PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 3

Leyendo la carta

Pintado con jugo de hierba sobre lienzo. La escena, ambientada en el siglo XVIII, representa a una dama adinerada sentada en su tocador, leyendo una carta, mientras su criada le ofrece joyas. Unos querubines se ciernen sobre ella, lo que le da un significado alegórico. El lienzo requiere limpieza. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

En nombre de la paz en la Tierra 1969

Óleo sobre lienzo. Firma, título y fecha en cirílico al dorso. Viktor Petrovich Rudametkin es un artista ucraniano que se ha consolidado como paisajista y colorista. En esta obra, con su característica paleta vibrante, representa a una madre campesina en medio de un campo de girasoles, símbolo de vida y paz, que contrasta con las imágenes de aviones militares surcando el cielo. Creada durante los años en que Ucrania formaba parte de la Unión Soviética, la imagen puede considerarse un llamado a la paz y un mensaje de esperanza para la tierra natal del artista, aún desgarrada por el grave conflicto con Rusia.

Óleo sobre lienzo. La vista de la costa, cerca de una ensenada rocosa por la que corren aguas torrenciales, muestra figuras en el desembarco de los barcos, listas para recibir a las embarcaciones que se acercan; a lo lejos, el perfil de la ciudad. Restaurado y retocado, el cuadro presenta manchas de suciedad generalizadas, especialmente en el cielo. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. El paisaje, ambientado a orillas de un ancho río, ve en el centro unas figuras de campesinos empeñados en recoger frutos de un árbol: una niña sostiene la escalera mientras el niño corta un racimo, a la izquierda otra pareja coloca los frutos recogidos en una tina Todo alrededor de una extensa campiña verde y algunas masías. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Paisaje de Invierno

Pasteles sobre papel aplicados a lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El gran paisaje está completamente dominado por el juego de colores: dividido en dos semicampos dados por el cielo y el suelo (un páramo montañoso donde brotan esporádicos abetos), ve prevalecer el azul rosado del cielo arriba, y el azul verdoso de la nieve en el suelo abajo, dos tonos de la misma gama cromática que luego se encuentran en la línea del horizonte de las montañas. Cinotti fue un paisajista y exponente del Divisionismo italiano, cuya pintura se caracteriza por una estratificación texturada y melosa con toques de color espatulado. En marco contemporáneo.

Marquetería realizada con diversas maderas. Representa la figura de un violonchelista con traje del siglo XVIII. Francesco Ferrario fue un ebanista consumado en los movimientos neoclásico y art nouveau. Tras formarse en dibujo en la Academia de Brera y colaborar con los mejores artistas de la época, abrió un taller en Milán, primero en Via Tenca y, en 1927, en Corso Sempione. Una etiqueta en el reverso de la obra la sitúa entre los talleres de este último lugar. La obra se presenta en un marco de época. Una versión de esta obra aparece en la monografía de Bianca Tosatti, "I Ferrario maestri di tarsia", publicada en 2000.

Óleo sobre lienzo. Copia de la pintura homónima de Giulio Cesare Ferrari (1818-1899), creada en 1863 y adquirida unos años después por la Pinacoteca dell'Accademia de Bolonia. La pintura representa una escena de la novela de Victor Hugo, "Notre Dame de París": Esmeralda, una joven gitana que cautiva con su belleza y sus bailes, es perseguida por el archidiácono Frollo debido a su obsesión y encerrada en la torre de la catedral parisina, donde recibe la ayuda, sin embargo, de Quasimodo, el campanero jorobado. En la escena, la joven se acurruca en la estrecha y oscura celda acompañada de su inseparable cabra. La obra pertenece al movimiento de pintura histórico-literaria que se desarrolló en el siglo XIX en paralelo al Romanticismo y el Realismo, y se caracteriza por la representación de escenas históricas y literarias, a menudo con una intención celebratoria y conmemorativa. La copia que aquí se propone, de buena factura y datable poco después del original, se presenta en un marco estilo mediados del siglo XX, contemporáneo a la restauración y reentelado de la obra.

