ALTE MALEREI - Seite 3

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Veronika, eine Figur, die während der Passion Christi erscheint, war die fromme Frau, die Jesus beim Aufstieg zum Kalvarienberg mit dem Kreuz auf den Schultern folgte und sein Gesicht mit einem Tuch reinigte: Der Überlieferung nach blieb das Gesicht Jesu eingeprägt das Tuch. Deshalb wird die Heilige ikonographisch dargestellt, während sie dieses Tuch überreicht, in Erinnerung an das Wunder, das sie nach ihrer barmherzigen Geste empfing, wie auf diesem Gemälde, wo links im Hintergrund die drei Kreuze von Golgatha erscheinen, denen sich Veronika zum Gedenken zuwendet dass er Zeuge des Todes Jesu war. Die Leinwand wurde vermutlich Ende des 19. Jahrhunderts – Anfang des 20. Jahrhunderts restauriert und unterfüttert. Sie weist weitere kleine Farbtropfen und Flecken auf. Es wird in einem antiken vergoldeten Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. In der Mitte der Szene kniet ein König in zerknirschter Haltung vor einem älteren Mann, der sich ihm mit einer Haltung wohlwollender Begrüßung entgegenbeugt; Rundherum nehmen die Soldaten des Gefolges und andere Würdenträger mit Mitgefühl und Unterwürfigkeit teil. Es könnte sich um die biblische Episode der Reue König Davids vor dem Propheten Nathan handeln, der ihm die Augen für seine Sünde der Konkubinat mit Bathseba und die Ermordung ihres Mannes Uriah öffnete und ihm dann die Vergebung des Herrn zusicherte. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert, der aus antiken Elementen besteht und in dem mehrere Teile fehlen.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt einen Kampf zwischen einer Armee von Mauren und weißen Soldaten, die eine Festung verteidigen, aus der Kanonen schießen, während im Hintergrund auf der Spitze eines Vorgebirges eine weiße Stadt entsteht. In der Nähe des Meeres angesiedelt, während mehrere Eindringlingsschiffe in Richtung Küste unterwegs sind, konzentriert sich die Szene auf die Gefangennahme des maurischen Königs, in der Mitte auf seinem weißen Pferd, mit einem bestürzten Gesichtsausdruck, weil er von gegnerischen Soldaten umgeben ist, die es versuchen um ihn abzusetzen, während seine Männer versuchen, ihn zu verteidigen. Die Atmosphäre der Szene wird vom Staub und Rauch der Kanonen dominiert, der alle Charaktere mit einem erdigen Schleier bedeckt, auch dort, wo die Farben der Kleidung leuchtender wären. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule vom Ende des 17. Jahrhunderts. Szene einer Schlacht auf einer Ebene zwischen den Kavallerien zweier nordischer Armeen. In der Mitte stehen sich zwei Ritter mit Klingenwaffen gegenüber, während um sie herum schießende, trompetenblasende, von ihren Pferden Gefallene um Hilfe bitten; Staub und Wolken verwischen die Konturen der umgebenden Landschaft. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das große Gemälde erzählt die berühmte mythologische Episode des Urteils des Paris, das Ereignis, das den Trojanischen Krieg auslöste. Paris, ein trojanischer Prinz, wurde gerufen, um den Streit zwischen den drei Göttinnen Hera, Athene und Aphrodite beizulegen, wer die Auszeichnung mit dem goldenen Apfel „an die Schönste“ verdiente, den die Göttin Discordia auf den Tisch warf die Götter. Jede der drei Göttinnen versprach Paris eine Belohnung als Gegenleistung für den Apfel, und er entschied sich für Aphrodite, die ihm die schönste Frau der Welt versprochen hatte, Helena, die Frau von Menelaos, dem König von Sparta. In der großen Szene sitzt Paris in der Mitte zwischen den Beinen der Göttin Aphrodite, der er mit erhobenem Arm den Apfel hinhält; Aphrodite hält den Apfel mit einer Hand, während sie sich nach oben dreht, um dem über ihr schwebenden Gott Amor zu signalisieren, seine Aufgabe auszuführen. Auf der linken Seite stehen die beiden anderen Göttinnen empört und mit gerunzelter Stirn im Rücken, während über dem Gott Merkur den Sieg der Aphrodite beschließt, indem er sie mit seinem Stab, dem Caduceus-Symbol der erzielten Vereinbarung, anzeigt, und der Gott Amor auf Aphrodites Hinweis hin das Feuer bereitet Pfeil, mit dem er Helen dazu bringen wird, sich in Paris zu verlieben. Abgerundet wird die Szene durch einen Putto, der von oben Wasser aus einer Vase gießt, vielleicht eine Art Taufe oder freiwillige Weihe. Die imposanten und stark fleischlichen Figuren füllen die Szene in einem Gewirr von Körpern, die mit der Variation der Farben des Fleisches – die der Gottheiten verblassen, die des Hirtenprinzen (der tatsächlich der einzige Sterbliche ist!) heller, aber alles in einem einzigen Farbbereich gespielt, wodurch chromatische Homogenität entsteht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Niederländische Schule aus dem 17. Jahrhundert. Der junge Adlige blickt sehr ernst aus einem ovalen, bemalten Rahmen, auf den er seine Hand legt, um den Hausring zur Schau zu stellen. Das Gemälde, das bereits unterfüttert und auf einen neuen Keilrahmen aufgetragen wurde, bedarf aufgrund von Farbverlusten im bemalten Teil einer weiteren Restaurierung. Präsentiert in einem stilvollen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Niederländische Schule aus dem 17. Jahrhundert. Der junge Adlige blickt sehr ernst aus einem ovalen, bemalten Rahmen, auf den er seine Hand legt, um den Hausring zur Schau zu stellen. Das Gemälde, das bereits unterfüttert und auf