsmaler und schuf insbesondere Ansichten der Umgebung von Neapel, von Irpinia (Nusco) und von Apulien. Er bevorzugte die Technik der Pastellmalerei, in der er sich auszeichnete. Hier ist ein Blick auf eine mediterrane Landschaft zu werfen, die von einem Pfad mit Reisenden durchzogen wird. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Mischtechnik auf Leinwand. Rechts unten signiert. Nach seiner anfänglichen futuristischen Phase rückte in Sordinis Malerei das Material in den Mittelpunkt und wurde zunehmend verfeinert. Sein Interesse am Zeichen wuchs und wurde deutlicher – ein schlankes und spärliches Zeichen, elementar und doch geschwungen, in einer weichen, zarten, fast ungreifbaren Farbpalette. Sordini „verwendet eine rein grafische Technik, um spärliche, subtile Farbspuren auf der Leinwand zu erzeugen, die von einem einzigen Farbton dominiert werden und Erinnerungen an fadenförmige Menschenbilder wecken.“

Reliefmalerei '58-'68

Mischtechnik auf Leinwand, mit Materialanwendungen. Unten rechts signiert. Von 1958 bis 1968 widmete sich ORAZI, der bereits von der figurativen zur abstrakten Phase übergegangen war, der Schaffung von Reliefkompositionen: Er sammelte und verwendete Materialien und Fasern verschiedener Art, vor allem natürliche Materialien und Fasern wie winzige Sandkörner, Samen, Pflanzenfäden und Rindenfragmente, mit denen er Reliefformen schuf, die aus der Oberfläche der Leinwand hervortraten. Grundlage dieser künstlerischen Erfahrung, die Peinture en Relief genannt wird, ist die Erforschung der Natur, ihrer Bestandteile und Phänomene (Blumen, Pflanzen, Sand, Felsen, Vulkanlava, Küsten und Meeresböden, Eruptionen, Stürme, versteinerte Meteoriten). Die Werke dieser Zeit waren zunächst durch ein noch eher flaches Relief gekennzeichnet; Doch mit der Zeit wurde das Relief immer ausgeprägter und ging oft so weit, dass es über den Umfang des Trägers hinausragte, bis zu dem Punkt, dass die Figuren eher wie Statuen als wie Gemälde wirkten. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert. Aus der Familiensammlung des Künstlers.

Jehovah Ordonnant de sa Main Puissante une Famille Cosmique, 1970

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. In ORAZIs abstrakter Bildphase kommt häufig seine starke Neigung zum Erschaffen kreisförmiger, oft verknoteter oder konzentrischer Formen zum Ausdruck. Diese Tendenz wird in der Bildphase der Jahre 1970-1977, genannt Ligne Circulaire, zentral, in der er die Reliefschöpfungen und den Bezug auf die Formen und eindrucksvollen Ereignisse der Natur aufgibt, um stattdessen die harmonische Dimension des Universums, die Geburt und Bewegung der Planeten und die Unermesslichkeit des Firmaments darzustellen. Die Farben werden weicher, sie sind kräftig und zugleich zart. In einigen Gemälden macht ORAZI auch faszinierende Darstellungen von Mutter Erde, die ihre Geschöpfe (Insekten, Vögel, Blumen) umarmt, oder vom Mond. Oder wie in diesem Werk, wo bereits im Titel ein direkter Bezug zur göttlichen Schöpfung zum Ausdruck kommt, nämlich die Darstellung „Gottes, der mit seiner mächtigen Hand die kosmische Familie ordnet“. Das Werk stammt aus der Familiensammlung des Künstlers. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Tête-Paysage 1970 ca.

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Das Gemälde gehört zur Produktion von ORAZI von 1970 bis 1977. In dieser Phase gibt der Künstler die völlig abstrakte und reliefartige Malerei auf und kehrt zur figurativen Malerei zurück, die er jedoch mit vereinfachten und verzerrten Linien wiedergibt. Er schuf insbesondere die Reihe „Lignes Circulaires“ und die Reihe, zu der dieses Werk gehört, die Gemälde mit dem Titel „Têtes-Paysage“, in denen er Kompositionen schafft, die mysteriöse menschliche Köpfe oder die von Faunen und mythologischen Figuren (manchmal in Begleitung ihrer Insektengefährten) darstellen: Die Linien in diesen Gemälden verflechten sich, um gleichzeitig Kompositionen zu bilden, Verflechtungen von Körpern, oder, wie in diesem Werk, einen Kopf oder ein Gesicht zu verbergen, oft „faunal“. Das Werk stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Blumenvase

Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Beiliegend ein Fotozertifikat der Mailänder Pinakothek. Anna Gumlich-Kempf hat sich als Malerin von Blumen- und Früchtestillleben einen Namen gemacht. In dieser Komposition sticht die Farbexplosion der Blumen vor dem monochromen Hintergrund hervor. Ihre vagen, unscharfen Umrisse, aber auch ihre vielfältigen, abwechslungsreichen Formen verleihen der Komposition eine lebendige, dynamische Ausstrahlung. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Goldrahmen präsentiert.