Escena de género en la corte

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Antonio Zavaga fue un pintor italiano de los siglos XIX y XX, especializado en pintura de estilo XVIII, principalmente de ambientes galantes y de salón. La escena de esta obra también se desarrolla en un suntuoso salón de estilo XVIII: una dama y un caballero se sientan a la mesa jugando al ajedrez, mientras la dama de compañía sirve té y otro caballero observa divertido. La obra se presenta en un marco pintado de finales del siglo XIX y principios del XX.

Óleo sobre lienzo. La escena corresponde a un Vía Crucis, durante el cual Jesús cae bajo el peso de la pesada cruz que carga sobre sus hombros mientras asciende hacia el Gólgota. Cristo, encorvado, con la mirada abatida y triste, es acosado por guardias que lo aguijonean con lanzas, y uno de ellos tira de él con la cuerda atada a su cintura; un plebeyo observa con tristeza a Jesús mientras sostiene la pesada madera. La pintura presenta restos de restauración previa y ha sido reencuadernada. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de la primera mitad del siglo XIX. La pintura se basa en una obra gráfica de Johann Gottfried Haid (1704-1767), grabador alemán conocido por sus copias a mezzotinta de obras de grandes maestros. La obra original probablemente sea atribuible a Antonio Mercurio Amorosi (1660-1738), conocido por sus retratos de personajes populares en estilo "bambocciante". Nuestra pintura presenta pequeñas diferencias con respecto a la obra gráfica de referencia. Todavía en el primer lienzo, se presenta en un marco de mediados del siglo XX.

Adoración de los pastores

Óleo sobre lienzo. Composición replicada varias veces por seguidores y alumnos de la escuela de Bassano, en particular una obra de Jacopo Bassano (1515-1592). En la escena original, reproducida aquí con fidelidad a la composición de las figuras, pero no a los colores, Bassano abordó el tema respetando la tradición, por un lado, y por otro, introduciendo innovaciones. De hecho, estas sirven de escenario de ruinas arqueológicas, un elemento frecuente en la iconografía italiana de la Natividad. Aquí vemos una hilera de columnas rotas sobre un pedestal alto, siguiendo el modelo de los templos griegos, contra el cual se apoya una cabaña. Esta singular estructura arquitectónica simboliza la superación del paganismo y la construcción de la iglesia cristiana, cuyo primer acto fundacional es el nacimiento de Jesús. Los pastores ocupan el centro de la escena, y de no ser por el lado izquierdo del cuadro, podría parecer una escena de género con un carácter rural. El pastor, desde atrás, está arrodillado, mostrando sus pies descalzos, recordatorio de su extrema humildad, y sostiene un cordero, el animal sacrificial por excelencia, en referencia a la futura Pasión de Cristo. En el extremo derecho, un curioso inserto: un niño agachado sopla sobre una brasa ardiente, en un vano intento por reavivar la llama. En esta réplica, destacan los colores amarillo y rojo de las túnicas de los dos pastores del centro y del niño de la derecha, que predominan con vivacidad incluso en las figuras de la Sagrada Familia y emergen de los tonos ocres del paisaje y las estructuras arquitectónicas del fondo. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el siglo XIX, con la sustitución del marco (en él hay una escritura contemporánea en inglés, probablemente direcciones de exportación). Se presenta en un marco de época.