einen neuen Keilrahmen aufgetragen wurde, bedarf aufgrund von Farbverlusten im bemalten Teil einer weiteren Restaurierung. Präsentiert in einem stilvollen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18. Jahrhunderts. Die große nordische Landschaft mit grünen Berghängen, in deren Mitte ein Fluss fließt, wird im Vordergrund von mehreren Figuren bewohnt: Eine Gruppe von Menschen lauscht einem in der Mitte stehenden jungen Mann, der mit der Hand etwas ankündigt Der Arm streckte sich gen Himmel, die Sonne durchbrach die dunklen Wolken. Es erinnert an eine Predigt des Heiligen Johannes des Täufers, obwohl sich kein ikonografisches Element speziell auf diese Figur bezieht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde ist auf einen Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert montiert. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das große Gemälde stellt den Triumph des Gottes Bacchus, der Inkarnation des Vergnügens, dar, der betrunken auf dem Boden sitzt und zwischen seinen Beinen ein Gefäß hält, aus dem Wein fließt, während um ihn herum mehrere Mänaden tanzen und spielen und eine mit Juwelen geschmückte Frau zu sehen ist , vielleicht Ariadne aus königlicher Abstammung, wirft Blütenblätter auf seinen Kopf; Oben spielt ein Engel als Zeichen des Feierns eine Trompete, während unten links zwei kleine Satyrn schlafen und auf dem Boden kauern. Die Verflechtung der Körper und die eher homogene Farbpalette, die vom blassrosa Teint der Nymphen bis zum erdigen Rubinrot des Bacchus reicht und in den ebenfalls rötlichen Hintergrund übergeht, verleihen der Szene Einheitlichkeit, aber reichlich Bewegung. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Der weite Blick umrahmt eine schneebedeckte Berglandschaft mit einem weiten Tal unter spitzen Gipfeln, in dem sich ein kleiner See öffnet; Kleine Figuren von Reisenden gehen den Weg entlang, der links vom Dorf ausgeht. Das Weiß des Schnees erzeugt eine gedämpfte und leuchtende Atmosphäre im Kontrast zum dunklen Wolkenhimmel. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große Szene ist außerhalb einer Felsenfestung angesiedelt und stellt eine Garnison von Soldaten dar, die sich auf den Kampf vorbereitet: Im Vordergrund links, in der Nähe eines Baumes, beobachtet die Gruppe von Kommandanten zu Pferd die Arbeit und gibt Befehle, während die Truppen die Kanonen scharf machen die Terrassen, bereiten rudimentäre Speere vor und schärfen ihre Seitenwaffen. Die Farben sind klar und matt, mit Grautönen, die vom klaren Himmel mit Wolken bis zur felsigen Festung reichen, um sich im Boden zu verlieren und in ein sandiges Beige überzugehen; Nur einige der Uniformen der Offiziere stechen hervor und durchbrechen die chromatische Einheitlichkeit. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. Ein Teil einer großen architektonischen Struktur in Trümmern füllt die gesamte Szene aus: Ein von einer Balustrade überragter, mit Pflanzen bewachsener Portikus umgibt einen Innenhof, in dem sich verschiedene Volksfiguren bewegen und ihren Aktivitäten nachgehen. Ein strahlend blauer Himmel überragt die Struktur und Licht dringt durch einen der Bögen, um ein Spiel aus Licht und Schatten unter dem Portikus zu erzeugen. Auf der Rückseite des Rahmens befindet sich eine Zuschreibung an Gaetano Vetturali (1701-1783), obwohl die Qualität der Figuren hier denen des Künstlers aus Lucca überlegen zu sein scheint, der sich in seinem Gebiet wegen architektonischer Launen von großer szenografischer Wirkung niederließ. Das Gemälde wird in einem stilvollen Goldrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstandene Gemälde greift die Landschaftsarbeiten thematisch und bildnerisch auf: In einer vegetationsreichen Landschaft mit Gipfeln im Hintergrund bittet ein junger Bürger einige Reisende, die sich ausruhen, um Almosen am Straßenrand, in der Nähe eines Steinbogens. Die Leinwand ist gealtert und wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Flämische Schule des frühen 19. Jahrhunderts. Die in der ärmlichen und spartanischen Atmosphäre einer Taverne angesiedelte Szene zeigt zwei Kartenspieler, die ein Fass als Unterlage nutzen und dabei von zwei anderen beobachtet werden, während sie ihr Glas Wein und Rauch trinken. Der Wirt verlässt mit dem Rücken zur Rechten das Zimmer. Die Szene ist lebhaft und lustig, mit eher fiktiven Charakteren. Auf der ersten Leinwand wird das Gemälde in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des späten 18.-frühen 19. Jahrhunderts. In der weiten Landschaft, die den Blick über eine weite Ebene mit verschwommenen Hügeln am Horizont schweifen lässt, befindet sich rechts eine architektonische Steinruine, während links eine ebenso alte und heruntergekommene Brücke über den Fluss führt. Zahlreiche Figuren von Reisenden, zu Fuß oder zu Pferd, füllen die Szene. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule des späten 18. Jahrhunderts. Das große Gemälde zeigt eine ländliche Landschaft mit einem Bauernhaus auf der linken Seite und der Schäferin im Vordergrund auf der linken Seite, die ihrer Schafherde beim Tränken im nahegelegenen Bach zusieht. Die Atmosphäre mit gedämpften Farben und sanften Lichtern sowie rosa Wolken am Himmel erinnert an eine ruhige und friedliche Dämmerung. Auf der ersten Leinwand wird das Gemälde in einem zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert.

