PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 7

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVIII. Escena viva y animada que representa una fiesta popular de pueblo: un grupo de hombres y mujeres delante de la posada del pueblo, reconocible por el letrero, bailan acompañados por músicos a la izquierda, mientras la gente alrededor observa, bebe, charla. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un elegante marco dorado.

Óleo sobre lienzo. En la bella composición se ve, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, entremezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. En el asa de la cesta descansa un jilguero; enmarcan la composición un gran ramo de flores multicolores en un jarrón a la derecha, y una cortina roja a la izquierda. Los colores vivos de la fruta, las flores y la cortina destacan, mientras que el mueble de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarillo, que sólo se distingue del fondo oscuro por el plumaje blanco de sus alas y el contorno rojo de sus ojos. La obra forma parte de la extensa producción emilianense del siglo XVII de este tipo de tema tan decorativo. La pintura, restaurada y retocada, presenta una marcada grieta y caídas de color en los bordes.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición presenta un gran ramo de flores multicolores en un jarrón repujado, junto a dos grandes calabazas y frutas variadas (uvas y melocotones). Con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces y sombras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

El Cuento de Apolo y Marsias

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. Este gran lienzo procede de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, que reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), conservada en el Ermitage. Con respecto al original, el grabado añadió el grupo de las Musas y modificó el fondo paisajístico introduciendo vistas de aldeas. La obra está dividida en cuatro escenas, que se leen de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y el sileno Marsias, que tocaba la flauta tan bien que se le consideraba superior al propio dios; los dos contendientes actúan, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso dada la vuelta (para aumentar la dificultad de la hazaña), ante el rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsias, para castigarle por haber ganado el concurso musical; en el suelo, a su lado, descansan su manto y su lira. En la tercera escena, el dios castiga al rey Midas por haber preferido a Marsias: Apolo le clava orejas de asno, mientras Minerva observa. Por último, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, presenta una figura peculiar, identificada como el fiel sirviente y barbero del rey: como Midas le había ordenado guardar en secreto sus orejas de asno, incapaz de desahogarse de otra manera, cavó un hoyo en la tierra y gritó en él su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un arbusto de juncos que susurró al viento «El rey Midas tiene orejas de asno», revelando así el temido secreto. El cuadro ha sido previamente restaurado y retocado, pero actualmente necesita más colorido. En el reverso figura a lápiz una antigua atribución a la escuela ferraresa («Ercole da Ferrara»). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. En un amplio paisaje de colinas, más bien árido, que se ensancha desvaneciéndose hacia la derecha, se encuentra una alta roca arqueada, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del santo, adecuada a la iconografía por sus ropajes y su actitud, se sitúa, sin embargo, en un paisaje poco apropiado, cercano a la realidad paisajística familiar del pintor. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco estilizado.

Óleo sobre lienzo. En un paisaje de tipo nórdico, con cadenas montañosas al fondo y colinas verdes, se sitúa en primer plano un pequeño rebaño de vacas, vigiladas por una pastora que, sentada descansando al borde de la carretera, señala el castillo que hay a su lado. , el probable destino de su viaje. El cuadro, repasado, presenta pequeñas pero generalizadas gotas de color y rayones. Se presenta en un entorno de principios del siglo XX.

Temple sobre lienzo. firmado Mimy y fechado abajo a la derecha. En la escena, ambientada en un elegante salón, un grupo de damas y caballeros se divierten musicalmente durante una recepción: mientras una mujer toca la espineta, una joven pareja baila. La obra se presenta en un marco de época, con una gran falta en la parte superior.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El sangriento episodio del sacrificio de Ifigenia, también narrado en la Ilíada, tiene su origen en la ira de Artemisa, la diosa de la caza, que, ofendida por la jactancia de cazador de Agamenón, impide que la flota griega zarpe hacia Troya. El adivino Calcis profetiza que la ira de la diosa sólo puede aplacarse sacrificando a Ifigenia, la hija menor del propio rey Agamenón. En el centro de la escena se representa a la joven postrada a los pies del altar del sacrificio, mientras es preparada por los sacerdotes según el ritual; en el ángulo izquierdo se vislumbra a su padre Agamenón (con la corona abandonada a sus pies) junto a su madre Clitemnestra que, desesperada, no se atreve a mirar. Arriba, la diosa Artemisa asiste a la escena, reconocible por la luna en su pelo, el arco que sostiene y un ciervo, su animal simbólico, al pie del dosel: según una versión menos violenta del mito, en el momento del sacrificio Ifigenia es sustituida por Artemisa por un ciervo, como podría indicar la presencia del animal en esta representación. La obra que aquí se presenta procede del cuadro de Pietro Testa, publicado entre 1640 y 1642 (actualmente en la Galería Spada de Roma) y de sus grabados: toda la composición de las figuras está tomada de él, aunque se han modificado los ropajes, los colores y diversos detalles. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX, coetáneo de la restauración.

