Gemälde von Eleuterio Pagliano - Figuren im Garten, ca. 1860/1870

Öl auf Leinwand. Es handelt sich um eine Kopie des gleichnamigen Gemäldes von Giulio Cesare Ferrari (1818–1899), das 1863 entstand und wenige Jahre später von der Pinacoteca dell’Accademia in Bologna erworben wurde. Das Gemälde zeigt eine Szene aus Victor Hugos Roman „Notre-Dame de Paris“: Esmeralda, eine junge Zigeunerin, die mit ihrer Schönheit und ihrem Tanz bezaubert, wird vom Archidiakon Frollo wegen seiner Besessenheit verfolgt und im Turm der Pariser Kathedrale eingesperrt, wo ihr jedoch der bucklige Glöckner Quasimodo hilft. Die junge Frau kauert in der engen, dunklen Zelle zusammen, begleitet von ihrer unzertrennlichen Ziege. Das Werk gehört zur Strömung der historisch-literarischen Malerei, die sich im 19. Jahrhundert parallel zu Romantik und Realismus entwickelte und sich durch die Darstellung von Szenen aus Geschichte und Literatur, oft mit feierlicher und gedenkender Absicht, auszeichnet. Die hier angebotene Kopie ist von guter Verarbeitung und lässt sich auf eine Zeit kurz nach dem Original datieren. Sie wird in einem Rahmen im Stil der Mitte des 20. Jahrhunderts präsentiert, der zeitgleich mit der Restaurierung und Neufütterung des Werks entstand.

Blick auf Korfu mit kleiner Kirche und Mönch

Aquarell auf Papier. Unten links signiert. Der auf Korfu geborene Angelos Giallinas zeichnete sich durch zahlreiche Ansichten seiner Heimatinsel aus, obwohl seine Landschaftsproduktion auch Einblicke in Griechenland, andere griechische Inseln sowie italienische und orientalische Städte umfasst. Seine aquarellierten Ansichten sind von einer schwebenden, verschleierten Atmosphäre durchdrungen. Das Gemälde weist leichte Kratzer auf. Im Rahmen.

Blick auf Korfu mit Mönch

Aquarell auf Papier. Unten links signiert. Der auf Korfu geborene Angelos Giallinas zeichnete sich durch zahlreiche Ansichten seiner Heimatinsel aus, obwohl seine Landschaftsproduktion auch Einblicke in Griechenland, andere griechische Inseln sowie italienische und orientalische Städte umfasst. Seine aquarellierten Ansichten sind von einer schwebenden, verschleierten Atmosphäre durchdrungen. Das Gemälde weist leichte Kratzer auf. Im Rahmen.