Escena con guardias en la ciudad, 1875

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. El pintor inglés George Goodwin Kilburne se especializó en escenas de género ambientadas en la vida de la alta burguesía victoriana, con escenas de caza y escenas de sala, todas caracterizadas por la elegancia y la meticulosidad de los detalles, especialmente en las figuras femeninas. En 1875, Kilburne permaneció unos meses en Roma y luego viajó a otras ciudades italianas y europeas. La escena representada aquí, de 1875, parece estar ambientada en Roma: en un puesto de guardia de la ciudad, como lo demuestra claramente la vista urbana que se aprecia desde la puerta abierta, algunos soldados con el uniforme de la guardia vaticana descansan. La obra se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Óleo sobre lienzo. El santo valenciano Vicente Ferrer (italianizado Ferreri, 1350-1419) fue un predicador apocalíptico perteneciente a la orden dominica, que trabajó con especial ahínco para resolver el Cisma de Occidente, siendo miembro del partido benedictino. Predicador de gran fama, dotado de un fuerte carisma personal, gozó de la atención tanto de las masas como de los poderosos; recorrió gran parte de Europa a pie y llevó un estilo de vida austero. Eminente erudito, escribió numerosos tratados y una colección de sermones que sirvieron de herramienta para la formación y la evangelización de generaciones de religiosos. Sin embargo, tras su muerte, su fama se extendió sobre todo por los prodigios y milagros realizados por su intercesión. Iconográficamente, Vicente Ferrer aparece representado vistiendo el hábito dominico, con el dedo índice apuntando al cielo y la llama del Espíritu Santo ardiendo sobre su cabeza. Con frecuencia sostiene una cruz o un lirio, presente en esta obra. La pintura ha sido restaurada y reencuadernada en el pasado.

Jesús en el camino al Calvario

Óleo sobre lienzo. La obra es una réplica de la realizada por Pierre Mignard y donada a Luis XIV, actualmente conservada en el Museo del Louvre de París. La dramática escena transcurre a las afueras de Jerusalén; una procesión acompaña a Jesús en su ascenso al Calvario, que se vislumbra al fondo a la derecha, con las cruces de los dos ladrones ya erigidas. En cambio, la cruz de Cristo la porta Simón de Cirene, obligado por los guardias tras la enésima caída de Jesús, a quien se le insta bruscamente con un látigo a levantarse. Delante de Cristo caminan los dos ladrones atados, acompañados de algunos sirvientes; a la izquierda, un grupo de mujeres piadosas acompaña y sostiene a María, desconsolada por el dolor. En contraste con este grupo, a la derecha, otro grupo de mujeres del pueblo observa con piadosa compasión, apartando la mirada de sus hijos del terrible espectáculo. El paisaje al fondo es árido y desolado, bajo un cielo gris y nuboso. La obra fue restaurada y reencuadernada a mediados del siglo XX, y montada en un nuevo marco. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglos XVII-XVIII. La conocida escena bíblica de la disputa entre los dos hermanos, hijos de Adán y Eva, que desemboca en el fratricidio de Abel a manos de Caín, se representa aquí en un paisaje italiano, rico en vegetación, con el complemento de dos fuegos particulares. De hecho, a los lados de las dos figuras, que ocupan el centro de la escena, hay dos piras de sacrificio con un fuego ardiente. Sin embargo, mientras que de la de Abel, a la izquierda, se eleva una gran humareda que es absorbida por las nubes, indicando que Dios ha aceptado este sacrificio, el fuego de Caín, en cambio, es bajo, casi aplastado por las brasas, y no se eleva humo, señal de que Dios lo rechaza. Incluso el color rojo de la túnica de Abel pretende enfatizar su valor sacrificial, su martirio. La pintura necesita limpieza. Enmarcada en época.

San Hilario 1945

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Título en el reverso del marco. El pintor Mario Guerzoni se distinguió como paisajista, ofreciendo vistas de diferentes partes de Italia, a menudo costeras. Sant'Ilario se encuentra en la Riviera di Levante, en el Golfo Paradiso, en las laderas de los Apeninos ligures. Enmarcado.