Óleo sobre lienzo. El retrato de un caballero va acompañado de la inscripción "Paulus Castellanus Sanator" en la parte superior izquierda. La palabra Castellanus podría ser el apellido, muy extendido y que identifica al habitante de un castillo, no necesariamente al señor sino a un miembro de la familia. El término Sanator identifica al hombre como un sanador, el médico de familia. El cuadro se presenta en un marco antiguo.

El antiguo baptisterio de Gravedona

Lápiz y acuarela sobre papel. Firmado abajo a la izquierda. Del mismo tema pero con personajes, existe una versión sobre lienzo del artista milanés, conservada en el cívico Raccolta d'arte Museo dell'Ottocento de Villa Belgioioso Bonaparte, en Milán. Luigi Bisi se especializó en vistas interiores de iglesias de Lombardía, con predilección por la Catedral de Milán. La obra se presenta en un marco.

Cortejo en el Pozo 1873

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Haier fue un pintor y fotógrafo vienés, pero vivió durante mucho tiempo en la República Checa. Su producción pictórica incluye retratos y numerosas escenas de género, ambientadas como ésta en el entorno rural checo. Tenemos a un vendedor de tinajas, llevado a lomos de su burro, que mantiene una cariñosa conversación cerca de un pozo con una muchacha, que mientras tanto ofrece un manojo de hierba a la dócil bestia. La pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. El cuadro analiza una obra similar de Paolo Veronese (1528-1588), fechada hacia 1560-70 y actualmente conservada en el Museo del Prado, a partir de la cual nuestra pintura retoma la composición de las figuras, cambiando todo el fondo y la vestimenta. de los personajes. La obra de Veronese tuvo tanto éxito que fue replicada en su propio taller, con numerosas variaciones: nuestra obra probablemente deriva de una de estas copias, replicada en una época posterior. El episodio narrado está narrado en el libro bíblico del Éxodo y narra el descubrimiento del pequeño Moisés, abandonado por su madre en una cesta a orillas del río Nilo, para salvarlo de la masacre de los hijos de Israel perpetrada por el Faraón; La hija del faraón, que fue al río con su séquito, lo encuentra y lo salva, adoptándolo. Los personajes de la escena están representados con vestimentas del siglo XVIII, en particular el vestido de la princesa destaca por su riqueza y suntuosidad; el único elemento exótico es la presencia de un sirviente negro en la secuela, mientras que el fondo también remite a un paisaje del norte de Europa, con una espesa vegetación boscosa. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XI.

El camino rural 1905

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha, el pintor húngaro Antal Berkes creó paisajes en los primeros años de su carrera, pero luego se dedicó a vistas de ciudades y de Budapest, París y Viena. Este cuadro aún pertenece a la primera producción, proponiendo la vista de un camino rural, que pasa por un bosque donde se ubican algunos caseríos; Un carruaje tirado por caballos está estacionado en el camino de tierra. La pintura se presenta en un marco de época.

Paisaje con Figuras

Técnica mixta sobre cartón. Firmado abajo a la izquierda. Sello del estudio del artista en el reverso. El pintor de origen de Apulia Giuseppe Casciaro, pintor y profesor en el Instituto de Bellas Artes de Nápoles donde se formó, fue esencialmente un paisajista y produjo, en particular, vistas de los alrededores de Nápoles, de Irpinia (Nusco) y de Apulia. Prefería la técnica de la pintura al pastel en la que destacó. Aquí se vislumbra un paisaje mediterráneo, atravesado por un camino lleno de viajeros. Se presenta en un marco elegante.

Castillo de Tarasp 1960

Óleo sobre cartón. Firmado y fechado abajo a la derecha. El artista de origen romano Cesare Maggi se consagró como paisajista puntillista, retratando paisajes alpinos de la Engadina y del Valle de Aosta, a menudo animados por la inclusión de figuras y animales. Tras trabar amistad con el pintor Giacomo Grosso en Turín en 1901, se orientó con éxito hacia el género del retrato, dejando de lado la técnica puntillista. Si bien seguía prefiriendo las vistas de alta montaña, amplió sus temas al participar también en paisajes marinos y naturalezas muertas. Aquí está la vista cubierta de nieve del castillo de Tarasp, una fortaleza del siglo XI en la Baja Engadina de Suiza. Se trata de una obra tardía del artista, que, sin embargo, permaneció hasta el final ligado a su tema favorito, el paisaje alpino, a pesar de haber abandonado ya la técnica puntillista de su primera época. La obra se presenta en un marco de época.