Frauenporträt

Öl auf Leinwand. Rechts in der Mitte der Leinwand signiert. Es handelt sich um das Porträt einer trauernden Frau, einer jungen Witwe, wie nicht nur aus dem schwarzen Kleid, sondern auch aus dem Kopfschmuck und vor allem aus der Kamee mit männlichem Porträt hervorgeht, die sie um den Hals hängt. Achille Zo war ein französischer Künstler (aus Bayonne, einer Stadt in den Pyrenäen, die unter dem kulturellen Einfluss des Baskenlandes stand), der, obwohl er sich wiederholt in Paris und Bordeaux aufhielt, wo er sich künstlerisch ausbildete, anschließend mehrere Reisen nach Spanien unternahm Er reiste nach Madrid (1856) und nach Andalusien (1860) und produzierte mehrere Jahre lang Werke zu historischen Themen oder spanischen Genreszenen. Ende der 1960er Jahre wandte er sich stattdessen dem Orientalismus zu. Es gibt auch mehrere Porträts in seiner Produktion. Das hier vorgeschlagene Gemälde auf der ersten Leinwand wird in einem wunderschönen zeitgenössischen Rahmen aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf Leinwand, auf die Tafel aufgetragen. Französische Schule. Unten links signiert F. Barthélemy und datiert 1876. Die Szene hat einen orientalischen Stil und eine orientalische Kulisse und deutet auf die häusliche und intellektuelle Erziehung eines jungen Mädchens hin (der Verweis, wenn auch weltlich, auf die Erziehung der Jungfrau ist wichtig!): ein Mädchen, das in der Mitte der Szene steht, während sie beschäftigt sich intensiv mit einem Stickprojekt, er hört den Lehren seiner Mutter zu, die beschriftete Blätter in den Händen hält; Die ältere Frau ist in ein orientalisches Kleid gekleidet und liegt auf einem Triklinium, während hinter ihr ein Diener den Vorhang zurückzieht und den Hintergrund eines imposanten klassischen Tempels freigibt. Die Szene ist geprägt von sorgfältig gestalteten und detailreichen Details des Setting, etwa im Blumenstrauß auf dem Sticktisch, im Stoff, der das Triklinium bedeckt, auf dem die Mutter liegt; Die intime und häusliche Atmosphäre wird durch die erdigen Farben der Palastwände unterstrichen, auf denen die leuchtenden Farben der Figuren hervorstechen, die durch das von außen einfallende Licht gut beleuchtet werden. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Mischtechnik (Bleistift, Feder, braune Tinte und weiße Kreide) auf Papier. Italienische Schule des frühen 19. Jahrhunderts. Die Szene stellt die Begegnung zwischen einem Hohepriester und einem Anführer dar: Wenn ihm sein gesamtes Heer mit grimmigen und bewaffneten Soldaten unterschiedlichen Ranges folgt, folgt dem Priester das ganze Volk, das den Sieger lobt, während ihm zwei junge Frauen folgen Auf den Knien bieten sie Blumenkränze an. Dahinter die mächtigen Mauern mit der Eingangstür zu einer Stadt, auf die der Priester zeigt, fast so, als würde er sie dem Anführer übergeben. Die Kleidung des Priesters, insbesondere das Vorhandensein des sogenannten „Entscheidungs“-Brustpanzers, den er trägt, weist auf einen israelitischen Priester hin, und daher könnte es sich bei der Stadt um Jerusalem handeln; Stattdessen verweist die Kleidung des siegreichen Anführers mit dem von zwei Pferden bekrönten Helm auf Alexander den Großen, der die Stadt 332 v. Chr. tatsächlich eroberte. Die Zeichnung wird in einem geschnitzten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ludovico il Moros Abschied von seiner Frau.

Mischtechnik (Bleistift, Feder, braune Tinte und weiße Kreide) auf Papier. Italienische Schule des frühen 19. Jahrhunderts. Ludovico Maria Sforza weint am Grab seiner jungen Frau Beatrice d'Este (1475 -1497); um ihn herum die Brüder von Santa Maria delle Grazie und zu seiner Linken Bramante und Leonardo. Auf der kurzen Seite des Marmorbaldachins des Grabes befindet sich das Sforza-Wappen mit zwei Schlangen und zwei Adlern. Il Moro war zutiefst erschüttert über den frühen Tod seiner sehr jungen Frau Beatrice, seiner Begleiterin in seinem privaten, aber auch politischen Leben, sowie seines Mannes, einem Förderer der künstlerischen Genies ihres Hofes, wie Leonardo da Vinci, bei der Geburt. und Bramante, Autoren zahlreicher Bild- und Architekturwerke des Visconti-Sforza-Hofes. Es sind verschiedene Versionen dieser Episode bekannt, insbesondere aus dem 19. Jahrhundert, von der von Giovanni Battista Cigola aus dem Jahr 1815 in der Pinacoteca Ambrosiana bis zu der von Alessandro Reati aus der Zeit um 1850. Das Gemälde wird in einem geschnitzten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Belagerungsszene

