ALTE MALEREI - Seite 4

Öl auf dem Tisch. Nordeuropäische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Szene zeigt eine Episode im Leben von Scipio, erzählt von Tito Livio und Valerio Massimo. Publius Cornelius Scipio, später bekannt als Scipio der Afrikaner, im Jahr 209 v. Während des spanischen Feldzugs erhielt er nach der Einnahme von Cartagena als persönliches Geschenk eine schöne Jungfrau, die sich in der Gruppe der Geiseln befand. Aber er hörte auf die Bitten seiner Familie und respektierte sie, indem er sie zu ihren Eltern und ihrem Verlobten zurückschickte, mit der einzigen Empfehlung, dass ihre Verlobte sich für den Frieden zwischen Rom und Karthago einsetzen sollte. In der Darstellung ist Scipio in der Mitte auf seinem Thron sitzend und wendet sich nach links zu den flehenden Eltern des Mädchens, während er ihnen mit einer barmherzigen Geste bedeutet, seine rechts stehende Tochter zurückzunehmen, flankiert von ihrem Freund. Ringsum Soldaten und Gefolgsleute des Königs. Die Szene ist voller Figuren, hell und farbenfroh und unterstreicht die Positivität des Königs, einer zentralen und mächtigen Figur, die jedoch zu Sanftmut und Milde fähig ist. Das restaurierte Gemälde wurde rückseitig mit Holzleisten verstärkt. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des späten 17. bis frühen 18. Jahrhunderts. Die reichhaltige Komposition bietet einen großen Strauß bunter Blumen in einer geprägten Vase neben einer Schale voller Steinpilze und einer Weintraube: Mit unterschiedlichen Farbintensitäten treten die verschiedenen naturalistischen Elemente aus dem völlig dunklen Hintergrund hervor und erzeugen Lichteffekte und Schatten. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Flämische Schule aus dem 18. Jahrhundert. Lebendige und ereignisreiche Szene, die ein Volksfest in der Stadt darstellt: Eine Gruppe von Männern und Frauen vor dem Stadtgasthaus, erkennbar am Schild, tanzt, begleitet von den Musikern auf der linken Seite, während die Menschen um sie herum beobachten, trinken und plaudern . Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert.

Öl auf Leinwand. In der schönen Komposition sieht man, auf einer mit Intarsien versehenen Anrichte aus Holz, einen Korb voller Kirschen, von denen einige auf der Oberseite verstreut sind, und einen Teller voller roter Johannisbeeren, gemischt mit Blättern und ein paar Kirschblüten. Auf dem Griff des Korbes ruht ein Stieglitz; Um die Komposition einzurahmen, rechts ein großer Strauß bunter Blumen in einer Vase, links ein roter Vorhang. Die leuchtenden Farben der Früchte, der Blumen und des Vorhangs stechen hervor, während sich der Hilfsschrank in den dunklen Hintergrund einfügt, ebenso wie der kleine Vogel, der sich vom dunklen Hintergrund nur durch das weiße Gefieder an den Flügeln und die rote Umrandung des Flügels unterscheidet Augen. Das Werk ist Teil der großen emilianischen Produktion dieses äußerst dekorativen Motivtyps aus dem 17. Jahrhundert. Das restaurierte und doublierte Gemälde weist einen deutlichen Riss und Farbtropfen an den Rändern auf.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des späten 17. bis frühen 18. Jahrhunderts. Die reichhaltige Komposition bietet einen großen Strauß bunter Blumen in einer geprägten Vase neben zwei großen Kürbissen und gemischten Früchten (Trauben und Pfirsiche): Mit unterschiedlichen Farbintensitäten treten die verschiedenen naturalistischen Elemente aus dem völlig dunklen Hintergrund hervor und erzeugen Lichteffekte und Schatten. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Die Geschichte von Apollo und Marsyas