Óleo sobre lienzo. En un paisaje italiano, la escena se centra en un grupo de plebeyos que intentan escapar de la ciudad sitiada e incendiada, llevando sus mercancías en una carreta y guiando al pequeño rebaño. Sin embargo, un pequeño grupo de soldados enemigos los persigue e intenta detenerlos, armados. En el reverso del marco hay una inscripción a lápiz que atribuye la obra a Jan Both (1618-1652), pintor holandés conocido sobre todo por ser autor de paisajes italianos, a menudo animados por figuras. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el pasado. Actualmente requiere limpieza. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia, siglo XVII. En esta Sagrada Familia, la figura central es María: sentada en el centro de la escena, gira el rostro hacia la izquierda, hacia José, escuchando atenta y concentrada lo que su compañero le lee. Mientras tanto, la mujer cubre con cariño con un paño al niño Jesús, que duerme plácidamente en la cuna, a la derecha de su madre. El rostro del Niño también está iluminado e irradia su luz hacia su madre. Al fondo, un paisaje italiano. Las figuras se muestran armoniosas y equilibradas en los movimientos de sus cuerpos, y toda la escena emana una tranquilidad y una serenidad hogareña, muy terrenal. La pintura fue reentelada a principios del siglo XX. Se aprecian rastros de desgarros previos y ligeras pérdidas de color. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX (pérdida del dorado).

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. En el reverso se encuentra una cartela manuscrita, fechada en mayo de 1835, que identifica a varias familias prominentes del norte de Italia (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani), probablemente propietarias de la obra. La pintura representa un paisaje nórdico, una campiña bastante árida atravesada por un arroyo; un sendero, por el que pasan varios viajeros, conduce al pueblo al pie de la colina. La pintura se presenta en un marco de época, con varias partes faltantes.

Óleo sobre lienzo. Representa un paisaje rico en vegetación, con árboles de frondoso follaje y atravesado por un torrentoso curso de agua. Al fondo, se vislumbran casas de campo y rebaños en el campo. En el reverso, una antigua cartela con la indicación "Flamenco" y un precio en liras. Restaurado y reentelado, se presenta en un marco de época.

El Comber

Serigrafía texturizada sobre lienzo. Firmada en la parte inferior derecha. En el reverso, número de serie 21/99 y certificado de autenticidad de "Meeting Art Roma", aunque no es adecuado. Giuseppe Migneco, originario de Messina pero trasladado a Milán de joven, fue uno de los principales representantes, junto con Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari y Renato Guttuso, del grupo Corrente, abierto a la vanguardia artística europea. Defensor de una pintura socialmente comprometida, investiga la realidad con una mirada crítica, objetiva e histórica. Sus personajes, de rostros duros y cuadrados, marcados por el trabajo duro y representados en tonos brillantes y fuertes, evocan su Sicilia, con sus rasgos violentos y definidos, pero también el realismo social de los muralistas mexicanos. Esta obra presenta sus figuras características (¡que podrían pertenecer tanto a Sicilia como a México!) enfrascadas en una actividad muy prosaica y realista de la vida cotidiana: una madre peinando y limpiando el cabello de su hijo, ¡probablemente infestado de parásitos! La obra se presenta en un marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Cerca de un pequeño grupo de edificios, junto a un camino de tierra, se desarrolla una escena de vida popular, animada por diversas figuras: en primer plano, a la derecha, dos cazadores ofrecen su presa y algo de fruta a una mujer embarazada, que viaja a caballo acompañada de su compañero; al fondo, una pareja de mujeres descansa sentadas en el suelo con sus hijos, una de las dos amamantando; y de nuevo, grupos de personas conversan, mientras que otros suben a los almiares cubiertos bajo el granero. Las figuras destacan por los brillantes colores de sus ropas contra el fondo casi monocromático de tonos tierra, con los edificios mimetizándose con el paisaje llano y árido. La pintura, aún en el primer lienzo, muestra signos de un pequeño desgarro en el reverso. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. Bajo un cielo azul se representa un paisaje amplio y bastante árido, con el lindero de un bosque que se abre a un valle rocoso, con un río que fluye entre las rocas y cumbres nevadas al fondo; en primer plano, figuras dispersas de pastores con sus rebaños. En el marco de la parte posterior de la obra, una cartela hace referencia a Poussin, artista representativo del clasicismo del siglo XVII cuya manera pictórica inspiró al autor del cuadro. El cuadro, retocado, se presenta en un marco de estilo.