Öl auf Leinwand. Außerhalb der Befestigungsanlagen einer Stadt ist ein Anführer, umgeben von seinen Soldaten, im Begriff, den Zünder der Kanone zu entzünden. Die Armee verteidigt die Zitadelle außerhalb der Mauern und die Soldaten scannen den Horizont nach unten: Das führt uns die Szene auf den Befestigungen der Stadt zu platzieren, insbesondere solche von Genua , dass Aufstieg auf den Bergen hinter und von denen die Genuesen die Stadt verteidigt vor Angriffen aus dem Meer; Die Lage in Genua wird durch das Banner, das über die Mauern weht, das Croce di San Giorgio (rotes Kreuz auf weißem Hintergrund) der Republik Genua, bestätigt. Die Form von Rüstung, Waffen und Kleidung würde auf die Belagerung von Genua im Jahr 1522 verweisen. Es handelt sich also um die Darstellung einer historischen Episode aus dem 19. der neue historische Roman von der Literatur vorgeschlagen. Auf der Rückseite des Rahmens steht der Name G. Boni, zusammen mit einer Zahl, die auf die Teilnahme an einer offiziellen Ausstellung hinweist. Giovanni Boni war ein Schüler der Brera-Akademie, insbesondere ein Anhänger von Giuseppe Sogni, einem Künstler, der zu den ersten bevorzugten historischen Gemälden in ihren innovativen romantischen Deklinationen gehörte. Über Boni ist nicht viel bekannt, weder aus biografischer Sicht noch aus seiner Produktion. Von seiner sicheren Zuschreibung kennen wir nur den Akt des Menschen (gemalte Akademie), mit dem er 1852 den ersten Preis für die Scuola del Nudo in Brera gewann. die Charaktere im Vordergrund sind in ihren Posen, Gesichtsausdrücken, in den Details der Kleidung und Waffen sehr gut charakterisiert, während die anderen Figuren in den Hintergrund treten und die Anwesenheit einer großen Armee andeuten. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigt kleine diffuse Farbtropfen. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Innenraum einer Stall

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert. Das Werk wurde bereits am 12.10.2007 bei Sotheby's in Mailand erworben. Es wurde 1991 in der Ausstellung „Giovanni Sottocornola. Bilder aus einer Sammlung“ in der Galerie Silbernagl in Mailand ausgestellt. Nach einer anfänglichen malerischen Phase, die Porträts und Stillleben gewidmet war, näherte sich Giovanni Sottocornola in den 1880er Jahren sozialen Themen, die zu den Lieblingsthemen junger lombardischer Maler wurden, die sich um die ärmsten Aspekte der Gesellschaft kümmerten, verbunden mit der Übernahme origineller künstlerischer Techniken. Sottocornola übernahm die Praxis der pointillistischen Malerei, über die er 1895 schrieb: „Im Moment bin ich sicher, dass es kein anderes Gemälde gibt, das bestimmte Empfindungen besser vermitteln kann als dieses.“ Diese Art der Malerei konzentrierte sich jedoch weiterhin ganz auf das Licht, auf seine unsicheren Tonschwingungen, wie es im Inneren eines Stalls der Fall ist, der gegen Ende der 1980er Jahre geschaffen wurde und in dem das Spiel von Licht und Schatten spielt und die visuellen Effekte erzeugt Pinselstriche der Farbe spielten auf einigen Farbbereichen, denen von Brauntönen, ausgedrückt in einer breiten Palette von Schattierungen. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Ländliche Landschaft mit einem kleinen Bach, den Boote durchqueren, flankiert von kleinen Ansammlungen ländlicher Häuser. Im Vordergrund spazieren eine Frau und ihr Kind den Weg entlang. Das Werk weist Spuren früherer Restaurierungen und Neufütterungen auf. Schmutzflecken. Es wird in einem zeitgenössischen antiken Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die alttestamentarische Episode von Lot und seinen Töchtern wurde in Gemälden häufig dargestellt, wenn auch an verschiedenen Stellen der Geschichte. In diesem Fall sind der Mann und die beiden Mädchen auf der Flucht aus Sodom dargestellt, einer Stadt, die von Gott zerstört wurde, um die Verderbtheit ihrer Bewohner zu bestrafen; wegen seiner Rechtschaffenheit wird Lot von einem Engel gewarnt, mit seiner Familie zu fliehen. Die drei Figuren sind im Vordergrund als Halbfiguren dargestellt, wobei der Vater nach vorne blickt und seine Töchter drängt, dasselbe zu tun, damit sie nicht die göttliche Strafe erleiden, die bereits seine Frau ereilt hatte, die in eine Salzsäule verwandelt wurde, weil sie Gottes Gebot, nicht zurückzublicken, missachtet hatte. Die Leinwand, die zuvor unterfüttert war, weist derzeit mehrere Farbverluste auf, die restauriert werden müssen. Sie wird in einem Holzrahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.