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Leinwand stammt von einem Stich aus dem Jahr 1562 des Venezianers Giulio Sanuto, der das gleichnamige Werk von Bronzino (1503-1572), das derzeit in der Eremitage aufbewahrt wird, originalgetreu reproduzierte; Im Vergleich zum Original fügte der Stich die Gruppe der Musen hinzu und modifizierte den Landschaftshintergrund, indem er Ansichten der Dörfer einführte. Das Werk ist in vier Szenen unterteilt, die von rechts nach links gelesen werden müssen. Die erste Szene zeigt den musikalischen Wettstreit zwischen Apollo und dem Silen Marsyas, der so gut Flöte spielte, dass er als dem gleichen Gott überlegen galt; die beiden Konkurrenten treten auf, der Gott mit der Leier und der Silen mit der Flöte sogar auf dem Kopf (um die Schwierigkeit des Unterfangens zu erhöhen), vor König Midas und der Göttin Minerva, erkennbar an ihren Attributen, dem Helm, dem Speer und der Schild. In der zweiten Szene will Apollo Marsyas häuten, um ihn dafür zu bestrafen, dass er den Musikwettbewerb gewonnen hat; neben ihm auf den Boden lehnen, Mantel und Leier. In der dritten Szene ist es König Midas, der vom Gott dafür bestraft wird, dass er Marsyas ihm vorgezogen hat: Apollo legt Midas die Eselsohren an, während Minerva zusieht. Schließlich ist die vierte Szene im Vordergrund links durch eine besondere Figur gekennzeichnet, die in dem treuen Diener und Barbier des Königs identifiziert wird: da Midas ihm befohlen hatte, das Geheimnis auf seinen Eselsohren zu bewahren, konnte er nicht loslassen andernfalls grub er ein Loch in die Erde und brüllte dort sein Geheimnis hinein; dort aber soll der Legende nach ein Schilfstrauch gewachsen sein, der mit dem Wind flüsterte „König Midas hat Eselsohren“ und damit das gefürchtete Geheimnis preisgab. Das Gemälde wurde zuvor restauriert und unterfüttert, benötigt jedoch derzeit keine weitere Farbwiederherstellung. Rückseitig mit Bleistift eine alte Zuschreibung an die Ferrara-Schule ("Ercole da Ferrara"). Es wird in einem Rahmen im Stil des späten 19. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. In einer großen, eher kahlen Hügellandschaft, die sich nach rechts verbreitert und verblasst, befindet sich ein hoher Felsen in Form eines Bogens, unter dem der heilige Hieronymus, der Büßer, im Akt des Gebets und der Anbetung des Kreuzes dargestellt ist. In Übereinstimmung mit den Kanons der Malerei des 17.-18. Jahrhunderts wird die Figur des Heiligen, in Kleidung und Haltung der Ikonographie angepasst, jedoch in eine widersprüchliche Landschaft eingefügt, die der des Malers nahe kommt, der sich auf die bekannte Landschaftsrealität stützte ihn. . Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. In einer Landschaft nordischen Typs mit Bergketten im Hintergrund und grünen Hügeln steht im Vordergrund eine kleine Kuhherde, bewacht von einer Hirtin, die ruhend am Straßenrand sitzt und auf die Burg an ihrer Seite zeigt , das wahrscheinliche Ziel ihrer Reise. Das unterfütterte Gemälde weist kleine, aber großflächige Farbtropfen und Kratzer auf. Es wird in einer Umgebung des frühen 20. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf Leinwand. Römische Schule des 17. Jahrhunderts. Die blutige Episode des Opfers der Iphigenie, die auch in der Ilias erzählt wird, geht auf den Zorn der Artemis, der Göttin der Jagd, zurück, die, von Agamemnon wegen seiner Prahlerei als Jäger beleidigt, die griechische Flotte daran hinderte, nach Troja zu segeln; Der Wahrsager Calchas prophezeit dann, dass der Zorn der Göttin nur durch die Opferung der jüngsten Tochter von König Agamemnon selbst, Iphigenie, besänftigt werden kann, und so geschieht es. Im Zentrum der Szene ist das Mädchen dargestellt, das am Fuße des Opferaltars liegt, während es von den Priestern gemäß den Ritualen vorbereitet wird; In der linken Ecke können wir seinen Vater Agamemnon (mit der Krone zu seinen Füßen zurückgelassen) und seine Mutter Klytämnestra sehen, die es in ihrer Verzweiflung nicht wagt, hinzusehen. Oben beobachtet die Göttin Artemis die Szene, erkennbar am Mond auf ihrem Haar, am Bogen in ihrer Hand und an einem Hirsch, ihrem Symboltier, am Fuße des Baldachins: einer weniger gewalttätigen Version des Mythos zufolge, bei Im Moment der Opferung Iphigenias wird sie durch Artemis mit einer Hirschkuh ersetzt, wie die Anwesenheit des Tieres in dieser Darstellung andeuten könnte. Das hier vorgestellte Werk geht auf das zwischen 1640 und 1642 veröffentlichte Gemälde von Pietro Testa (heute in der Galleria Spada in Rom) und seine Stiche zurück: Die gesamte Komposition der Figuren ist davon übernommen, allerdings in der Kleidung und den Farben verändert in verschiedenen Einzelheiten. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert, der aus der Zeit der Restaurierung stammt.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde befasst sich mit dem ähnlichen Werk von Paolo Veronese (1528–1588), das um 1560–70 entstand und heute im Prado-Museum aufbewahrt wird und von dem unser Gemälde die Komposition der Figuren übernimmt und dabei den gesamten Hintergrund und die Kleidung verändert der Persönlichkeiten. Veroneses Werk war so erfolgreich, dass es in seiner eigenen Werkstatt mit zahlreichen Variationen repliziert wurde: Unser Werk geht wahrscheinlich auf eine dieser Kopien zurück, die in einer späteren Zeit repliziert wurden. Die dargestellte Episode wird im biblischen Buch Exodus erzählt und erzählt von der Entdeckung des kleinen Moses, den seine Mutter in einem Korb am Ufer des Nils zurückgelassen hatte, um ihn vor dem Massaker an den Kindern Israels durch den Pharao zu retten; Die Tochter des Pharaos, die mit ihrem Gefolge zum Fluss ging, findet ihn, rettet ihn und adoptiert ihn. Die Figuren der Szene sind in Kleidung aus dem 18. Jahrhundert dargestellt, insbesondere das Kleid der Prinzessin zeichnet sich durch seinen Reichtum und Prunk aus; Das einzige exotische Element ist die Anwesenheit eines schwarzen Dieners in der Fortsetzung, während der Hintergrund ebenfalls auf eine nordeuropäische Landschaft mit dichter Waldvegetation verweist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem 11. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große, in einer hügeligen Landschaft angesiedelte Szene mit einem Dorf und Ruinen im Hintergrund links wird vollständig von der kompakten Gruppe zahlreicher lebender Figuren eingenommen: In der Mitte sitzt die Familie des Hirten und beobachtet seinen Begleiter, der das kleine Kind hält in ihren Armen in Windeln; Rundherum die Tiere, vom treuen Schäferhund bis zu den Tieren der Herde, Schafen, Ziegen und Kühen, auch in Ruhe. Hervorzuheben ist der große Naturalismus der Tierfiguren, der als Bildmodalität auf die Werke der Schule von Philipp Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli (1657-1706), verweist, dem deutschen Maler, der als einer der besten Tiermaler der Welt galt Italien im 17. Jahrhundert, gekennzeichnet durch die besondere Fähigkeit, an das Fell und das Aussehen von Tieren zu erinnern. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des 17. Jahrhunderts. Erste Leinwand und auf Originalrahmen montiert. Die in einem Gefängnis angesiedelte Szene zeigt den heiligen Bischof Ambrosius, der die Person zu seiner Rechten in den Himmel lenkt, einen Soldaten mit dem Kreuz um den Hals, identifizierbar als den heiligen Viktor, einen römischen Soldaten, der ursprünglich aus Mauretanien stammte und in Mailand diente Zur Zeit Maximians und der für seinen christlichen Glauben den Märtyrertod erlitt. Es war der Mailänder Bischof, der in einer seiner Schriften vom Leben und Martyrium des Heiligen berichtete und seinen Kult verbreitete. Links ein weiterer wahrscheinlicher Märtyrer des Glaubens, der der Seligpreisung seines Zellengenossen beiwohnt; um ihn herum zahlreiche andere Figuren verurteilter Männer. Das achteckige Gemälde gehört wahrscheinlich zu einer Serie, die dem Kult des Heiligen Bischofs von Mailand gewidmet ist. Die Leinwand muss restauriert und gereinigt werden und weist mehrere Flecken und Schnitte auf (ein Riss in der Mitte, weitere kleinere an den Seiten).