El ángel de la muerte 1979

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. La producción artística de Angelo Peratici se caracteriza por un deseo de libertad expresiva que recurre a su ferviente imaginación para representar la realidad. A partir de este impulso innato de transfigurar la realidad, su arte se ha transformado en un laborioso proceso de investigación, fructífero en imágenes metafóricas y visionarias, a veces grotescas, excéntricas, que vemos creadas en particular en la producción de principios de los años 1980.

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Primer lienzo y montado sobre bastidor original. Ambientada en una prisión, la escena presenta a San Ambrosio obispo que dirige hacia el cielo al personaje de su derecha, un soldado con la Cruz al cuello, identificable como San Víctor, soldado romano originario de Mauritania, que sirvió en Milán en el época de Maximiano y que fue martirizado por su fe cristiana. Fue el obispo milanés quien relató la vida y el martirio del santo en uno de sus escritos y difundió su culto. A la izquierda, otro probable mártir de la fe, que presencia la proclamación de la bienaventuranza de su compañero de celda; A su alrededor, numerosas figuras más de condenados. La pintura octogonal probablemente pertenece a una serie dedicada al culto del Santo Obispo de Milán. El lienzo requiere restauración y limpieza, presentando varias manchas y cortes (un desgarro en el centro, otros menores en los laterales).

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena ve en el centro la figura de Cristo Resucitado que, sentado sobre las nubes, sostiene con una mano la Cruz y con la otra apunta hacia abajo, donde también dirige su mirada, hacia los destinatarios de la Redención; Está rodeado de ángeles y es iluminado por un rayo de luz intensa que se proyecta en diagonal desde arriba a la izquierda, rompiendo las nubes, simbolizando la presencia de Dios Padre. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Aguada sobre cartón. Acompañado de la autenticación de Finarte de 1982, que la define como "la escuela de Marco Ricci". El paisaje ofrece un amplio valle enclavado entre cumbres montañosas y habitado por un pueblo, con el río en primer plano, en cuya orilla conversan algunos personajes. Los colores son suaves y brillantes. La obra se presenta en un marco de época.

Sin Título

Óleo sobre linóleo, con aplicaciones de poliestireno recubiertas con papel de aluminio. Firmado al dorso. Acompañado de autenticación del Archivo Aldo Mondino. El ecléctico artista turinés Aldo Mondino ha articulado su investigación artística a través de continuas metamorfosis que han hecho polimórfica su producción: un intento incesante de encontrar una respuesta personal a las transformaciones que se estaban produciendo en los años setenta, intentando hacer convivir la historia del arte con las imágenes. de consumo masivo, fantasías personales, religión, clasicismo, misticismo, viajes a Oriente, amigos y kitsch. Su obstinada necesidad de experimentar con materiales - como café, dulces, azúcar, chocolate derretido de su amado Piamonte, malvaviscos importados de América, bronce, flores, Bic estrictamente azul, cerámica y alfombras de Heráclito - demuestra su capacidad para acercar el arte, la artesanía, la vida común, la naturaleza y la religión en el diálogo. Todo ello aderezado con el uso de la ironía, para desenmascarar los convencionalismos con gracia. En los años 80, Aldo Mondino emprendió un viaje entre Marruecos y Palestina que le dejó una verdadera huella, hasta el punto de generar la serie de obras de los derviches, sujetos danzantes pintados sobre linóleo, que practican la danza ritual característica de la tradición turca. realizando movimientos fluidos y circulares. La obra se presenta en un marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. María y el Niño Jesús, de rodillas, están representados ya en la gloria del cielo, con angelitos a su lado. Son peculiares el collar y las pulseras de coral que porta el Niño: en el simbolismo cristiano el color de este material representa la sangre que Jesús tendrá que derramar; además, desde la antigüedad, el coral también era considerado un talismán de protección contra el mal de ojo y las fuerzas del mal, y se adornaba con él a los niños pequeños para protegerlos del maligno. La pintura está sobre un primer lienzo y se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

Azulejos de cobre decorados con esmaltes. Se trata de una reproducción decimonónica de la Cruz esmaltada de Pascual I (817 -824), importante relicario en cobre repujado y dorado, que conserva en su interior minúsculos fragmentos de la Cruz de Cristo, y que pasó a formar parte del Tesoro depuesto por León. III (795 -816) en el oratorio llamado Sancta Sanctorum de Letrán. La Cruz está formada por cinco paneles, dispuestos en forma de cruz latina, en los que se representan siete episodios de la vida de Jesús con animadas figuras esmaltadas. En el panel superior se encuentran la Anunciación y la Visitación de María; en el panel del centro el Nacimiento de Jesús; a la izquierda la Huida a Egipto y a la derecha la Adoración de los Magos; finalmente, en el antebrazo, la Presentación de Jesús en el templo y el Bautismo de Jesús. Los paneles están compuestos sobre una base de madera y presentados en un marco de vitrina.