David spielt Harfe

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Szene stellt die biblische Episode aus dem ersten Buch Samuel dar, in der es heißt: „Als nun der böse Geist, den Gott zugelassen hatte, Saul angriff, nahm David die Harfe und begann zu spielen; Saul fühlte sich erleichtert, es ging ihm besser und der böse Geist.“ ging von ihm weg. Auf dem Gemälde erscheinen die Figuren kraftvoll und kraftvoll, sowohl König Saul als auch die Wachen, die ihn zurückhalten, dargestellt in einem Figurengewirr, das die gesamte linke Seite der Szene einnimmt; Auf der rechten Seite ist David zu sehen, der, obwohl er ein junger und einfacher Hirte ist, vor dem wütenden König ruhig bleibt und sein Instrument mit Würde und Festigkeit spielt. Im Hintergrund rechts, in einem Korridor des Palastes, beobachten die Priester und die Berater des Königs bestürzt das Abendessen. Am Rahmen des Gemäldes befindet sich eine Plakette, die Bernardo Strozzi zugeschrieben wird. Das Mitte des 20. Jahrhunderts restaurierte und unterfütterte Gemälde ist stilvoll in einen vergoldeten Rahmen gefasst.

Öl auf Leinwand. Die in der Szene dargestellte Frau lässt sich auf Portia zurückführen, die römische Adlige und Ehefrau von Brutus, die im 1. Jahrhundert v. Chr. lebte: Der Legende nach beging sie Selbstmord, indem sie eine brennende Kohle verschluckte, und in diesem schicksalhaften Moment befindet sie sich hier abgebildet. Das Gemälde steht den malerischen Methoden des gleichnamigen Gemäldes aus der Cignani-Schule sehr nahe, das seinem Schüler Marcantonio Franceschini zugeschrieben wird und im Palazzo Tozzoni in Imola aufbewahrt wird. Die Figur der Portia, die in einem Innenraum mit klassischen Elementen platziert ist, nimmt das gesamte Bildfeld ein und wird vor dem brennenden Kohlenbecken sitzend dargestellt, während sie gerade dabei ist, Kohle in den Mund zu stecken; Ihr Gesichtsausdruck verrät das Leiden der Geste, die sie macht, aber auch ihre Entschlossenheit, der Blick, der in die Ferne blickt, bringt sie bereits weit weg von dem Leben, das sie verlässt. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert. Es wird in einem antiken Rahmen aus dem 18. Jahrhundert präsentiert.

Landschaft mit Hirten und Herden

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. In einer herrlichen klassischen Landschaft mit grünen Hügeln, die einen Wasserlauf überblicken, im Vordergrund ein Bach, der in der Ferne zu einem breiten Fluss wird, sind die Figuren eines Hirten und einer Hirtin zu sehen, die ihre Herde zum Tränken bringen. Pastorale Szenen dieser Art prägten das Schaffen des niederländischen Künstlers Michiel Carree, der in den ersten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts Hofmaler des Königs von Preußen war. Das Gemälde auf der ersten Leinwand wird in einem zeitgenössischen vergoldeten Rahmen aus geschnitztem und vergoldetem Holz präsentiert.