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Die Szene sieht in der Mitte die Figur des auferstandenen Christus, der, auf den Wolken sitzend, mit einer Hand das Kreuz hält und mit der anderen nach unten zeigt, wo sein Blick ebenfalls auf die Empfänger der Erlösung gerichtet ist; Er ist von Engeln umgeben und wird von einem intensiven Lichtstrahl beleuchtet, der diagonal von oben links projiziert, die Wolken durchbricht und die Gegenwart Gottes, des Vaters, symbolisiert. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Maria und das auf ihren Knien stehende Jesuskind sind bereits in der Herrlichkeit des Himmels dargestellt, daneben kleine Engel. Besonders sind die Halsketten und Armbänder aus Korallen, die das Kind trägt: In der christlichen Symbolik stellt die Farbe dieses Materials das Blut dar, das Jesus vergießen muss; Darüber hinaus galten Korallen seit der Antike auch als Talisman zum Schutz vor dem bösen Blick und den Mächten des Bösen, und kleine Kinder wurden damit geschmückt, um sie vor dem Bösen zu schützen. Das Gemälde ist auf erster Leinwand und wird in einem antiken zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Eichenholzplatte. Flämische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Die heilige Darstellung zeigt den Moment der Geburt Jesu in einer Höhle, bewacht und angebetet von Maria und Josef zusammen mit vier Engeln; Die Figuren sind durch leuchtende Farben gut charakterisiert und unterstrichen, während dahinter der Esel und der Ochse mit der chromatischen Einheitlichkeit der Höhle und der Erde verschmelzen. Rechts ist im Hintergrund und in sanften Farben, die in die Hintergrundlandschaft übergehen, die Szene der Ankündigung an die Hirten dargestellt. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde geht auf die Malweise von Francesco Foschi (1710–1780) zurück, einem auf Landschaften spezialisierten Autor, der die Vorliebe für Winterlandschaften weit verbreitete. Darin erhaschen Sie einen Blick auf eine Berglandschaft mit einem Dorf, das in einem Tal unter felsigen und schneebedeckten Gipfeln liegt. Sogar die Häuser und Wiesen sind mit Schnee bestreut, der auf dem Weg, dem zahlreiche Figuren folgen, fehlt; Die rosige Atmosphäre des Himmels erinnert an den Beginn eines neuen Tages, an dem bereits geschäftiges Treiben herrscht. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert. Es wird in einer Umgebung aus der Mitte des 20. Jahrhunderts präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Szene zeigt Maria, die bereits in den Himmel aufgenommen wurde und von kleinen Engeln auf den Wolken getragen wird, wie sie die Krone von der Heiligen Dreifaltigkeit empfängt. Diese Krönung bringt die Apotheose Mariens zum Ausdruck, die, indem sie „Königin des Himmels“ wird, zur Mittlerin zwischen der Erde, der Menschheit, und dem Himmel, der Göttlichkeit, wird: Was dem Menschen nicht zu sehen gegeben ist, wird durch Maria möglich, die in dieser Verherrlichung mehr ist als immer der zähe Faden, der uns mit dem Allmächtigen verbindet, dem wahren „Tor des Himmels“, wie es von den Kirchenvätern definiert wird. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18 Jahrhunderts. Das Porträt schlägt die Figur einer jungen Frau vor, die ein Alltagskleid trägt, aber mit gefleckten Pelzkanten verziert ist; merkwürdigerweise stellt sie mit dem erhobenen Arm einen Pelzmuff zur Schau, den sie über eine Hand gesteckt hat, wahrscheinlich eine Gewohnheit, um eine Mode der Zeit zu unterstreichen. Das Gemälde weist Restaurierungsspuren auf, wobei die Originalleinwand erhalten blieb, jedoch auf einen neuen Rahmen montiert wurde. Es ist in einem ovalen Rahmen aus der gleichen Zeit präsentiert, der jedoch von einem später hinzugefügten Holzfries überragt wird.

Ölgemälde auf Leinwand. Die biblische Szene zeigt die Heilige Familie mit Maria auf dem Esel sitzend, dem neugeborenen Jesus in ihren Armen und Josef, der das Tier zieht, während sie aus Nazareth fliehen und sich auf den Weg nach Ägypten machen, um der Verfolgung durch Herodes zu entgehen. Über ihnen schweben einige kleine Engel. Die Blicke der Engel Josef und Maria richten sich zärtlich auf das Kind. Im Hintergrund eine nordische Landschaft. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Der ikonografischen Überlieferung zufolge wird der Schutzengel auch auf diesem Gemälde als geflügelter junger Mann dargestellt, der ein Kind auf einem Straßenabschnitt begleitet und dabei den Himmel als Ziel der Reise anzeigt. Die geflügelte Figur sticht hervor und dominiert die Szene, lebendig in ihren Farben, kraftvoll in der körperlichen Kraft, die sie ausstrahlt, wenn auch süß in ihrer zart beschützenden Haltung gegenüber dem Kind, dessen kleine Figur von den Gliedmaßen seines Beschützers umhüllt ist. Die Szene ist von einer Girlande aus hellen und farbenfrohen Blumen umgeben, die den Figuren Farbe verleihen, die ansonsten in einer dunklen und fast monochromen Landschaft platziert sind. Die Darstellung von hauptsächlich religiösen Figuren in floralen Rahmen erlebte vor allem in Rom eine große Entwicklung, verbunden mit Namen wie Giovanni Stanchi (1608–1675) und nicht mit Mario Nuzzi, bekannt als Mario de' Fiori (1603–1673), und anderen . Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Leistenrahmen präsentiert.